Séptimo 7 sello: COMER, BEBER Y AMAR POR EL CINE :

La mirada novedosa.

"Sweet Country" dirigido por Warwick Thornton, es un notable western australiano que rescata la identidad cultural del pueblo aborigen y lo confronta al juicio humano en un drama realmente conmovedor. Es uno de los títulos que rescatamos de esta cartelera internacional de estrenos, para esta gozosa entrada del blog.

El racismo como metáfora cultural y social.

"Sweet Country" de Warwick Thornton. Un novedoso y magnífico western australiano, ambientado en la década de los años veinte del siglo pasado, que narra los tristes acontecimientos que derivaron en el proceso judicial que llevo a cabo la magistratura oceánica, contra un viejo aborigen, que fue acusado del asesinato de un blanco, después de defender a su pareja de una violación. La película en un estilo seco, despojado de retórica manierista, e integrando los flashbacks como síntesis dramática plausible, acomoda un guion de Steven McGregor y David Tranter, para erigir un discurso antirracista, muy sólido y consecuente con la historia original. Se trata, por cierto de un western en toda su regla, que recuerda en su refinada estética al maestro John Ford ( visualmente arrebatador por el uso que le da a los espacios y al paisaje australiano ), a Anthony Mann y Budd Boetticher en el tratamiento psicológico que le da a los personajes, pero sobre todo, una obra lograda y muy original acerca de la tolerancia, el racismo, la dominación de los pueblos indígenas por la conquista anglosajona, el sin sentido de la violencia y la muerte como corolario silencioso que espera tras cada esquina. Imperdonable si la dejas pasar por alto.

Con una narración fluida prescindiendo del uso de la música, Warwick Thornton efectúa un relato a la manera de los grandes clásicos del cine. El estilo reposado del relato como vino añejo, es también naturalista, antropológico, sincero, elocuente, melancólico, humanista, y evita los clichés más característicos, para abordar la mirada piadosa sobre el supuesto criminal y revelar su enorme capacidad para contener los momentos violentos con los instantes más poéticos que tiene su factura. Este equilibrio, le permite además, concentrar la atención del espectador, en algunos pasajes que subrayan la inocencia de una cultura pacífica sometida por el yugo opresor de los blancos. Esta lectura antirracista le da una altura de miras a toda la trama judicial, y ratifica el mensaje en el desenlace sorpresivo y emocionante.

Las diferencias culturales vuelven a ser parte de la temática que integra esta interesante película de una propuesta muy novedosa. El chico sometido a constantes castigos, se queda con el reloj del desaparecido instigador, para perpetuar la enorme distancia que hay entre su pueblo y la civilización blanca.

La estilizada fotografía del propio director y del operador Dylan River recupera el valor que tiene el paisaje en el western, algo que sabía precisar muy bien John Ford en sus obras más singulares. En otro orden de cosas, Thornton encuadra escenas completas subrayando el exquisito y sensible tono que tiene el desierto australiano, sus arboledas y roqueríos sin caer en un esteticismo demasiado rebuscado.

Sam Neil interpreta a Fred Smith, un pastor integrista que se nutre de la Biblia para evitar las fricciones con los aborígenes, aunque sus choques con el poder militar serán evidentes cuando se arme una cruzada para buscar al indio cautivo.

Bryan Brown encarna a Sargento Fletcher, autoridad policial del pueblo que mantiene una insobornable presencia sobre el resto, en función de la ley del revolver, la opresión y la intolerancia. Nacido en Sydney en 1947, Brown es uno de los actores más característicos de la cinematografía australiana. Debutó en 1975 y su currículum incluye más de 90 actuaciones para la gran pantalla y la televisión. Lo puedes reconocer en películas como : "The Chant of Jimmy Blacksmith", "Consejo de guerra", "F/X : Efectos Mortales", "Coctel", "Gorilas en la niebla", "Juramento de sangre", "Dinero sangriento", "Tai Pan", "Australia", "Dioses de Egipto" y como la voz del padre del conejo protagonista en "Peter Rabbit".

Sam Neill es Fred Smith, un humanista recalcitrante que evita los enredos y defiende la integración racial en buena medida. Nacido en Omagh, Irlanda del norte, de padre neozelandés y madre inglesa, ingresó a las Universidades de Canterbury y Victoria. Sacó un master en Literatura inglesa. Después de graduado se fue al teatro en Nueva Zelandia, y de ahí paso a la televisión en 1971, y posteriormente en 1975 al largometraje en cine. Toda su carrera brillante y destacada, le ha mantenido efectuando producciones para el cine neozelandés, australiano, inglés y norteamericano, sin dejar por eso de participar en series para la pantalla chica. Entre sus actuaciones más recordadas están : "Mi brillante carrera", "Una mujer poseída", "Un hombre de un país lejano", "La Profecía 3 : El conflicto final", "Placer de amor", "Un grito en la oscuridad", "Terror a bordo", "A la caza del Octubre rojo", "Hasta el fin del mundo", "Jurassic Park", "La lección de piano", "Al borde de la locura", "Sirenas", "El libro de la selva", "La nave del terror", "El hombre bicentenario", "El señor de los caballos", "Little Fish", "Irresistible", "Angel", "Vampiros del día", "El Cazador", "Votos de amor", "Thor : Ragnarok" y "Peter Rabbit". Para el 2019 se le espera ver en cuatro películas. O sea, sigue siendo un actor muy solicitado.

Hamilton Morris es el actor aborigen que interpreta a Sam Kelly el principal acusado de esta novedosa cinta oceánica. Es la única película que ha hecho para el cine, aunque también se le ha visto en una serie de televisión : "8MMM Aboriginal Radio". En esta película es el esposo de la actriz aborigen Natassia Gorey Furber.

El actor de carácter Matt Day interpreta al Juez Taylor, que con un sentido más flexible que lo común, intenta esclarecer los hechos ocurridos que inculpan al aborigen de asesinato. Su rol es clave para resolver todo el conflicto que presenta esta historia. Nacido en Melborne, Victoria, Matt es conocido principalmente como actor de televisión desde que debutara en este medio en 1988.

Los mellizos aborígenes Tremayne y Trevon Doolan interpretan en distintos momentos a Philomac, el testigo presencial de los hechos ocurridos en el relato de la película. Aqui aparece acompañado por el actor Thomas M.Wright, a quien ya vimos anteriormente en la cinta "Everest".

El Amor en tiempos convulsos.

"Cold War" de Pavel Pawlikowski. Estamos frente a una de las grandes películas de este año. No tan sólo porque es una obra maestra en toda su extensión, sino porque se arriesga a contar una historia muy personal - en este caso la historia de amor, o mejor dicho de encuentros y desencuentros afectivos de los padres del director en la Polonia comunista de los años 50-, con un sentido espiritual que suena a bicho raro en estos tiempos de informática aplicada y stress global. El trasfondo sicológico y espiritual de sus personajes aparecen sobre el contexto histórico para hacer factible las complejidades en las relaciones de pareja, y elevar la poética en una cinta realmente maravillosa , singular y diferente. En algún sentido, prolonga las características estéticas y narrativas de "Ida" ( la anterior película de Pawlikowski que ganó el Oscar a Mejor Película en lengua extranjera), sólo hasta que la protagonista se va a París, para gatillar los tremendos encuentros y dolorosos desencuentros, en medio de una idea cultural y política sobre los talentos de la música en viaje por Polonia, Francia, Alemania y Yugoeslavia, que fue en verdad, una maniobra de integración social y artística de manejo ideológico.

La estupenda actriz Joanna Kulig es Zula, un talento vocal que se debate entre la sensibilidad más rigurosa y la oscuridad mental más nauseabunda.

Pawlikowski optó por extender la estilizada fotografía en blanco y negro de "Ida" del operador Lukasz Zal para continuar con este análisis profundo a la sociedad polaca de su tiempo constreñida por el comunismo más recalcitrante. Sin duda, que la lectura política de la película, pasa a segundo orden, porque la materia primordial de su discurso está orientado sencillamente a mostrar las relaciones de una pareja en un momento de crisis.

El actor Tomasz Kot es Wiktor , un hombre contrariado frente a una mujer que sexualmente le atrae, aunque mantiene grandes diferencias de origen y temperamento. Su hijo decidió contar su historia, con una belleza melancólica y realista que le da el blanco y negro y la perspectiva crítica del paso del tiempo.

El actor Borys Szyc es Kaczmarek, comisionado por el partido para efectuar esta iniciativa de integración cultural musical. La mirada de Pawlikoswki es crítica con el personaje, pero muy característica de los tiempos oscuros del totalitarismo en Europa.

La pregunta con que se incentiva Pawlikowski parece ser ¿ Que hace que dos seres tan distintos se atraigan y se enamoren ? En este contexto, el filme se transforma en una reflexión sobre la crisis emocional de una mujer hermosa, vital, algo alocada, incómoda con su existencia, con el romance y con la propia historia que le ha tocado vivir. El paso de los límites geográficos del Este al Oeste , es también un gesto de descarga emocional que Pawlikoswki filma mediante elipsis y simbólicos momentos donde se integran los objetos y las personas.

Zula es una mujer en crisis, en un mundo en crisis. Su carácter solo es reflejo de su propia historia y la película una obra contundente y grandiosa que confirma a Pawlikowski entre los cineastas actuales preferidos por este cronista.

La tercera edad en la figura de un mítico actor.

"Lucky" de John Carroll Lynch. El tiempo pasa para todo el mundo y los actores no son la excepción. Cuando la tercera edad parece importarle a muy poca gente, aparece esta larga figura grácil y característica del cine americano por casi setenta años para narrarnos un relato que debiera interesar a todo el mundo. Harry Dean Stanton, un notable actor secundario que llegó a ser la estrella absoluta de Wim Wenders en la modélica "París Texas", es el protagonista absoluto de esta entrañable oda a la ancianidad. Un viaje de autodescubrimiento en el atardecer de la existencia de un hombre ateo, de noventa años, de fuertes convicciones éticas y morales, humanista y fanático del tabaco y de los concursos televisivos. Y amante de la música ranchera mexicana. La película nos regala un momento antológico con Harry / Lucky cantando un clásico. La película en su minimalismo arrebatador, dibuja un paisaje muy afín con Stanton ( el desierto, la frontera, los cactus de siglos, la vastedad del cosmos...), y es capaz de discernir sobre la soledad, la vida y la mejor forma de atisbar la muerte sin ponerse colorado. Una lección de vida que es también un gran homenaje a su persona, ya que también trabajan en ella, muchos de sus amigos como Tom Skerrit, Ed Begley Jr, Wim Wenders, James Darren... Es el debut en la dirección del calvo actor de "Fargo", "Zodiaco", "Nuevamente amor" y "En compañía del miedo", realmente sorprendente por su aguda sensibilidad para retratar a un auténtico cowboy del mítico far west.

Uno de los elementos que sobresale en la película, es la extraordinaria fotografía de Tim Suhrstedt, con profusión a contrastar el intimismo más elocuente con la vastedad de los exteriores del paisaje desértico.

Corajudo, huesudo, filántropo ocasional, filósofo por accidente, casi en el final de sus días, Harry Dean Stanton nos regala una actuación insuperable, que nos insta a vivir la vida con el espíritu de un joven de veinte y la experiencia de los años acumulados en la piel.

Simbólico plano detalle que muestra las botas de vaquero del protagonista. ¿ Cuántos sets no pisaron esos pies, cuando filmó en su época westerns clásicos como : "Pat Garret & Billy The Kid", "La Conquista del Oeste" o "Rancho de luxe" o míticas series de televisión del far west como "El hombre del rifle", "Bonanza", "El Virginiano"o "Daniel Boone". No debemos olvidar su gran participación como secundario, en películas del calibre de : "Dillinger", "El motín de los valientes", "El Padrino II", "Alien", "Golpe al corazón", "Christine", "Corazón salvaje", "Twin Peaks", "Una historia sencilla", "Repoman", "La última tentación de Cristo", " Milagro Inesperado", "Sospechas mortales", etc.

Un regalo para los ojos, el actor interpretando su canción ranchera favorita.

Ed Begley Jr. es el doctor que atiende a Lucky. ¿ Lo recuerdan en "La marca de la pantera", o "Calles de fuego", o "La diabla", o "Battlestar Galactica" ?

Wim Wenders aparece para despedir como Dios manda a su amigo.

Tom Skerrit también tiene un rol destacado en la película. Filmaron juntos "Alien" y también lo puedes ver en "Top Gun", "MASH", "Singles", "Contacto", entre otras.

James Darren es otro de los veteranos actores que aparecen en la película. Entre sus películas más recordadas están : "Los cañones de Navarone"y "Gidget". También actúo en series televisivas como : "Hawaii 5-0", "La Isla de la fantasía", "T.J.Hooker" y "Melrose Place".

Una película sencilla, humanista y llena de enseñanzas vitales para ver en familia y con el recuerdo de haber conocido un gran actor y personaje del cine de siempre.

La familia en una tormenta perfecta.

"Después de la tormenta" de Hirokazu Koreeda. Una vuelta a la esquina para el notable realizador japonés, considera la creación de esta película. No porque se aparte ostensiblemente de sus temas preferidos, de hecho, está su mano maestra para discernir y reflexionar sobre la esencia de una familia y sus relaciones paterno-filiales; sino porque obliga a someter todo el material expuesto, a la evocación más transitoria, espiritual, sensible a los cambios y las disgregaciones que narra con una estupenda utilización de los momentos más determinantes, como en este caso, alrededor de un tifón que obliga a esta familia a compartir una noche bajo el mismo techo, pese a sus diferencias. Ryota ( Hiroshi Abe), un padre que trabaja como detective, pese a su afición a escribir novelas y que gasta todo lo que gana apostando en las carreras, y que es incapaz de mantener a su único hijo varón de once años ( Taiyo Yoshizawa) o de tener una relación estable con su ex mujer ( Yoko Make), anda siempre al debe...aunque con una relación mas fluída con su madre ( la recién desaparecida Kirin Kiki ). Estos cuatro personajes el permiten a Hirokazu Kore-Eda manejar los hilos del argumento con una libertad absoluta, siempre muy afín con sus características sicológicas, y con una sutil belleza de armonizar las reflexiones más contenidas con las emociones más elocuentes, muy bien subrayadas por la música de Hanaregumi. La confrontación entre lo mitológico con lo tradicional, es solo un apunte para soslayar la verdadera esencia del relato, su humanidad más contemplativa, reforzada en una fotografía casi pictórica de Yutaka Yamazaki. Obra maestra absoluta, que habla con madurez de la liberación de los conflictos familiares, a través de una reunión que tiene sus causas y sus efectos en la propia conciencia del espectador. Uno de los grandes estrenos del año.

Las vivencias y frustraciones de una pareja, obligadas a transitar por una noche tormentosa por un camino liberador conducidos por un realizador valioso y sensible.

La clave del conflicto entre sus personajes, está en aceptarse como es cada uno, frente al otro, sin mediar en defectos y deberes, que son la base de sus grandes diferencias. Hay en esta visión objetiva de la vida, una mirada contemplativa muy nipona, que acerca el cine de Hirokazu Kore-Eda al cine de Yazujiro Ozu. Brillantemente resuelto en secuencias y acciones muy bien planificadas en la puesta en escena.

El matriarcado como base sustentable de una familia, con la estupenda actuación de la actriz Kirin Kiki, recientemente desaparecida, y Yoko Make.

Existe una implicación del director en toda esta historia, porque se desarrolla en la ciudad de Kiyose. Los espacios urbanos escogidos forman parte de la vida residencial donde el mismo Kore-Eda creció y se formó. Esta necesidad de mostrar parte de su vida en situaciones bien determinantes, nos hablan de su sentido casi autobiográfico y personalista, que ilustra su integración a todo el cuadro neorrealista que conforma la trama de esta estupenda película social.

Es una cinta fundamentalmente emocional, que traspasa sus imágenes para quedarse en el consiente del espectador vía la amabilidad, la complicidad y la profundidad con que sus personajes centrales y secundarios están elaborados. En esta curiosa fotografía, los actores descansan entre una toma y otra en exteriores en Kiyose. Cabe resaltar que, este año en Cannes, Kore-Eda recibió la Palma de Oro por su nueva película "Shoolifters".

La otra mujer fantástica.

"Girl " de Lucas Dhont. En Cannes esta singular película belga recibió el Premio Mejor Opera Prima. Tiene sus razones fundamentadas en una grandiosa manera de enfocar el tema de la transexualidad con un componente absolutamente legítimo, naturalista, casi documental, que acerca la visión al espectador y lo integra de manera cómplice. En este aspecto, conmueve y emociona, la historia de esta muchacha, Lara ( el estupendo actor Victor Polster ), de quince años, que ha vivido durante toda su existencia en el cuerpo de un hombre y sólo ansía ser una ballerina. En una época de reivindicaciones, esta trama se hubiera convertido en un alegato político extremo sobre la sexualidad de un joven. Pero Dhont que dirige como escribe, actúa sobre la base de una realidad inherente, pues un caso así, se puede dar en cualquier parte del mundo. Lo auténtico está en su soltura para mostrarnos las vivencias de esta adolescente en su tránsito a ser aceptada como mujer, aunque su apariencia dista lo contrario. Hay determinismo, vitalidad, emoción, humanismo, un sentido de integridad familiar, un soplo de autenticidad que le confiere una calidad a todo el trabajo realmente asombroso. Posiblemente el filme se transforme en un estandarte para la comunidad homosexual, pero es más que todo eso. Se trata de una película que nos habla de la aceptación desde la base de la conciencia de un joven en su etapa de crecimiento sexual y mental. Una gran película para ver con los adolescentes de la secundaria.

La inclusión familiar no es tema para Lara, sino su aceptación como ballerina que la mueve a perfeccionarse hasta los extremos.

La exquisita sensibilidad de Dhont, está en las sugerencias anímicas y emocionales que tienen los personajes de su estupenda primera película.

En los estrictos y disciplinados ensayos de ballet, Lara asume que tiene mucho camino por recorrer, pero ansía llegar a la cúspide de su sueño profesional, mientras se prepara para un cambio de sexo.

Luciendo como una sílfide, Lara es la protagonista de esta interesante visión sobre la aceptación de su sexualidad y los esfuerzos por llegar a triunfar en el ballet clásico.

El joven director Lukas Dhont sólo había hecho cortometrajes pero que ya tenían el estilo y la sensibilidad de su primera largo, como podrás comprobar si tienes acceso a sus trabajos anteriores : "Corps perdu" ( 2012 ), "Huid von Glas" ( corto documental , 2012) y "L"Infini" ( 2014 ).

Infinito talento expresivo tiene este muchacho actor, Victor Polster, un debutante de quince años, que logra compenetrarse en el rol de Lara, de tal modo que es difícil olvidarle. Este año principalmente ha desarrollado una carrera en la televisión en series como : "L"invité" y "C a vous".

El chico cibernético.

"Boy 7 " de Lourens Blok. Desde Holanda nos llega este insólito ejercicio posmodernista sobre un mundo dominado por la Informática y que ilustra de manera original, el dominio de la conciencia humana mediante unos chips, para lograr el dominio del poder en circunstancias especiales. ¿ No les parece conocido este argumento ? Sin duda, con varias aleaciones a películas ya vistas, tiene su singularidad en la utilización de los espacios urbanos de Ámsterdam, la tonalidad de una fotografía nocturna muy futurista, y unas actuaciones muy bien resueltas por Matthjis van de Sande Bakhuysen, Ella-June Henrard, Tygo Gernandt y Yannick Jozefzoon. La trama mantiene la tensión y el suspenso con varias vueltas de tuerca, algunas sorpresas y un ritmo que no decae jamás. Pese a su proximidad con otros productos del género, se huele refrescante y sutil, muy elaborado en lo técnico, y mejor aplicado en el estilo posmodernista de un cine desconocido por estos lados del hemisferio. Como novedad, incluye referencias al cine B de acción, a "Matrix", y a todos esos argumentos postapocalípticos tan en boga en tiempos convulsos.

Los espacios urbanos interiores o exteriores son utilizados para contar una historia de un futuro próximo dominado por la cibernética y la informática. También están junto al joven protagonista, una chica que molesta, un amigo medio cobardón y un villano que no suelta los códigos más severos de la violencia y la subordinación.

El amor vuelve a ser la clave efectista para evitar el dominio total de las computadoras. Chico encuentra a chica. Chica está dominada por un chip. Chico se deja dominar para viralizar los malévolos propósitos de una compañía. ¿ Logrará contener el engaño a costa de vulnerar los controles del villano de turno ?

El actor Tygo Gernandt es el villano Zero, que es cero corazón y pura ambición en la película.

Fotos-Gentileza: Transmission Films- IFA- Bunya Productions- Opus Film- Apocalypso Pictures- MK2 Productions- Superlative Films- Eureka Entertaiment- Magnolia Pictures- Aoi Promotion- Bandai Visual Company- Menuet Producties- Topkapi Films- Lemming Films- A-Film Benelux MSD- Colaboración Especial Comentarios de Claudia Sotomayor- Antonio Eduardo Diaz.-