De Sica, Kon y Malle :

La Triada de la Nobleza.

"Paprika" : la obra maestra del animador japonés Satoshi Kon.

Si hay algo que identifica y caracteriza a los tres cineastas que estudiamos esta semana, es la nobleza con su profesión, entendida como una forma transparente de narrar, afiatada cada uno a sus propios cánones y estilos. 
Ello involucra que, al director, productor y actor italiano Vittorio De Sica, se le considere figura clave del movimiento neorrealista; al director y productor japonés Satoshi Kon, un gran innovador de los temas y la estética del cine animado nipón ( animé ), y al realizador francés Louis Malle, un brillante autor de la "nouvelle vague", que utilizó el cine como una forma de narrar hechos que le preocupaban desde la perspectiva del humanista sincero y desgarrado por los hechos de la guerra.
Los tres fueron verdaderos artífices de modelos narrativos singulares, con unas carreras destacadas, íconos de determinadas épocas, y a su manera, certeros observadores de los pro y contra de un mundo en constante evolución.
Cada uno, autores de obras relevantes que analizamos con detención, y como es nuestra costumbre, en cada ocasión acompañamos los análisis con las fotografías más representativas.
A la manera de "séptimo7sello" y en consonancia con el interés de nuestros seguidores por descubrir dichas películas en el formato DVD, Blue Ray y "on line". ¡¡Qué gran aventura !!


Vittorio De Sica :
El cineasta del diario vivir.

 

Como actor en "Casino de París".

El neorrealismo italiano es uno de los movimientos cinematográficos más influyentes, que surgieron con la Segunda Guerra Mundial. 
Vino a subvertir todas las modas y tendencias adquiridas por el cine a partir de los años cuarenta del siglo XX.
El realizador Martin Scorsese, lo asegura en su magnífica visión del cine italiano de posguerra "Viaje a Italia", cuando infiere que : 
_"Si alguna vez han dudado de la capacidad del cine de transformar el mundo para interaccionarse con la vida y fortalecer el espíritu, estudien atentamente el neorrealismo. ¿ Qué fue el neorrealismo ? Un género. Un estilo. Un conjunto de cánones. Por encima de todo, fue una reacción heroica ante el temible momento histórico que atravesaba Italia. Los neorrealistas tenían la necesidad de compartir con el mundo, todas las experiencias que su país había vivido. Necesitaban borrar las fronteras entre el documental y la ficción, y tratando de hacerlo, subvirtieron las reglas del cine. Por vez primera, la ficción cedió a la realidad". 
El guionista Cesare Zavattini, fue uno de sus precursores y teórico fundamental, al incentivar sacar las cámaras a la calle, trabajar con la gente común para reflejar sus vidas en las películas.
Uno de sus maestros, fue Vittorio De Sica ( los otros dos son Luchino Visconti y Roberto Rosellini ),"quien se destacó por un cine profundamente humanista".
Hijo de un empleado bancario y magistrado de origen salernitano y de una dueña de casa napolitana, su familia se trasladó a Roma donde fue a estudiar contabilidad, pero su atracción por el teatro pudo más, y terminó trabajando para distintas compañías como las de Tatiana Pavlova, Luigi Almirante, Sergio Tofano, etc,, y en la década de los años treinta, logró tener una Cía de Teatro propia.
Su paso al cine fue casi natural, aunque apareció como actor en 1918 en la película : "Il processo Clemenceau" con Francesca Bertini. 
Su popularidad fue significativa, logrando con : "Qué sinverguenzas son los hombres" ( "Gli uomini , che mascalzoni !", 1932 ) de Mario Camerini, la instauración de un ícono fílmico, que lo acompañó en distintas jornadas : el del galán cortés, elegante y simpático, particularmente irresistible de las mujeres hermosas.

 

Junto a Roberto Rosellini, en una conferencia de prensa en Roma, con motivo del estreno de "Il generale della Rovere", en Julio de 1958.

Su filmografía como actor considera 145 películas, principalmente comedias peninsulares y algunos dramas, del estilo : "Parlami d"amore Mariu", "Bajo aristocrático disfraz" , "Pan, amor y fantasía", "Madame de...", y "El General de la Rovere".
Como director, su aporte singular está en la consolidación del neorrealismo con películas profundamente sentimentales, como "I bambini ci guardano" ( 1943), "un drama familiar visto a través de los sensibles ojos de un niño, víctima inocente de las querellas de sus padres"; "La porta del cielo" ( 1944), acerca de la peregrinación de unos minusválidos al santuario de Loreta y "El limpiabotas"/"El lustrabotas" ( "Sciúsciá",1946 ), que retrata la marginalidad de los niños romanos abandonados a su suerte, con un sentido humanista y poético envidiables. 
Aunque ilustrativamente sus mayores obras, están en la trilogía de posguerra integrada por "Ladrón de bicicletas" ( "Ladri di biciclette", 1948), un escrutador manifiesto urbano sobre la cesantía laboral y la supervivencia; "Milagro en Milán" ( "Miracolo a Milano", 1950), una encantadora fábula sobre la pobreza y la marginalidad ; y "Umberto D" ( "Umberto D",1952), una entrañable y dramática constatación de los jubilados de posguerra, cuyos logros analizamos en detalle en el apartado "Obras seleccionadas".

En el estreno de "Ladrón de bicicletas" con sus actores Lamberto Maggionari y el niño Enzo Staiola.

Debido al éxito de estas cintas, realiza su primera película de habla inglesa : "Estación Terminal"/"Indiscreción de una esposa" ( "Staziones termini", 1953 ), un drama romántico que se desarrolla en una estación romana y que gira en torno a la separación de un profesor italiano y una chica norteamericana, bajo los auspicios del productor David O.Selznick y con la colaboración de los guionistas Cesare Zavattini y Truman Capote. 
El recordado crítico chileno Hvalimir Bálic escribió sobre ella : 
"Las imágenes de la película son de una prodigiosa belleza; el conflicto entre las horas que pasan y la pasión de los amantes que llega a su fin, está reflejado con una extrema economía expresiva ( todo el amor que vivieron se revela en un breve diálogo mientras toman café) y la actuación de Montgomery Clift y Jeniffer Jones es magistral. Es uno de los mejores filmes sobre el amor como una tragedia ineludible y como rito de despedida".  
Lamentablemente, la cinta fue mutilada por los productores norteamericanos y reducida a casi la mitad de su valor. 
Sin embargo, es tan fuerte su estilizada narrativa y estética, que sobrevivió con los años con notable salubridad.
Como efecto de todo ello, De Sica decreció su trabajo directivo, que se fue desarrollando con algunos visos propios del neorrealismo ( "El Techo"/ "Il Tetto", 1956 ), y de la comedia napolitana ( "El Oro de Nápoles"/"Il Oro di Napoli",1954 ).
Más tarde, adapta la novela de Alberto Moravia, "Dos Mujeres" ("La ciocciara", 1960), para mayor gloria de la exhuberante Sofía Loren, que encarna a una mujer violada por las tropas del ejército enemigo, acompañada de su joven hija. Un drama realista, en verdad, austero y muy conmovedor.

 

"Il bambini  ci gurdano" : el niño que llora la muerte del padre y no perdona la ausencia de la madre.

 

"El lustrabotas" : crítica social al abandono infantil.

 

"El Oro de Nápoles" : el primer episodio sobre el extravío de un valioso anillo que Sofía olvidó en la casa de su amante y que su marido pizzero buscará por cielo y tierra.

Sofía Loren en la dramática "Dos Mujeres".

 
El cineasta nunca dejó de interpretar cine y teatro, y del resto de su filmografía compuesta por 28 películas y tres segmentos integrados en filmes colectivos, también sobresalen : 

"El juicio Universal" ( "Il giudizio universale", 1961), una curiosa producción multiestelar que especula sobre el apocalipsis, con estrellas como : Anouk Aimeé, Vittorio Gassman, Alberto Sordi, Ernest Borgnine, Fernandel y Silvana Mangano. 

"Ayer, hoy y mañana" ( "Leri, oggi, domani",1963) ) , tres historias cortas sobre parejas desarrolladas en torno a las vicisitudes del amor. 
Una vendedora de cigarrillos, una mujer millonaria y una prostituta todo corazón, le bastan a De Sica para explorar con agudeza, en las diferencias de clase y la problemática de las relaciones conyugales. 
La película interpretada por Sofía Loren y Marcello Mastroianni, obtuvo el Oscar al Mejor Filme Extranjero.


"Matrimonio a la Italiana" ( "Matrimonio alla italiana", 1964), título emblemático de la comedia italiana, nuevamente estelarizado por : Sofía Loren y Marcello Mastroianni, que destaca por el extraordinario guión de Eduardo de Filippo y sus notables actuaciones. 

"Los Girasoles de Rusia" ( "I girasoli", 1969) , cuenta la historia desesperada de una mujer que busca incansablemente a su amante en la guerra, y que se queda en el conciente del espectador gracias a su música y sus estilizadas imágenes.

"El jardín de los Finzi-Contini" ( "Il giardino de los Finzi-Contini",1970), mal comprendida obra maestra, basada en la novela de Giorgio Bassani, que es un retrato de la aristocracia judía antes de la guerra, que culminarán siendo expatriados por sus orígenes, y que goza de una exquisita estética subliminada al gusto plástico romántico del propio De Sica. 

La exquisita actriz italiana ahora en: "Ayer, hoy y mañana".

Dominique Sanda y Fabio Testi en : "El jardín de los Finzi-Contini".

 
Su estilo :

 

Vittorio y Sofía en "Matrimonio a la Italiana".

Tiene una voluntad manifiesta a la realidad popular desde los humildes y la gente abnegada que se sacrifica por vivir. Esta interelación lo hace muy cercano a su público. Establece por tanto una empatía, que lo lleva a transformarse en uno de los directores más queridos de Italia. 
El Cine de Vittorio De Sica, es reflejo de la realidad. Generalmente sus historias callejeras, de personas comunes y corrientes están insertas en la búsqueda de la "verdad" cotidiana sobretoda las cosas. 
Sus películas ejercitan la rutina del día a día, dibujando seres anónimos que se transforman en íconos desde lo sentimental. Este rasgo de su estilo, es fundamentalmente intenso en su ciclo neorrealista, donde perviven la ansiedad de contar los distintos aspectos que obligan a las personas después de la guerra a superar las vallas del infortunio, con la certera posibilidad que Italia se puede reconstruír de nuevo, desde la espiritualidad de sus habitantes. 
Sus retratos de la vida urbana son, por tanto, conmovedores, sensibles, afectivos, como en "Ladrón de bicicletas", "modelo de minimalismo dramático para directores, guionistas y teóricos, como si se tratara de un espejo, reflejando el mundo de los sucesos cotidianos con actores no profesionales y con historias extraídas de vidas rutinarias e imperceptibles".
La vulgaridad se trastoca por la afectividad. La pobreza marginal se derrumba por la solidaridad o la piedad. El sentido de pertenencia supera la destrucción física de la posguerra. 
Las cámaras salen a la calle para retratar lo que acontece en sus alrededores. Sin artificios estéticos, ni argumentos teatrales.
En el cine de De Sica, interesan las personas que sufren, los desplazados, los que tiene hambre y sed. Dibujan sus arquetipos desde las distintas acciones de la rutina inútil y acumulativa. Reiteran que la clave de sobrevivir está en uno mismo, en la consolidación de los afectos, en los sentimientos más nobles del ser humano. Y a veces hasta en las fantasías más insólitas.


Temática Recurrente : 
 

En la calle, el equipo de De Sica rodando "Il bambino ci guardano".

Historias de índole sentimental que agudizan los aspectos más vulnerables de los efectos de la Guerra. La disociación entre los acomodados y los desplazados. La vulnerabilidad de los marginados frente a los cambios de sistema, la burocracia, la insignificancia de sobrevivir como un ser anónimo, la soledad, el infortunio, el agridulce néctar de la vida al límite.
El semanario "Esprit" apunta : 
__"El gran logro de De Sica , al que hasta ahora nadie se ha acercado siquiera, es desarrollar una dialéctica cinematográfica capaz de superar la contradicción entre una trama teatral y los acontecimientos tal y como son. Desde este punto de vista, su película emblemática "Ladrón de bicicletas" es uno de los primeros ejemplos de cine puro, sin actores, sin historia y sin puesta en escena. En el marco de la ilusión totalmente estética de la realidad, esto tiene una implicación directa : el cine como tal, ha dejado de existir".
En otro sentido, es importante en el cine de De Sica, los temas que remarcan la cultura napolitana, el aservo italiano, los defectos y las virtudes de las relaciones interculturales y el maldito placer de sentirse vivo en un mundo en constante evolución ( o involución ).
Palidecen en su cine, los adinerados y millonarios, los burócratas, los serviles y ególatras. En contraposición, florecen con inusitada belleza, los abnegados trabajadores de clase media,  los serviles funcionarios, los niños como víctimas de la marginalidad y el desinterés estatista, los incomprendidos o violentados por la vida, los tristes y desesperanzados.
La mujer tiene un rol determinante en sus fábulas, aunque su figura mantiene al tacto, su gran sensualidad, su aparente sesgo maternalista y su apabullante figura de sacrificios y limitaciones.


Filmografía Fundamental :

 

Con el alta voz : "Luz, cámara...Acción".

 
"Rosas escarlatas" ( "Rose scarlatte", 1940); "I bambini ci guardano" ( 1943); "La porta del cielo" ( 1944); "El lustrabotas" / "El limpiabotas" ( "Sciusciá", 1946); "Ladrón de bicicletas" ( "Ladri di biciclette", 1948); Milagro en Milán" ( "Miracolo a Milano", 1950); "Umberto D" ( "Umberto D", 1952); Estación Terminal" / "Indiscreción de una esposa" ( "Stazione Termini", 1953); "El Oro de Nápoles" ( "L"oro di Napoli", 1954); "El Techo" ( "Il Tetto", 1956);"Dos Mujeres" ( "La ciociara", 1960); "El juicio universal" ( "Il giudizio universale", 1961); "Matrimonio a la italiana" ( "Matrimonio all"italiana", 1964); "Amantes" ( "Amanti", 1968); "Los Girasoles de Rusia" ( "I girasoli", 1969); "El Jardín de los Finzi-Contini" ( "Il giardiano dei Finzi-Contini", 1970);"El Viaje" ( "Il viaggio", 1974).



Obras Seleccionadas :
"Ladrón de Bicicletas" ( 1948).

Padre e hijo en las vueltas que toma la vida.

Creyendo encontrar al ladrón, no está la imprescindible bicicleta.

 

Disfrutando de la pizza frente a un niño de gran situación.

 

Mosaico con las mejores escenas del clásico.

Qué no se ha escrito de esta obra emblemática del neorrealismo italiano. 
Ya no sólo hay tratados sobre su inmediata empatía con el espectador. Porque en realidad, ¿ Habrá cosa más ternurista que la odisea de un padre y su hijo pequeño por las calles de Roma en búsqueda de la bicicleta robada para ir a trabajar ?
De Sica y Zavattini convirtieron el elemental guión en un "tour a force", una primitiva "road-movie" ( de a pie ) que integra la mirada documentalista de la propia ciudad y su gente, el suspense con una encubierta elucubración hitchconiana en la secuencia final, y ese tremendo talento para convertir la rutina de una búsqueda incansable, en una película maestra.
Se trata de un relato de tal simplicidad, que su noción del lenguaje narrativo cede al impacto emotivo que provocan sus personajes.
Nada hay más superior que aquella cachetada injusta al hijo querible, la desesperación de no hallar salida a un objeto imprescindible para sobrevivir, y la redención con el gesto del niño que le toma la mano al padre, para perderse en el anonimato de la muchedumbre.
El mayor descubrimiento de De Sica estuvo en la elección de los actores. A Lamberto Maggiorani, un obrero de la construcción, el director le dió el rol central después que, éste se acercó a probar a su hijo para el papel del niño que requería la historia. Lianella Carell, una periodista, ganó el papel de la mujer del protagonista después que, ésta fue a entrevistar a De Sica para un semanario. 
Y el pequeño Enzo Staiola, fue descubierto mientras asistía al rodaje de una de las escenas.
Su cinta es eterna como las grandes novelas de la literatura. Su belleza no proviene de la estética del filme, sino de la espiritualidad emotiva que transmiten sus personajes.
Ganadora del Oscar a la Mejor Película Extranjera, es una obra que nos demuestra que hacer cine, tiene mucho que ver con tener una buena historia y un sólido "scrip", más que contar con grandes recursos de producción. 
Queda demostrado de esta manera que, el neorrealismo permitió que países como los nuestros, pudieran soñar con producir en pequeña escala, obras significativas que trascendieran las diferencias culturales y se perpetuarán en el conciente colectivo del espectador.




"Milagro en Milán" ( 1950).

La historia parte con el viejo cuento del niño abandonado en una plantación de coles.

El niño crece al cuidado de una madre adoptiva que fallece de avanzada edad.

 

Encuentra a su joven pareja y habitan en las márgenes de la ciudad.

 

Buscando el calor junto a sus amigos en los rayos del sol.

Con la paloma mágica que le regala el espíritu de su madre adoptiva.

La fuga de la  estatua viviente y los ángeles en su captura por la ciudad.

 

La huída en escobas voladoras.

Fábula maravillosa que se construye en torno a un grupo de marginales desplazados, condenados a vivir en las márgenes de la ciudad y que lucharán incansablemente, contra un obeso plutócrata que ha descubierto petróleo en el lugar donde habitan. 
Gracias al espíritu de Lolotta ( Emma Gramatica ), la "madre" adoptiva del protagonista, Totó ( Francesco Golisano ), que le entrega una paloma mágica al muchacho, con la que puede hacer realidad la ilusión de sus habitantes, esos atribulados personajes, lograrán transformar el lugar en una población ideal donde comulga la solidaridad, la amistad y el amor.
Se trata de una "farsa poética" que bebe de Chaplin, del cine de René Clair y de los surrealistas, aunque su tono amable y sincero, nunca deja descomponer el sentido lúdico que tiene este juego, donde los vagabundos terminarán escapando montados en escobas voladoras sobre la ciudad. 
Muy criticada en su época por el simbolismo político-social de su argumento, es una cinta que respira sensibilidad infantil a escala adulta, con la consiguiente ambigüedad de transmutar el espíritu del viejo cuento clásico en fábula inolvidable.
Sin duda, es una obra maestra llevada a la perfección por De Sica, por su cuadro infinito de gags, situaciones inverosímiles, personajes excéntricos y un relato muy original. 
Una cinta amena y divertida para disfrutar, por su perfecto equilibrio entre crítica social neorrealista y aventura fantástica. 
Ganadora de la Palma de Oro en el Festival de Cannes.

 
"Umberto D" ( 1952). 
 

El funcionario jubilado y su mascota.

 

La joven empleada que es amiga y confidente.

 

El paseo determinante.

De todo el ciclo neorrealista, que De Sica encabezó con notable sensibilidad, este filme parece ser el cenit de un período y la constatación más valedera de su estilo.
El relato se circunscribe a mostrarnos la vida de un jubilado, Umberto Domenico Ferrari ( Carlo Battisti ), que parece que no le ocurriera nada, dentro de la medianía chata de vivir al mínimo.
Simplemente, se trata de un vejete que a todos estorba. Su casera requiere su cuarto debido a sus acumuladas deudas. Cuando sale a buscar dinero, regresa con migajas. A nadie parece importarle su situación precaria y marginal. 
En el transcurso de la historia, se remarca su menguante barrida de este mundo, con la tentación del suicidio, sin emitir juicios, ni miramientos. Triste destino, para el pobre Umberto que sólo cuenta con la fiel compañía de su perro mascota y de una joven empleada que parece compadecerse de él.
De Sica filma la rutina del viejo con exquisita complicidad. En un momento la cámara parece despreciarle totalmente y se acomoda a la figura de la joven empleada, para acentuar el desinterés por un hombre que a la sociedad le importa un comino.
Al contrario de su "El lustrabotas" que servía como denuncia y reflexión de los niños abandonados, y de su "Ladrón de Bicicletas" llena de amorosa ternura; ésta cinta parece dura y cruel. Pero es una crueldad que suplica redención frente a una situación que se duplica por millones en la vida actual.
Nuestros ancianos y personas de la tercera edad, que cuando envejecen parecen desplazados a la absoluta indefención, al abandono injusto que se vanagloria en el exitismo de la eterna juventud de la sociedad de consumo. 
Se trata de una gran película con una temática de plena actualidad.


Un Comentario :  

Venciendo la soledad en compañía de un fiel amigo.

"Umberto D es un drama de la soledad en la vejez, protagonizada por un funcionario jubilado que malvive de la pensión estatal sin más compañía que la de su perro. 
En esta película culminan las teorías zavattinianas sobre la cotidianeidad del neorrealismo, que al postular una lucha contra lo excepcional para captar la vida en el acto mismo en el cual vivimos, en su mayor cotidianeidad, había querido llevar al cine los noventa minutos de la vida de un hombre durante los cuales no sucede nada". 
"Pocas veces la gris monotonía de lo cotidiano se ha convertido en algo tan apasionante como en esta morosa incursión de De Sica, con ojo de entomólogo, en la existencia vacía de Umberto Domenico Ferrari. 
Su técnica de tiempos muertos despojada del sentimentalismo de De Sica, será reactualizada más tarde por Antonioni".

( El crítico español Román Gubern ).  



Satoshi Kon :
La sicología en el animé.

Un genio en toda regla. El recuerdo de un maestro.

Maestro del animé japonés, Satoshi Kon ( 1963-2010), ha sido reconocido pincipalmente por hurgar en los estadios sicológicos, con una inusitada fuerza dramática, poética y deudora del mejor Hitchcock. 
Sus filmes se caracterizan por la complejidad sicológica, personajes realistas, complejísimos diseños de escenarios y la mezcla constante de la realidad con los sueños.
Irrepetible desde el punto de vista de la abstracción, podía subvertir los esquemas básicos del dibujo animado, para engrosar sus planteamientos temáticos con relatos adultos, de gran espesor intelectual, tremendamente efectivos en la consumación de los límites entre lo fantástico y lo realista. 
Se inició como dibujante de mangas para luego transformarse en asistente de Katsushiro Otomo, aprendiendo el oficio como guionista, director de arte y director.
A través del estudio "Madhouse", consiguió dirigir sus mayores obras, con un equipo que incluye la colaboración de : Rintaro ( seudónimo de Shigeyuki Hayashi, nacido en 1941), y Yoshiaki Kawajiri ( nacido en 1950).
Debutó en la dirección con la estupenda: "Perfect Blue" ( 1997), un "thriller" que escudriña en los límites de la conciencia; para proseguir después con "Millenium Actress" ( 2001), un viaje a la memoria de una reverenciada actriz, que se desarrolla en dos dimensiones y que incluyen distintas aventuras entre la Edad Media y un Futuro interespacial.
Más tarde efectúa, la sensible :  "Los Padrinos de Tokio" ( "Tokyo Godfathers", 2003), notable estudio de personajes marginales, levemente basado en "Three Godfathers" de John Ford; su obra maestra "Paprika" /"El Reino de los Sueños"( 2006), especie de "caja china" donde contrapone la realidad con la fantasía onírica; y la serie de televisión "Paranoia Agent" ( 2004).
Lamentablemente su carrera fue frustrada por un cáncer al páncreas, que lo alejó de la vida en el 2010.
Su personalidad para enfrentar la enfermedad, fue conciente a su propio rol como creador de mundos increíbles, pues no aceptó ningún tratamiento clínico.
En su triste despedida a sus miles de seguidores, les escribió :
__"Rechacé la medicación anticáncer y traté de vivir con una visión del mundo un poco diferente a la normal. El hecho de haber rechazado lo que era considerado normal, me pareció que era algo mucho más parecido a lo que yo soy en verdad. Nunca he pensado realmente que pertenezco a la mayoría. Sin embargo, quiero que lo entiendan, Satoshi Kon era ese tipo de persona , y por eso pudo hacer películas bastantes extrañas que eran diferentes".
Su legado al animé es realmente valioso, por cuanto abrió la veta de la fantasía a dimensiones sugerentes, originales y perdurables.

Su estilo :

"Paprika" : el juego del doble y el viaje obligado al mundo de los sueños.

Minucioso y detallista, retrata los límites de la realidad y la fantasía, con un apego sustancial a lo sicológico y a lo onírico.
Su cine presenta personajes de gran espesura intelectual que alcanzan su praxis en la elementalidad de lo cotidiano, en contraposición a las infinitas subjetividades que pueden obtener en el mundo vicario de los sueños.
Utiliza el "flash-backs", el montaje paralelo y los recursos expresivos del cine, para contraponer constantemente distintas dimensiones capaces de trascender historias aparentemente superficiales. Sólo a través de esta trascendencia, logran imponerse en el conciente colectivo.
Sus relatos condicionados a los sueños, las pesadillas, los complejos de orden sicológico, los traumas y frustraciones humanos, las diferencias sociales, la marginalidad, están contundemente expuestos en base a complejos entramados de orden surreal, no siempre limitados, aunque sí muy especificados como elementos dramáticos que gatillan los conflictos interiores de sus personajes.
Su cine trasciende el relativismo estilístico, propio de los narradores de cuentos fantásticos, con la certeza de estar frente a un genio de la creación, que no tiene cortapisas o recursos maníqueos que entrampen la seductora forma de contar historias adultas para un público con criterio formado.
Nunca pierde el interés de sus conflictos, porque delinea a sus personajes desde la conciencia y logra cautivar de manera tajante, con su potente capacidad de entender la fantasía como una enfebrecida manera de transmutar los clichés y los lugares comunes del género, con altura de miras.

Temática Recurrente :

En el mundo onírico se puede volar y también prescindir de lo limítrofe de las cosas.

La constante disyuntiva y casi imperceptible barrera que existe entre lo real y lo imaginario. El infinito poder del mundo de los sueños, relativo a la capacidad de trascender con un gusto estético y narrativo pródigo en recursos creativos.
Sus películas tienen momentos maravillosos, exhuberantes, colorísticos, sujetos a la amplitud de la fantasía y a esa infinita capacidad de lograr el asombro desde la perspectiva onírica.
Sus dibujos son perfectos, en la medida de su representación gráfica como personajes "con vida propia", y adquieren significativos valores simbólicos en tramas enrevesadas y espesas de orden temático, capaces de saltar de un tiempo a otro, con la sugerente confianza de establecer que el universo es infinito.
Siempre cautivante, no existe en el imaginario del "animé" una mirada más adulta, quizás porque Satoshi Kon viró hacia un público maduro, con la confianza de estar produciendo un nuevo tipo de cine animado, capaz de utilizar con logrado significado, los recursos expresivos del audiovisual y la profundidad de los planteamientos clínicos de Sigmund Freaud.
Indudablemente, es un cine diferente, muy original, tremendamente ilusorio, y absolutamente arrebatador. Nadie que vea sus obras, queda indiferente por su particular forma de expresar el mundo de los sueños y los límites de la realidad.      

Filmografía Fundamental :

"Tokyo Godfathers" : certero estudio de personajes marginales en Nochebuena y con el descubrimiento de un bebé abandonado.

"Perfect Blue" ( 1997); "Millenium Actress" ( 2001); "Padrinos de Tokio" ( "Tokyo Godfathers", 2003); "Paranoia Agent" ( serie en trece episodios ); "Paprika : detective de los sueños" / "Paprika: El Reino de los Sueños" ( "Paprika", 2006).



Obras seleccionadas :
"Perfect Blue" ( 1997).

 

La cantante que quiere ser actriz.

 

Las distintas variantes de un mundo peligroso y castrador.

Es una cinta animada para adultos que escudriña en los límites de la conciencia. Una cantante, Rumi, de un trío pop decide renuncviar para dedicarse a una carrera promisoria de actriz.
El cambio profesional le trae un complejo problema de identidad, incentivado por la ruptura de su imagen de niñita buena que tenía en la música, a una considerablemente más agresiva, sexual y marginal para la televisión.
Entremedio de estas dubitativas transformaciones del carácter de la heroína, Satoshi Kon integra la persecución de un sicópata que le manda E-mails a la chica nocivos y amenazantes, y la escalada de muertes accidentales que se producen a su alrededor.
Además, hay personajes singulares como una mujer que actúa como su manager y tutora, un voyerista que no le deja tranquila, y el suficiente empleo de suspense, que da un nuevo giro a la trama con inusitada y sorprendente celeridad.
La película habla sobre la idea del doble, pero también sobre la conciencia de una chica joven llena de traumas y algo desenfrenada en su camino al éxito. 
Kon efectúa una pequeña obra maestra del animé al incorporar lo sicológico, con una sorprendente manera de insertar sorpresas de último minuto, dobles vueltas de tuerca, revelaciones múltiples, tensión, horror y misterio.
Además, sus diseños para el filme y los detalles de la animación, son verdaderamente sugerentes, tanto que cautivan desde los primeros minutos del original relato. 
Satoshi Kon simboliza la demencia con golpes de efectos, "duplicados" animados, escenas subjetivas de múltiples despertares del personaje en su cama, aumentando aún más, el demencial recorrido que tiene el conflicto de identidad de la chica, e integrando al espectador con afortunado poder de seducción, en un relato ambiguo, violento, magistral. 
Imperdible para los fans del animé y de los thrillers sicológicos.


"Paprika: detective de los Sueños" ( 2006).

 

Heroína con visos de detective.

  

Detective con una pasión incontrolable por el cine de acción.

El desfile final es un desbordante sueño transformado en pesadilla.

 

Mosaico con los personajes y momentos más insólitos del filme.

La obra maestra de Satoishi Kon coescrita con el guionista Seishi Minakami, es una enrevesada y compleja historia acerca de una avanzada metodología científica para curar enfermos siquiátricos crónicos.
En efecto, la doctora Atsuko Chiba encabeza el equipo de un revolucionario método terapeútico para curar obsesiones y ansiedades de orden sicológico. A través de su "alter ego", "Paprika", se introduce en la mente de sus pacientes en un siquiátrico, interpretando sus sueños y evitando que éstos cobren especial significación en sus enfermos. 
Un día, tres prototipos del experimento son robados, lo que obligará  a la médico a investigar en el "orden onírico", vale decir, a nivel de la mente, a costa incluso de someterse ella misma a viajes a través de la conciencia para buscar a los culpables.
Personajes singulares como el detective Konakawa Toshimi, el doctor Moroi Osanai o el genio del proyecto, el obeso Tokita, aparecerán entre las distintas ramificaciones de la aventura, que sobrecoge por su rigurosidad argumental y sus acabados formales y estéticos.
La media hora final, se debe considerar entre lo más hermoso, sorprendente y terrorífico que se ha producido en el animé de los últimos años.
Una espectacular película que se atrave a justificar las teorías freudianas, con aplicado encanto y elocuente subjetivismo. 
Una gozada surrealista, inclasificable como relato, aunque sus visos la catalogan de ciencia ficción pura y silvestre. Nos atreveríamos a aseverar que, el cruce entre fantasía onírica y cuento sicológico está más cercano, que cualquier manual de teorías relativistas sobre la conciencia del ser. 
Entretención cerebral garantizada. Imperdible.


Un Comentario :
  

El recuerdo de un genio de la animación japonesa en el Festival de Cine Fantástico de Sitges.

"Es muy irrespetuoso morir frente a los padres , pero en los últimos diez años o más, pude hacer lo que quise como director de animé, alcanzar mis metas, y obtener buenas reseñas. Lamento que, mis películas no hayan ganado tanto dinero, pero creo que tuvieron lo merecido. En estos diez años o más, en particular, he sentido que he vivido más intensamente que otras personas, y creo que mis padres entendieron que sentimientos de gratitud había en mi corazón"

( Satoshi Kon ).



Louis Malle :
Rememorando Años Difíciles.

El director durante el rodaje de "Alamo Bay".

La "nouvelle vague" ( nueva ola ) francesa, supuso un soplo de aire fresco,"teñido con frecuencia de un cinismo agridulce , alejado de los grandes problemas colectivos y obsesionado por los problemas de pareja". 
Entre sus cineastas más destacados sobresalieron : Francois Truffaut, Jean Luc Godard, Claude Chabrol  y Louis Malle, verdaderos artífices del llamado "cine de autor", que aprendieron las lecciones del neorrealismo y sus técnicas veristas, para descubrir y retratar un París insólito, refrescante y novedoso, como no se veía en la pantalla grande, incentivando el rodaje en exteriores e interiores naturales, la narrativa del reportaje periodístico, la iluminación de los spots y la cámara en mano, particularmente suelta del "trípode", libre al viento como su propuesta original.
La vida de Louis Malle ( 1932-1995), es particularmente compleja, pues su niñez la pasó en medio de la invasión nazi, en momentos en que París era sumergida en un pandemonio bélico e ideológico. 
Entender esa época, es materia vital de los mejores momentos del cine de este gran director, que expurgó muchas de las culpas que tenía la nación por su abierto colaboracionismo con los alemanes durante la guerra.
Hijo de una acomodada familia francesa de fabricantes azúcar, estudió con los jesuitas antes de licenciarse en Ciencias políticas de la Universidad de la Sorbona.
Luego de abandonar la IDHEC  con la idea de que la industria gala no tenía espacio para sus renovadoras ideas, decide transformarse en ayudante de dirección de Robert Bresson y unirse al equipo de Jacques Costeau a lo largo de tres años, que le significaron aprender las técnicas de fotografía submarina y el montaje.
Después debutó en la dirección con "Ascensor para el Cadalso" ( "Ascenseur por L" échanfaut" ,1957), un notable drama basado en el policial de Noël Calef, acerca de la soledad, la negación de ser felices y la lógica del destino ineludible. 
El crítico alemán Ulrich Bergfeld anota :
 "El director de fotografía plasmó el mundo sombrío del cine negro en intensas imágenes en b/n de París. Iluminada únicamente por las luces chillonas de neón de los cafés nocturnos y por faros deslumbrantes, la metrópolis se convierte en un paisaje difuso de almas en el que Florence ( Jeanne Moreau ) amenaza con perderse casa vez más. El trabajo de dirección de Malle nos impide tomar partido, pero nos permite participar del estado anímico excepcional de Florence, pues coloca sus pensamientos como monólogo interior en el rostro de Jeanne Moreau, marcado por el cansancio y la tensión. Su inseguridad se experimenta de forma francamente física gracias a la célebre banda sonora de Miles Davis". 

"Los amantes" : su primera película polémica.

"Zazie en el metro" : renovando los cánones de la comedia.

Con Brigitte Bardot en "Vida privada".

"El Fuego Fatuo" : las 24 horas previas de un suicida.

Con "Los Amantes" ( "Les amants", 1958), Malle confirma estar dotado para tratar temas polémicos, a partir de una novela erótica de Dominique Vivant. 
En realidad, la película es una exquisita historia intimista sobre adulterio, que describe la vida sexual de una mujer ( Jeanne Moreau ) tan aburrida de su marido y de su amante, que decide seducir a un joven para utilizar el sexo como catarsis a su hastío existencial.
En su momento, por las escenas de apetencia sexual, fue muy criticada, aunque en realidad, es un retrato singular sobre el aburrimiento de las parejas que han perdido la esencia del amor.
Después rompió los cánones de la comedia tradicional con : "Zazié en el Metro" ( "Zazie dans le metro", 1960), sobre el cuento de Raymond Queneau, remarcando la estética pop de su época, y jugando con las aventuras de una niñita ( Catherine Demongeot) que de visita en París, descubre la enfebrecida diversión que se puede obtener de una ciudad en caos.
"La película se adelantaba bastante a su época en el empleo experimental del tiempo y la forma lúdica y desenfadada de contar una historia".
Recuerdo siempre a Zazie objetándole a Philippe Noiret su subida a la mismísima Torre Eiffell, entre delirios fotográficos y cámaras rápidas. 
Divertida gozada que entra por la vista, y logra cautivar por la locura de su desenfrenado ritmo y sugestión estilística.
Su mirada inocente casi infantil volvió a resurgir en "Vida privada" ( "Vie privee", 1962), especie de autobiografía de la sensual Brigitte Bardot, que analiza el fenómeno de la estrella a partir de las relaciones que se establecen entre ella, su público y un intelectual que le comprende y admira.
Más tarde, rueda "El Fuego Fatuo" ( "Le feu follet", 1963), un oscuro estudio sicológico sobre la mentalidad de un treintón que se niega a crecer, y que escapa de la posibilidad de madurar a través del suicidio.

B.B. en "Viva María", gran éxito de taquilla.

Jeanne Moreau y B.B. en la citada exitosa película.

 

Con el niño Benoit Ferreaux en "Soplo al corazón".

 

El hijo predilecto en su camino a la escuela.

 

La recuperación permite el surgimiento de una relación incestuosa.

Inmerso en sus propios temores y recuerdos de guerra, Malle entró en una etapa cada vez más personalista como autor, ya vislumbrada en la comedia mundana "¡Viva María"! ( "Viva María!", 1965 ), muy famosa a raíz del encuentro de las dos estrellas más grandes del cine francés de su tiempo, Jeanne Moreau y Brigitte Bardot, ambientada en la Revolución Francesa, y desarrollada con un tono irónico y mordaz que no gustó al público galo.
Tremendamente desilucionado de su recepción, Malle se divorció de su esposa y se fue a la India por cuatro meses donde filmó "Calcuta" ( 1969), que refleja 
su experiencia en aquel exótico país.
Después, se inició la etapa de mayor madurez del cineasta, la más desgarradora y personal.   
Partió con "Soplo al corazón" ( "Le souffle au coeur", 1971), una lúcida historia de amor incestuoso entre un hijo y su madre, que tiene la suficiente delicadeza de transmitir los conflictos interiores de la relación íntima, gracias a su certera crítica social y su penetrante estudio sobre los sewntimientos familiares.
Malle logra interpretar con mucha habilidad, el cuadro de costumbres de esta familia acomodada de la posguerra, con la notable actuación de Lea Massari y el niño debutante Benoit Ferreux.
Alcanza la maestría con : "Lacombe Lucien" ( 1974), que narra el ascenso y caída de un joven campesino ( el estupendo actor Pierre Blaise ),  que se enquista como colaborador de los nazis, en medio de la historia de amor que sostiene con la hija de un judío de situación económica alta.
El relato contenido y transparente escrito a medias con el novelista Patrick Modiano, jamás acentúa los aspectos nauseabundos del conflicto, porque a Malle lo que verdaderamente parece interesarle, es el compromiso que adquiere un francés por una causa exterminadora, a tal punto, de renunciar a su propia identidad para adquirir otra, por el simple hecho de asegurarse una estabilidad económica.  
 Más adelante, realiza la producción británica "Luna Negra" ("Black Moon", 1975), una irregular historia surrealista; y la estupenda "Niña bonita" ( "Pretty Baby", 1978), con la que inaugura su etapa en Estados Unidos.
El filme es el retrato de una adolescente ( Brooke Shields ) que se cría en un burdel al lado de su madre ( Susan Sarandon ), siendo explotada como niña y mujer, en medio de una agitada vida marginal.
La cinta basada en la vida de un fotógrafo de Nueva Orleans, E.J.Bellocq, cuenta con la estupenda interpretación de la Shields, Sarandon y Keith Carradine, y una estética sobrecogedora, que debe mucho a las pinturas de Toulouse Letrouc.
Nuevamente, causó polémica por los desnudos frontales de la niña Shields y las escenas donde ella se prostituye, más que nada, sugeridas por un Malle en toda su forma. 

"Niña bonita" : mirada intimista a la prostitución infantil.

"Atlantic City" : una relación imposible en el mundo de los tahures y la mafia.

"La bahía del odio" : construyendo personajes creíbles.

"Obsesión" : retrato de una sicopatología sexual.

Encariñado con la cultura norteamericana, prosiguió su labor con : "Atlantic City" ( 1980), una lograda historia de relaciones complejas, entre una mujer que sueña con ser "croupier" en el casino de Montecarlo ( Susan Sarandon ) y el viejo amante de la viuda de un gángster ( Burt Lancaster ).
Matizado por el buen pulso narrativo que demuestra entre las escenas intimistas y las rodadas en exteriores, Malle le saca partido a los ambientes de la ciudad balneario de Atlantic City. 
Además, extrae todo el potencial histriónico de sus actores, para remarcar una relación amorosa imposible, acentuada por la música de Michel Legrand.
Con ella, ganó el León de Oro en la Mostra de Venecia.
Del resto de su filmografía conviene destacar : "La bahía del odio" ( "Alamo Bay", 1985), incomprendida historia de pescadores desarrollada con gran simplicidad, un sesgo ideológico progresista y gusto estético; y la maravillosa "Adiós a los niños" ( "A revoir les enfants", 1987), obra maestra que repercute por su sesgo autobiográfico, tremendamente efectivo y vigorizante. Esta, su segunda película con la que vuelve a triunfar en Venecia.
Al margen, "Obsesión"/ "Herida" ( "Damage", 1992), es un conseguido estudio de los perfiles sicológicos que le interesaron por primera vez en "Amantes", ahora relativos a las relaciones entre un hombre maduro casado ( Jeremy Irons ) y una joven mujer ( Juliette Binoche ).


Su estilo :
 

Un cineasta siempre cercano a sus recuerdos.

Un autor siempre a contracorriente, que fue capaz de expurgar y exorcizar verdades dolorosas  respecto a la guerra, las relaciones humanas y la vida. También fue un consumado documentalista, que logró con "Calcuta" una mirada audaz de la India, " poco convencional de la Religión, la Política y el sistema de castas de un país que intenta adaptarse a la modernidad. 
Fue su único deseo no trabajar sobre ideas concebidas, insistiendo él mismo en usar la cámara : "como un instrumento donde uno registra emociones, sorpresas, shocks. Creamos un estilo especial que denominaría cámara -metralleta, que consiste en situarse en medio de algo, y disparar una ráfaga , primero en una dirección y luego en otra. Así intento captar el máximo de facetas posibles de una misma realidad. Una especie de caleidoscopio realista de una cultura".  
Su cine puede ser muy intimista, visceral, abierto a los temas tabúes como el incesto, la prostitución infantil , la traición y el suicidio.
Por su atracción a lo "prohibitivo" logró abrir la discusión respecto a la propia censura; pero también a lo indefinible de las ambigüedades en las relaciones de pareja.
Podía ser su tono frío y distanciado como en "Lacombe Lucien" o tremendamente evocador y cálido como en "Soplo al corazón".
Práctico en la manera de enfocar sus temáticas, evitaba los juicios morales para que el espectador obtuviera él mismo sus propias  conclusiones.
No sólo era capaz de representar las características de la "nueva ola", sino explayarse en la recreación, por ejemplo, del cine negro clásico ( en "Atlantic City") , o los febriles vericuetos del documetal.


Temática Recurrente :

Con Burt Lancaster en un descanso del rodaje de "Atlantic City".

Sus recuerdos infantiles relativos a la guerra, sobretodo el sesgo colaboracionista que tuvo parte de Francia con los alemanes. Su puntillosa radicalidad en abordar las relaciones de pareja desde su problemática y entender la vida desde las miserias y ambigüedades humanas.
Un cineasta capaz de gatillar la polémica respecto a los temas tabúes, pero también de profundizar con sobriedad y sutileza en los complejos laberintos de la conciencia y los sentimientos.
Su cámara puede acercarnos a la intimidad de una pareja con la suficiente compenetración sicológica como para detenernos en la subjetividad de las apariencias, la disyuntiva entre "ser" y "poder", y la imposibilidad de relacionarnos sino es con la rúbrica del amor, la entrega, la sexualidad y el placer.
Retratista del hastío existencial de una época, fue un escrutador realista de las pasiones limítrofes, que terminan en catástrofe o en benevolentes actos de nobleza. 
Numerosos recuerdos de su vida se convirtieron en el material de sus películas, y gran parte de sus amores también participaron en ellas. 
Al margen, Malle fue un incuestionable visionario respecto a su constante búsqueda de la precisión, la discreción, y el amor hacia la verdad y la autenticidad , siguiendole la huella a Bresson, aunque insertándole sus propias experiencias vitales.
Del mismo modo, un atento observador del mundo infantil y adulto, que constantemente se volcaba por la mirada diáfana de los niños, en contraposición al cinismo y la hipocrecía de los adultos. 
Alcanzó la cumbre como artista al retratar el despotismo y la crueldad, la barbarie y indignidad del ser humano en momentos difíciles, pero sobretodo, al contraponer al negativismo, una declaración de principios sobre la fe en la humanidad reforzada por la amistad, el amor, la solidaridad y el espíritu de progreso. 

Filmografía Fundamental :

 

"Adiós a los niños" : su obra más personal y autobiográfica.

"Ascensor para el cadalso" ( "Ascenseur por l"echafaud", 1957); "Los amantes" ( "Les amants", 1958); Zazie en el metro" ( "Zazie dans le Metro", 1960); "Vida privada" ( "Vie priveé", 1962); "El fuego fatuo" ( "Le feu follet", 1963); "Viva María" ("Viva María", 1965); "Calcuta" ( "Calcuta", 1969); "Soplo al corazón" ( "Le souffle au coeur", 1971); "Lacombe Lucien" ( "Lacombe Lucien", 1974); "Niña Bonita" ( "Pretty Baby", 1978); "Atlantic City" ( "Atlantic City", 1980); "La bahía del odio" ( "Alamo bay", 1985); "Adiós a los niños" / "Adiós a los muchachos" ( "Au Revoir les enfants", 1987); "Milou en Mayo" ( "Milou en mai", 1989); "Obsesión"/"Herida" ( "Damage", 1992) y "Vanya on 42nd street" ( 1994).

 
Obras Seleccionadas :
"Lacombe Lucien" ( 1974). 

La exquisitez estética.

El retrato de una ascendente frustración.

 

El colaboracionismo transgresor.

Intentado expurgar el sentido de culpa de toda una nación, Malle decide contar la historia de un joven colaboracionista francés con los nazis, centralizándose en la figura de este campesino analfabeto, como ejemplo de lo que puede ser la transformación de un hombre utilizado como arma de poder.
El cineasta aclaró en su momento que, Lucien puede ser cualquiera de nosotros si las circunstancias lo ameritan.
___"Mi película es una mirada sobre un puerco, en el sentido sartriano de la palabra. Para un gran número de gente, ya sea de izquierdas o derechas , es intelectualmente muy fácil decir que los contrarios son basuras. Pero yo les he demostrado que son seres mediocres, no diablos, ni burócratas. Sino gente normal que tortura y mata a otros".
La elección del joven actor Pierre Blaise fue acertada, aunque desgraciadamente Malle no pudo contar más con él, porque a poco del estreno el intérprete falleció en un accidente automovilístico.
La cinta subraya el peligro que hay en olvidar el pasado, para repetirlo en cualquier momento o situación. 
Estudio de un pobre muchacho servil que cedió a sus ambiciones de "ser alguien importante", Malle acerca el drama del joven que cae  a los infiernos para  remarcar el racismo, la xenofobia, y la crueldad.
Sin enjuiciar o propender a dictar cátedra sobre el tema, Malle opta por un punto de vista distinto para sostener su tesis de la transformación que pudiera sufrir cualquier ser humano en una situación parecida. 
Notable estudio de caracteres, que profundiza en las consecuencias humanas de la guerra y sus repercusiones en la personalidad de un chico alimentado por la vanidad y la arrogancia.


"Adiós a los Niños" ( 1987).

La amistad verdadera.

 

El despertar sexual de la adolescencia.

Los recuerdos del internado.

Compartiendo el gusto por la literatura.

De todas las películas que Malle hizo sobre los recuerdos de la guerra, esta parece ser la más autobiográfica y por cierto, la más sentida y personal de sus películas con niños. 
El relato se circunscribe a los acontecimientos que vivió cuando pequeño como alumno de un internado jesuíta.
El joven Julien Quentin ( Gaspard Manesse ), conoce y se hace amigo del recién llegado, Jean Bonnet ( Raphael Fejtö), un chico de origen judío, posteriormente hecho desaparecer por los nazis.
El relato intimista y  humano, se desarrolla mediante una serie de acontecimientos que detonarán en una tragedia superior. 
La afición de ambos por la literatura, les llevará  a conocerse en profundidad, así como la defensa a un minusválido que trabaja de cocinero en el establecimiento.  

El drama es también el aprendizaje de un alma transparente, "blanca", cándida, del lado oscuro que tiene la Humanidad, por lo tanto, la película es una parábola al fin de la inocencia y al comienzo de la adolescencia planteada con gran soltura narrativa y sobriedad estilística.
Destacable es la  labor del fotógrafo Renato Berta, que extrae todo el potencial estético de la historia, utilizando tonos fríos y  deslavados acorde a los momentos que se viven en el conflicto.
Cabe destacar, el trabajo de los actores infantiles, Gaspard Manesse y Raphael Fejtö que guarda un tono de melancolía muy apropiado a los fines del relato. 
Pero sobretodo, la gran sutileza de Malle para narrar sin estridencias, desde sus propios recuerdos y reinventar el pasado con absoluto realismo y sensibilidad.
Obra madura, reposada, emocional, que no deja a nadie indiferente.



Un Comentario :

Con su eterna amiga : la cámara de cine.

"Adios a los Niños" no muestra sólo la época de los juegos, como es el estereotipo de las películas de tema infantil, sino también la percepción ingenua e incompleta de que algo terrible está sucediendo. La tensión está siempre presente, y esos niños resienten intensamente los acontecimientos por los cuales pasan". 
"Esta emoción se transmite inevitablemente al espectador , que se conmueve por las heridas internas que percibe se están creando en esos seres incompletos , que merecen una vida menos atroz". 

( La crítico chilena Constanza Johnson ). 

Fotos-Gentileza : Parteno Express Agenzia di Stampa, Napoli, Italia- Italian Neorrealism - Wordpress - The Red List - Italia Orenta- World Entertaiment- Independent Film- Sony Pictures Classics - Criterion Collection - Pathé - 

Afiche 60 Aniversario del estreno de "Ladrón de Bicicletas" del cineasta italiano Vittorio de Sica.

 
 

Poster de "Perfect Blue", el debut del animador japonés Satoshi Kon.

 

Afiche en alemán de "Adiós a los niños", del realizador francés Louis Malle.