Disney, Mizoguchi y Tati :

La tríada de la innovación y la vanguardia.

"Mary Poppins" : una de las obras cumbres de Walt Disney.

 
A su modo, los tres cineastas que estudiamos esta semana, influyeron decididamente en el desarrollo del cine, al instaurar nuevas temáticas. estilos muy singulares y elementos estéticos sofisticados, que hicieron escuela en el lenguaje audiovisual. 
El director y productor norteamericano Walt Disney, no sólo fue un gran innovador en el terreno del cine animado, sino un notable ecologista, produciendo grandes documentales de la vida salvaje y un excelente pedagogo al instaurar por televisión, programas respecto a los avances de la ciencia y la tecnología y enseñar dichos aspectos de manera entretenida. 
El realizador japonés Kenji Mizoguchi, es considerado "el padre del cine japonés", no sólo por sus notables obras maestras, sino porque trasvasijó muchos de los temas que eran prohibidos, con la fortuna de una mirada humanista realmente sobrecogedora. Mientras que, el cineasta francés Jacques Tati, transmutó las claves del cine mudo a lo Chaplin y Keaton, para efectuar sendos tratados críticos y reflexivos respecto de la vida moderna y su metamorfosis en torno a la comodidad, la mecanización y el utilitarismo del consumo.
Nuevamente, estamos frente a tres formas de entender el cine y la vida. Grandes maestros que, merecen una revisitación, a propósito de sus obras remasterizadas en sendas colecciones publicadas en formato DVD y Blue Ray.


Walt Disney :
El Hombre detrás del Mito.

El maestro de la animación y su "hijo" cinematográfico.

Nadie  que ame el cine como arte, se desentiende de haber comenzado a ver películas acompañando a los padres en una de esas jornadas de matinés, viendo clásicos juveniles y películas de animación de Walt Disney ( 1901-1966).  
Es que el director y productor norteamericano, que industrializó el género de los "monos" animados, era el único grande de una industria que comenzó en pañales.  
En realidad, Disney fue un visionario que instuyó los drásticos cambios que aparecerían en el siglo XX, con el avance vertiginoso de la ciencia y la tecnología, la carrera espacial, la ecología y la destrucción del medio ambiente. 
Como si tuviera una bola de cristal para predecir el futuro, Disney logró entender que, la Tierra es nuestra única casa y que si no la preservamos seremos los destructores de nuestro propio destino.
Su vida era hasta hace poco un tanto misteriosa y se caracterizaba por un perfil medio secreto.  
Anticomunista, colaborar de organizaciones de seguridad durante la guerra, fue también miembro de la Iglesia congregacionalista, estimulado por la fé como una manera de orientar la espiritualidad de su vida. 
Se le atribuye haber participado en una logia masónica y aunque nunca fue distante a los designios del partido republicano, su trayectoria lo relacionó con moros y cristianos.  
La verdad es que Disney tuvo orígenes muy modestos y comenzó cuando niño vendiendo periódicos para subsistir. Con enormes sacrificios, desempeñó distintos oficios hasta lograr transformar su enorme talento para los negocios y el arte animado, en un baluarte poderoso de excepcionales características creativas. 
De hecho, la productora que lleva su apellido, se convirtió en la cantera más fértil de talentosos dibujantes que , trabajando para el sistema de estudios o independizándose, alcanzaron  un meritorio lugar en el desarrollo del género más popular del audiovisual. 

Firmando autógrafos en el estreno de "La dama y el vagabundo".

 
Walter Elías Disney nació en Chicago y fue el cuarto de cinco hijos de Elías y Flora Call Disney. El era agricultor y contratista de origen irlandés y canadiense. Ella, profesora de ascendencia alemana y americana. 
Estudió en la Escuela de Marcelline en Missouri y luego fue alumno de la Escuela de Benton en Kansas City.  
Cuando su familia se trasladó a Chicago, se interesó por la fotografía. Asistió a la Academia de Bellas Artes de la ciudad, dirigida por Carl Wertz. 
Inició por esos años su aprendizaje de la caricatura. Hizo su primer trabajo remunerado en 1917, y un año después, emprendió viaje como conductor de una ambulancia de la Cruz Roja, en su travesía por el Atlántico. 
Durante la Gran Guerra, fue camionero en Francia y Alemania, ya que no tenía la edad suficiente para cumplir su servicio activo en las trincheras. 
Al término del conflicto, con 18 años de edad, comenzó a trabajar en Kansas City como diseñador comercial  y realizador de diapositivas publicitarias para los cines. Además, fue caricaturista en los periódicos locales. 
Pronto se independizó cuando conoció al dibujante Ube Iwerks, un "entusiasta animador de gags e inventor de efectos especiales de extraordinario impacto". 
Ambos adquirieron una cámara de segunda mano para experimentar, y sacar adelante su primera serie animada, un puñado de películas cortas, denominadas "Laugh-O-Grams" ( "Risagramas" ). 


Primeros Pasos.
 

Walt Disney dirigiendo a la pequeña Virginia Davies en "Alice in Cartoonland".

En el set con la niña Virginia Davies.

"Arboles y Flores", corto animado en Technicolor que ganó el Oscar.

En Agosto de 1923, Walt Disney partió a Hollywood. Su hermano Roy vivía en Los Angeles y se convirtió en su socio comercial. Con sólo 40 dólares en los bolsillos, Disney logró concretar un sueño premonitorio, de que tenía algo bueno entre sus manos, y  alcanzó renombre con las series : "Alice in Cartoonland" , que ponía en escena a una niña de carne y hueso en el mundo de dibujos animados y "Oswald, el conejo".  
En 1925, contrajo matrimonio con Lillian Bounds, una de las ayudantes de su equipo, pasando a constituír una excepción en el agitado "show business" americano, ya que estuvieron  juntos toda la vida hasta su muerte.
Los estudiosos de su obra, subrayan que, a partir de aquí, es donde se aprecia en mayor medida la genialidad del artista. Su cualidad central fue la de inspirador y escenógrafo. Pronto se habría de convertir en el "midas" de una de las quince ramas de la animación : el dibujo animado. 
Cuando el mundo del cine se estremece con "The Jazz Singer" ( 1927), la primera película sonora, nació el tercer cortometraje en blanco y negro del "Ratón Mickey", que habría de consolidarse como uno de los personajes más característicos de su factoría.
El filme "Steamboat Willie" con el ratón manejando una barcaza desde un timón, habría de transformarse en logotipo, después que el roedor debutara públicamente en el corto "Crazy plane".
Robert Benayoun escribió : "Alter ego de Douglas Fairbanks, Mickey Mouse representó el oportunismo dinámico de la New Deal". 
Según la leyenda, el animalito le habría sido inspirado en un viaje en tren, que le llevaba a Hollywood desde Nueva York, donde acababa de perder los derechos de registro de su serie "Osvaldo, el Conejo", en manos de Charles Mintz.    
El mismo Disney recordó : "El personaje tenía que ser sencillo. Su cabeza era un círculo unido a otro círculo oblongo, a guisa de hocico. Su cuerpo era como una pera y tenía una cola larga; sus patas eran tubos de pipa y se las metimos en zapatos grandes, para darle el aspecto de un chiquillo que se prueba los zapatos de su papá".
En 1929, inicia la serie "Sinfonías Tontas" (  "Silly Symphonies" ), con la famosa "Danza Macabra", donde salen unos esqueletos de ultratumba, mientras tocan música con sus tibias sobre un xilofón compuesto por un tórax. 
A partir de "Arboles y Flores" ( 1932 ) , Disney integra el uso del "Technicolor".
Por esos mismos años, da vida a una serie de animalitos con características humanas ( antropomorfización ), creando una familia numerosa de creaturas inolvidables. 
En 1930, nace Pluto que debutó con el corto "La banda de la cadena"; en 1932 "Goofy" conocido por estos lugares como "Tribilín", que se roba la película "La Revista de Mickey" y en 1934 el Pato Donald, histérico y colérico que hace su estreno en sociedad en : "La Gallinita Sabia".


El genio innovador visita Chile.
 

La innovadora cámara multiplana que permitió a Disney acercarse a la tridimensionalidad.

 

Los "9 old men" de Disney : equipo de dibujantes que asumieron tareas de dirección y supervisión de las mayores obras del cine animado.

Disney rodeado de sus personajes dibujando a a Alicia.

 

En Chile tocando guitarra vestido de huaso criollo.

En su visita a Latinoamérica también visitó Argentina donde bailó con los gauchos.

 

Pato Donald y José Carioca en "Saludos Amigos".

 

De la citada película Goofy/ Tribilín de gaucho.

 

El avión-correo Pedrito que habita en Chile.

 
Durante este período, además, Disney se transforma en un innovador constante de las técnicas y trucajes de filmación animada.
En 1937, creó la cámara multiplana que se usó por primera vez en el corto "El Viejo Molino",  que ofrece la posibilidad de realizar movimientos más ágiles durante las tomas, creando la ilusión de relieve y de profundidad en la arquitectura y los paisajes, apoyada en los decisivos claroscuros esteticistas, con la sabiduría de crear la ilusión tridimensional.
Ese mismo año, debuta en el largometraje con la adaptación del cuento tradicional : "Blancanieves y los siete enanitos", a la que le seguirían después :  Pinocho" ( 1939) sobre el cuento de Collodi; la experimental "Fantasía" ( 1940);  "El Dragón Chiflado" ( 1941); "Dumbo" ( 1941) y "Bambi" ( 1942).
Con él trabajarían sus eternos colaboradores, bautizados como los "nine old men" ( "los nueve viejos" ), que intercambiaron sus talentos para supervisar y coordinar las distintas fases de la producción de largometrajes animados. 
Esta lista selecta de animadores está compuesta por : Ollie Johnson ( 1912-2008), Les Clark ( 1907-1979), Frank Thomas ( 1912-2004), Wolfgang Reitherman ( 1909-1985), John Lounsberry ( 1911-1976), Eric Larson ( 1905-1988), Ward Kimball (1914-2002), Milt Kahl (1909-1982) y Marc Davis ( 1913-2000). 
Cada uno de ellos,  ampliaron el campo para la experimentación de nuevas técnicas, desarrollando diseños más complejos y sofisticados, con relatos donde prima la orfandad y el abandono.
Durante la Segunda Guerra Mundial, Disney proveyó al cine americano de propaganda con la película : "La Victoria por el dominio aéreo" ( "Victory Throught Air Power", 1942) , que influyó incluso, en algunas decisiones tomadas por los aliados.
Un poco antes, el último día de septiembre de 1941, Walt Disney llegó al Aeropuerto "Los Cerrillos" en Santiago.  
Participó en múltiples recepciones; y "asistió a la exhibición del primer trabajo de animación hecho en Chile. Del proyecto sólo se había desarrollado una escena que protagonizaba el cóndor chileno sobre las nieves de Los Andes, elaborada por los jóvenes estudiantes Trupp y Escudero", según las crónicas de la época.  
Disney lo dijo explícitamente, ya que su intención era elaborar una serie de documentales sobre la realidad latinoamericana. 
En el Diario "El Mercurio", Arturo Aldunate apuntaba : 
"Walt Disney estuvo empeñado en producir una serie de filmes sobre los países latinoamericanos y para ello coleccionó directamente o por medio de sus ayudantes, toda clase de información, o dibujos, fotografías, música y documentos que le permitieron captar con justicia y honradez los ambientes típicos y las características de nuestros países".
Lamentablemente, la cooperación que Disney obtuvo fue escasa, lo que no impidió la elaboración de una cinta de largometraje que mezcla animación con acción en vivo, titulada : "Saludos Amigos" ( 1943 ). 
Después, retomó el tema latinaomericano en la divertida "Los Tres Caballeros" ( 1945 ).
En "Saludos Amigos" , Chile aparece representado por un avión- correo llamado Pedrito ( en alusión al presidente de la época ), hecho que no gustó mucho a René Ríos ( Pepo ), caricaturista chileno que incentivado por esta "limitación", se le ocurrió crear al conocido personaje criollo : "Condorito". 


Ultima etapa.

Luciendo algunos de sus 26 Oscar, obtenidos durante su fructífera trayectoria.

 

Trabajando en la colorización de "Bambi".

 

Ward Kimball uno de los "9 old men" pasándose a caricatura an imada.

 

Con el pintor español Salvador Dalí efectúo el corto "Destino".

 

Frente a sus dibujos observando a "Pinocho".

 

Con Charles Chaplin.

 

Entrada original a Disneylandia en los años cincuenta del siglo pasado.

 

Recorriendo el parque de atracciones.

 

En el set televisivo de "Mickey Mouse Club".

 

Mosaico con las producciones más destacadas de los últimos años.

 

Actualmente, con su estatua dominando la entrada de los estudios Disney.

Más adelante, reincidiría en las adaptaciones de cuentos infantiles con : "La Cenicienta" ( 1950), "Alicia en el país de las maravillas" ( 1951), "Peter Pan" ( 1953 ) y "La Bella Durmiente", con extraordinarios resultados artísticos.
Entremedio, dedicó una obra especial a sus amados animalitos en : "La dama y el vagabundo" ( 1955), que es también una sensible historia de amor donde experimentó con las bondades de la pantalla en Cinemascope. 
Su última etapa en el cine, está marcada por un estilo de dibujos más sueltos y menos detallados, que se afianzan en relatos llenos de suspenso, magia y naturalismo, como : "La Noche de las narices frías" ( 1960), "La Espada en la Piedra" ( 1963) y "El libro en la selva" ( 1966) , su obra póstuma.
En otro plano, habría que destacar la enorme importancia que Disney le dió a la vida salvaje a través de sus contundentes excursiones como documentalista, donde hay piezas categóricas como : "El valle de los castores" y "La pradera viviente". 
También produjo largometrajes con actores de carne y hueso, sirviendo a los replanteamientos de la aventura y la fantasía con películas como : "La Isla del Tesoro" , "20.000 leguas de viaje submarino" y "Mary Poppins". 
A nivel práctico, Disney fue el primer director que introdujo el uso de las "story boards" para la estructuración de las películas.  
"Era un método muy útil para garantizar que los numerosos artistas que trabajaban en un determinado proyecto, compartían  una misma visión".
También fue uno de los precursores de la animatrónica, al solventar sus parques recreativos con una infinidad de creaturas y representaciones de la vida humana en la Tierra, utilizando la robótica y  la ingeniería.

Del mismo modo, fue el primero en valorizar la irrupción de la televisión, para la que produjo programas dedicados a los niños y a la familia como : "El Club de Mickey Mouse" y "Disneylandia".
Durante su carrera ganó 26 premios Oscar : 4 fueron honoríficos, 12 por cortometrajes, 10 por producción, y el resto por sus valiosas obras animadas de largometraje.

Tampoco perdió el tiempo, en llevar a la realidad uno de sus sueños más ambiciosos : el parque DisneyWorld en Orlando,  Florida, que abrió sus puertas en 1955 con inusitado éxito y se ha mantenido  a la cabeza de estas ferias de atracciones en el mundo. 
El "Imperio Disney" es una de las empresas cinematográficas y de diversión, más rentables del mundo, con ganancias anuales que superan los 30 mil millones de dólares. 
   
Su estilo :

 

Julie Andrews debutó con gran éxito interpretando a "Mary Poppins".

Absolutamente dinámico, alegre, vigorizante, optimista, Disney humanizó toda una pléyade de animales como caballos, perros, gatos, elefantes, osos,  siguiendo los preceptos de la New Deal. 
En ellos no hace otra cosa que reflejar los sentimientos y las aspiraciones del hombre común. 
Edmund Orts resalta : "Con los cartoons disneyanos ocurría aquello que con los filmes cómicos animados por la presencia de Charles Chaplin. Mientras que, en los filmes dibujados por otros autores, desde el pionero Emile Cohl al mismísimo Ub Iwerks, desde Pat Sullivan a Max Fleischer, las criaturas de tinta china eran sometidas a gags espontáneos, a menudo de sabor análogo a aquellas situaciones tan arrolladoramente cómicas del two reels sennettiano, las acciones de Mickey Mouse y sus compañeros satirizaban , en el ámbito de unas dimensiones fantásticas, el mundo animal, siempre con transparentes alusiones al humano".
Por otro lado, las películas animadas de su autoría, tienden a endulzar los cuentos con la sutileza de relatos clásicos alusivos al constante enfrentamiento entre la luz y las tinieblas. Sus personajes son generalmente animalitos o doncellas huérfanas de padre o madre, solícitas de cariño y seguridad. Tiernas y cándidas, versan su diafanidad en su contraparte, las detestables brujas y malvadas arpías que odian todo lo que los héroes o heroínas representan frente al mundo. 
En el aspecto técnico jugó un papel preponderante la creación de la cámara multiplana, que permitió al equipo de Burbank, efectuar elegantes movimientos de cámara dentro de diseños sofisticados de arquitectura y permitiendo el "realismo" en tres dimensiones.
Por décadas fue un secreto, cómo Disney lograba desarrollar el movimiento de sus personajes animados en los cuentos clásicos de siempre, hasta que se publicó, que mediante la "rotoscopía"  aquello era exquisitamente efectivo. 
La rotoscopía es un procedimiento mediante el cual,  actores de carne y hueso interpretan una determinada acción, para después ser reconvertidos en dibujo, lo que permite el detalle minucioso en el movimiento.
También contribuyó la notable búsqueda de colorización, a propósito de los miles de efectos cromáticos que destacan sus obras. Una acuarela de tonos verdes podía contener en la factoría 500 verdes de distinta tonalidad, y sutilmente recorrer todo el abanico estético posible, con pinturas fabricadas en el interior de los mismos estudios Disney.
Notable avance supuso la incorporación del "cromakey" (  hoy día conocida como efecto de pantalla verde ), para largometrajes que mezclaban actores en vivo con animaciones.
"Mary Poppins" fue el cenit de sus experimentaciones registradas en "La Canción del Sur" y películas posteriores como "La bruja novata".
De algún modo, los estudios Disney fueron una cantera pródiga en nuevos procedimientos de filmación que no sólo se circunscribieron al mundo animado. Sus exploraciones por la vida salvaje y el desarrollo de FX en películas de aventuras como "20.000 leguas de viaje submarino ", vinieron a remarcar la importancia que adquirieron en la industria.


Tema Recurrente :

 

"Bambi" : uno de sus mayores logros de la primera etapa en el campo del largometraje.

"Alicia en el país de las maravillas".

 

"La bella durmiente".

"Dumbo".

 

"Peter Pan".

 

"La noche de las narices frías" / "101 Dálmatas".

"El libro de la selva".

 
La fauna antropomórfica y su relación con el mundo de los humanos. La posibilidad de representar el comportamiento de la sociedad mediante animales, significó para el mundo intelectual una nueva veta de creación, experimentación y vanguardia.
Con Disney se inaugura este aspecto que, condescendiente a una mirada irlandesa de la vida, presente en los cuentos tradicionales de la Isla, están inmersos en su adaptación de los relatos clásicos preferentemente venidos de la literatura europea.
Inventor de tipificaciones específicas como los siete enanitos, que representan los distintos estados anímicos del ser humano común, trabaja concientemente, sobre los perfiles tradicionalistas de la sociedad. Ese conservadurismo en la mirada de las familias, concebidas desde las raíces de una sociedad de preguerra, evolucionó con el tiempo, hacia una debatible mirada liberal, que amplió su radio de significancias estilísticas y nutrió de una nueva variedad de temáticas su cine más emblemático. 
Desde la cándida Blancanieves a la burlesca Alicia, hay una evolución marcada en la amplitud de logros estéticos abiertos a experimentaciones febriles ( como los sueños de "Dumbo" o la paisajística naturaleza a lo Doré mas vinculada a la Opera de "La bella durmiente" ), para contrarrestar la animosidad de quienes le critican como un barroquista formal. 
Sin duda, Disney probó en sus películas todos los estilos de la creación plástica. 
Existe incluso, un corto "Destino", diseñado por Salvador Dalí, con música del bolerista mexicano Armando Domínguez, donde rompe los esquemas de la animación tradicional para contarnos una emotiva historia de amor.
Punto cúlmine de estas experimentaciones están en su obra maestra "Fantasía", que resume todas sus temáticas más características, desde la antropomorfización de animales para piezas de ballet, hasta la estilización más hermosa para cuadros de puro vanguardismo, como la actuación de la banda sonora de la película para descubrir el valor de los instrumentos y sus sonidos; o los distintos relatos donde la naturaleza es la protagonista fundamental.
Al margen, Disney fue un notable innovador de la estética audiovisual, incorporando minuciosos conceptos sobre dibujos en relieve, objetos, paisajes, arquitectura, danza, música y sonido, que vinieron a vigorizar las funciones didácticas del cine.

Filmografía Fundamental:

 

Disney en sus tierras mágicas con los niños.

 
"Alice in Cartonland" / "Alice Comedies" ( 1924-1925); "Sinfonías Tontas" ( "Silly Symphonics", serie 1928-1949); "El Ratón Mickey" ( "Mickey Mouse", serie 1937-1950); "El Pato Donald" ( "Donald Duck", serie, 1937-1950); "Pluto" ( "Pluto", serie 1939-1950); Goofy/ Tribilín ( "Goofy", serie 1943-1947); "Arboles y Flores" ( 1932); "Los tres chanchitos" / "Los Tres cerditos" ( 1933); "La Tortuga y la liebre" ( 1935); "El Viejo Molino" ( 1937); "Ferdinando el Toro" ( 1939); "Blancanieves y los siete enanitos" ( "SnowWhite and the Seven Dwarfs", 1937); Pinocho" ( "Pinocchio", 1939); Fantasía" ( "Fantasía", 1940); "El Dragón Chiflado" ( "The reluctant dragon", 1941); "Dumbo" ( "Dumbo", 1941); "Bambi" ( "Bambi", 1942);  "La victoria por el dominio aéreo" ( "Victory Throught Air Power", 1943); "Los Tres Caballeros" ( "The Three  Caballeros", 1945); "La Canción del Sur" ( "Song of the South", 1946); "Diversión y Fantasía" ( "Fun and Fancy Tree", 1947); "La Cenicienta" ( "Cinderella", 1950); "Alicia en el país de las maravillas" ( "Alice in Wonderland", 1951); "Peter Pan" ( "Peter Pan" ( 1953); "El Desierto Viviente" ( "The living desert", 1953); "La dama y el vagabundo" ( "The Lady and the Tramp", 1955); "La bella durmiente" ( "Sleeping beauty", 1958); "La Noche de las narices frías" / "101 Dalmatas" ( "101 Dalmatians", 1960); "La espada en la piedra" / "El Mago Merlin" ( "The Sword in the Stone", 1963); "Mary Poppins" ( "Mary Poppins", 1964); "Winnie the Pooch" ( "Winnie the Pooch and the Honey Tree", 1965) y "El libro de la selva" ( "The Jungle "s Book", 1966).

Obras seleccionadas :
"Blancanieves y los siete enanitos" ( 1937).

La princesa en el bosque recibe la compañía de los animalitos.

 

La bruja malvada le incentiva a morder la manzana envenenada.

 

Con los enanitos la vida se hace más alegre y placentera.

 

El príncipe azul que la rescata del sueño eterno.

 

Bosquejo original de la bruja malvada.

Detalle estético del palacio y del trono de la reina malvada.

Bosquejo original de uno de los enanos, alérgico y bueno para estornudar.

 

Dibujo original en crayon de Blancanieves.

 

Riqueza cromática en la concepción de la reina y su trono.

 

Fondo en acuarela y agua fuerte para una escena cantada.

La fábula de los hermanos Grimm fue convertida en el primer largometraje de la productora Disney, que él trasladó sin ser muy fiel a la historia original, pero con toda la transcripción de su mundo fantástico que recuerda aún a las "Sinfonías Tontas".
En esta obra monumental trabajaron casi 800 expertos en arte, se escogieron 300 mil dibujos de un total cercano al millón de originales, y expertos químicos elaboraron los 1.500 tonos de color usados en la película. Hubo casos en que se aplicaron 26 tintes de pintura en un cuadro. Pero el éxito absoluto, según los expertos, estriba en la creación de los siete enanitos, que reflejan las distintas personalidades humanas con notable acierto, humor y sabiduría.
Ochenta músicos trabajaron en el audio. Sin desconocer el minucioso y artesanal equipo creativo que laboró en los diálogos que incluía la película : una vez que la frase era grabada, preparaban un diagrama que se presentaba en cuadros separados. La longitud silabática de cada palabra, los intervalos entre ellas, los sonidos de vocales y consonantes, los acentos, exhalaciones y aspiraciones eran minuciosamente considerados. 
Crónicas de la época señalan que, si el personaje decía "Hola" la palabra grabada ocupaba ocho cuadros y el animador debía producir igual número de dibujos en serie, en los cuales los labios del protagonista se movían gradualmente hasta formar la palabra. 
Parte de las escenas están basadas en los clásicos de la pintura, de los cuales se tomó la idea. Las imágenes del bosque están inspiradas en las ilustraciones de Gustav Doré que realizó del infierno de Dante. Disney tenía un equipo de expertos que investigaba todas las ramas del arte en busca de elementos que eran usados en la animación de las diferentes realizaciones.
"Blancanieves" supone el triunfo y la megalomanía de un genio. 
El sentido de perfeccionamiento , la capacidad de confiar en los expertos de las técnicas más avanzadas del cine, la invariable perspicacia para investigar nuevas rutas de dominio del arte animado, y su selecto equipo de colaboradores, completaron la magia de esta cinta que pasó merecidamente a las antologías de la historia del lenguaje audiovisual.
  
"Pinocho" ( 1940).

La marioneta que quiere ser un niño de verdad.

El hada le entrega un espíritu al muñeco de madera.

 

Concepto artístico de la película.

 

Nuevo concepto artístico para la secuencia de la transformación de un niño en asno.

Modelo de caracteres de "Pepe Grillo".

Modelo para "Juan el Honesto".

 

Concepto artístico con las calles aledañas a la casa de Gepetto.

 

Pinocho y Pepito Grillo.

El inmortal cuento de Collodi en la adaptación que los estudiosos consideran la mayor obra de Disney y su largometraje más perfecto.
No tan sólo se cuenta la historia de Gephetto y sus ansias de ser un padre querendón y simpático; sino la desafortunada aventura de Pinocho, la marioneta que cobra vida por la magia de una hada superior , y que se desvía en su camino a la escuela, estimulado por sus ambiciones de conocer el mundo exterior.
Disney convierte a "Pepito Grillo" en la "conciencia" del juguete, y estimula al espectador con una casa llena de inventos maravillosos transformados en pura magia celestina. 
Además, interpreta con desaforada alegría y optimismo "Give me a little whistle", aplicando todo su sentido pedagógico en esta canción , como si la propia conciencia pudiera ser trastocada al igual que ocurre en la vida cotidiana de los hombres.
La travesía de Pinocho tiene el sesgo de la enseñanza, desde que pasa al teatro de títeres del obeso gitano Stromboli, a la Isla de los Juegos, una especie de "DisneyWorld" que "representa la vanidad del mundo en todas sus formas , en la que se distingue por encima de todo, el placer y la agresividad. Mansiones lujosas y obras de arte para destruír , más todos los juegos mecánicos de los parques de diversiones infantiles , comidas suculentas, riñas y matonaje, tabaco y alcohol , juegos de azar, etc. Es la permisividad absoluta".
El filme logra cautivar de principio a fin. No tan sólo por el dibujo sustentable de sus personajes cada vez más estilizados, sino por la certera metáfora que hace, de un período dominado por la Segunda Guerra Mundial.
A las aplicaciones religiosas de su lirismo arrollador, se unen las magistrales transposiciones de dos momentos sublimes : el teatro de títeres que es un recorrido alambicado por las distintas culturas que tiene el mundo y su viaje al interior de la ballena, un triunfo si se considera lo que es "subliminar a través del dibujo", las variantes del oceáno y sus aguas infinitas. Notable.

 
"Fantasía" ( 1940).

Mickey como aprendiz de mago, alterando la tranquilidad aparente.

 

"La danza de las horas" satirizada con hipopótamos y cocodrilos en el ballet.

 

Detalle en el arte conceptual de la película.

 

Los fondos fueron profusamente trabajados.

 
Después de experimentar en sus cortos animados, Disney por su naturaleza innovadora, decide efectuar el primer largometraje vanguardista donde intenta visualizar la música a través de la animación. 
Confiando en las más recientes invenciones técnicas ( como el sonido estereofónico ), su obra se ganó injustamente el desprecio de los melómanos y la crítica a ultranza por sus resultados.
 Sin embargo, alcanza lo superior con el paso del tiempo. Una obra maravillosa, original, que incluye gran variedad de conceptos estilísticos, estéticos y semiológicos. 
El espectador se incorpora en este experimento cinematográfico con la sensible "Tocata y Fuga " de Bach, en una visualización abstracta de indudable significado y belleza.
"La consagración de la primavera" de Strawinsky y "El lago de los cisnes" de Tchaikowski le sirven a los artistas para dimensionar las ilimitadas posibilidades que nos da representar a la naturaleza. Mientras que, "El aprendiz de brujo" de Dukas interpretado por Mickey Mouse, que es la secuencia principal de la película, le permite adicionar una infinidad de ideas divertidas y aterradoras a grados superlativos. 
"La Sinfonía Pastoral" de Beethoven y "La danza de las horas" de la ópera de La Gioconda de Ponchielli, repercuten con desaforado lirismo y humor en las beatificadas opciones de búsqueda y experimentación que da la animación. 
Desde su concepción del Olimpo a la satírica pieza de ballet interpretada por elefantes, cocodrilos, ñandús e hipopótamos, nunca dejan de ser magistrales ensoñaciones que acentúan la belleza de la música.
"Una noche en la árida montaña" de Mussorgski contribuye en buena medida a las soporíferas pesadillas del terror,  y el "Ave María" de Schubert enraiza el sentido místico y teológico que tiene Disney en su traspolación estética, como si siempre estuviera compitiendo con él mismo, para encontrar la perfección del arte visual.
Una perfección que sólo fue valorada con el transcurrir de las décadas, y elevada a cinta de culto por los exégetas de la animación mundial. 


"La dama y el vagabundo" ( 1955).

La estilización en el dibujo de los caracteres caninos.

 

Es la primera película Disney en pantalla ancha.

 

Los personajes antagónicos también pueden ser rastreros y perversos.

 

La escena más reconocida de la película.

 

La dama atacada por los gatos siameses. Ojo con el detalle en el decorado.

Detalle de los escenarios exteriores.

Concepto estético creado para la película.

 

Nunca tan comprendida como cuando los propios niños la han hecho una de sus películas favoritas Disney. Y es que, esta historia romántica entre un sato y una perrita de pedigree, alcanza la total perfección al duplicar su encanto en los valores estéticos de la pantalla ancha.
En este sentido, el equipo de Disney se esmeró para trabajar con el "CinemaScope" con la sutileza de los grandes fotógrafos. Nunca antes hubo una constatación de la realidad, tan cercana a la colorida concepción que tenemos de los sueños felices. 
Además, hay una minuciosa y detallada interpretación de los caracteres humanos en perros y gatos; pero existe sobretodo, un aire encantador en la sutileza de la mirada del romance que es para siempre feliz e idealizado.
Contribuyen al éxito de su aire nostálgico, romántico y familiar, las canciones y el acertado dibujo de los caracteres diversos que atraviesan la historia.
Más allá de su extraordinaria capacidad de integrarnos en el relato, este filme revalorizado con los años, demuestra las ilimitadas condiciones del equipo Disney en transcribir con un realismo pasmoso y brillante, las vicisitudes de un perro vagabundo por defender a una perrita encantadora y elegante de un barrio opulento y alegre.  
Una obra encantadora que demuestra el cenit de una productora que probó  las múltiples disciplinas que podían servir a la magia del relato de los cuentos.  
  
Un comentario :

 
"Ayer el esperado estreno mundial de Fantasía de Disney en el Broadway Theatre hizo historia. Como casi todo el mundo que estuvo presente, creemos que el astuto y gruñón padre de Mickey Mouse, Blancanieves y tantos otros adorables personajes de dibujos animados, ofrece esta vez un producto que lanza por la borda las fórmulas convencionales y descubre hábilmente un sin fin de nuevas posibilidades para aquellos que tengan la suficiente inventiva. Podemos constatar que Fantasía es una gran película"

( "The New York Times" ).




Kenji Mizoguchi : 
Un hombre de dos mundos.

 

El cineasta japonés fue un magnífico estudioso de la sicología femenina.

Que conociéramos a Kenji Mizoguchi ( 1898-1956), demasiado tarde, no es problema de la distribución. Sencillamente, el mercado cinematográfico japonés fue muy cerrado, y sólo se vino abrir a Occidente con el éxito de "Rashomon" ( 1950) de Kurosawa, ganadora del León de Oro de la Mostra de Venecia y del Oscar a la Mejor Película Extranjera.
La verdad es que, Mizoguchi pertenece a ese grupo de fundadores del cine nipón, que integraron Teinosuke Kinugasa, Yasujiro Ozu y Mikio Naruse, que supusieron las bases creativas de un tipo de cine restrictivo, uninsular, hecho para el mercado interno.
Su historia tiene esta característica singular de atenerse a corrección, aunque con un marcado aire progresista, que lo llevó a transformarse en un autor completo.
Fue un testigo privilegiado de los cambios sociales que se experimentaron en el Japón, un "hombre de dos mundos", al vivir la paulatina transmutación de la era feudal al desarrollo industrial, entremedio de dos guerras mundiales. 
También fue un notable visionario de las tradiciones familiares , que poco a poco, integró los devaneos de una cultura en tránsito a aspectos más esenciales; un inspirado poeta que podía transmitir las consecuencias de esos cambios con marcada transparencia; un virtuoso de la narrativa visual al transformar en épica las vidas mínimas de seres marginales; pero sobretodo un hombre de gran sabiduría en el empleo de la técnica audiovisual. 
Para el téorico francés George Sadoul, "los seis últimos años fueron particularmente ricos en obras maestras, a la cabeza de las cuales debe situarse "Los músicos de Gion" ( "Gion bayashi", 1953), "La vida de O"Haru" ( "Saikaku ichidai onna", 1952) y, sobretodo, "Cuentos de la luna pálida de Agosto" ( "Ugetsu monogatari", 1953)".  En esta lista debieran situarse, además  : "Los amantes crucificados" ( "Chikamatsu monogatari", 1954 ) , "La emperatriz Yang Kwei Fei" ( "Yokihi", 1955) y "La calle de la vergüenza" ( "Akasen chitai", 1956 ), porque cada una de ellas, es la extensión de la otra respecto a sus temas más recurrentes : el sacrificio amoroso, la condición femenina en un mundo restrictivo, la discreción como actitud de supervivencia, la venganza como sínodo trágico.

Trayectoria.

 

El director cuidando los detalles del kimono de su estrella.

 

La infancia de Mizoguchi, fue pobre y marginal. Vivió en el campo y uno de sus momentos más tristes fue cuando le vendieron una de sus hermanas como "geisha", una circunstancia que marcaría para siempre su vida y sería tema recurrente en su obra. 
Cuando era muy joven, al morir su madre, abandona el hogar y acepta vivir con su hermana en la casa de un rico noble, situación que le permitirá estudiar Arte en el Instituto Aoibashi de Tokio.
Su debut en el cine, fue de forma casual, cuando se inscribió para protagonizar papeles femeninos en los estudios "Nikkatsu", en una época restrictiva donde no se permitía que las mujeres trabajasen en los estudios y los actores debían interpretar los roles femeninos. 
Después de probar fortuna como ayudante de realizador, debuta en la dirección en 1923 con "El día en que vuelve el amor" ( "Ai ni yomigaeru hi" ), un drama mudo. 
En los años veinte, rueda 43 películas mudas, en un proceso de aprendizaje donde conoció las técnicas del montaje, y el poder de seducción que tiene la narración audiovisual que priorizó en adaptaciones literarias internacionales de obras de Eugene O"Neill ( "El puerto de las nieblas") y Maurice LeBlanc ( "Las Aventuras de Arsenio Lupin" ).
Con la irrupción del sonido, disminuye sus actividad febril, pero estiliza su propuesta, incorporando el valioso trabajo del guionista Yoshikata Yoda, quien perfila caracteres cada vez más complejos de raíz femenina y adiciona la mirada crítica de la sociedad. 
Comprende su filmografía 94 películas desde 1923 a  1956, cuando fallece de leucemia.
Su evolución fue constante y pasó del melodrama de folletín al realismo más estilizado, orientando su mirada al análisis histórico, y a los cambios radicales desde la era Meiji a la modernidad, centralizando su operatividad en los distintas condicionantes que caracterizan el rol de la mujer en la vida cotidiana.
Evitó el compromiso con la ideología militar, produciendo películas sobre samurais y decantó su elaborado estilo, matizando sus historias con la decadencia de un período y la esperanzadora mirada del porvenir, sin dejar de lado su interés por el mundo femenino marginal.
El carácter exclusivamente nipón de su cine, contrario a los conceptos estilísticos de Occidente, han hecho dificultoso el visionado de su obra, aunque  " la fuerza de Mizoguchi acaba por imponerse como una experiencia estética impar". Ello no es óbice de catalogar las películas que recomendamos, como grandes obras maestras, la prueba fehaciente de un estilo único e irrepetible. Porque su cine atrapa con la conciente modalidad de describir circunstancias realistas en momentos determinados de la historia, con la suficiente novedad de transparentar las distintas fases del comportamiento humano. 
Nada hay más singular que, el cine de Mizoguchi, muy dinámico y obsesivamente fluído, donde la forma y el fondo son indisolubles, un equilibrio extraño que todavía seduce con fuerza y emoción.

Su estilo.

 

En sus obras, el paisaje cobra real importancia filmado en largos planos-secuencias.

Se basa fundamentalmente en el empleo de la técnica del plano-secuencia, tomado desde una cámara inmóvil a cierta distancia de los personajes. 
De esta manera, Mizoguchi prioriza la interacción que existe entre ellos. Sus relaciones, reacciones y contrariedades, en un mundo complejo donde la hipocresía y el cinismo da origen a arrebatadores relatos de sacrificios, pérdidas y reconversiones de índole espiritual y moral.
Tiende a filmar en largas panorámicas de carácter místico, contemplativo, adicionando el uso de travellings laterales o frontales, para acentuar atmósferas y ambientes de extraña belleza.
En su etapa de mayor madurez, incorporó el uso de grúas para lograr planos de gran movilidad y poesía. 
El ritmo de la narración suele ser pausado, sin cortes, evitando los "close up" y los efectos disociadores. 
Por lo general, en las escenas interiores divide la espacialidad del encuadre, con ciertas características del decorado, como puertas, ventanas, escaleras, rincones, tabiques, lámparas, cortinas, sobre los cuales incluye sus personajes en situaciones dicímiles. 
Dos mujeres pueden estar hablando en lados opuestos, y de una habitación a otra, a gran distancia, y el encuadre aparece repartido sutilmente entre ambas, con objetos específicos de la decoración.
Además, adiciona ruidos externos ( en "off" ), como : la muchedumbre que transita por la calle, el agua correntosa de un  río, la lluvia inclemente, los gritos destemplados de una violación, los cascos de caballos galopando, el fuego irascible etc., como un punto de arranque a una situación compleja, que generalmente termina en climaxs superiores.
En las películas de Mizoguchi la naturaleza , majestuosamente bella e inmutable, aparece muy destacada sobretodo cuando dimensiona sus planos cerca del agua, donde las personas interactúan y aparecen como encerradas y ocultas. 
Tiende a usar luces cenitales para iluminar los rostros de sus actores, cuando la situación en tránsito lo amerita. Ahora, baja la intensidad de la luz y juega con los clarosocuros, a veces con el objeto de atender exclusivamente a los diálogos, o dimensionar escenas etéreas, casi fantasmales, como extraídas de un sueño o una pesadilla. 

 

La fotografía extrae toda la poética de una fuga en "El Intendente Sansho".

 

En "Cuentos de luna pálida de Agosto", los objetos tiene simbólico significado.

 
Mediante el uso de los objetos, Mizoguchi sugiere simbólicamente la posición social de sus personajes o las ambiciones y frustraciones de sus creaturas cinematográficas.
En "La Calle de la Verguenza" por ejemplo, los regalos que cada una de las amigas entrega a una compañera que va a dejar la prostitución por una vida aparentemente digna, reflejan las ambiciones personales que tienen las geishas.
En "Cuentos de la luna pálida de Agosto", la adquisición de un kimono resulta preponderante del estallido de ambición que tiene el hombre con su mujer, cuando decide sobrexplotar sus dones en la alfarería, para obtener grandes cantidades de monedas de plata. Incluso, la sobreproducción de piezas de greda, es la prueba exacta de las ambiciones desmedidas de su creador.
En "Las hermanas de Gion", la insistente y ambiciosa búsqueda de un kimono de lujo llevará a una joven geisha a inmolar sus propios valores humanos, mintiendo y arriesgando la reputación de sus clientes. 

Temática Recurrente.
 

"La Calle de la Verguenza " :  la mujer en el centro gravitante de la historia.

Las obras de Mizoguchi "expresan las contradiccciones y las síntesis de una cultura en mutación, para culminar en una forma de poesía asentada en la sabiduría minuciosa y reflexiva de los medios técnicos".
El tema gravitante de sus películas son las mujeres, dibujadas como seres abnegados, valientes, luchadores, capaces de valerse por sí mismas, independientes, pese a las restricciones sociales, y absolutamente íntegras respecto a su situación social. 
En "La Calle de la Verguenza", una geisha exclama que la prostitución es maldita, como oficio y como una manera de ganarse el pan, aunque también incrimina al hombre y a sus propias bajezas, por la existencia del oficio. 
"Somos producto de los vicios y ansiedades del hombre que busca en nosotras, el placer mundano que no les da su mujer", insisten.
La esposa de un rico impresor de calendarios en "Los Amantes Crucificados", se rinde al amor oculto de uno de sus empleados y terminará crucificada junto con aquél, sin renunciar a su cariño. En el paso a la muerte, los amantes sonríen, mientras se dan la mano. 
En "Cuentos de luna pálida de Agosto", la ambición desmedida de dos campesinos llevará a sus esposas a la perdición y la muerte. 
Aunque en el caso de la chica violentada, su propia afrenta será purificada por su marido que regresará para rescatarla del suicidio. Y en el caso, de la madre, su espíritu descansará en paz, una vez que el hombre tome conciencia de su verdadero espacio en la vida.
En este sentido, Mizoguchi no juzga a sus personajes. Porque cada uno de ellos, asumirán sus faltas después de probar  los ácidos sabores de la codicia, la indiferencia, el egoísmo y la vanidad.
Al alero de las productoras Shin Toho y Daiei, Mizoguchi afina su temática incorporándole el lado fantástico ( como en "Cuentos de luna pálida de Agosto" ) , o el lado realista ( "La Calle de la Verguenza"), para expolear la situación de la mujer en una sociedad estructuralista, arcaica y machista.
Gran rol juega en sus enfoques feministas, la interpretación de figuras renombradas del cine japonés, que encarnan a la perfección los distintos caracteres en la vida de una mujer enfrentada a su destino. 
Cabe recordar a  actrices como : Kinuyo Tanaka ( 1910-1977), Machiko Kyo ( n.1924), Ayako Wakao ( n.1933), Michiko Kogure ( 1918-1990), Aiko Mimasu ( 1910-1982), Yoshiro Kuga ( n.1931), Kyoko Kagawa ( n.1931), Yoko Minamida ( 1933-2009), Isuzu Yamada ( 1917-2012) y Mirsuko Mito ( 1919-1981).  
Entre los actores que aparecen como hombres serviles, derrumbados por sus propias acciones desmedidas, o decididamente aplacados por sus ansias de poder están  : Masayuki Mori ( 1911-1973), Eitaro Shindo ( 1899-1977), Eitaro Ozawa ( 1909-1988), Narutosi Hayashi ( 1931-2008), Sol Yamamura ( 1910-2000), Kazuo Hasegawa ( 1908-1984), Masao Shimizu ( 1908-1975), Ichiro Shugai ( 1907-1973) y Toshiaki Konoe ( n.1910 ).

Filmografía Fundamental :

 

"El Intendente Sansho" : donde la belleza del paisaje natural arrebata el espíritu.

 
"El día en que vuelve el amor" ( "Ai ni yomigaeru hi", 1923 ); "Las Aventuras de Arsenio Lupin" ( 813: Rupimono", 1923); "El Puerto de las Nieblas" ( "Kiri no minato", 1923); "El puente de Nihon" ( "Nihonbashi", 1929 ); "La marcha de Tokio" ( "Tokyo koshin kyoku", 1929); "El hilo blanco de la catarata" ( "Taki no shiraito", 1933); "Oyuki, la virgen" ( "Maria no oyuki", 1935); " Las hermanas de Gion" ( "Gion no shimai", 1936); "Los cuarenta y siete samurai" ( "Genroka chushinhura", 1942); "La victoria de las mujeres" ( "Josei no shori",1946); "Utamaru y las cinco mujeres" ( "Utamaro a meguru gonin no onna", 1946); "El amor de la actriz Sumako" ( "Joyu sumako no kai", 1947); "Mujeres de la noche" ( "Yoru no onna tachi", 1948); "La Honorable señora Oyu" ( "Oyu sama", 1951); "La dama de Mushashino" ( "Mushashino fujin", 1951) ; "La vida de OHaru, mujer galante" ( "Saikaku ichidai onna", 1952); "Cuentos de luna pálida de Agosto" ( "Ugetsu monogatari", 1953); Los músicos de Gion" ( "Gion bayashi", 1953); "El Intendente Sansho" ( "Sansho dayu", 1954); Los amantes sacrificados" ( "Chikamatsu monogatari", 1954); "La Emperatriz Yang-Kwei Fei" ( "Yohiki", 1955); "La calle de la verguenza" ( "Akasen chitai", 1956).-


Obras Seleccionadas :
"Las hermanas de Gion" ( 1936).

 

La geisha que intenta doblegar el destino y sale trasquilada.

 

Mosaico con diferentes escenas del filme.

La historia de dos hermanas , O-Mocha ( Isuku Yamada ) rebelde y ambiciosa, y Umekichi ( Yoko Umemura ) tierna y solidaria,  que trabajan como geishas en las marginalidades de Tokyo, y que luchan  por tener un dueño que las cobije, le significó más de una represalia a Mizoguchi, por parte de las autoridades de la época, aunque sin embargo, efectúa una de sus  obras más logradas de inicios del sonoro.
La película es frente a todo, un retrato realista sobre personajes marginales, que cohabitan en ambientes distintos.
Por un lado, dos geishas : una tremendamente afable y sencilla y la otra ambiciosa y artera; y por otro,  dos comerciantes, uno en bancarrota y otro en ascenso, ambos en la encrucijada de proteger a las muchachas y continuar el lucrativo negocio de la prostitución a  costa de sacrificar su reputación profesional.
La película es fluída y certera, demasiado moderna en su concepción, y que muestra de modo superlativo el choque entre las dos hermanas.
Mizoguchi filma desde cierta distancia, acentuando los puntos de interés con encuadres llenos de perspectivas, iluminación cenital y frecuentes duplicados de una misma acción, pero desde posiciones de cámara distintos. Así, dos personajes pueden estar conversando frente al espectador, para mezclar después estas tomas, con encuadres tomados  desde atrás o por el lado, como intentando variar una misma situación sin agotar su potencialidad dramática. 
Los callejones estrechos de las casas, un puente sobre el río iluminado por la luna, los ventanales y las puertas de las pagodas, sirven como elipsis narrativas o elementos distintivos en los cambios de las acciones de la historia. 
En este aspecto, la película nunca agota, porque el genio del cineasta japonés intenta innovar, con la corrección del artista que equilibra su obra, en función de los recursos expresivos que le brinda el  lenguaje del cine.
 

"Cuentos de luna pálida de Agosto" ( 1953).

 

La hermosa aparición fantasmal.

 
Se ha señalado hasta el cansancio, la enorme influencia que ha tenido Mizoguchi en el cine en general, pero se ha escrito poco de su tremendo aporte al cine fantástico, y en particular, al cuento de fantasmas. 
Esta película lo es, y logra compenetrarnos con sugerente riqueza estética, en una maravillosa historia sobre abnegación, ambiciones desmedidas y sacrificios.
Está basada en una leyenda homónima de Akenari Ueda escrita en el siglo XVI, y gira alrededor de dos campesinos y sus mujeres, que dejan la tranquilidad de una vida rural mínima, por la ilusión de la gloria, la riqueza y el poder.
Se trata de una sofisticada experiencia visual, que subyuga al punto de sumergirnos con verdadero encanto, por la experiencia sobrenatural, que tiene uno de los  hombres al ceder ante la belleza de una aparición.
Genjuro ( Masayuke Mori) y Tobei (Sakae Ozawa ), vecinos en la tierra y en la ofebrería, ansían duplicar las ganancias obtenidas en la venta de piezas de alfarería, en momentos en que se vive una cruenta guerra.
Deciden sacrificarse en extremo, para elaborar de una sola vez, una cuantiosa cantidad de cacharros, con el riesgo de ser descubierto por las tropas belicosas que merodean por el lugar. 
El riesgo de trasladar las piezas por tierra, les obliga a subir el valioso cargamento a una barcaza  y cruzar de noche por el río. 
La mujer de Genjuro ( Knuyo Tanaka), deberá abandonar la peligrosa travesía nocturna por la seguridad de su hijo pequeño, Genichi ( Ichisaboro Sawamura). 
Mientras los demás, se disponen a vender el máximo de objetos en el pueblo vecino, distintas circunstancias trastocarán los fines iniciales de los ambiciosos maridos. 
Tobei embelesado con la idea de ser samurai, robará la cabeza de un guerrero para ascender sin tener una carrera, mientras su mujer Ohama ( Mitsuko Mito), terminará vendiendo su cuerpo, luego de ser violada por unos soldados. 
Genjuro desviará su ruta inicial, al ser sometido por el espíritu de una hermosa doncella, Lady Wakasa ( Machiko Kyo ), que intentará cazarle para convertirle en un ciervo a su servicio, aunque escapará ayudado por un monje budista.
De regreso a  casa, el campesino deberá retomar el camino que le ha dado el destino, aunque perderá a su mujer con la esperanza de guiar a su hijo a un futuro más seguro.

 

La esposa abnegada que sacrifica su presencia por amor a su marido.

 

El viaje entre la niebla río arriba.

 

La tentación maléfica.

La película está efectuada con una inteligente puesta en escena, pródiga en hallazgos visuales y sonoros : montañas, ríos , lagos, paseos frugales, iluminaciones interiores a la luz de las velas, música minimalista de campanillas y voces de ultratumba, le confieren un sesgo fantástico de incuestionable belleza. Además, Mizoguchi  planifica cada plano-secuencia con absoluta movilidad, utilizando también grúas en altura y complejos movimientos de cámara dentro del encuadre. 
Los actores están estupendos, sobretodo la inolvidable Machiko Kyo que en todas las escenas interiores se mueve descalza, con una ligereza física como si flotara en el aire. 
El fotógrafo Kazuo Miyagawa, consigue panorámicas de magnética concepción surrealista, incluyendo la escena en el río, cuando se topan con un bote donde viene un comerciante moribundo, que fue asaltado por piratas.   
Obra mayor del cine, es el título más célebre de su autor, y el más celebrado por la crítica especializada.

 


"Los Amantes crucificados" ( 1954).

 

La pareja maldita.

 

Mosaico con escenas preponderantes de la película.

 

La relación castigada con la muerte. Detalle de la iluminación.

Mohei ( Kazuo Hasegawa ), trabaja en una fábrica de calendarios y nadie conoce los gustos de los clientes como él. Otama ( Yoko Minamida ), es una chica demasiado servicial con el artista, le cuida cuando está resfriado y le atiende como si fuera su esposo. 
El dueño del negocio, Ishun ( Eitaro Shindo ) mantiene un orden estricto, y su mujer Osa ( Kyoko Kagawa ), infunde respeto y tolerancia entre sus subalternos, aunque sufre el engaño de su pareja con chicas de fácil vivir , arriesgando el prestigio social que han adquirido a través de los años de trabajo y sacrificios.
El conflicto de este drama, se gatilla cuando Otama involucra a Mohei en una situación comprometida con el dinero de la empresa. Acusado de ladrón frente a sus compañeros de trabajo, sólo la mujer de Ishun le defenderá, para descubrir que éste ha estado enamorado de ella en secreto. Osa decide salvar la vida de su amante y asumir que ella también  no puede vivir sin él.
El castigo por la infidelidad femenina es la muerte. De modo opuesto, en esa época al hombre no se le castigan sus escarceos prematrimoniales.
Esta diatriba es que la enciende el lado crítico de Mizoguchi, y es la que se transforma en el motivo central del relato.
"Como puedes acusar a los demás, teniendo una conducta tan impura", le señala Osa a su marido.
Traiciones y complots son vistos por el realizador, como la espiral de una injusticia. Es característico el dibujo determinante de sus personajes, los enrevesados conflictos que surgen entre ellos, las insinuaciones malévolas, el buen sentido del que se sacrifica por otros, y la sutileza femenina que entiende y enfrenta las contrariedades, aún a costa, de perder la vida.   





"La Calle de la Vergüenza" ( 1956).

El retrato femenino a la prostitución.

La película se abre con una panorámica de la ciudad que acompaña los créditos iniciales. Se escucha de fondo una música juguetona, irónica, para acercarse y detenerse frente aun cartel "La Aldes de los Sueños". Como gran parte de la obra de Mizoguchi, esta historia se desarrolla en un prostíbulo, un local de más de 300 años de historia, hasta donde arriban señores de la política, hombres de negocios, maridos en búsqueda de placer y seres solitarios que vagan sin un destino categórico.
El filme se constituyó en el punto final de la carrera de Mizoguchi, y cierra brillantemente una trayectoria artística influyente, valiosa y significativa, por cuanto abordó con valentía, los temas tabúes de su sociedad, en momentos en que producían los primeros cambios objetivos de un sistema arcaico y tradicionalista a uno aperturista y desarrollado.
La guerra vuelve a ser motivo fundamental de las fracturas y reinserciones culturales, pero su visión se centraliza en cuatro geishas de distintas ambiciones, que perviven en función de su trabajo como si se tratase de un cuadro arrebatador de sicologías dicímiles.
Yusumi ( Ayako Wakao ), es una de las veteranas del negocio, directa y afiatada a vivir la realidad de la prostitución no se inmuta cuando conciente : "Las chicas que tyrabajamos en este oficio, estamos amarradas al dinero".
Mickey ( Machiko Kyo ) es la número uno del lugar, desprejuiciada, egoísta y materialista, relativiza su situación con los ahorros que ha logrado efectuar en corto tiempo. 
Hanae ( Michiko Kogure ), se prostituye para darle alimentos a su bebé y mantener un marido que está enfermo. Ella es la más esperanzadora del cuarteto de amigas : "Las cosas se arreglarán y no desearemos estar muertas". 
Yumeko ( Aiko Mimasu ), es la geisha más vieja, viuda y con un hijo mayor que le desprecia, y que sueña con irse a vivir al campo con un hombre rico.  
La película de Mizoguchi es quizás su drama más político, ya que insistentemente se habla de la discusión en el Congreso de una ley, que regularía el negocio sexual, o definitivamente lo prohibirían.
El dueño del local aduce en su defensa : "Aquí el trabajo está asegurado y pueden ganarse la vida sin pensar en suicidarse. En cierto modo, nosotros cumplimos una función social con ustedes , ya que el Gobierno las tiene abandonadas".
En la práctica, la reflexión es directa cuando el propietario señala : "Ese rollo de los derechos humanos, es una patraña de funcionarios inútiles que tienen el cargo y el sueldo asegurados. ¿ Qué demonios saben ellos de nuestra vida ?  Hay que extremar la discreción, respecto a ese tema. La prohibición sería un problema".

La película es una notable descripción de la sicología femenina, pero también un retrato reflexivo de la prostitución como negocio y componenda  ideológica. 
Mizoguchi logra compenetrarnos con finura en el problema que expone y hacerlo comprensible, sin menoscabo de utilizar el perfil de sus actrices, para dinamitar cualquier mala intención respecto a los supuestos personales que tengamos de ese milenario negocio.
Una obra contundente, notable en su desarrollo y especialmente característica de las inquietudes personales de su autor.
Completan el elenco los actores Kenji Sugawara y Eitaro Shindo.   



Un comentario :
 

La mujer como recurrente interés en la filmografía del maestro.

 
"Dotado de una mirada de paisajista y de un alma de poeta, el cineasta desarrolló un rico estilo visual apoyado en su agudeza para captar sutiles detalles físicos y psicológicos. 
En sus obras, acentúa el diseño interno de sus imágenes, creando composiciones de gran belleza estética en un universo en que la atmósfera y los personajes adquieren equilibrio y coherencia. Además, una de sus grandes inquietudes temáticas es la psicología femenina y la exploración del rol de la mujer en una sociedad polarizada entre la tradición y el progreso".

( El crítico chileno Julio López Navarro ).


Jacques Tati :
La pantomima hecha Arte.

 

En la soledad del set.

 

Si hubo un auténtico innovador de la comedia que continúo la tradición de los genios de la época muda, éste fue, sin duda,  el realizador francés Jacques Tati ( 1908-1982). 
Por su estilo trabajado incansablemente y sin respiro, hasta crear un personaje inolvidable "Mr.Hulot", que en sí mismo no es un cómico, ( de ahí su trascendencia ), sino más bien un testigo y un catalizador, a través del cual surgen las situaciones divertidas de la vida cotidiana; Tati alcanzó alturas inconmensurables de maestría y originalidad.
Su línea ancestral incluye abuelos rusos, holandeses, italianos y franceses, lo que perpetúa su cosmopolita manera de ver el mundo.
Estudiante de la Escuela de Artes y Oficio, se dedicó con entusiasmo a practicar distintos deportes como el boxeo, el futbol y el tenis, hasta que le hipnotizó el teatro de variedades y music hall.
Su incursión en el cine como simple figurante, haciendo pequeños papeles , le sirvió para conocer las técnicas de dirección y acoplar muchos de los métodos del lenguaje.
En 1932 , dirige, produce , interpreta y escribe el guión de su primera película inacabada : "Oscar, campeón de tenis", un corto alusivo a sus facultades deportivas.

"Día de Fiesta" : el primer éxito de un genio.

 

"Las vacaciones de Monsieur Hulot" : perpetúandose en la comedia disparatada.

 

En "Mi Tío" sabe ser tierno y desgarbado.

 

"Playtime" : el orden de los factores sí altera el producto.

 

En "Traffic" rodando detrás de cámara.

 
Después de la Segunda Guerra Mundial, reemplaza a René Clement en la supervisión de "L"Ecole des facteurs" ( 1947 ), lo que le incentiva a realizar su primera película "Día de Fiesta" ( 1947).
Pese a la resistencia de los exhibidores, el filme consigue estrenarse y transformarse en su primer éxito de taquilla.
Su segundo largo : "Las Vacaciones de Monsieur Hulot" ( 1953 ) habría de perpetuarle como un notable artista, que desliza un singular sentido de los gags, a la manera de los clásicos mudos, sin intimidarse por el uso de los recursos expresivos del sonoro.    
Su personaje Mr.Hulot, con sus extravagancias y sus eternos choques con la realidad, gatillan las distintas situaciones realizadas en torno a una agradable jornada de vacaciones en la playa. 
Los distintos gags están elaborados con inusitado ritmo y encadenados a una historia central, no siempre muy lineal, que acaparan las risas y el entusiasmo.
El partido de tenis y la seguidilla de fuegos artificiales en una jornada explosiva, se cuentan entre los momentos más divertidos de la cinta.
En 1958 se estrena "Mi tío" , su segunda obra cumbre, que es una entretenida y muy intelectual compostela infantil, donde Mr Hulot genera todo tipo de desaciertos,  en medio de los avances de la serialización de las fábricas y la tecnología hogareña.   
Más tarde, efectúa "Playtime" ( 1967 ) , una elaboradísima cinta de 152 minutos, que en su concepción demasiado cerebral resulta agotadora, aunque invariablemente es el resultado  de una compleja metáfora sobre la moderna civilización humana con su urbanismo, funcionalismo, diseño y automatismo. 

Conciente de esta singular inquietud estrena : "Traffic" ( 1971) donde insiste en la avasalladora instigación del mundo material sobre la naturaleza; y culmina con una producción hecha para la televisión sueca en video :"Parade" ( 1974) , irregular obra con la que despide su notable trayectoria.


Reviviendo convertido en dibujo animado.
 

"El Ilusionista" : resucitando el estilo humorístico de Tati en la animación.

En el 2010, se estrenó mundialmente la cinta animada : "El Ilusionista" ( "L"Illusioniste" ) dirigida por Sylvain Chomet.  
La película está basada en un guión no publicado de Tati, en colaboración con Henri Marquet.
La historia se desarrolla en Escocia en la década de los años cincuenta, y cuenta la relación que establece Tati con una jovenzuela que lo cree un mago. 
Se trata de una relación paterno-filial, pues Tati escribió el relato pensando en rodarla con su hija, aunque el proyecto fue definitivamente desechado, cuando éste, se fracturó la mano izquierda, con la que debía hacer actos de magia. 
Cedido por los tutores del legado de la obra del artista, Jerome Deschamps y Macha Makeieff, fue convertida en película animada por Chomet logrando obtener varios premios internacionales, como el Oscar a la Mejor Animación.
La cinta fue exhibida en los Festivales de Berlín, Toronto, Edimburgo, Sao Paulo, Valdivia en Chile y Melboure.
"The New Yorker Observer" la catalogó de una "verdadera obra maestra de encanto visual".
En realidad, no sólo es una notable película animada, sino más bien, una sensible aproximación al mundo de Tati, a su estilo de comicidad y a su manifiesta capacidad de transformar lo cotidiano en algo inolvidable. 
 

Su estilo :

En "Las vacaciones de Monsieur Hulot" continuando la tradición humorística de Buster Keaton.

El investigador español Román Gubern, describe que : "la comicidad de Tati es elaborada e intelectual, y ha sido siempre lo más representativo de la producción francesa, desde los lejanos días del film d"art".  

"Renueva el género retornando, valga la paradoja, a las fuentes del viejo cine cómico, a la pureza del gag visual, que no renuncia sin embargo, a un rico arsenal humorístico que extrae del mundo de los ruidos".
Su mirada es crítica respecto al hombre sumergido en el marasmo de lo material.



Temática Recurrente :

"Playtime" : los gags superan la ansiedad.

 

Tati se basa en el simple hecho de que la comicidad pervive entre nosotros. De ahí que. Mr.Hulot su personaje característico, sólo sea un "prisma" a través del cual se reflejan todas las formas de humor que existen en la vida diaria.
La apacible existencia trastocada por el sostenible avance de la modernización tecnológica, el sistematismo en la industria y la mecanización cobran en las películas de Tati un espacio preponderante.
De ahí que su temática recurrente, sea el constante choque del hombre con la urbanidad civilizada desde su funcionalismo.
El filósofo español Julián Marías apunta : "La técnica de Tati consiste en comenzar la estilización en un primer nivel, el de los últimos ingredientes, digamos los átomos cinematográficos. Ningún punto, ningún detalle es real, sino que están deliberadamente desrealizado, descarnado, sustituído por un equivalente convencional, artístico, que tiene poco que ver con las cosas de este mundo.   
Todo en una película de Tati " es un juego, sin asomo de la realidad, puro artificio de ingenio".

Obra seleccionada :
"Mi Tío" ( 1958).
 

Paseando con su sobrino en la búsqueda de mejores aires.

 

La moderna casa, fría y aterradoramente superficial.

 

En contraposición, el asoleado edificio de departamentos donde habita Hulot.

 

Tocando lo extravagante, en medio del refrigerio.

 

Detalles del diseño de producción y los decorados de la película.

 

Con el pequeño actor Alain Bécourt en la presentación de la película en Cannes.

La amistad ternurista que saca al niño del encierro.

Lograda sátira acerca de los constantes choques entre la modernidad y lo antiguo, sobre el inagotable esfuerzo de una familia acomodada por llevar toda la modernidad posible a su hogar, es la película donde Mr.Hulot vence los escollos y situaciones con su acostumbrada parsimonia, elegancia y distancia de "gentlemen".
Le costó a Tati tres años de preparación " y supuso un paso adelante en su crítica, despiadada e irónica, casi futurista, sobretodo en el gag visual, sin desdeñar las posibilidades de funcionalidad de sus inteligentes bandas sonoras".
Nada de lo que ocurre dentro de la casa, supera la diafanidad y poesía de las calles con una musiquilla nostálgica, vital, que penetra en las abarrotadas escenas donde Hulot disfruta de las "cosas simples de la vida" con su sobrino ( Alain Bécourt ), escapando de la monotonía de una vida ultramoderna. 
Además, como nunca antes, Tati profundiza en la sicología de su personaje para elaborar algunos de los gags más celebrados de su carrera.
El filme mantiene inalterable su frescura y energía innovadora, al trasponer dos realidades indisolubles, donde con el correr de los años, tristemente podemos instuír, que esa vida moderna ya supera toda regla de la naturaleza.
El padre del niño ( Jean-Pierre Zola ) y la madre ( Adrienne Servantie ), representan todo lo nuevo que se impone por la fuerza de los cambios sociales y económicos.
Ellos a su modo, no son concientes que lo que el niño necesita, es salir del encierro a recrearse con sus amigos y su tío que realmente le quiere y aprecia. 
Mr. Hulot es el salvamento humanista que tiene el chiquillo, en medio de una casa que aparece como "con vida propia" y un "rostro" nunca tan agradable.
Con esta cinta ingeniosa y divertida, Tati logra el Oscar a la Mejor Película Extranjera y es sin duda, la más exitosa de toda su carrera.
En lo personal, intento exhibirla a los niños del colegio. Y funciona siempre a las mil maravillas. 

Un comentario :

Rodando en exteriores.

"Las vacaciones de Mr.Hulot" es una aventura sarcásticamente escapista, que era una celebración de lo francés y el tiempo libre. En su lentitud era divertido. 
Nadie juega tenis como Tati. Al mismo tiempo, hay cierta melancolía. 
Hulot es una figura incongruente que nunca encaja en su entorno. Con su famosa escena de los viajeros que corren en los andenes para tomar el tren, la película también hace una referencia implícita al tormento que va unido al ocio".

( El periodista londinense Geoffrey Macnab ). 


Fotos - Gentileza : The Walt Disney Company- Entertaiment Weekly - Vintagedisneymemorabilia-  "The Guardian" - Getty Images- "The New York Times" - Fundación Cultural Badesc - "Le Point" - "Tout le Cinema" - "MovieMail" - "Cinemanía" - The Criterion Collections - Asiateam - CurzonCinemas - Movie Gazette - FC Kyoto- Japan - TNT.- 

 

Afiche promocional de "Saludos Amigos" de Disney, donde aparecen relatos alusivos a Chile, Brasil y Argentina.

Cartel publicitario original de "Cuentos de luna pálida de Agosto" de Kenji Mizoguchi.

 

Cartel italiano de "Mi Tío" de Jacques Tati.