Séptimo 7 sello: ¿ POR QUE INSISTIR EN DESCUBRIR LOS CLASICOS DEL CINE ?

El valor del paso del tiempo en las películas inolvidables.

La cinefilia tiene su mayor virtud en desempolvar grandes clásicos del cine que han sido vistos cien veces, pero también en arropar viejos clásicos que pasaron inadvertidos en su momento y que se pueden recuperar para un visionado más selectivo en la actualidad. De éstas y otras cosas, hablamos en la siguiente entrada del blog. En la foto Olivia de Havilland que acaba de cumplir 102 años de vida, junto al recordado Leslie Howard en "Lo que el viento se llevó".

Un asunto de recuperación histórica.

En el rodaje de "Lo que el viento se llevó" con Vivien Leigh. / El cine es el arte más representativo de la humanidad, y permítanme exagerar, es la mejor expresión cultural inmediata que nos pone en contacto con tierras lejanas que jamás exploraremos, pero que conoceremos a través de este arte maravilloso. ¿ Por qué insistir entonces, en recuperar para las nuevas generaciones de espectadores los grandes y pequeños clásicos del cine ? Cuestión de cinefilia. La memoria colectiva del mundo está aquí a la vuelta de la esquina. Baste un equipo reproductor de Blu Ray o DVD, y ¡ YAH !, estás en las tierras de las mil y una noches. Además, como nunca antes, las nuevas generaciones han tenido tanto acceso al audiovisual como en estos tiempos. Están atiborrados de películas, lo que nos permite acceder a descubrir cómo se comportaban las personas de antes, como se vestían, cómo actuaban frente a determinadas situaciones, que cosas les llamaban la atención, y que cuestiones eran de su interés, cuantos problemas enfrentaban y cómo lograban salir adelante. Si algo nos dejan las películas a los espectadores de toda la vida, es la memoria histórica de la Humanidad, cuestión no menor si se piensa en la serie de factores que originaron por ejemplo, la Primera y Segunda Guerra Mundial, los cambios de costumbres sociales, políticos, culturales y los distintos modos de vida que existen en este planeta.

Un fotograma de la primera versión de la película francesa "La guerra de los botones". / Si algo notorio nos dejan las películas, es la nostalgia por lo que fuimos en otros tiempos, con quienes compartimos la ansiedad compulsiva de ver cine, y qué emociones caracterizaron el visionado de algunas de ellas. Me refiero a las películas inolvidables. Todos nosotros en el interior de nuestra conciencia, guardamos en una caja mágica, las películas que han marcado nuestras vidas. Por ejemplo, cómo disfrutamos cuando niños de "La guerra de los botones", una comedia juvenil tan emblemática de la nueva ola del cine francés como "Los 400 golpes", "Sin aliento" o "El carnicero". A su modo, esta cinta nos hizo vibrar exclusivamente porque trataba a la infancia con naturalidad, sin impostaciones o artificios teatrales, mediante un relato original, meritorio de una mente que conoce el hábitat infantil y que su sensibilidad atraviesa la gran pantalla para transportarnos a una aventura de ganar o morir. Siempre la exhibo en cursos que tiene la edad de sus protagonistas, y saca aplausos de los niños espectadores, porque los refleja como ellos son en realidad. El director Yves Robert traza un relato costumbrista rural, que tiene su mayor virtud en la espontaneidad de las situaciones, en el manejo del relato acomodaticio a todo público, y en retratar la vida en el campo, con absoluto realismo y afectividad. Tiene la notable actuación del niño actor Martin Lartigue como Petit Gibus, que después haría la muy entretenida aventura ferroviaria "Bébert y el ómnibus".

"National Velvet" con Elizabeth Taylor y Mickey Rooney. / Típica mega producción de MGM de 1944, en la edad de oro del star system, para mayor lucimiento de Elizabeth Taylor y Mickey Rooney que no sólo saben ser encantadores, sino muy humanistas y amigables. La historia de la niñita que ganó el Derby en Inglaterra, podía haber caído en la ñoñería más absurda, pero el director Clarence Brown, le saca partido a las circunstancias porque le agrega un tono familiar muy accesible y cercano al espectador. Los característicos Donald Crisp y Anne Revere, están estupendos como unos padres compresivos pero estrictos, y a su lado, sobresale la notable fotografía en technicolor de Leonard Smith, con gran profusión de paisajes en auténticos exteriores y unas mezclas cromáticas muy atendibles realizada en el estudio en interiores. Un gran filme que representa lo mejor de una época del cine hecho en Hollywood.

Prueba de vestuario de Elizabeth Taylor para la película.

"Lo que el viento se llevó" con Vivien Leigh, Clark Gable, Leslie Howard y el niño Mickey Kuhn. / Todavía goza de enorme atractivo para el espectador, especialmente femenino. La razón parece estar en el personaje de Scarlett O"Hara, una mujer ambiciosa todo terreno, que deja muy mal parado a los hombres y domina sobre ellos, a partir del concepto de la propiedad privada tan caro al mundo de los capitalistas. La épica histórica está en un segundo plano, apenas sugerida para ilustrar la ascensión, caída y resucitación de una mujer en un mundo dominado por los hombres, que aparecen como ineptos, tontos, socarrones y cobardes. La única novela que alcanzó a escribir Margareth Mitchell que murió en un accidente de tránsito, es también un abierto alegato sobre el rol femenino en la historia de una nación, siempre manejada desde el machismo y la ostentación varonil. Es una notable película elaborada por un productor masculino David O. Selznick, y con actores que dieron la garra de ser divinos machos de estirpe. La actriz británica Vivien Leigh se trasformó en el ícono de cierto feminismo arraigado en el consiente colectivo de su tiempo.

"Gilda" con Rita Hayworth y Glenn Ford. / Recién España le rindió el mejor de los tributos a esta película, al cumplirse los 100 años del nacimiento de Margarita Carmen Cansino. Programas televisivos, ciclos de cine con sus mejores películas y edición de libros sobre su vida y obra, abarcaron los merecidos homenajes a un gran mito del cine, Rita Hayworth que logró encumbrarse en el cielo de las estrellas de Hollywood, con este singular filme cruce de thriller negro, drama romántico y relato de suspenso, muy bien elaborado de acuerdo a los cánones de la época. Ambientada en una sutil Argentina, Gilda es la ensoñación erótica de los hombres en una época de restricciones. Ella sabe burlar a la censura, cuando hace un sugerente streap tease con sus guantes aterciopelados y puede ampliar su impacto erótico con gestos, movimientos de cabeza y cabellos, para volver loco al Eros Glenn Ford. Y por supuesto, al público. Un correcto artesano Charles Vidor fue filmando la película sobre la marcha - y como "Casablanca"- agregando diálogos, situaciones y canciones hacia la edición final- , para originar la mitomanía de la inolvidable Rita. Gilda es Rita. Y Rita indisolublemente, muy a su pesar, sigue siendo para nosotros la entrañable Gilda.

"Casablanca" con Humphrey Bogart, Ingrid Bergman, Paul Henreid y Claude Rains. / No existe película más categórica de una época entreguerras del cine americano, que ésta, de la que se han escrito toneladas de libros y estudios más o menos sesudos. Armada desde la casualidad por el director húngaro Michael Curtiz, gracias al infinito talento de los escritores Julius Epstein, Philip Epstein y Howard Koch, es también un canto a la democracia, a la libertad de expresión, a la tolerancia ( al Rick"s Café acceden distintas nacionalidades y extranjeros venidos de los lugares más recónditos del mundo ), película antinazi, relato antibélico, y definitivamente, un extraordinario melodrama romántico sobre el poder del amor más allá del sexo. El magnífico cameraman Arthur Edeson, se enamora del rostro de la impagable Ingrid Bergman, sueca hermosa donde las haya, y que acentúa la inolvidable banda musical del maestro Max Steiner, uno de los soundtrack más solicitados al programa "Cinemania" de Radios Universidad de Talca y que hemos tocado en varias oportunidades.

"Ben-Hur" con Charlton Heston y Frank Thring. / Si algo conmueve aún de esta super producción americana filmada en Cinecittá, es su tremenda elocuencia lírica para narrar la historia de un esclavo romano ( Charlton Heston ), que burló al destino por obra de la casualidad mítica de la religión cristiana. En momentos en que se cuestiona tanto la institucionalidad de la Fé, no está mal repasar este colosalismo histórico, que pervive en el consiente colectivo por sus escenas en la carrera de cuádrigas, aunque las mejores secuencias están, en las galeras romanas manejando los barcos como esclavos y en los encuentros del personaje central con Cristo. El maestro William Wyler, estructuró su cinta, como si fuera una epopeya individual que corre en paralelo al nacimiento de Jesucristo. Y sin duda, todavía es un gran clásico del cine, que revela el esfuerzo superior por retratar una época a escala real, sin los F / X de estos coléricos años de Internet y dominio informático.

"Horizontes perdidos" con Jane Wyatt y Ronald Colman. / Que Frank Capra era un maestro indiscutible de la comedia mundana que duda cabe. Su cine social de abierto espíritu democrático, cruzó los límites de la realidad cuando enfrentó el material literario de James Hilton, para transformarlo por obra y gracia del guionista Robert Riskin, en una cinta fantástica entrañable sobre la existencia de la mítica Shangri- La. Lo mejor de esta película no está únicamente en sus interpretaciones, sino en el diseño de producción con unos escenarios sacados del mejor sueño del viajero incansable, para recrear la mítica ciudad perdida donde el tiempo se ha detenido, para dicha de la eterna juventud de sus habitantes. Si me enamoré de la olvidada actriz Jane Wyatt, fue por culpa de esta película. Su escena desnuda flotando en el río de la obstinación, está entre los mejores trozos eróticos de la historia del cine clásico. Sin duda, es un gran filme que rejuvenece tras cada nuevo reestreno en digital.

"Al este del Eden" con James Dean y Julie Harris. / Si hay un drama que precede toda la parafernalia adolescente sobre las diferencias generacionales entre padres e hijos, y que ayudó a forjar la mitomanía por James Dean, fue "Rebelde sin causa", aunque sus verdaderas raíces costumbristas, están en esta obra maestra del controvertido Elia Kazan sobre la novela de John Steinbeck. Reflejo de los cambios sociales, políticos e históricos de un momento crítico como lo fue el crack económico de los años veinte, esta notable alegoría sobre Caín y Abel, retoma algunas de las temáticas más contundentes del cine juvenil. Los choques emocionales con el padre autoritario pero emprendedor, siempre buscando la innovación en un momento cuando esa dichosa palabra ni existía, las diferencias entre el hermano preferido de él, y la oveja negra de la familia, los amores compartidos de la chica entre ambos, y su declinación paulatina por el chico más conflictivo, logran eclipsar el tratado moral que huele a naftalina. Sin duda, la fotografía en Scope en color del experimentado Ted McCord, la música de Leonard Rosenman y el reparto integrado por los juveniles James Dean, Julie Harris y Richard Davalos, además de los veteranos Raymond Massey, Jo van Fleet, Albert Dekker y Burt Ives, le otorgan una distinción entre los grandes melodramas rurales del siglo XX.

"It" con Clara Bow y Antonio Moreno. / Pensamientos pecaminosos aparte, fue la película que institucionalizó la figura erótica de la simpática Clara Bow. El término "Eso" que es el requisito que toda mujer debe tener para atraer a los hombres, está planteada desde los felices años veinte antes del crack, con una sutileza y un dominio narrativo que sorprende, sobretodo viniendo de un director casi olvidado como es Clarence G.Badger. La película se mueve con rapidez entre medio de oficinas, tiendas de vestuario, calles urbanas y una ciudad explosiva de la Era del Jazz, donde "Eso", no logra alterar la rutinaria vida de un millonario interpretado por un joven Antonio Moreno, el latin lover de su tiempo. Aún así, es una película refrescante, vigorizante, divertida y muy agradable como comedia erótica, que inmortalizó la figura de la magnética Bow, a propósito de la novela de Elinor Glyn, que vendió a la Paramount por 50.000 dólares.

La mirada multicultural.

"Sin aliento" con Jean Paul Belmondo y Jean Seberg. / ¿ Qué impresión nos llevamos la primera vez que la vimos en un ciclo de cine francés en Talca ? Estilo narrativo original, con saltos temporales abruptos y violentos y una edición preconcebida con un mínimo de elementos y un máximo de creatividad. Basada en un hecho real escrito por Francois Truffaut y dirigido por Jean Luc Godard, es una aventura urbana existencialista, un thriller con Belmondo luciendo un sombrero estilo Bogart y unos personajes en constante movimiento. En su época, fue el punto de arranque de las febriles características de la nouvelle vague, paradigma del cine experimental, y un puente entre el cine europeo y el cine norteamericano, solo atendible desde la perseverancia de un grupo de admiradores críticos nacidos al alero de la revista Cahiers du Cinema.

"Muerte en Venecia" con Dirk Bogarde. / ¿ Habrá otra película que utilice de manera más bella la obra de Gustav Mahler ? El realizador italiano Luchino Visconti entendió que la complejidad del libro de Thomas Mann, debía reducirse a la audiovisualización del texto original, y brilló con luces propias, al entender los conflictos interiores del personaje central para elevar el interés con un discurso sobre la belleza y la corrupción en el Arte. Se trata, por cierto, de una grandiosa película que patenta su extraordinaria agudeza narrativa, en una composición plástica expresionista y que mantiene inalterable sus significados. Una lección estética y estilística, que también cuenta con el aporte sustantivo del fotógrafo Pasqualino De Santis. Está considerada entre las grandes obras maestras que nos ha legado el cine de todos los tiempos.

"El Tambor" con David Bennett y Fritz Hakl. / ¿ Cuánta literatura ha generado la Segunda Guerra Mundial, sobre todo la que está dedicada a analizar la invasión alemana y el exterminio judío? La novela del escritor alemán Günther Grass que está guionizada por el experto francés Jean Claude Carriére, dotan esta versión del realizador alemán Volker Schlöndorff , de una vitalidad aplastante en su elocuencia, sus metáforas poéticas y su dominio narrativo. Analizar la contingencia del nazismo desde la perspectiva de una familia, y de un chico que se niega a crecer ( el magnífico David Bennett ), le permiten a los autores, recrear los acontecimientos históricos con una solvencia y una naturalidad abismante. Todavía resulta ser una película muy entretenida y , circunstancialmente, muy golpeadora, porque nunca escabulle los avatares del muchacho en una época oscura y demencial.

"Rapsodia en Agosto" con Sachiko Murase. Una de las obras más melancólicas y líricas del gran realizador japonés Akira Kurosawa, es también una profunda reflexión sobre las consecuencias de la guerra y de la bomba atómica. A partir de la reunión familiar en casa de la abuela Kane ( Sachiko Murase ), y la llegada de un "primo" norteamericano, interpretado por Richard Gere, Kurosawa integra la metáfora sobre el exterminio nuclear durante la Segunda Guerra Mundial, sus consecuencias y su re-lectura en los espacios de la integridad entre países que, en el pasado eran acérrimos enemigos, para construír una mirada humana y espiritual también vinculada a la Naturaleza. Toda la escena de la tormenta y las distintas claves para redescubrir el pasado histórico por los más jóvenes de la familia de Kane, están testadas por Kurosawa, con una sensibilidad emocional que toca el alma del espectador y lo hace partícipe de toda la historia.

"El Decamerón" con Vincenzo Amato. / Si hay algo que distinguía el cine de Pier Paolo Pasolini, era su afán antropológico por profundizar en el conciente domesticado de la sociedad, con recreaciones basadas en cuentos clásicos prohibitivos, pero accesibles a su cultura, para transformar el propio consiente del espectador medio del cine más contemporáneo. Cineasta provocador, incisivo, rupturista de lo tradicional, valiente, osado y original, transformaba la clase marginal en su hábitat más seguro, para elucubrar metáforas sobre el sexo, el amor, la pasión, la soledad, la frustración, la fantasía, la ansiedad homo erótica, y los juegos íntimos de la humanidad, todavía en ciernes respecto a los tratados del Kamasutra. La célebre novela de Boccaccio, volvió a ser interesante a partir de esta adaptación libre, desprejuiciada, irónica y refrescante, sobre nueve cuentos cortos llenos de ingenio, humor y controversia.

"El huevo de la serpiente" con Liv Ullman y David Carradine. / Un drama del realizador sueco Ingmar Bergman, que en su momento, dio que mucho que hablar a la crítica especializada. Ambientada en la Alemania de los años veinte del siglo XX, es la triste historia de un trapecista judío norteamericano y alcohólico ( Carradine ) que se hace cargo de su cuñada, luego que su hermano se ha suicidado. Surge una relación entre ambos que se manifiesta con mucha dependencia, en medio del caos, la incertidumbre, la violencia, el racismo, la muerte y la destrucción. Lo más interesante, es cómo el maestro sueco aborda el período de entreguerras, con una sutileza intelectual y una sicología, capaz de profundizar en las grietas de sus personajes, para elaborar una visión existencial que todavía conmueve y emociona. Sin ser una obra perfecta, interesará por sus visos de relato policial en medio del oscurantismo, con un trabajo siempre encomiable de parte de los actores y unas atmósferas realmente enrarecidas.

"Onibaba" con Nobuko Otowa y Jitsuko Yoshimura. / Si hay una película que logra mezclar el misticismo histórico con la idea de lo macabro del relato fantástico, es esta pieza maestra del cineasta japonés Kaneto Shindo. Obra de culto-cultísimo, es una magnífica historia medieval, que pone de manifiesto los impulsos sicológicos que generan el cine de terror, y de paso, iluminan con nuevos bríos, los cánones más terribles del relato apocalíptico. Sobre la idea de un guerrero oculto tras una máscara que le ha quedado fija de por vida, se deduce una metáfora inteligente y certera sobre la tortura del robo de una identidad y las consecuencias de la explosión atómica. Filmada sobre cañaverales y paisajes pantanosos, en verdad, asusta y deja atónito, por la manera como integra las atmósferas misteriosas, los acontecimientos sorprendentes y los golpes de efectos tan propios del género. Una obra fílmica que merece una urgente reivindicación artística.

"Gallipoli" con Mel Gibson y Mark Lee. / Basada en los tristes acontecimientos históricos que enviaron a un puñado de soldados australianos y neozelandeses a la muerte en 1915, el director Peter Weir elabora una de sus películas más logradas, porque considera la recreación histórica de un sacrificio, desde la óptica de unos jóvenes que sólo deseaban competir en el atletismo para salir de la pobreza. Esta aventura humana pasa por todos los registros imaginables de una odisea humana, y está tan bien rodada en exteriores por el gran fotógrafo Russell Boyd, que la música electrónica de Jean Michael Jarre y Brian May, no sólo acentúa la belleza de los paisajes y las acciones, sino que la vitalizan en sus conceptos básicos. Como siempre en la filmografía del australiano Peter Weir, el tema sobre la relación entre el hombre y la naturaleza tiene un lugar destacado, aunque es más preponderante los temas relativos a la camaradería, el horror y el valor de un puñado de jóvenes metidos por azar del destino, en un futuro tronchado por la muerte.

"Carros de fuego" con Ben Cross, Ian Charleson, Nicholas Farrell, Daniel Gerroll, y Nigel Havers. / Podría haber sido la típica película británica de época, barroca y desabrida, que no concentra su accionar en revelarnos a sus personajes, sino más bien, en hacer épica de su propia historia, alterando los aspectos más significativos de la realidad. Sin embargo el realizador Hugh Hudson, opta por perfilar personajes singulares, - especialmente concentrado en un atleta judío y su contrincante, un católico devoto- , para ahondar en sus conflictos interiores, y así ilustrarnos, cómo son parte de un proceso histórico insoslayable. La película está llena de buenas intenciones, mientras los chicos se entrenan para participar en las Olimpíadas de 1924, y la música de Vangelis, se convirtió en todo un clásico musical deportivo.

"Amarcord" con Pupella Maggio, Armando Brancia, Giuseppe Ianigro, Ciccio Ingrassia, y Bruno Zanin. / Si hay una película que recuerdo con mayor nostalgia y nitidez, es ésta, que es realidad, un original y divertido homenaje del realizador italiano Federico Fellini a su Rímini natal, a partir de los recuerdos de su adolescencia en la época de Mussoulini. Está estructurada sobre la base de viñetas y los personajes adultos, parecen dibujados como caricaturas, porque la sensibilidad de Fellini corre en paralelo a sus recuerdos más entrañables y divertidos. Hay momentos de poética inspiración ( como : la llegada del pavo real, el cruce del trasatlántico de lujo, la erótica insinuación de la prostituta de la playa ), que se entremezclan con otros segmentos, que son puros gags realmente divertidos ( como : el tío enfermo que en un viaje al campo se sube al árbol para gritar "necesito una donna", el retrato amable de la escuela y sus profesores, el arribo de las tropas militares a la ciudad, la carrera de automóviles, la masturbación erótica con la gorda que atiende el almacén, etc ), que la transforman en una obra superior, por la gran factura que tiene Fellini para sensibilizar las emociones que le dejó el pasado. Además, se convierte en una cinta que uno coloca más de tres veces y siempre le descubre algo nuevo y sorprendente.

"Pasaje a la India" con Judy Davis y Victor Banerjee. Adaptación fiel de la novela de E.M.Forster, que se convirtió en el canto del cisne del realizador británico David Lean. Retrato sugerente y lleno de misticismo erótico, sobre el choque de dos culturas en el crepúsculo del colonialismo, y que supone, el viaje de ida de una joven mujer inglesa para descubrir la India en la soledad de una cueva legendaria, su "primigenia aversión hacia lo nativo". Como siempre en Lean , impecable recreación de época, con una marcada predilección por el CinemaScope, y un esfuerzo palpable en las secuencias de masas, rodadas en auténticos escenarios hindúes y con toda la espectacularidad que el realizador de "Lawrence de Arabia" y "Dr.Zhivago" nos tenía acostumbrados. Grandes actuaciones que completan los veteranos Peggy Ashcroft y Alec Guiness.

"Posesión satánica" con Deborah Kerr y Martin Stephens. / La novela "Otra vuelta de tuerca" de Henry James, tiene la estructura de un filme de terror, controvertido, ambiguo, errático, sugestivo, hipnótico. Todas estas cualidades las redescubrió el director inglés Jack Clayton para esta soporífera y grandiosa película gótica de terror. Inauguró para la época, el interés por el cine de fantasmas, recuperando la percepción de un cine claustrofóbico, emocional, atractivo y muy novedoso. La manera como Deborah Kerr interpreta a la institutriz Miss Giddens, la hace perfectible a las pesadillas de una mujer, que parece nunca pudo procrear y que está trastornada por su apego sobreprotector hacia los niños, Miles ( Martin Stephens ) y Flora ( Pamela Franklin). Aunque el cuento gótico tiene sus mayores deslices, en cómo muestra a los fantasmas que se posesionan de los cuerpos de los chicos, para practicar la sodomía y actos reñidos con la moral victoriana. Una película a todas luces maestra, que funciona a las mil maravillas como película de terror, y que posiblemente inspiró más de la cuenta a "Los Otros".

"Umberto D" con Carlo Battisti. / El cine es emoción a grados superlativos. Puede abarcar casi todos los sentidos del alma, y en su magnitud, nos ayuda a entender mejor el comportamiento humano. El realizador italiano Vittorio De Sica sabía que para trascender desde los relatos callejeros, había que insistir en el drama realista, que nos angustia, que nos hace llorar, pero que también pervive en el corazón, porque nos permite comprender cuántas problemáticas enfrenta la Humanidad en su lucha para vivir mejor. Esta historia sacada de la vida real, es la de Umberto Domenico Ferrari, un anciano jubilado y solitario que cohabita con su perro mascota en una pieza de arriendo. De Sica lo que hace con mano maestra, es mostrarnos la historia de su reducción. Desde la humildad del desconocido, es un hombre sin pasado, que tampoco tiene futuro, familia, hijos, dinero y su único compañero de correrías, es un perro callejero que le tiene miedo y desconfianza. La historia nos parece muy cercana, actual, conocida, triste pero juiciosa, sobre el adulto mayor y su lucha por subsistir en un mundo donde los viejos parecen innecesarios. Un desenlace emocionante subraya la intencionalidad de De Sica por establecer el nexo perfecto entre el público y su emocionante relato.

"Los Elegidos" con Dennis Quaid, Ed Harris, Lance Henriksen, Scott Glenn, Charles Frank, Scott Paulin y Fred Ward. / Es una de las películas más perfectas que se han hecho sobre los preparativos del hombre a la Luna. No sólo porque concentra en casi tres horas, la historia de los esfuerzos de los astronautas de la NASA por llegar al satélite madre, sino porque, integra la mirada política e histórica de la carrera espacial, con abundante material de archivo, y una sutileza grandiosa para dibujar las personalidades de los profesionales con sus respectivas familias. "First Man" va por el mismo camino, aunque el director Philip Kaufman dejó hace unas décadas con la vara muy alta, altísima, la percepción de este tipo de temas, porque se trata de una obra maestra en su estilo.

"Apocalipsis, ahora" con Robert Duvall y Sam Bottoms. / Que la guerra de Vietnam fue motivo dramático de numerosas películas en los años 70 y 80 del siglo pasado, no hay discusión. Que esta superproducción sacó canas verdes al realizador estadounidense Francis Ford Coppola para llevarla al cine, no cabe duda, y que con el tiempo se transformó en una obra titánica de grandes resultados, hasta incentivar a su propio realizador, a reeditarla con metraje extra en una versión Redux, es indiscutible. Para nosotros, la demostración más noble de que el cine es el Arte de todas las Artes. Relato febril basado en "El Corazón de las Tinieblas" de Joseph Conrad, con las respectivas alteraciones contemporáneas para integrarla al conflicto bélico más discutido de Estados Unidos, es también una obra gigante modélica, donde todo calza con exactitud ; actuaciones, edición, fotografía, música, narrativa, metáforas, sonido...Simplemente es una de las mayores obras del Arte Cinemático. No olviden que en el reparto actúan : Marlon Brando, Martin Sheen, Robert Duvall, Frederic Forrest, Sam Bottoms, Laurence Fishburne, Albert Hall, Harrison Ford, Dennis Hopper, Scott Glenn y G.D.Spradlin. La versión Redux explica de manera más contingente la complejidad de la guerra vietnamita y sus consecuencias para el futuro inmediato.

"A sangre fría" con Robert Blake, Scott Wilson y John Forsythe. / La influencia de la nouvelle vague francesa llegó al cine americano, y este notable thriller, es la muestra de aquello, aunque en su soporífera trasgresión delictual, integra la mirada humana de dos asesinos ( los magníficos Robert Blake y el recién fallecido Scott Wilson ), que huyen después de perpetrar un robo, matando a una familia rural. Cámara al hombro, tránsito urbano y rural, certeros flash backs, itinerario burocrático policial y judicial, asumen el potente trabajo periodístico de Truman Capote, que escribió esta novela- madre de todas las novelas de aliento criminalista, que el director estadounidense Richard Brooks, transcribe en grandiosa síntesis con una modélica estructura narrativa muy atendible al texto original. Resultan inolvidables las secuencias del homicidio familiar y del ahorcamiento de los convictos, por su sumarial manera de enfocar la mirada del espectador.

"Los hombres las prefieren rubias" con Marilyn Monroe y Jane Russell. / Una dura alegoría contra el machismo escrito originalmente por Anita Loos, repercutió en el maestro Howard Hawks, para elaborar esta deliciosa comedia musical arriba de un trasatlántico, con dos bellezas míticas de la historia del cine, un vejete empoderado en sus minas de diamantes interpretado por Charles Coburn, un niño millonario confundido por galán de ocasión, el saladillo George Winslow, y un investigador privado, Elliot Reid, tras los pasos de una embaucadora de armas tomar. Todo en plan meridional, a medias entre musical revesteril de amour fou, glamour y coloridos trajes, a medias, entre discurso feminista más o menos transgresor y contingente políticamente incorrecto. Gran comedia americana que registra la maravillosa conjunción entre la rubia y la morena, en medio de un cuerpo atlético masculino olímpico infranqueable

"Viaje a Tokyo" / "Cuentos de Tokyo" con Chieko Higashiyama y Chishu Ryu. / La circularidad de la existencia vuelve a ser tema de interés para el magnífico cineasta japonés Yazujiro Ozu, con esta entrañable oda a la senectud, que es también una inteligente metáfora sobre el fin de la familia tradicional nipona para dar cabida a una nueva generación relativa a la modernización del país. Ozu registra los sentimientos de los viejos perdidos en un mundo que ya no les pertenece, con "una intensidad asordinada", para remarcar la rutinaria cotidianeidad del tiempo y del espacio, con insistentes elipsis y planos medios que se extasían con los lugares vacíos. Grandiosa película que demuestra la real consistencia y originalidad del cine de Ozu.

"El Río" con Thomas E.Breen, Adrienne Corri, Patricia Walters y Radha. / No hay obra más bella que se haya hecho en la India en esos años, que esta elocuente y sensible aproximación al despertar del amor adolescente, firmado por el maestro francés Jean Renoir. Mediante una capacidad sensorial superior, el cineasta nos invita a conocer las costumbres hindúes a través de una aventura de descubrimiento que parte en una familia de emigrantes británicos. Circunstancialmente, toda la competencia que surge entre las chicas del lugar ( Patricia Walters, Adrienne Corri y Radha ) es por el amor del Capitán John ( Thomas E.Breen), un joven lisiado que viene de la guerra expurgando sus desdichas y complejos. Estudio perfecto de las diferencias entre las culturas occidentales y orientales, es también un contundente, precioso, amable, y estético melodrama sobre el descubrimiento del amor, la frustración de la pérdida, la muerte accidental de la infancia y la recurrencia por recuperar la dicha en momentos de tristeza y abandono. Obra maestra absoluta que algunos críticos la sitúan entre las mejores películas de la historia del cine.

"Mishima" con Ken Ogata. / De todas las película que ha efectuado el guionista y director norteamericano Paul Schrader, ésta es su obra más experimental, diferente, estilizada y novedosa, porque pone a circular en paralelo, las acciones que llevaron al suicidio al escritor japonés Yukio Mishima ( Ken Ogata ), en cuatro actos, utilizando los personajes de sus novelas en colorísticos segmentos que ayudan a comprender mejor la compleja personalidad de un intelectual influyente y rupturista. Es una película para saborear con el gusto de lo extraño y singular que ofrece el arte cinemático.

"Los Olvidados" con Alfonso Mejía, Roberto Cobo, Mario Ramírez, Efraín Arauz, Javier Amezcua y Jorge Perez. / De su etapa mexicana, el realizador español Luis Buñuel efectúa un drama sobre la marginalidad juvenil atendiendo una crítica personal al neorrealismo, para extenderse al terreno de los sueños, la poesía y la irracionalidad. Imágenes simbólicas para subrayar las emociones y los estados anímicos de los jóvenes protagonistas, le agregan una sensibilidad extraordinaria, que le saca partido al subjetivismo de la miseria. Es una película incómoda, porque los niños actúan con salvajismo y en sus muestras de racionalidad, se desbordan en sueños inherentes al hambre, la angustia de vivir en la pobreza, y la falta de oportunidades. Obra maestra que fulmina cuando recordamos que, esta miseria todavía pulula en nuestros países, y parece anónima a los designios de su propia naturaleza.

Nostalgias redimidas.

"Que verde era mi valle" con Donald Crisp, Roddy McDowall y Walter Pidgeon. / De todas las películas que atesoro con más cariño, esta obra maestra de John Ford de 1941, debe estar entre las cinco primeras más favoritas de programa cinéfilo. ¿ Qué nos atrae tanto de una historia sobre una familia galesa de mineros del carbón, que se van desintegrando a medida avanza la modernidad en el tiempo ? Ford, el maestro de maestros, según Orson Welles, acondicionó de tal manera la novela original de Richard Llewelyn, sobre el estupendo guión de Philip Dunne, que el agregó mucho de la tradición irish, como las canciones corales, la música tradicional, el espíritu familiar, los ritos desde la cuna a la muerte, y le dio un barniz de inocencia a la trama, a partir de la mirada de un niño ( el estupendo Roddy McDowell ), que trabajó tan bien su papel, que el director lo titulo "Master" en los créditos. Es probablemente, la mejor película que se ha hecho sobre familias peninsulares, porque está todo lo que Ford dominaba con notable naturalidad, como los gestos, los momentos circunstanciales, los silencios, las debilidades humanas, los toques de accidental belleza ( como el viento calculado en el traje de novia de Maureen O"Hara, la salida de Walter Pidgeon con el niño McDowall semi inválido, por la floresta cubierta de azahares ), y la crítica punzante a la hipocresía, la humillación y la estupidez de las jerarquías que manejan el poder. Nunca ha habido una película más meritoria que ésta, al reflejar el comportamiento humano en períodos determinados de un ciclo vital.

Anna Lee y Roddy McDowall. / Detrás de la magnífica película está el productor de la 20th Century Fox, Darryl F.Zanuck que le había ofrecido el proyecto originalmente al cineasta William Wyler y que cuando éste lo desechó, Ford lo tomó antes de embarcarse a la Segunda Guerra Mundial. Significa el ultimo gran título de este notable director en el mejor período de su trayectoria, cuando acumuló Oscar y mereció el aplauso de la crítica y el público, por dirigir obras maestras como "La diligencia", "El joven Lincoln" y "Uvas de Ira". Es una película plagada de momentos inolvidables.

"Luces de la ciudad" con Charles Chaplin y Allan Garcia. / Cuando hablamos cotidianamente del gran bufo inglés, siempre olvidamos la tremenda contribución que hizo al cine romántico. Por eso, esta película funciona tan bien hoy, y nos revela toda la carga emocional del joven artista británico, en un momento de gran lucidez intelectual, condicionada por su apego a componer, escribir, editar y dirigir sus propias obras. Muy determinista, estricto en los detalles, ensayó cada gags con una disciplina obsesiva, y una de las secuencias antológicas, - cuando la chica ciega le entrega un ramito de violetas a Charlot- , se rodó innumerables veces, hasta dar con la toma perfecta. No es que Chaplin se haya sentido congestionado por los malos resultados de su partenaire Virginia Cherrill, pero él exigía la perfección a grados máximos, y cuando se sintió cohibido, por la poca gestualidad de ella, decidió parar el rodaje y concluirlo más tarde. Cosas del destino, esa secuencia es una de las más hermosas de la historia del cine amoroso.

"La Generala" con Buster Keaton. / El maestro de la pantomima sin expresividad facial, decidió filmar la historia real de un ferrocarril en medio de la Guerra de Secesión, aplicando los conceptos del gag, en una serie interminable de travellings y con un tren real, que terminó zozobrando en el fondo de un río. Puede que no sea la película más risible de Keaton, pero es la más perfecta respecto al trabajo con el relato, sus personajes y la edición. Superior en muchos aspectos a sus compinches de filas ( Harold Lloyd, Stan & Laurel ), Keaton se estableció por obra del destino en una productora que no le entendió su contacto con el celuloide, trastocando su ingenio y deparándole un destino injusto, casi olvidado por décadas en los inicios del sonoro. Esta gran película es para restituirlo en la fila de los maestros de la comedia silente de todas las épocas.

"El hombre mosca" con Harold Lloyd. / Prototipo del chico deportivo de los felices años veinte, supo de glorias y alabanzas producto de unas películas siempre divertidas, amables y armadas a ingenio de la acumulación justificada de gags. Nunca mejor que en esta obra maestra de la comedia ligera, donde además, demostró ser un gran acróbata y un refrescante personaje ajeno a tendencias conservadoras y fórmulas repetidas del chiste corto.

"Las alas del deseo" con Solveig Dommartin. El realizador alemán Wim Wenders se atrevió a innovar a partir de una innovadora idea ( los ángeles pululan entre nosotros y reflexionan a voz abierta sobre el destino de la Humanidad ). La película incorpora un relato menor ( con un ángel que desea experimentar el amor humano ) para acentuar los pensamientos y las acciones más críticas de su mentor. La estilizada fotografía del veterano cameraman francés Henri Alekan, son de una sutileza asombrosa, y las interpretaciones de Bruno Ganz, Solveig Dommartin, Otto Sander, Curt Bois, y el gran Peter Falk, le agregan interés más allá de su existencialismo arrebatador y poético.

"El bueno, el malo y el feo" con Clint Eastwood, Eli Wallach y... / El más significativo de los realizadores italianos de su tiempo, Sergio Leone, cierra su ciclo de "dólares" con este western crepuscular, lleno de guiños al comic, al cine japonés de Kurosawa, y al propio misticismo de la historia de la conquista del far west, con un trío irrepetible detrás de un cuantioso botín enterrado en un cementerio circular. Obra y gracia que dio para hacer un documental español recién estrenado, a propósito de su redescubrimiento por los fans en Almería.

...y...Lee van Cleef. / El estilo tan personal de Leone, de utilizar la banda musical de Ennio Morricone, la edición de Eugenio Alabiso y Nino Bragli, el cut, y la fotografía de Tonino Delli Colli, le permitió vanagloriarse después al elaborar sus "Erase una vez..", con suficiente mordiente como para devorar tiburones. Como se quiera, una obra universal que elevó el valor de los spaghetti westerns para transformarlo en todo un género en sí mismo, con sus propios códigos, estilo y estética.

"La guerra de los mundos" con Gene Barry. / Muchos me dirán que la nueva versión de Steven Spielberg supera todo lo visto. Sin embargo, este gran clásico de la fantasía B, obra del artesano Byron Haskin, basado en la célebre novela de H.G.Wells, es a todas luces, una innovadora película que restablece el buen gusto por el technicolor, las maquetas, los diseños de la aeronaves, la edición y el trabajo de producción. Chile sale nombrado en una secuencia antológica, cuando los soldados intenta destruír los OVNIS y el mundo se estremece por los medios radiales y televisivos de la invasión alienígena. Obra de culto-cultísimo, que merece su integración en un ciclo de películas de sci fi de los años cincuenta.

"Planeta Prohibido" con Leslie Nielsen, Anne Francis y Walter Pidgeon. / Puede parecer retórico integrar otra película de ciencia ficción a esta somera lista de grandes clásicos del cine. Pero en su concepción más estricta, posee valores insuperables que merecen reconocerse, como son : la integración de la sexualidad femenina a través de la figura de Anne Francis luciendo unos vestidos cortitos para escandalizar al viejo código Hays; la aparición sorprendente de Robbie el robot humanoide, que conquistó a los niños terrícolas, y una historia interesante con unas reflexiones místicas muy a propósito de la Era nuclear, que la hacen muy atendible. Con todo, una obra maestra absoluta del cine B, para ver en familia.

"La novia de Frankenstein" con Elsa Lanchester y Boris Karloff. / Si la Universal se trajo a Occidente la tradición gótica germana, a expensas de la influencia que provocó en Hollywood el expresionismo de Murnau y Lang, fue esta obra gigante de esos estudios, la que consolidó el arte de los grotesco, inaudito y extraordinario que tiene el género del terror. El director James Whale, integra la ambigüedad de su sensibilidad con lo trágico de la novela de Mary Shelley, para extraerle una revisión al fenómeno de la creatura, y su patente choque con las fuerzas de Dios. Estimulante continuación y superior al original, que trastoca todo lo visto hasta ese momento, por el tono irónico y divertido con que Whale trabaja estas relaciones entre el monstruo y su partenaire femenina, graznando como cisne y con un peinado faraónico.

Colin Clive, Elsa Lanchester y Ernest Thesiger. / La mayor obra salida de los estudios del terror Universal de su tiempo, es también la más densa de las reflexiones sobre los límites de la Ciencia y su eterna pugna con la Creación. Para los exégetas del horror, una creación fílmica inolvidable con algunos momentos espectaculares, como el nacimiento de la novia interpretada por Elsa Lanchester. Todo un tratado de cómo hacer terror a partir de lo extraordinario y divertido de las situaciones.

Del cine chileno.

"La montaña sagrada" con Alejandro Jodorowski. / Obra enigmática donde las halla, compleja, simbólica, llena de magia, reflexiones estéticas afines con el intelecto de su autor, pero sobretodo, una obra que es un istmo. Un istmo entre la parafernalia del cine inclasificable. Misticismo arrebatador hecho imagen arrebatadora. Subyugante y penetrante. Sin duda, una obra distinta a lo visto, debida al realizador chileno más original ( tal vez sólo reñido con el gran Raúl Ruiz ), que hizo del cine más que una expresión personal, un análisis a la magia de sus sueños. Alquimismo y corrupción, son seres humanos diferentes en la montaña de la insinuación perdida.

Después que "El Topo" y mucho antes que "Tusk", Jodorowski efectúo en México con el grupo Pánico, esta singular película, que le caracteriza como autor cinematográfico muy original.

"La isla del tesoro" con Jean Pierre Leaud y el niño Melvil Poupaud. El director chileno Raúl Ruiz durante el exilio europeo, efectúo esta inteligente reversión al clásico literario de Robert Louis Stevenson, para darle un halo modernista lo suficientemente atractivo, que incorpora la aventura, el surrealismo, la subversión, la contingencia y el atractivo de un elenco irrepetible. Es una película que detrás de la simple evasión aventurera, esconde algunos enigmas superiores - como todo el cine de Ruiz-, anclado en los desbordes surrealistas y los manierismos propios del cine de género. Además, es muy entretenida y sirve como pretexto para reconvenir los clásicos personajes literarios en función de una visión actual.

Martin Landau, Lou Castel y Anna Karina en una escena de la película de Ruiz, para la productora independiente Cannon Group, Se rodó en Senegal y Portugal con elenco multinacional que también consideró a Vic Tayback, Jean Pierre Léaud, Sheila, Jean Francois- Stevenin y Pedro Armendariz Jr. El prodigio parisino Melvin Poupaud que encarnó al joven Jim Hawkins, ha hecho una fructífera carrera en el cine y la televisión, dedicándose a dirigir además sus propios cortometrajes.

"El chacal de Nahueltoro" con Nelson Villagra. / Imposible olvidarla, porque marcó un antes y un después en el cine nacional. Reconstrucción realista de 1969, casi documental de la azarosa vida del campesino analfabeto, José del Carmen Valenzuela Torres, que mató a su familia y el Estado lo educa para terminar concientizándolo sobre sus actos, antes de morir en el patio de fusilamiento. El estilo contestatario de Littín, no parte en su manera ágil de manejar las cámaras, sino en como enfoca el itinerario, que lleva al personaje de ser un analfabeto y salvaje, a un tipo educado y consiente de sus acciones. Todo un tratado antropológico que dio para cambiar en algún momento la perspectiva de la rehabilitación de los reos en Chile, y que muy a nuestro pesar, hoy día parece una cuestión olvidada. Con una extraordinarias actuaciones de : Nelson Villagra, Shenda Román, Marcelo Romo, Héctor Noguera y Luis Alarcón.

"Largo viaje" con Enrique Kaulen, Julio Tapia y Rubén Ubeira. / Otra de las películas que siempre llevo al campo para exhibirla a mis alumnos. Una joya neorrealista chilena producida en 1967 y dirigida por Patricio Kaulen, que narra la aventura en medio de la miseria santiaguina, de un niño de ocho años ( Enrique Kaulen, hijo del realizador ), que desea entregarle a su hermanito, un bebé fallecido, unas alas de papel para llegar al Cielo. El estupendo reparto se acondiciona a las anécdotas que van surgiendo en esta travesía, por una Capital marginal, perdida en la mendicidad, el alcoholismo, la violencia, la prostitución, pero retratada con una humanidad increíble y donde tampoco se deja de lado el retrato de la alta sociedad. Todavía el funeral del angelito, se cuenta entre los momentos más sorprendentes de esta clásica película de nuestro cine.

Cuestión de géneros.

"E.T. El extraterrestre" con Henry Thomas. / Si la gestación de la obra más personal de Steven Spielberg fue objeto de la casualidad, producto de su relación con la guionista Melissa Mathison que entendió el universo infantil y que adicionó muchas de las verdades domésticas que el autor vivió cuando niño, no es menos cierto pensar, que se iluminó con el espíritu Disney, con la moda ufológica que se vivía en esos momentos en Estados Unidos, y con la tendencia de vivir en los suburbios californianos. Henry Thomas, Drew Barrymore y Robert MacNaughton están estupendos como los hermanos que esconden al E.T. en su cómoda casa de dos pisos, la insuperable Dee Wallace, que se transformó en la mamá de todos a partir de esta película, y Peter Coyote que audicionó sin siquiera saber si iba a quedar elegido por una sugerencia de un amigo realizador. La magnífica fotografía de intensos atardeceres de Allen Daviau hizo escuela, y su luz nocturna acompañó a Spielberg en el logo oficial de la DreamWorks Pictures, cuando la figura de Elliot montado en bicicleta cruzando la luna llena, se transformó en el logotipo oficial de la productora del joven midas hollywoodiense.

En casa escondido por los niños protagonistas, E.T. conquistó los corazones de todo el mundo, con un rostro que simula la apariencia de los fetos y la textura de ser un científico rural de pantanosos hemisferios extraterrestres. La música de John Williams es otro de los grandes clásicos que ostenta esta intimista visión familiar americana, que habla sobre el amor, la maternidad, la hermandad, la dulzura, la piedad, la frustración de la ausencia del padre, la carga emocional de la madre para evitar zozobrar en un mundo machista, la amistad, la superación de los límites impuestos por una sociedad conservadora, la modernidad del consumismo, la soledad y la espiritualidad cristiana, simbolizada en un ser venido de otras galaxias, cuyo corazón se ilumina como el Sagrado Corazón de Jesús.

Una secuencia clásica de la película como es la persecución policial con los chicos montados en bicicletas, fue corregida digitalmente por Spielberg para borrar cualquier vestigio de violencia en los aparatos de seguridad. En la escena original, los policías portan armas, aquí por obra y gracia de los F/ Xs portan walkie talkie o corren a manos descubiertas.

"Policía Montada del Canadá" con Gary Cooper, Lynne Overman y George Bancroft. / No hay que ser pitonizo, para entender cuan trascendente fue para la filosofía del western clásico, una figura alta y delgada como el cowboy taciturno que interpretó en varias ocasiones, Gary Cooper. Esta superproducción firmada por Cecil B.De Mille, es una de sus incursiones más características y mantiene inalterable su sentido de la épica histórica y sus clichés más vigorosos : ataque de los indios, malos de turno muy socarrones, cautiverios sorprendentes y cabalgatas emocionantes. La historia sobre los Texas Rangers en Canadá de 1885, en conflicto constante con las tribus aborígenes y los malandrines de poca monta, le sirven de pretexto a De Mille para construír una épica de buen ritmo narrativo, amena y vigoroza. Con el technicolor adicional de la época, brillan con luces propias los escenarios y las acciones más emocionantes.

"Río Grande" con John Wayne, Maureen O"Hara, Victor McLaglen. J.Carroll Naish y Peter Ortiz. / Irrepetible capítulo de la llamada trilogía de la caballería que John Ford dedicó a enaltecer los valores militares, pero sobre todo, a tejer una historia de amor que critica duramente el sentido del deber ser con el deber estar. En efecto, John Wayne es un Coronel que ha dejado a su familia botada por el cumplimiento del deber patriótico, y cuando ésta irrumpe en su servicio bajo su mando, le enrostra fuertemente su complejo de autoridad. Lo mejor está, en como el director hace entretenido el desajuste, incorporando música romántica, malabarismos ecuestres, una delirante agudeza para entender las relaciones hombre-mujer y padre e hijo, y sutilmente ser fiel a su estilo y a sus intereses temáticos. La película está basada en una historia que salió publicada en el "Saturday Evening Post". El prodigioso actor Claude Jarman Jr ( "El despertar" ), está inolvidable como Jefferson York, el hijo del Coronel que se niega a ser tratado como un chico especial porque su padre está al mando y que termina ganándose el respeto y la admiración de sus compañeros de fila.

"Tarzán y el desierto Misterioso" con Johnny Weismüller , Johnny Sheffield, Cheetha. / De todos los tarzanes de Weissmüller en la MGM y RKO, esta aventura parece atemporal, salida de las huestes de una película fantástica, y aún así, funciona a las mil maravillas como una sólida matinée familiar. Esta dirigida por un artesano inteligente William Thiele, y considera la aparición de unos dinosaurios y unas plantas carnívoras gigantes de épocas prehistóricas. Los villanos de turno son Otto Kruger y Joe Sawyer y la chica es una acróbata,Nancy Kelly, que aparece parapetada en reemplazo de una nueva Jane. Al buenísimo de Johnny Sheffield como Boy, le pasa de todo en esta aventura, como que termina atrapado en la telaraña de una tarántula gigante. Es diversión a granel de serie B

"El último refugio" con Humphrey Bogart, Ida Lupino, Alan Curtis, Arthur Kennedy y Cornel Wilde. / Pieza perfecta de cine negro, atrapa y subyuga por como esta narrada por el estupendo director Raoul Walsh. Es también un tratado profundo de la sicología de un ladrón de corazón blanco, atrapado por un destino del que ya no puede escapar, y que se enfrenta al amor de dos chicas : Velma ( Joan Leslie ), una joven minusválida a la cual no le pertenece, aunque hace todo lo que puede para recuperarle su capacidad motora, y Marie ( Ida Lupino), una sensible y práctica mujer mundana, que sueña con ser su esposa. Todo esto, entremedio de la preparación de un asalto que parece perfecto. Obra maestra que conoció una remake "Colorado Territory" en onda western, dirigida por el mismo Walsh.

"Vértigo" con James Stewart y Kim Novak. / Joya del cine por donde se la mire. El thriller exacto en las manos del genio británico Alfred Hitchcock. Especie de resumen de todas sus obsesiones como autor completo. James Stewart está impagable ejecutando persecución investigativa en una joven interpretada a dos tiempos por la exquisita Kim Novak, que cree ser la reencarnación de una muerta. Se enamora, y la necrofilia se hace patente. Gran empleo del tiempo, de los colores sugerentes, de la edición sonora, musical y visual, y un trabajo modélico para mayor gloria de la novela "De entre los muertos" de Pierre Boileau y Thomas Narcejac.

"Doble de cuerpo" con Craig Wasson y Melanie Griffith. / Todo a su debido tiempo, parece decirnos el director Brian De Palma cuando construyó esta original revisión al mito de "La ventana indiscreta". En su momento se le criticó injustamente, porque muchos decían que se trataba de una vil copia al maestro, y hoy con la altura de los años, ha sobresalido por su exuberante forma de graficarnos la obsesión compulsiva de un voyeaur, y de partida, jugarnos una mala pasada, a los que somos voyerista del cine. Sin duda, una obra maravillosa que sobresale de otros filmes, por esas secuencias licérgicas cuando el protagonista Jack Sculli ( Craig Wasson), un actor de poca monta que sufre de claustrofobia, persigue a una bombón sexy y glamorosa, Gloria Revelle ( Deborah Shelton, que posó desnuda para la "Playboy"). A su lado, la llegada de una actriz porno, Holly Body ( Melanie Griffith ) que hace dobles de cuerpo para estas películas sucias, y que le ayuda a desenredar la trampa en que le ha metido un "amigo", no hace sino mantener la angustia de una película soporífera, cautivante y asombrosamente, inolvidable.

Deborah Shelton interpretando a Gloria Revelle, la víctima de un asesinato, que el protagonista admira desde su telescopio mientras danza eróticamente antes de ser cruelmente asesinada.

"La guerra de las galaxias" con Carrie Fisher. A algunos les entró la cinefilia a partir de esta película. No es mi caso, porque ya venía con el germen desde muy chico. Pero lo que nos provocó ver en cine, en pantalla ancha, con Dolby Stereo, y en celuloide esta película, la primera vez, es inolvidable. Cruce de muchos géneros y estilos como el western, el filme de guerreros japoneses, el drama con la sombra de Shakespeare, el comic, la ciencia ficción, la fantasía, es frente a todo, cine evasivo hecho con inteligencia y buen olfato comercial. Que para la historia del cine, significó un antes y un después, para bien o para mal es indudable. Contra fans y detractores, "Star Wars" sigue siendo el viejo sueño de Georges Meliés que adicionó al espectáculo, los avances de la tecnología, los efectos visuales especiales, y la arquitectura aeronáutica de la NASA. Sin duda, un filme superior, que nos obligó a reflexionar sobre los ilimitados rincones que tiene la imaginación humana.

Fotos- Gentileza : Paramount Pictures. Warner Bros Pictures, Columbia Pictures- Universal Pictures- RKO Pictures- Amblin Entertaiment- Sony Pictures- Europaress- Singh & Sound- Cahiers du Cinema- Cinemania- 20th.Century Fox- Archivo.-