Séptimo 7 sello: PELICULAS PARA REDESCUBRIR EN CASA :

Originales y novedosos títulos para entender el arte del cine.

El actor japonés Chishu Ryu en un cuento ecológico de una de las nueve historias que presenta "Los Sueños" de Akira Kurosawa, una obra inusual tremendamente humanista, ecologista, artística, que está en esta lista recuperable a través del Blu Ray y DVD. Como ella hay otros títulos por redescubrir en esta nueva entrada del blog.

Un clásico japonés en la forma y en el fondo.

"Los sueños"/"Yume" de Akira Kurosawa: No recuerdo una película más absoluta en el espíritu de manifestar un amor apasionado por el arte cinemático, la nobleza de la estética, la conformación de lo experimental, y la sabiduría de los temas, como esta gran obra maestra del cineasta de "Rashomon", "Los siete samurái", "Vivir" y "Ran". ¿ Que la mantiene tan novedosa a pesar de haber sido estrenada hace 28 años atrás dentro de un ciclo de cine de la Universidad de Talca? Yo creo que su estructura episódica de nueve cuentos, que a Kurosawa le interesaba rodar como una forma de aportar a los grandes temas de la discusión artística, política, estética, ecológica y humanista. Es una grandiosa fábula sobre la expresividad audiovisual, recorrida por momentos inolvidables que nos hablan de la vida, la muerte, la fantasía, el paso de la infancia a la adolescencia, el transcurso del tiempo que parece infinito, el vagabundear de los espíritus de la guerra, la manifestación pictórica como metáfora de la muerte, la ecología como un todo y que debe interesar porque es la base de la supervivencia humana.

El cuento de "El campo de duraznos" es una alegoría a la destrucción ambiental producto del hombre, y una significativa historia de ribetes ecologistas que nos obliga a mirar a la Naturaleza como la base de la preservación humana.

El cuento " Llueve y brilla el sol", es la historia de un niño en su proceso de madurez, mediante un relato que integra a los zorros que observan este traslado del hogar materno hacia un estado más adulto, en una ruptura que tiene sus límites territoriales muy definitorios.

"El monte Fuji en llamas", muestra los efectos de la contaminación atómica, de la destrucción de la capa de ozono y del hábitat geográfico, en una fantasía apocalíptica muy actual, que nos obliga a centrarnos en las cuestiones fundamentales que tiene esta existencia. Es una provocación con Kurosawa apretando las clavijas del consiente del espectador, para ver hacia dónde vamos, sino detenemos ciertas aptitudes que están agotando nuestras reservas naturales y destruyendo la vida.

En "El Túnel" las almas de un ejército vagan de forma inexorable, para visitar a su comandante que se salvó del exterminio. Es un corto con un sesgo terrorífico, pero que manifiesta un discurso anti bélico muy singular, y que remarca el papel de los superiores, que todo lo excusan con insinuaciones erráticas de un triunfalismo inexistente.

En "Los Cuervos", un homenaje al pintor Vincent Van Gogh, es el joven Kurosawa estudiante de Bellas Artes, el que se integra en los cuadros del célebre artista para descubrir las motivaciones de su obra. Un gran pieza maestra donde se fusiona el legado del artista con la representatividad de sus emociones y que culminan con el cuadro que da título al corto donde se anuncia la presencia de la muerte.

Martin Scorsese interpreta a Van Gogh y testimonia el momento cúlmine de su trágica decisión, con una notable capacidad de encarnar las controvertidas y ambivalentes suspicacias intelectuales del artista.

En Cannes, Kurosawa y Scorsese en la exhibición de "Los Sueños", sin duda, una obra de gran belleza que recompone los desbordes oníricos de uno de los realizadores más sobresalientes de la historia del cine.

En el cuento "El pueblo de los molinos de agua" junto al veterano actor Chishu Ryu, la exposición ecológica alcanza su cenit pues acomoda la hermosura del paisaje a un discurso humanista de la relación hombre-naturaleza, y nunca claudica para indicarnos que, la solución práctica a los problemas ambientales, están a la mano. Sólo resta el poder de decisión y la fuerza positiva para enfrentar los dilemas que nos espera con respecto a los límites de la energía.

Un relato infantil ruso bello y novedoso.

"Strazdanota Vasara" de Bronius Talacka : Con una tradición histórica por el cine infantil, el cine ruso estrenó en los años ochenta, esta novedosa película filmada con las nuevas cámaras ligeras portátiles y que supone una vuelta a la esquina en materia temática. Ya no es solo un discurso político integrado en la típica historia del niñito bonito enfrentado a los devenires familiares, sino más bien, se trata de un cuento realista, acerca de la vida campesina de un chico que sufre por los sueños de cariño y amor que están ausentes. En un momento se ve al chico actuando como esos guerreros de Alexander Nevsky, o como un soldado en las trincheras, admirando a su hermano mayor. La película tiene el gran valor de manifestar una belleza intrínseca por el paisaje rural, y sobre todo, por la original forma de entremezclar lo real con lo imaginario. Se trata, por cierto, de una cinta familiar para ver con los niños, pero también de una metáfora sobre los valores de la tierra, la naturaleza, la ruralidad, el amor, la melancolía, la ausencia, la música, la cultura, el despertar adolescente, y las frustraciones de la muerte de los seres queridos.

El pequeño Haroldas Tankevicius, aparece como el motor emocional de esta estupenda película rusa, que nos obliga a reflexionar sobre la belleza de la ruralidad, y los cambios oníricos de un muchachito en el proceso de su madurez. Su actuación está llena de encanto, espontaneidad, capacidad para entender la mirada del director respecto a su personaje, y demostrar que se puede transmitir emociones sin muchos diálogos , sino más bien, acciones y gestos.

Dentro de los aciertos de la película, está la hermosa fotografía de Donatas Buklys, cameraman que después sólo ha hecho dos documentales. La película por su amplitud de mirada debió sufrir la restricción del estado político, por eso, es importante rescatarla hoy día en DVD.

Al margen de su belleza plástica, el filme contiene algunos elementos sustanciales que la hacen más fuerte en sus contenidos. No sólo condiciona la historia del niño a su familia, sino que expresa la capacidad onírica del muchacho para demostrar que la imaginación es inagotable.

La amistad del niño con algunos personajes secundarios, sobrellevan el filme hasta los terrenos de la emoción más pura. Por ejemplo, este cartero que se posesiona del hogar al enamorarse de una de las familiares del chico, se transforma en un excelente compañero de aventuras.

El descubrimiento del amor en la pareja, de las cosas simples de la vida, del dolor por la separación de su hermano mayor, y de la pérdida irreparable de dos viejos vecinos, hacen del chico un ser más cercano al espectador, ya que su vulnerabilidad provoca inmediata empatía con el público."Strazdanota" se traduce del ruso como un ser "sufrido". En este caso, el chico aprende a través del sufrimiento para crecer con él y madurar frente al mundo que le rodea.

La película integra el sabor del verano, el color, el paisaje y la música en tramos muy sorprendentes. Sin ser una obra maestra, en su estilo de cine infantil se nos hace muy novedosa y entretenida, ya que también posee contenidos más cercanos a la mentalidad adulta.

En su tradición de cine ruso, esta cinta recompone el paisaje respecto a lo que se ha hecho antes de ella como elementos dramáticos y temáticas más características que es interesante analizar desde el punto de vista cinéfilo. Se trata de un cine naturalista, sincero, amable, atractivo, que no escatima nociones de tiempo para subrayar el valor de la libertad, la unicidad de la familia, y la practicidad de lo onírico. Sin duda, una obra novedosa que vale la pena recomendarse para ver en familia.

Al amparo de una vida oxigenada por una madre sensible y cariñosa y un padre trabajador, el pequeño protagonista adiciona su encanto para hacer nuevos amigos y descubrir de ellos los traumas del pasado, las tristezas y alegrías del presente y las fantasías de un mundo bucólico.

En sus correrías por el campo, subiendo y bajando árboles en altura, sufriendo algunos pequeños accidentes domésticos, el pequeño protagonista no puede evitar el dolor que le provoca la muerte y la separación de personas que ama. Es una lección vital para entender mejor el papel de la Naturaleza y su implicancia en el desarrollo de nuestras existencias.

La sabiduría que dejan los libros en una escena antológica donde se pasea con ellos mientras alecciona consultas de una mujer del lugar, le muestran como más atento a todo el universo que lo recibe. El chico aprende de cada uno de los personajes que se encuentra en su tránsito vital, para extraer de ellos, lecciones y experiencias que le harán un adulto fuerte y autosuficiente.

Finalmente, es una película que hay que redescubrir para entender uno de los brazos fundamentales que tiene el cine infantil de nuestros días.

La mirada australiana a la supervivencia.

"Camino a la libertad" de Peter Weir : Del más destacado de los realizadores australianos, ésta que es su última producción estrenada en el 2010, entremezcla el drama belicista con el relato de esfuerzo de un puñado de prisioneros de guerra polacos que huyen del gulag, a pie desde Siberia al Himalaya, al desierto del Gobi, atravesando el Tibet, para terminar por refugiarse en la India. Esta proeza titánica, que habla de supervivencia humana, es también una crónica de esperanza en medio del exterminio. Posiblemente, su mayor debilidad está en la serie de clichés que desperdiga Weir para no perder sintonía, aunque realmente se trata de una de sus mejores obras temáticas. Impresiona la dimensión de los personajes sobre el paisaje agreste, la futilidad de unos hombres perdidos en la nada, el extenuante esfuerzo por sobrevivir en medio de un clima adverso, y esa lógica de sentir el terror y la esperanza a grados superlativos. Es una película para ver más de una vez, pese a que se hace algo fatigosa y cadenciosa. Sin duda, con unos grandes intérpretes entre los que sobresalen : Ed Harris, Colin Farrell, Jim Sturgess y la bellísima Saoirse Ronan. Ella realmente nos conmueve hasta el alma.

Peter Weir se atreve una vez más, a salir a rodar a exteriores de complejísima accesibilidad. Su historia vuelve sobre uno de sus temas favoritos ; la supervivencia humana contra los elementos de la Naturaleza. En la descripción de los hechos, Weir acierta al integrar el paisaje como un protagonista más, un paisaje que es silencioso, poderoso, sorprendente, peligroso y cautivante.

El actor Colin Farrell incursiona para sorpresa de sus fans, en una vena dramática más humana y que requiere entender lo que es vivir en cautiverio en una de las cárceles más agreste e inhóspitas del mundo.

Saoirse Ronan integra un personaje más vulnerable, querible y cercano con el espectador. Su papel es sobrecogedor y no está exento de dar un vuelco a todo el relato.

Ed Harris, sin duda, es uno de los grandes actores de carácter del cine actual. Su semblante recio y desgarbado, le da oportunidad de lucirse en determinados tramos con brillante capacidad para ennoblecer el perfil duro e infranqueable que tiene su personaje.

De los hielos y fríos inclementes de la montaña, los personajes del filme, pasan a los áridos paisajes orientales buscando desesperadamente el agua para subsistir en medio del calor y la falta de lluvias.

La idea del viaje que los transforma a cada paso, está muy bien sugerida por Peter Weir sobre todo en la relación paternalista que nace entre el personaje de Ed Harris y Saoirse Ronan. El filme se basa en el libro "The Long K : The True Story of a Trek to Freedom" de Slavomir Rawicz.

El equipo de Peter Weir rodando en los Himalayas, a 7.000 metros de altura. ¡ Qué gran proeza ! Como para hacer otra película sobre las distintas vicisitudes que pasó el equipo de producción en esos paisajes agrestes.

Un canto maravilloso a la vida.

"Still the Water" de Naomi Kawase : En una isla subtropical japonesa, una adolescente aprenderá del ciclo de vida, muerte y amor, a conocer los sinsabores de la existencia para resurgir y asumir que la vida es igual de hermosa, si se aprende a vivir en armonía en correspondencia con su pareja, su familia y su naturaleza. Es una obra maestra en toda su extensión, no sólo porque aplica la metáfora a la misma naturaleza ( olas, viento, árboles, playa, fuego, tempestad), sino porque ilustra con un mínimo de recursos expresivos, la complejidad de la existencia. Kawase filma a la altura de la mirada. En una escena antológica donde se muere lentamente una mujer por una enfermedad incurable, y que es la madre de la protagonista, la directora integra la alegría de su partida con la música, la tradición, el amor familiar y la belleza que nos regala la Naturaleza. Hay en toda la película una sensibilidad cautivante, un sentido audiovisual por controlar los "tempos" de la narración, para expresar emociones utilizando sólo los gestos, las miradas, el tacto, el ruido, la noción del transcurrir de las horas, y la sensualidad de lo corpóreo integrado a lo espiritual.

En esta tríada que es la familia de la joven protagonista, la música aparece como el puente entre esta vida y la espiritual, para entender mejor, la emocionalidad de sus personajes. Kawase funde lo perenne del tiempo con la infinita capacidad de explayarse más allá del plano objetivo de una cámara, para sobredimensionar la espiritualidad de los seres humanos que viven en armonía con su medio ambiente. En un guiño muy orientalista, todos los cambios climáticos que presenta la película, tienen una inmediata conexión con los acontecimientos que prosiguen a ellos. Así se suceden : el descubrimiento de un cuerpo flotando en el mar, el chico que cede en bicicleta con la chica de sus sueños, la madre que disfruta sus últimos días rodeada de árboles, donde ella quiere transformarse en viento para pervivir por siempre junto a su familia, el baño desnudo de los jóvenes protagonistas después de practicar el amor sexual, en un sagrado vínculo que es amor y naturaleza.

Kawase acentúa la interacción entre sus personajes con el espectador, con pequeñas anécdotas de sus vidas y rutinas. El chico parco pero muy sensible, que se guarda un secreto vinculado al comportamiento íntimo de su madre; la chica que disfruta de su familia sabiendo que tarde o temprano la enfermedad se llevará a su propia madre, adecúan un estilo más sutil para mostrar la esencia humana.

Los jóvenes de 16 años, deberán asumir las desdichas de sus familias para entender porque es tan importante el amor que los une y no los defectos que los desunen. Kawase tiene una doble sensibilidad para mostrarnos en escena, la sensualidad de lo físico y acentuarlo con la belleza de las emociones. Su mirada no deja de ser intachable respecto al rol que tiene la familia en todos estos procesos.

El despertar al amor sexual no es rápido y abrupto, porque ambos chicos mantienen dolores todavía muy directos. Ella, con una madre moribunda que gusta recordar a través del canto y de la música su pasado de bailarina. El, con una madre hipócrita que oculta su infidelidad cuando su hijo le ha descubierto en reiteradas ocasiones. Encontrarse en estas situaciones de dolor y pérdida, los acercan al verdadero apetito del romance ideal.

La madre de ella, se pasea entre los árboles contemplando la belleza de la Naturaleza, sabiendo que pronto, ella integrará, la gran espiritualidad de esos hermosos paisajes. Esta lectura que es absolutamente vinculante con la tradición religiosa oriental, nos obliga a entender a Kawase desde el punto de vista plástico, al insistir en los cambios abruptos del clima en medio del drama. Entonces, el viento que mueve los árboles y que rompe las olas, tiene aquí un simbolismo avasallador.

El acto sexual en la floresta cerca del mar, obliga al espectador a ordenar en su consiente que esta pareja ha logrado superar sus traumas y disfrutar del amor con total ansiedad y placer.

Naomi Kawase dirigiendo a sus actores durante una toma en exteriores de su notable película.

El mundo del silencio ucraniano.

"La Tribu" de Myroslav Slaboshpytskyi. Una película atípica, diferente y original en su propuesta básica, ya que está íntegramente protagonizada por sordomudos. Por lo tanto los diálogos verbales no existen. Esta riesgosa propuesta llevó a su director a ensayar las tomas con un estricto sentido de lo visual. No es extraño que haya dado que hablar en Cannes, Venecia y los festivales internacionales de cine que la tuvieron en cartelera en el 2014. Pero además, se atreve a descubrirnos un tema bastante duro, contado de manera visceral y con un soplo marginal casi documentalista. Es la historia de un joven sordomudo que se une a una escuela de Kiev para jóvenes de su misma condición, y que termina integrando una banda criminal, que entre otras cosas, se dedica a prostituir algunas compañeras de su curso con camioneros al paso, y a robar a personas desprevenidas. No es una película para todo espectador. La mirada del ucraniano es tan extrema, que el desenlace es digno de una película de horror sangriento y puede herir susceptibilidades si no pasa desprevenido frente al tono de peleas callejeras, drogas, y sexo. Sin duda, un trabajo elocuente de un cine por estos lados es muy desconocido y que tiene una vena autoral deudora del mejor Martin Scorsese cruzado con el mejor George Romero.

El protagonista central nos recuerda a Vincent D"Onofrio en "Nacido para Matar", pues llega del campo a la ciudad, como un joven sano, transparente y alegre, para convertirse en un matón, chulo y asesino realmente sangriento. Es un filme para reflexionar sobre los ilimitados vuelcos que tiene la vida en la juventud minusválida actual, que cae en redes de esta naturaleza y termina castrando sus sueños de supervivencia por un macabro juego con la propia muerte.

Las chicas de la película, son salvajemente osadas y no escatiman esfuerzos por sobrevivir vendiendo sus cuerpos a los mejores postores nocturnos. Una de ellas, queda embarazada, por lo que el discurso del filme, se va también al tema del aborto. De esta historia, se pueden extraer varias reflexiones acerca de la marginalidad en que están encerradas tribus de jóvenes que pululan lejos de las bondades del sistema capitalista.

Nuevamente el tema de las pandillas juveniles tiene aquí un referente directo, y no faltan las peleas contra tribus rivales por los espacios urbanos y los negocios ilícitos. La película muestra una realidad que existe en todos nuestros países en menor o mayor medida.

Otro tema que aborda esta película es la corrupción de las instituciones, porque la escuela para sordos a la que concurre el chico tiene un orden jibarizado por un administrador, que usufructúa de la prostitución juvenil. Hay en este discurso una aguda reflexión sobre el rol que cumplen estos reformatorios donde campea el desorden, la suciedad y el matonaje.

El protagonista se enamora de una de las chicas que se prostituyen y además, la embaraza, lo que provocará un vuelco espectacular en la incidencia de los acontecimientos. La tribu dejará de ser su refugio para transformarse en su peor pesadilla.

La aparente normalidad del sistema burocrático y que muestra la película, guarda al final de cuentas un problema de corrupción mayor donde el protagonista pasará de víctima a victimario.

Integrarse a esa tribu le llevará al protagonista a un abismo sin fondo. Es una película adulta que vuelve sobre el tema de la vulnerabilidad de los jóvenes en épocas de convulsiones y cambios abruptos de paradigmas.

La obsesión sexual masculina a la noruega.

"Fatso" de Arild Fröhlich. Una comedia nórdica menor, pero hecha con un gusto estético y un tono iconoclasta muy agresivo y burlón que la hace muy apetecible. Se basa en un personaje del comic adulto, que es un regordete solitario que gusta dibujar la historieta gráfica de un rinoceronte - su alter ego-, animal lascivo y dispuesto a tener hembra sin amor. Esta búsqueda de una chica para suplir sus necesidades afectivas y sexuales, le llevarán hasta su propia casa a compartir cuarto con una hermosa chica con la que aprenderá a ver sus limitancias y a sacar partido de sus atributos de carácter y personalidad. El filme integra un tono colorinche muy adecuado y recuerda esas comedias picantes de los Nerds y de Tom Hanks cuando recién comenzaba su trayectoria. Además, integra monos animados, un estilo muy suelto y un humor muy procaz, negro, a veces negrísimo, con ridiculeces que se salen de protocolo y normas establecidas. Película cult, con una reflexión adulta sobre la pequeñez del homo sapiens respecto a su propia sexualidad. No es poco, para una comedia adulta para pasar el rato.

El humor nórdico que remeda a las comedias americanas de los años ochenta, aparece en esta película divertida, galopante, provocativa, satírica, muy acorde a nuestros tiempos.

La apariencia del gordito solitario Rino , que gusta ver películas pornos en su casa, soñar con mujeres hot y simular una compostura artificial, nos devuelve al viejo cine de las comedias compulsivas que le sacan lustre a los temas tabúes con gran acierto.

Es un verano en Oslo muy caliente, que Rino y sus amigos aprovechan para pasear y conocer chicas con la mala suerte de no encontrar ninguna que le acomode...salvo su compañera de casa.

Nils Jorgen Kaalstad es uno de los actores más populares de Noruega. Nacido en 1979 debuto en la gran pantalla en el 2006, y su popularidad la logro en la televisión gracias a series cómicas y de acción. Ha filmado 15 largometrajes para el cine y el resto de su filmografía - que incluye más de 16 trabajos- está en la pantalla chica y cortometrajes.

Rino un muchachote a la espera de la mujer ideal...Llegará muy lejos en sus esfuerzos.

Un buen ejercicio de estilo marca "Hollywood".

"La dalia negra" de Brian de Palma. Un homenaje al cine negro de los años cuarenta, llevó al célebre director ítalo americano a estrenar en el 2006, esta maravillosa película que es un thriller con todos los gestos y estilo de los clásicos del género. La trama ingeniosa y perfecta intenta desentrañar una madeja de oscuros manejos en la ciudad de Los Angeles, CA a propósito del hallazgo de un cadáver descuartizado y mutilado de una mujer. Bautizada como "la dalia negra" por la manera que tenía de vestirse, el caso recibe una gran repercusión medial a la que también deberán enfrentarse los policías encomendados para descifrar el caso. Inspirada en la novela homónima de James Elroy, la película en su momento no recibió buenas críticas. Aún así, merece una revisión. No sólo porque es un cuidadoso juego de estilo, muy cinéfilo y con una exquisita estética, sino porque además, mantiene el interés durante las dos horas de duración, ya que transforma los temas de la obra de De Palma, en una brillante alegoría al cine del Hollywood de esos años. Como atractivo adicional cuenta con las interpretaciones de : Josh Harnett, Aaron Eckhart, Scarlett Johansson, Hilary Swank, Fiona Shaw y Mike Starr. Creemos que es una obra muy interesante, amena y original.

Observen el detallismo en la puesta en escena : peinados, decorados, vestuario, diseño de producción, iluminación, color, a la usanza de los grandes clásicos del cine negro pero en color.

Hillary Swank como una inolvidable femme fatale.

En esta escena : el cine homenajeando al cine. Brian De Palma vuelve sobre sus temas favoritos : la ambigüedad de la justicia, la corrupción del poder, el falso culpable, la sicología de la mujer versus el hombre, en fin, una obra más que recomendable.

En el set durante la filmación de la citada película.

...Y finalmente.

No te olvides de sorprender porque el cine es una de las mejores entretenciones en el hogar. Y no faltes a las nuevas exhibiciones de las salas de estreno. Comparte la magia del cine con tus amigos y familiares. Hasta la próxima !!!!

Fotos-Gentileza : Universal Pictures- Warner Bros- Image- National Geographic Flms- Point Black Productions- Eddie Saeta S.A.- Ukrainian State Film Agency- Garmata Film Production- Paradox Spillefilm Norway.-