Séptimo 7 sello: CLASICOS DEL CINE

Grandes Realizadores de Ayer y Hoy.

La película "Jackie" de Pablo Larraín, cineasta chileno que se la juega por abrir nuevas temáticas históricas con un estilo muy singular, se estrenará el próximo Jueves 16 de Febrero en el país. Gracias a las críticas que han aparecido en los principales magazines internacionales, les hemos preparado una reseña de ella, para animarlos a verla en las salas de cine. Además, en esta nueva entrada, incluímos un repaso a los grandes realizadores clásicos y algunos contemporáneos dignos de ser descubiertos.

Los Maestros de la Luz.

El genio alemán del monóculo.

Fritz Lang ( 1890-1976 ). Sin duda que, estamos frente a uno de los grandes realizadores del cine de todos los tiempos. Hijo de un famoso arquitecto, interrumpe sus estudios de Arquitectura para instalarse en París y vivir de sus dibujos. Herido durante la Primera guerra mundial, comienza a escribir guiones para la productora UFA y el realizador Joe May. Como cineasta cosecha una serie de éxitos, y un estilo personal que se ha de caracterizar por su ambigüedad, "el caldo espeso que se cuela bajo las puertas, contamina a las personas y descubre la bestia oculta en las multitudes, lista para saltar sobre el individuo". Su etapa alemana de 1920 a 1933, en la que colabora con su esposa la guionista Thea von Harbou, se identifica por un depurado ejercicio estilístico, una estética Art Decó y expresionista, derivada de su formación como arquitecto y pintor, pero también que se nutre de la fantasía, la estética, el crimen y la locura como base temática. En sus filmes son fundamentales los actos de venganza, los ejemplos de culpabilidad e injusticia y crítica social, aunque también el miedo al que el mundo está expuesto por un enloquecido personaje, que es también una proyección personal de la Alemania nazi. Lo aterrador de M, Metrópolis, Furia o Sólo se vive una vez/You only live once, "es el monstruo de mil cabezas que puede ser moldeado, guiado y empujado. El doctor Mabuse que aparece en tres de sus películas, incluída la que lo obligó a huír de Alemania en 1933, y que resurge perturbadoramente en 1961, es una mente archicriminal porque posee el don negro de dominar a las masas. En ese sentido, el argumento central de sus películas, dice Lang es "la lucha del individuo contra el destino; el combate del hombre - primariamente bueno-, contra una violencia ejercida desde arriba, superior a sus fuerzas: sea violencia de una injusticia aceptada por todo el mundo, sea la violencia de una sociedad, autoridad o de una organización corrompida".

"Metrópolis". La visita que efectúo Lang en 1924 a Nueva York y la impresión que le provocaron los enormes rascacielos de la gran manzana, van a condicionar la estética de su película más admirada. Una utópica historia acerca de una sociedad del siglo XXI, donde los obreros trabajan bajo tierra para mantener el paradisíaco jardín de la superficie donde se divierten los privilegiados. La UFA en común acuerdo con la Metro y la Paramount, financió los 5.000.000.000 de marcos para hacer una superproducción futurista, que superó todas las expectativas artísticas, aunque no financieras. Se trata de un clásico gigantesco revalorizado con el tiempo, gracias a una serie de montajes, que incluyen una versión coloreada producida por Francis Ford Coppola, con música de Queen y Giorgio Moroder. La robot María que está encomendada para incitar a los obreros a la revuelta y justificar así las medidas represivas contra ellos, sirvió de inspiración a George Lucas para la creación del robot C-3PO de Star Wars.

La bella María ( Brigitte Helm), es hija de un obrero que enseña en el parque a unos niños y del cual se enamora Freder ( Gustav Frölinch), el hijo del amo de la ciudad. Juntos deberán enfrentar a un científico que ha creado un robot a semejanza de la chica para fustigar una revuelta. Resultan inolvidables las escenas de masas cuando el pueblo se revela contra la autoridad, la inundación sorpresiva de la ciudad, el salvamento de los niños, y la creación de la mujer robot con la imagen de la novia del protagonista, que cobran una espectacularidad antológica.

"Los Nibelungos". Basándose en leyendas germanas y escandinavas, así como en la pieza de Wagner, Lang efectúa un ambicioso proyecto dividido en dos partes : " La muerte de Sigfrido" y "La Venganza de Crimilda", que se constituye en un "fresco medieval irrepetible, una historia de amores y venganzas donde todo el universo mitológico poblado por enanos que ocultan un fabuloso tesoro, el dragón cuya sangre confiere invulnerabilidad, castillos en encrespadas montañas, y rudos bárbaros, es descrito con poética ingenuidad". La plasticidad visual supera cualquier comentario sobre su argumento, y agrega un interés potencial a una película que es un antecedente directo de " El Señor de los Anillos" y los filmes sobre guerreros mitológicos. Obtiene un enorme éxito y ratifica la sensibilidad creativa de Lang en el panorama europeo de su tiempo.

"La Mujer en la luna". Ultima película muda del maestro Fritz Lang. Considerada como el primer largometraje de ciencia ficción, narra la historia de los esfuerzos de un grupo de personas por llegar a la luna, con la creencia de encontrar montañas de oro ( unos ) y de avanzar en el conocimiento científico ( otros ). La tripulación está integrada por : Friede Venten ( Gedda Maurus), una hermosa científica; su prometido el ingeniero Hans Windegger ( Gustav von Wangenheim), el ingeniero Wolf Helius ( Willy Fristch ), el profesor Georg Manfeldt ( Klaus Pohl) y el niño Gustav ( Gustl Stark Getettenbaur), que entra de polizón. La película se destaca por hermosas secuencias que derrochan ingenio y espectacularidad. En este sentido, son dignas de destacar: toda la operación de lanzamiento, las ideas de la ingravidez en el viaje, de la árida y rocosa superficie lunar, que antecedieron en varias décadas a los descubrimientos de la NASA. Pese a los innumerables intertítulos que Lang acomoda con transparencias y gráficos explicativos, la película logra mantener un ritmo ideal y consolidar las facultades expresivas de su estilo.

"M. El vampiro de Düsserdorf". Constituye una transición entre la etapa muda y sonora, que de los grandes personajes, ya sean perversos o heroicos, Lang se trasladó al submundo de un pequeño ser en cuyo destino también sopla el viento de la tragedia. El extraordinario actor Peter Lorre, interpreta a un pedófilo, sobre el cual cae la policía y el hampa en su afán por mantener un equilibrio entre la luz y las sombras. Es esta ambigüedad la que sorprende del original relato basado en una noticia real. El hecho de estar constituídos en pequeñas porciones de población, en pequeñas sociedades inhumanas, en tribus de un mundo orwelliano, donde se vuelve a contrastar la violencia soterrada con la manifestación más oscura de las injusticias y terrores que afectan al individuo. Una obra maestra en toda su regla, es también un antecedente directo de los psico-killers que habrían de florecer como pétalos después del rocío matinal en décadas posteriores.

Fritz Lang y el fotógrafo Fritz Arno Wagner, durante un momento del rodaje de la citada película de terror.

"La venganza de Frank James" /"The return of Frank James". Un gran western que revisita algunas de las constantes del género, pero que tiene la inmensa capacidad de soslayar los lugares comunes con ingenio y suspicacia. En efecto, es la primera película en color de Lang y una continuación a "Jesse James", rodada un año antes por Henry King. Después de la muerte de Jesse James, su hermano Frank regresa al pueblo para vengarse. Descubre el interés de Lang por la mitología de Estados Unidos, y su sentido estético por los espacios más amplios del far west. Un notable trabajo que está interpretado por : Henry Fonda, Gene Tierney, Jackie Cooper y Henry Hull, entre otros. Muy entretenida.

"La mujer del cuadro" / "The Woman in the Window". Luego de que su mujer e hijo le abandonan por unas cortas vacaciones, un hombre común ( Edward G.Robinson), se ve enfrentado a una rocambolesca intriga de pasión y muerte. Las constantes del thriller y del cine negro, se instalan con la visión ingeniosa y certera de un Lang, en la plenitud de sus formas. Un relato maestro que no decae jamás y que se potencia por el magnífico dibujo que hace de la sicología de sus personajes. Joan Bennett habría de engrosar la célebre lista de femmes fatales con una sensualidad a flor de labios.

"La calle escarlata" /"Scarlet Street". Un año después, Lang insiste con la dupla Edward G.Robinson y Joan Bennett, para trazar este patético cuadro sobre el sometimiento de un hombre por una mujer perversa - Perversidad se tituló en España- que a su vez, es un remake al clásico La golfa dirigido por Jean Renoir en 1931. Una implacable radiografía sobre la bondad vencida por el peso de la atracción sexual, y manoseada por las ambiciones y la corrupción del ser humano. Notables actuaciones y unas atmósferas irrepetibles para un filme brillante.

"Deseos humanos". Se trata de un remake de La Voz Humana de Renoir protagonizada por la misma pareja de la película Los Sobornados, o sea, Glenn Ford y Gloria Grahame, en el que un hombre mata a un antiguo amante de su mujer. Esta implicada en el crimen, seduce a un joven ferroviario con el único objetivo de matar a su marido. Otra vez, Lang escudriñando por los quintos infiernos para descubrirnos la vulnerabilidad de un ser humano común, metido en circunstancias aterrantes y susceptible de ser cuestionado desde el prisma moral y judicial. Una gran película que cuestiona a la sociedad en que vivimos, siempre con ambigüedades y deslices que hablan de las tentaciones maliciosas que doblegan los nobles propósitos. Una película imprescindible para entender la obra magistral de un genio.

La espiritualidad del danés solitario.

Carl Theodor Dreyer ( 1889- 1968 ). Sus biógrafos aclaran que, fue "hijo de un terrateniente y de su ama de llaves, que su padre no quiso reconocerle y creció al amparo de la familia de un tipógrafo, irreligioso y socialista, que le dió sus apellidos". Sus primeros estudios, fueron la contabilidad en una empresa de telégrafos y el periodismo, para derivar después en 1912 a la Nordisk Filmkompagni, la productora de cine más importante de Dinamarca. Luego de desempeñarse como diseñador de intertítulos de las películas mudas, decorador. adaptador y guionista, debutó como realizador con "El presidente" ( 1919) , muy influenciado por la escuela sueca. A lo largo de los años veinte del siglo pasado, filma siete películas donde habría de plasmar un estilo reposado, de crítica social y con una fuerte carga religiosa. La precariedad de la industria local, le obliga a trabajar en Suecia, Alemania, Noruega y Francia y su primera obra maestra "La pasión de Juana de Arco", le lleva a transformarse en un referente obligado del cine mundial. Con la aparición del sonido, filma sólo cinco películas más en 40 años, que bastan para situarlo entre los mejores cineastas del mundo.

"El Presidente" fue la primera película que rodó Dreyer.

"La pasión de Juana de Arco". Ultima película muda de Dreyer y un ícono del cine vanguardista al demostrar su gran habilidad para emplear el close up/ primer plano. Basado en las actas originales del proceso del estudio de Joseph Deltei, que llevó a la legendaria Juana de Arco a ser ejecutada en la pira, es una extraordinaria película de gran sobriedad narrativa y con una exhaustiva reconstrucción histórica. El relato se concentra en la evolución espiritual del alma de Juana y se apoya en la inolvidable actuación de la actriz parisina Renée Falconetti. La mayoría de los fondos que aparecen en la película, fueron pintados de rosado ( que fotografiados por el experimentado operador Rudolph Maté, aparecen muy blancos y brillantes ) para remarcar la pureza fundamental que rodea al personaje. El esfuerzo estilístico de Dreyer se caracteriza por la utilización de primeros planos, reforzados por picados, contrapicados y movimientos circulares de las cámaras sobre espacios vacíos. Obra maestra.

El valor del primer plano que caracteriza a la película.

La actriz René Falconetti se consagró con esta película y no tuvo una carrera en el cine. Unicamente con Juana de Arco logró la inmortalidad.

Un close-up del maestro danés.

"Vampyr". Dreyer se basó en Carmilla , el estremecedor relato de John Sheridan Le Fanu, para hacer esta pequeña joya del cine de terror, acerca de una vampira dispuesta a succionar a sus víctimas desprevenidas. Un visitante llega a una posada en Europa Oriental, donde se entera que ha ocurrido una serie de muertes extrañas que le llevarán hasta una casona siniestra... Dreyer no utiliza los cánones clásicos del terror para asustarnos, sino más bien, envuelve su historia con unas atmósferas realmente sobrecogedoras llenas de ambientes sobrenaturales. Es un universo onírico, surrealista, donde no hay bases lógicas que sustenten una hipótesis, lo que hace más dramático el devenir de los hechos. Rodada originalmente sin sonido, integra voces y ruidos, dentro de una estructura donde prevalecen los planos largos y cuya edición final se reconstruyó sobre distintas versiones originales. Para rescatarla del olvido, merece una urgente revisitación.

Rena Mandel en "Vampyr".

"La palabra"/"Ordet". La película más notable de este gran director danés y que los especialistas de todo el mundo consideran entre las diez mejores de la historia del cine. Adaptación de la obra de Karl Munk, logra transformar un ambiente sencillo en una parábola sobre la muerte y la redención. Rodada en planos largos y lentos, contenidos al máximo, sólo deja respirar a sus personajes para solventar un discurso sobre el valor de la fé. Todo gira en torno a una familia de campesinos que mantienen fuertes discrepancias entre ellos, y que cambian cuando fallece sorpresivamente la esposa de uno de los hermanos. La hija pequeña le solicita al loco de la familia obsesionado por la religión, que le devuelva a su madre a la vida. Incapaces de explicar lo que es real o auténticamente milagroso, la mujer despierta en medio de su velatorio, lo que remarca el mensaje de Dreyer sobre el poder de la fé, que terminará venciendo a las tinieblas de la muerte. Un filme extremadamente minimalista, que reduce cualquier adorno en los decorados y expulsa los artificios narrativos para concentrarse en el naturalismo de sus imágenes. Obra maestra.

Karl y Lise Munk visitando el set de "Ordet: La palabra".

El actor Preben Lerdoff Rye como el loco profeta de una familia de campesinos en "Ordet : La palabra ".

"Gertrud". Después de innumerables esfuerzos por llevar a la pantalla la vida de Jesucristo y tras diez años de ausencia, Dreyer se despide del cine con esta notable adaptación de la obra de teatro de Hjalmar Söderberg. El danés opta por dejar fuera los elementos misóginos del original y se concentra en las aventuras de una mujer que sólo aceptará el amor en sus propios términos. "Tres hombres ( su marido, un poeta y un joven músico ), la aman, pero como ninguno antepone su amor por ella a todo lo demás, les rechaza y prefiere vivir célibe en París. En un epílogo, vieja y sola, anuncia su epitafio He conocido el amor ". Es la culminación lógica de la atenuación que Dreyer sostiene como característica principal de su estilo, siempre en planos largos, inmóviles, observando únicamente el comportamiento de sus personajes que están movidos por pasiones angustiantes y amores irrefrenables. No tuvo adecuada recepción de la crítica y el público y sólo fue revalorizada con el tiempo. Dreyer fue un maestro en toda su regla, que luchó por mantener una autonomía creativa sólo comparable a los grandes filósofos del siglo XX.

Dreyer rodando "Gertrud".

El Fantástico Mundo de un Italiano.

Federico Fellini ( 1920-1993 ). Educado en un medio familiar acomodado de Roma, viaja en 1938 a Florencia para colaborar en distintas publicaciones como dibujante gráfico de historietas. Después de colaborar como gagman del cómico Erminio Macario en películas supervisadas por Mario Mattoli, desarrolla una amplia actividad como guionista en los años cuarenta del siglo pasado, donde destaca su colaboración con el realizador Roberto Rosellini en : Roma, ciudad abierta, Paisá y Francesco Giulliare di Dio. Después de Luces de variedades que escribe produce y realiza a medias con Alberto Lattuada, inicia una obra personal que lo habría de hacer conocido internacionalmente. En Fellini se conjugan el artista espontáneo admirador del circo, del teatro de variedades, de los personajes excéntricos, fascinado por el mundo del espectáculo, con el intelectual visionario capaz de concebir un cine vitalista, grotesco a veces, de una ortodoxia neorrealista, y cada vez, más barroco, fantasioso y exhuberante. "A su autoanálisis crítico, como técnica y terapia a caballo de unas memorias íntimas y confesiones impúdicas de sus frustraciones personales", en su cine más personal, están los vestigios más nobles del lenguaje audiovisual al servicio del artista. Innovador único, incomparable y de un desbordante sentido creativo.

"El Jeque blanco".Iván Cavalli ( Leopoldo Triste ) y la hermosa Wanda Giardino ( Brunella Bovo ), es un matrimonio que llega a Roma para una audiencia con el Papa. La muchacha ingenua y cándida, es una fans indiscutida del "Jeque blanco", personaje que interpreta Fernando Rivoli ( Alberto Sordi), actor de un serial televisivo a quien conoce por accidente, señalándole que le ha escrito tres cartas expresándole su admiración y cariño. Como en los sueños más acariciados por los fans, ella irá a tomar unos tragos con el actor y a bailar cheek to cheek al son de una contagiosa melodía. Comedia agridulce que es la primera película que dirigió en solitario Fellini y donde se pueden percibir las influencias del neorrealismo, porque gran parte de la cinta está rodada en exteriores, pero además, contiene un aire circense remarcado por la briosa partitura musical, los personajes sorprendentes como: un viejo director de cine, un amante atípico, los feos del lugar, los acróbatas, el tragafuegos, etc. El traspié de la muchacha desconsolada que defiende su pureza y virginidad, es un antecedente directo de la Gelsomina de su película más famosa de esta etapa primigenia, "La Strada", cuya protagonista tiene aquí, una breve aparición como una admiradora callejera del tragafuegos. Grandes actuaciones de los conocidos Alberto Sordi y Leopoldo Triste. Divertida y Refrescante.

"La Strada". Un drama agridulce que internacionalizó el nombre de Fellini, que mereció el Oscar por esta obra maestra. Describe la relación tiránica que existe entre el musculoso Zampañó ( gran actuación del actor mexicano-irlandés-estadounidense Anthony Quinn ) actor de un circo ambulante de escasos recursos y la clown Gelsomina ( la extraordinaria Giuletta Masina ). Abandonada a su suerte, ella intentará llegar al corazón de él, aunque nada impedirá que el hombre fortachón se vuelva duro e inestable, frente a la mirada dulce de la pequeña artista. Especie de fábula moral sobre las relaciones de pareja en la marginalidad. Fellini contrapone su sensibilidad poética y su mirada de artista circense, a un drama realista que pudiese caer en excesos lacrimógenos, pero que nunca deja de remarcar sus propios desbordes emocionales. La crudeza del tema es directa y sin márgenes para la luminosidad del éxito. Sin duda que, hay más verdad en la naturaleza de estos personajes mínimos, que en cualquier película que remarca estar basada en la inmediata realidad de sus acontecimientos. Notable.

La actriz Giuletta Masina payaseando en el set del rodaje.

"Las noches de Cabiria". Si Giuletta Masina se transformó en la bella dama del Pygmalion Felliniano, entonces su personaje de Cabiria terminó por consagrarla a nivel popular entre los espectadores de todo el mundo. Ganadora del Premio a la Mejor Actriz en Cannes, interpreta a una prostituta avispada que busca un marido rico que la saque de las calles, mientras refuerza su autoestima, y como una luciérnaga en el fango, la haga brillar de todo corazón. En su camino se topa con un hipnotizador de feria ambulante ( Aldo Silvani ), que le extrae su yo interior; y un actor mujeriego ( Alberto Lazzari ), que la engaña con atenciones oportunistas para hacerla caer por un precipicio como una piedra perdida y sin dueño. Lo que remarca Fellini en el personaje femenino, es su fortaleza, su humanidad y su coraza de mujer luchadora, que da todo por una felicidad ausente. Un gran retrato sobre la marginalidad, sin ocupar tópicos y arquetipos conformistas y que se nutre de la sinceridad en la potente actuación de la Masina. Inolvidable.

"La dolce vita". En su momento, el estreno de esta grandiosa película fue un escándalo. Las críticas llovían por esta "obra depravada, licenciosa, desenfadada, blasfema. El Vaticano amenazó con la condenación, la jet set arrugó ofendida la nariz. El director Federico Fellini recibió insultos, incluso le retaron en duelo. Con La dolce vita se había zambullido en el mundo esplendoroso de las estrellas de Roma, de los intelectuales y de los artistas y ofrecía decadencia y superficialidad en lugar de valores y contenidos. El placer, según su dictamen, ha vencido a la razón, el silencio a las explicaciones, el vicio a la pureza". ¿ Qué hizo a Fellini, transitar por la cuerda del infortunio ? Su individualismo artístico, que le obligó a mostrar las bajezas impúdicas de una sociedad construída sobre la base del glamour y de las apariencias. De alguna manera, Fellini desnudó a las castas de la cultura y de la alta sociedad, para enrostrarnos con inteligencia y olfato de zorro cazador, cuánta violencia hay en un mundo de excesos y decadencia.

Detalle de la escena con Anita Ekberg, en la Fontana de Trevi en Roma. The New York Times escribió en su crítica de la película : "De esta representación sensacional de ciertos aspectos de la vida de la Roma contemporánea, revelados a partir de las ruidosas vivencias de un hombre de la prensa irresponsable, surge un juicio gráfico brillante a todo un muestrario social en plena decadencia triste y, por último, una crítica mordaz a la tragedia de la gente excesivamente civilizada".

Fellini en un descanso del rodaje frente a las esculturas.

El sueño en el prólogo de la ocho y media película de Fellini.

"Ocho y medio". Fellini bautizó así su película más autobiográfica, porque había efectuado hasta la fecha, siete largometrajes y un corto episodio en Boccaccio"70. De alguna manera, instuía que era el momento de trabajar sobre su propia sicología, sus propios fantasmas y sus frustraciones personales. De ahí, el material más idóneo para construír una película, que la prensa sospechaba erróneamente de fantasía por la inmensa estructura que simulaba Cabo Cañaveral, y la sobrecargada lista de actrices, todas reflejos de sus apetencias sexuales, sus amistades más cercanas y sus idealizadas preferencias eróticas. El filme transcurre en un balneario, hasta donde se han retirado un director de cine Guido Anselmi ( Marcello Mastroianni ) y su guionista, para definir cuál será su próximo proyecto. Mientras discuten el material que pudiera conformar una historia, van desfilando frente a la pantalla, innumerables recuerdos de su infancia y sus distintas mujeres en un orden confesional. La película significó una vuelta de esquina en la carrera de Fellini, y una apertura a los temas de la conciencia artística y humana, susceptible de ser variada, polimétrica, egocéntrica, autosuficiente, recargada de simbología psicológica, libidinosa, erótica y sexual, y que revela la angustia de un director enfrentado al vacío intelectual. Destaca su grandioso uso del sonido, de las imágenes y los recuerdos que se suceden en una película irrepetible, que cuenta con la colaboración del músico Nino Rota y del fotógrafo Gianni Di Venanzo. Influenció a numerosos directores, que vieron en Fellini a un nuevo totem cultural. Obra maestra.

Fellini en color dirigiendo la citada película.

"Julieta de los Espíritus". La primera película en color de Fellini, es también una excusa para elaborar una paleta cromática llena de autorreferencias sobre su vida personal y su matrimonio con la actriz Giuletta Masina. Si en 8 1/2 profundizó sobre su propia conciencia, en ésta película, lo hace sobre la conciencia de su mujer, "enfrentada a un matrimonio incierto y a un marido mujeriego". En efecto, Giuletta se extravía en un mundo erotizado lleno de mediums, prostitutas de alta alcurnia y millonarios familiares. Se trata de una obra que se adelantó a su tiempo, al visualizar la Era del Pop, sus colores y excesos arraigados en la filosofía del cuerpo y la mente. Mezcla de lo clásico con lo moderno, por primera vez integra Fellini los avances de la tecnología. convirtiendo lo cotidiano en brillante y viceversa. Nada está al azar, y aunque lo parezca, hasta los desbordes oníricos logran cohesionar este análisis frontal a la siquis de una mujer en crisis. Extraordinaria exposición afianzada por la festiva partitura musical de Nino Rota. Sobresaliente.

Detalle del vestuario y el color.

Detalle de los escenarios y del diseño de producción de la película.

"Satyricón". "Es una epopeya que reinterpreta el relato de Petronio en los tiempos de Nerón". Un magnífico cuadro concientemente exhuberante, grotesco, estrafalario, delirante, colorido, que a su vez, está trazado como una provocación estético-sexual a propósito de la revolución hippie de los 60-70. Considera 25 episodios distintos, apenas integrados por la figura del cínico mozuelo Encolpio ( Martin Potter ), que vive una serie de aventuras mientras comparte techo, comida y cama con el apuesto esclavo ( Max Born). Momentos inolvidables como el terremoto que sacude el edificio donde se aloja el protagonista, el encuentro con un minotauro, o la fascinación por la fiesta de Trimalcione ( Mario Romagnoli ), agregan gran interés a un desfile realmente sorprendente, extraño y singular de personajes como extraídos de un comic para adultos. Una obra original que transmite delirios supremos de creatividad y picardía.

Detalle de los escenarios, del vestuario y del uso cromático de la fotografía.

"Amarcord". En el dialecto regional de Rímini, Amarcord significa Me acuerdo. Después de transitar sobre la conciencia del director frustado por el vacío intelectual, de asumir sus faltas como constante mujeriego y de demostrar que, también podía ilustrar recreaciones históricas con su paleta multicolores, Fellini asumió el proyecto de revivir su adolescencia - pese a que negó tal situación- , para construír "una película sobre los rituales de una comunidad y los cambios de estación" alternados con la maduración de su joven protagonista. Es su película más nostálgica, divertida, agradable y familiar. Un certero cuadro realista, que también deja aires al soplo onírico ( los cuentos de un vendedor en el Grand Hotel, y la travesía marítima para recibir el suntuoso trasatlántico Rex ). Resultan inolvidables los chistes y gags en la escuela, las fiestas comunitarias para despedir los malos espíritus, la detención del padre por las huestes fascistas, el masivo recibimiento al alto mandatario del Duce, el encuentro masturbatorio con la voluptuosa estanquera de enormes pezones, y en fin, el vuelo del pavo real entremedio del laberinto de hielo. Maravillosa conjunción de Arte, Intelecto, y Amor. Obra maestra.

Detalle de la llegada de un alto mandatario fascista del Duce con su imagen construída de flores.

Un momento sorprendente del filme : el paso del Rex, un trasatlántico de lujo con la magia de Fellini.

"Y la nave va...". A partir del viaje en el barco Gloria N, que inicia una serie de personajes de época, que participarán en las honras fúnebres de una famosa cantante de ópera, Fellini regresa sobre sus temas habituales para revelar las condiciones humanas y criticar desde el fondo de la historia, las ansias de poder, las vanidades y envidias humanas. La majestuosidad de la embarcación, la mitología que se describe de la cantante fallecida, y de quienes viajan a depositar sus cenizas, se desarmarán irremediablemente en el transcurso de la travesía, desnudando la fragilidad y vulnerabilidad del idealismo de un pasado de gloria. El inconformismo de Fellini por la especie humana es tal, que no juzga demasiado la idiotez de un príncipe dominado por su ciega hermana, o la competencia vocal de los cantantes frente a los fogoneros. Ni siquiera el rinoceronte que desfallece en las bodegas del barco vienen a desmadrar la superficialidad de los pasajeros, y su presencia parece mucho más significativa que la de cualquier ser humano. Una obra significativa que habla de la miseria de las conductas humanas y esgrime el pesimismo de un mundo que no cambia y no desea renovarse por miedo a perder el control del poder y de las situaciones más superficiales. Notable.

Detalle de la puesta en escena de la película.

"Ginger & Fred". Se estrenó en el Cine Arte de la Universidad de Talca, con gran expectación del público asistente. Una nostálgica parábola sobre la tercera edad, los recuerdos de un pasado que aparentemente fue mejor, y la sabiduría de los años dorados en esta estimable comedia sobre una pareja de vodevil que subsiste imitando a los icónicos del musical americano, Ginger Rogers y Fred Astaire. Giuletta Masina y Marcello Mastroianni están insustituíbles y lo mejor está dado en los números de baile que recuerdan esas viejas producciones de la RKO Pictures. Más allá de todo, hay una evocación crepuscular a los mitos del cine, pero también un Fellini que asume su paso a la vejez con discreta solemnidad. Intachable discurso respecto a la madurez al son de cheek to cheek.

"Entrevista"/"Intervista". La penúltima obra de Fellini es un homenaje abierto y sincero a los estudios Cinecittá y al impacto que provocó La dolce vita y que cuenta con dos de sus mayores mitos : Anita Ekberg y Marcello Mastroianni. El relato se abre con los preparativos que hace Fellini de una versión a "América" de Kafka. Este supuesto narrativo le sirve de nexo para conocer los entretelones del rodaje de una película, pero también para revivir el aporte que significó para el cine mundial las obras que se generaron en Cinecittá en Roma. El relato da para todo evento : los artesanos y productores de los estudios italianos aparecen haciendo lo suyo, y Fellini agiganta con gran uso del color y del espectáculo su labor con aquellas dos inolvidables escenas : cuando dos pintores concluyen un mural que simula el cielo , o esa otra, mientras se rueda un filme de estilo orientalia frente a un imponente escenario artificial con un elefante gigantesco hecho en cartón piedra. La lucha entre el cine y la televisión queda perfectamente simulada en la secuencia final donde los actores y el personal técnico escapando de la lluvia inclemente, terminan siendo atacados por hordas de indios fellinianos con sendas lanzas en forma de antenas de TV. Como obra sensible y original logra un nuevo punto a su favor, ya que, entretiene a raudales y nunca fatiga. Inolvidable resulta también la secuencia donde los míticos Ekberg- Mastroianni reviven ese clásico baño en la Fontana de Trevi contenido en La dolce vita. Un regalo para la cinefilia.

Una imagen felliniana antológica de la citada película.

"La voz de la luna". Paradójicamente, la última película del gran Fellini es una parábola fantástica acerca de la Humanidad. A un hombre común, Ivo Salvini ( el recordado Roberto Benigni ), la luna le habla reflejada en un pozo. Esta premisa surrealista, origina una serie de viñetas plagadas de personajes exóticos, estrafalarios y exhuberantes, como ha sido la tradición estética del cineasta italiano. Es una notable manera de enfocar una historia de raíz filosófica, desarrollada en un pueblecito del interior de la península. Si las chimeneas manifiestan el progreso avasallador que choca contra las casas de la comarca, es porque Fellini muy en su interior, nos quiso advertir a su manera, sobre el peligroso avance de la tecnología y de los medios de comunicación. Su película por lo mismo, se construye en base a la contradicción de lo viejo con lo nuevo: el vals que se escucha versus el pop de Michael Jackson que suena por ahí; las fiestas tradicionales versus la comercialización desmedida; el delirio urbano versus el enigma del futuro. No falta el desfile conciente de sus personajes más característicos : mujeres exhuberantes, enanos malditos, tipos estrafalarios como extraídos de un comic para adultos, el fenómeno de la televisión y de las discotheques, las autoridades burocráticas que despiertan a la abulia, y en fin, la vida singular en una comparsa visual de sugerente poesía e intelecto.

Artesanos Inolvidables.

Charles Brabin ( 1882-1957 ). Director, guionista y actor que, en la década de los años veinte del siglo pasado, fue muy notoria su presencia en Hollywood a propósito de su bullado matrimonio con la diva Theda Bara. Como realizador, debutó con la película silente: "The Awakening of John Bond" ( 1911 ), y se mantuvo activo completando una filmografía de 84 películas, hasta "A wicked woman" ( 1934 ). Fue un experto en películas rápidas, de dos rollos, y en seriales de clase B, como : "The secret kingdom" ( 1917 ), que codirigió en 15 palpitantes episodios de acción y suspenso. Su película más famosa es : "La máscara de Fu Man Chu" ( 1932), una cinta de exóticas y oscuras aventuras orientales con el inolvidable Boris Karloff. Asimismo, dirigió algunos de los primeros trabajos de Myrna Loy, Clak Gable y Jean Harlow.

"La máscara de Fu Man Chu"/"The mask of Fu Man Chu". Considerada para la crítica una de las grandes películas de aventuras de los albores del sonoro. El especialista español Carlos Aguilar apunta : " La mejor adaptación cinematográfica del legendario personaje de Sax Rohmer, y una de las piezas más descollantes del cine fantástico en su segunda etapa con un Karloff como el sádico tres veces doctor , en busca de la espada de Genghis Khan, que le procurará la tiranía de Asia. Una trepidante acumulación de peripecias y una escenografía delirante acabaron de prestar al film, el aire de comic que precisaba como colofón final a su perfecto acabado". Yo agregaría, una historia modélica que antecede las aventuras de superhéroes tradicionales y que se disfruta de principio a fin, considerando eso sí, su data y su módico presupuesto. Una matinée amena y divertida, que para los adultos tiene el atractivo adicional de la gran Myrna Loy, como la bellísima hija de Fu Man Chú.

Burt Kennedy ( 1922-2001). Director, guionista y productor del cine norteamericano que fundamentalmente se le conoce por sus aportes al western. Justamente debutó como realizador con el relato del Oeste "The Canadians" ( 1961 ) con Robert Ryan, y se mantuvo activo por casi 40 años, hasta "Comache" ( 2000 ) con Buck Taylor e Ethan Wayne, un intento frustrado por reflotar el género. Sus películas más destacadas en este campo son : "Jinetes Intrépidos"/"The Rounders", con Glenn Ford y Henry Fonda, sobre la relación de dos cowboys rayados en la cuarentena; "El Regreso de los Siete Magnificos", con Yul Brynner y Warren Oates, la primera secuela de "Los siete magníficos" más entretenida que la anterior, aunque menos original; "Welcome to Hard Times" con Henry Fonda y Janice Rule, sobre una ciudad del far west azotada por una banda de forajidos; "The Good Guys and the bad guys" con Robert Mitchum y George Kennedy y "También el sheriff necesita ayuda"/"Support your local Sheriff" con James Garner y Joan Hackett, dos westerns cómicos anti-épicos; y "Young Billy Young" con Robert Mitchum y Angie Dickinson, que funciona bien por sus magníficas actuaciones. También dirigió a Raquel Welch en su mayor apogeo, cuando vistió blue jeans y probó la pólvora en "Hannie Coulder".

"Ladrones de trenes" /"The Train Robbers". Un western en la decadencia del recordado John Wayne. Lane y sus tres compañeros acceden a ayudar a la hermosa viuda Lowe a recuperar medio millón en oro robado de un tren por su difunto marido. Otros dos jinetes se unen a la aventura, tentados por la recompensa, aunque existen otros veinte hombres armados que también están detrás del botín, algunos que participaron en el robo original. Sin ser un relato perfecto, Burt Kennedy amolda el arquetipo del viejo Wayne a una historia entre relamida y pendenciera, y se saca los balazos, con una discreta ironía que habría de marcar algunos de los westerns cómicos que rodó en su carrera. Maravillosa Ann Margret como viuda altiva y sincera, y algunos de los característicos más clásicos del género, entre los que se cuentan : Rod Taylor, Ben Johnson, Ricardo Montalbán y Christopher George.

Otra secuencia de la película en las postrimerías de la carrera de John Wayne.

Clarence Brown ( 1890-1987 ). Se tituló de Ingeniero en la Universidad de Tennessee, pero orientó su camino abruptamente al mundo del cine, cuando conoció al realizador francés Maurice Tourneaur. Abandonó su pasión por los aviones, vendió su empresa Brown Motor Company y comenzó como ayudante y editor de Tourneaur, para codirigir: "The great redeemer" ( 1920 ) y "The Foolish Matrons" ( 1921 ) y rodar casi enteramente "El último mohicano"/"The last mohicans" ( 1920 ). Después de triunfar con algunas de sus primeras películas como: "El águila negra" /"The Eagle" ( 1925 ), hecha para mayor gloria de Rodolfo Valentino, firmó un contrato exclusivo en 1926 con la MGM, estudio para el que finiquita las cuarenta películas restantes, que habría de efectuar hasta su retiro en 1952. De todo su cine, donde demuestra solvencia narrativa y un aire clásico en su manera de adaptar y utilizar los recursos expresivos del lenguaje audiovisual, conviene detenerse en películas como : "El demonio y la carne" que llevó a Greta Garbo a Hollywood, "Anna Christie", que ha envejecido mal sobre la obra de Eugene O"Neill; "Anna Karenina" extraordinaria adaptación sobre la novela de León Tolstoi con la Garbo en su máximo esplendor americano; "Amor en venta"/"Possessed" el magnífico drama con Joan Crawford; "Edison, el hombre" /"Edison the Man" ameno biopic sobre el gran inventor; "La comedia humana"/"The Human Comedy" grandiosa recreación del relato de William Saroyan; y las logradas historias juveniles "National Velvet" sobre la novela de Enid Bagnold y "El despertar" /"The Yearling" sobre el cuento de Marjorie Kinann Rawlings. Cabe destacar además, el drama antiracista : "Intruso en el polvo"/"Intruder in the dust", con Juano Hernández y Claude Jarman Jr.

"National Velvet". No es la típica película de la niña que adora los caballos y se enamora con la posibilidad de correr el Derby y ganarlo. Más bien, se trata de una película familiar que gira sobre este tema y ahonda en los miedos infantiles, pero que le saca lustre también a los ambientes pueblerinos con una imaginativa decoración en los estudios Metro y con el empleo cromático del Technicolor. También contiene escenas rodadas en escenarios naturales y con amplitud de medios que se notan en la secuencia final del Derby, significó la consagración de la niñita prodigio inglesa Elizabeth Taylor, acompañada por la escudería británica avecindada en Hollywood y el gran Mickey Rooney, en un papel que volvería a repetir anciano en la estupenda "El Corcel Negro". Toda la secuencia de Liz pasando por niño jinete, está en las antologías del cine Metro. Brown en la virtud de su talento como narrador efectivo, integra suaves notas de picardía, humor, tristeza y sueños para una historia que no debes perderte. Pequeña obra maestra.

"El despertar"/"The Yearling". El larguirucho rubiales Claude Jarman Jr., alcanzó el cenit de su carrera infantil con este potente drama campesino, ambientado en los pantanos de Florida. Una lección de vida, acerca de un niño que haciendo caso omiso a sus padres, domestica a un cervatillo con todas las consecuencias del caso, está resuelto por Brown con una sutileza ejemplar. Pese a que se filmó en su mayoría en los estudios más grandes de MGM, conserva intacta toda su pureza afectiva casi al borde de la cursilería, su exquisita estética a propósito de la llegada del Technicolor, y sus inolvidables actuaciones con Gregory Peck y Jane Wyman, convertidos en padres rigurosos pero amorosos. Imposible olvidar el momento más emocionante cuando el chico, debe someter a juicio al animal de su alma, después que éste a destruído la cosecha del año. Muy recomendable.

Edgar G. Ulmer ( 1904-1972 ). La biografía de Ulmer tiene su lado triste, como señalan los críticos chilenos Ascanio Cavallo y Antonio Martinez : "Cineasta barato siempre a cargo de piezas de género trabajadas con pulcridad, vivió en un Hollywood que nunca valoró su pasado - director de Opera, alumno de Max Reinhardt, ayudante de Murnau-, ni tampoco su muy refinada sensibilidad". De alguna forma, Ulmer fue revalorizado con los años, gracias a la crítica europea. Hombre múltiple que ejerció de director, guionista, director artístico, productor, manager, director de segunda unidad, asistente del director, fotógrafo, encargado de vestuario y director de producción. Mil tareas efectuadas en tiempo récord, se convirtió en figura clave del cine B, que ha sido redescubierto gracias a películas como "Detour" y "La Mujer del otro"/"The naked dawn".

"Detour". Grandiosa película B, acerca de un hombre común y corriente ( Tom Neal ) que se ve envuelto en un crimen por culpa de una turbadora mujer ( Ann Savage ). Rodada con escasísimos medios, es un afortunado thriller de suspenso sobre la conciencia de un personaje envuelto en una muerte accidental, al que todo le sale mal, para terminar en una encrucijada realmente asombrosa. Se trata de un pequeño clásico que Ulmer obtiene con mucha inteligencia para gloria mayor del cine policial. Excelente utilización de los espacios de un cuarto de motel, notable la muerte accidental de la chica con el teléfono, y magistral relato que le saca partido a los viejos clichés de Hitchcock, sobre lo que le ocurre a un personaje común en una historia sorprendente.

Michael Ritchie ( 1938-2001 ). Graduado de la Universidad de Harvard, comenzó su carrera como asistente de producción en la televisión y en la década de los años sesenta. Su primera película fue Dowhill Racer ( 1969 ), un encomiable drama deportivo con Robert Redford y y Gene Hackman, alrededor de un campeón de ski. Continúo haciendo películas de ambiente deportivo, como la taquillera "The Bad New Bears" con Jodie Foster y Walter Matthau sobre el ambiente del béisbol infantil; "The Scout" con Albert Brooks y Brendan Fraser sobre el ambiente del béisbol adulto; "Diggstown" con James Wood y Samuel Jackson, desarrollada en el mundo del boxeo; y "Semi-Tough" desarrollada en el mundo del football. También siguió alternando su carrera, con dramas como "Prime cut" con Gene Hackman y "La isla"/"The island" con Michael Caine y David Warner, comedias, como "Fletch, el extraordinario" y "Dos policías de alto riesgo" /"Fletch Lives" con Chevy Chase y "En busca del niño dorado" con Eddie Murphy, y un notable filme político "El candidato" con Robert Redford, tal vez, su mejor película.

"El Candidato"/"The candidate". Es una pequeña sátira sobre el fenómeno de las elecciones con un magnífico guión que otuvo el Oscar, y una meritoria actuación de Robert Redford, ya sacándose el lustre de ser sólo un actor de buena apariencia. Interpreta a un candidato al Senado que promete una serie de cambios radicales con gran integridad y honradez, para repercutir en las masas y los medios de comunicación. Como "Caballero sin espada" de Frank Capra y "El último viva" de John Ford, la mirada es ácida e inconformista, y adelanta muchos de los tópicos que habrían de arrastrarse por décadas hasta estos inciertos años de controvertida nueva administración en la Casa Blanca. Completan el reparto : Peter Boyle y el veterano Melvyn Douglas. Una gran película que merece repasarse en la comodidad del hogar.

Edmund Goulding ( 1891- 1959 ). Como actor teatral debuta muy joven, convirtiéndose en director y autor de obras originales, aunque luego de la Primera Guerra mundial se traslada a Hollywood para transformarse en un prolífico guionista, destacándose sobretodo en sus colaboraciones para los realizadores Henry King y Robert Z.Leonard. Contratado por los estudios MGM a fines de la era muda, debuta como director con la cinta "Sun-Up" ( 1925 ), permaniendo activo hasta 1958. Su filmografía comprende 33 películas, basadas principalmente en sendas obras literarias o teatrales e interpretadas por grandes estrellas de la época. Títulos como : "Love" y "Grand Hotel" con Greta Garbo, "That Certain Woman"; "Amarga victoria"/"Dark Victory", "La Solterona"/"The Old Maid" y "La Gran Mentira"/"The Great Life", las cuatro en colaboración con Bette Davis, vienen a afianzar su reputación como un realizador experto en dramas contundentes y magníficos. También es superior en "La escuadrilla de la aurora"/ "The dawn patrol" con Errol Flynn, un filme antibélico de aviación; "La ninfa constante"/"The constant Nymph", grandioso melodrama sobre una chica enamorada de un músico con Charles Boyer y Joan Fontaine; "El caso 880"/"Mister 880" una comedia con ribetes policíacos con Edmund Gwenn y Burt Lancaster, sobre falsificación de monedas que el Departamento del Tesoro norteamericano demoró diez años en resolver; y la extraordinaria "El callejón de las almas perdidas"/"Nightmare Alley" con Tyrone Power y Coleen Gray, una de las piezas más raras e inéditas del cine fantástico, sobre una mujer que es capaz de leer el pensamiento y un farsante que se comunica con el más allá. Goulding fue además, productor, compositor y actor ocasional.

"Grand hotel". Primera superproducción de MGM en los albores del cine sonoro, que reúne a sus grandes estrellas en uno de los platós más grandes del estudio y donde se simula un hotel art decó gracias al genial trabajo del diseñador Cedric Gibbons. La novela homónima de Vicki Baum, da origen a esta notable adaptación que tiene a su favor un elenco irrepetible de actores encabezados por: Greta Garbo, Joan Crawford, John Gilbert, Lionel Barrymore, Wallace Beery, Jean Hersholt y Lewis Stone. El mítico productor Irving Thalberg, asumió la tarea de recrear varias historias entrecruzadas ambientadas en Berlín en 1928 y que tiene como único nexo los cuartos de un lujoso hotel. Inicio una serie de superpelículas que reúnen a grandes estrellas en sitios más bien cerrados y donde hay algunos enigmas por resolver. Notable clásico de los inicios del sonoro.

Los actores John Barrymore, Joan Crawford y John Gilbert de la citada película.

Joe Dante ( n.1946 ). Graduado de la Escuela de Arte de Filadelfia, se inició en el cine como montador de las películas B de Roger Corman en la New World Pictures en 1974. En 1977 debuta como director con la cinta de terror acuática "Piraña"/"Piranha", para después destacar con el filme de terror "El Aullido"/"The Howling", que integró la variante erótica en una historia sobre licantropía. Más adelante, volvería al género con la estupenda comedia negra navideña "Gremlins", que recaudó 200 millones de dólares en todo el mundo. Sus filmes posteriores no abandonan el humor, la ironía, su cultismo por el cine de terror y sci fi de los años cincuenta, y su especial adicción por la animación clásica, como en "Los exploradores"/"Explorers", "S.O.S. vecinos al ataque"/"The "Burbs, y la magnífica matinée "Looney Toones : Back in the Accion". Sin ser perfectas, también son muy entretenidas, "Pequeños soldados"/"Small soldiers" y "The Hole", que regresa sobre historias fantásticas y horroríficas. A no olvidar su pequeña joyita "Matinée", que es un homenaje al cine barato hecho con artesanía y nobles intenciones evasivas.

"Gremlins". ¿ Que hizo de sorprendente esta comedia navideña que batió todos los récords de taquilla donde se exhibió ? Fundamentalmente, dilapidar para siempre la imagen altruista y positivista de la Navidad con una historia demencial, sobre unos animalitos que al contacto con el agua se convierten en terribles monstruitos. Dante con un tono irónico y muchísimo humor negro, nos relata un cuento extraordinario que tiene la facultad de ser entretenido a raudales, y que integra sendos homenajes cinéfilos, y una lectura anti-conservadora sobre el consumismo exarcerbado que tienen las fiestas de fin de año. Nunca olvidaremos el conciente desaguisado que provocan los monstruos en una población que parece tranquila y feliz, pero que es sólo, una triste apariencia. Notable.

Simon Wincer ( n.1943 ). Créamoslo o no, el padre de "Liberen a Willy" es un australiano que ama los animales, los deportes acuáticos y los relatos de fantasía heroica que están en los cowboys del oeste. Así es. Simon comenzó en la televisión australiana dirigiendo numeroso capítulos de la serie policial "Division 4" que transcurre en Melbourne. Después pasó al cine con el thriller "Snapshot" ( 1979 ), para consagrarse con la estupenda historia de fantasía "Arlequín"/"Harlequin", una sustanciosa historia de magia y terror interpretada por Robert Powell, el "Jesús de Nazareth". La reputación comercial de Wincer, radicado ya en Estados Unidos, comenzó con D.A.R.Y.L. un intenso relato de ciencia ficción sobre un niño-cyberg, "Jinetes de leyenda"/ "The Lighthorsemen", un drama bélico de ambiente oceánico; "Un vaquero sin rumbo"/"Quicley Downunder", un drama sobre un vaquero de Wyoming convertido en cowboy de un rancho australiano; "La justicia tiene su precio"/"Harvey Davidson and the Malboro Man", un neo-western sobre dos expertos corredores de motocicletas; y la taquillera "Liberen a Willy"/"Free Willy" con todo su aliento ecologista y que supuso dos secuelas. A él también se debe la adaptación del comic de Lee Falk, "El Fantasma"/"The Phantom" cuando todavía la moda de los superhéroes del comic no estaba en auge; la secuela "Cocodrilo Dundee en Los Angeles"/"Crocodile Dundee in Los Angeles", con nuevas aventuras del archiconocido cazador de reptiles ahora en las playas californianas junto a su familia ; y la fallida tardía secuela "El joven Corcel Negro"/"The Young Black Stallion". Su último trabajo data del 2011 y es: "The Cup", un drama sobre el Derby australiano.

"Liberen a Willy"/"Free Willy". Puede parecer un lugar común pero es la película más famosa de Simon Wincer. Frente a la elementalidad de la historia, acerca de un chico que intenta liberar a una orca en cautiverio en el Sea Aquarium, está la pericia de Wincer para efectuar un producto familiar en toda regla. Un poquito de suspenso por aquí, otro de emociones básicas por acá, un niñito expresivo cono lo es Jason James Ritcher, que repitió su personaje en otras dos ocasiones, y ambientes veraniegos para disfrutar la pasada sin mayores complicaciones. Es el típico producto familiar made in Hollywood que redunda en sus clichés fundamentales, pero que los sabe entregar con dignidad para un público cautivo. Ojo, y con el aliciente ecologista detrás. De cualquier manera la película resulta, inolvidable.

John Landis ( n.1950) . Este fanático del cine, comenzó enviando un correo a los estudios Fox, y a los 18 años en Yugoeslavia, se transformó en el Productor asistente de la película bélica "El motín de los valientes". Gajes del oficio, y es que Landis en Europa hizo un poco de todo en los "spaghetti westerns" desde stuntman hasta extra y asistente. De alguna manera, de regreso a USA debutó como guionista y director a los 21 años, con la comedia de terror B, "Shock" ( 1973 ), donde también hizo sus primeros pinitos el famoso maquillador de efectos especiales, Rick Baker. Su segunda película a medias con los hermanos Zuker y Jim Abrahams ( "Y donde esta el piloto"/"Airplane" ), fue "The Kentucky Friend Movie", una colección de cortos donde daba cuenta de su corrosivo humor e irreverente forma de ver la vida americana. Después vinieron sus dos éxitos taquilleros : la alocada "Colegio de Animales"/"Animal House" y la esperpéntica "Los hermanos caradura"/"The Blues Brothers", que vinieron a potenciar el humor grueso y divertido, para convertirse en películas de culto entre el público juvenil. Del resto de su filmografía, conviene destacar : la divertida comedia "Los Tres Amigos", la elemental "Un príncipe en Nueva York", la estupenda comedia de horror "Un lobo americano en Londres/"An American werewolf in London", la notable "Cuentos Asombrosos"/" Twilight Zone : The Movie", cuyo rodaje terminó en tragedia con la muerte del actor Vic Morrow y unos niños camboyanos que se precipitaron en el helicóptero en que viajaban; las fallidas comedias de situaciones "Oscar" y "The Stupids", la comedia de vampiros "Transilvania mi amor" /"Innocent blood" y su último filme a la fecha : "Burke & Hare" ( 2010 ), sobre dos excéntricos proveedores de cadáveres que trabajan en la Escuela de Medicina de Edimburgo en el siglo XIX.

"Los Tres Amigos"/"¡Three Amigos!". Un homenaje cinéfilo a los seriales westerns sobre un trío de amigos y actores desempleados del mudo, que arriban por accidente en un pueblo mexicano azotado por una banda de maleantes. Creyendo haber sido contratados para una actuación, los habitantes de la localidad, les reciben como si se tratara de sus salvadores anónimos. Steve Martin, Chevy Chase y Martin Short en una aguda y divertida comedia, que usa y abusa de los clichés clásicos del género, para sacarle lustre a las acciones y alos momentos sorprendentes. Muy simpática pese a su tono irónico algo deslenguado.

Chris Columbus ( n.1958). Su afición por el cine floreció cuando a los 15 años, asistió a una exhibición de "El Padrino" de Francis Ford Coppola. Más tarde, en la Escuela de Cine de Nueva York, hizo su primer libreto nunca filmado; para después trasladarse a Los Angeles, California, tentado por una oportunidad que le dió Steven Spielberg, al trabajar como guionista de "Los Goonies" y "El joven Sherlock Holmes"/"Young Sherlock Holmes". Padre de cuatro hijos y conocedor de la sensibilidad infantil, debutó con "Una noche por la ciudad"/"Adventures in BabySitting"( 1987 ), una estupenda road movie nocturna con tres niños perdidos y su cuidadora en una gran ciudad. 16 largometrajes conforman su filmografía, entre las cuales se destacan películas como : "Mi pobre angelito" /"Home Alone" que le dió amplia popularidad junto al prodigio Macaulay Culkin; "Papá por siempre"/"Mrs.Doutfire", una ácida comedia sobre la paternidad con Robin Williams, "Nueve Meses" /"Nine Months", otra comedia familiar, ahora con Hugh Grant y Julian Moore, sobre la posibilidad de un embarazo en un hombre y el cruce de roles que se origina producto de aquello; "El Hombre Bicentenario"/"Bicentennial Man" una comedia fantástica con Robin Williams, sobre los sentimientos que emanan de un curioso androide en su lucha por asemejarse a un humano ; los dos capítulos iniciales de la saga de "Harry Potter" , el magnífico y subvalorizado musical callejero "Rent" con Tay Diggs; el punto de arranque de las aventuras fantásticas de "Percy Jackson" y el homenaje a la primera era de los video games con "Pixeles".

"Mi pobre angelito"/"Solo en casa"/"Home alone". El éxito taquillero más importante de Columbus antes de los Harry Potter. Sin duda, una comedia navideña en toda su extensión, llena de referencias a los cartoons de la tele y dispuesta a abrir la veta de las películas de persecuciones y desaguisados originados por los niños. Todo un hallazgo el carisma arrebatador de Macaulay Culkin con esa cara de gnomo, y sutilmente los ladrones mojados más castigados de la historia del cine. El músico John Williams, que por estos días cumplió 85 años, se lució con una partitura ejemplar que incluye música coral infantil de Navidad. Conoció una secuela tan exitosa como su original ahora con Kevin MacCallister perdido en Nueva York. Desató una ola de imitaciones, y claro, la irrupción de los niños en el cine comercial de los noventas, pues todas las productoras comenzaron a rodar películas con tiernas criaturas y pobres angelitos. Queda para el recuerdo nostálgico, la estética pascuera más influyente en el cine actual. Nunca más divertida que esa escena cuando Kevin se observa en el espejo después del baño y se rocia desodorante en las axilas para gritar como contratado.

"Papá por siempre"/"Mrs.Doubtfire". El papel de Robin Williams que supuso su consagración definitiva, como un padre separado de sus hijos y que hace todo lo posible por estar con ellos, disfrazada de women sitter. La comedia tierna y divertida que logró empatizar el cambio de roles con una ironía desbordante, y asumió la paternidad como un deber inalterable por las leyes y los intereses de los litigantes. Todavía se disfruta como un aporte a la universalización de la familia unida por las circunstancias accidentales de un padre que nunca renuncia a hacer tal, por el amor infinito a sus hijos.

Grandes Directores Emergentes.

Pablo Larraín ( n. 1976 ). Hijo de un senador de la ultraderecha chilena y de la exministra de vivienda y urbanismo del presidente Sebastián Piñera, Pablo comenzó en el cine, descubriendo la magia de los relatos a través de los guiones, y junto a su hermano Juan de Dios fundó la productora Fábula, desde la cual ha producido sus propias obras. Estudió Comunicación Audiovisual en la UNIACC, y debutó como realizador en el 2005, con el thriller "Fuga", que ya evidenciaba su solidez narrativa y su prolijidad en el trabajo con la puesta en escena. Defensor del cine latinoamericano desde la perspectiva de buscar una identidad fuerte y hacerla factible a través de las películas, es un hábido lector de la historia reciente, hecho que lo demuestra en sus películas más características. Sus siguientes películas : "Tony Manero" sobre la fascinación que despierta la figura de Travolta en la época de la dictadura, y "Post Mortem" sobre los entretelones que rodearon la autopsia del presidente Allende, una vez ocurrido el golpe militar en la Moneda, le vienen a consolidar una reputación internacional para abordar proyectos más ambiciosos. Reconstruye el plebiscito de 1988, a través de la historia de un publicista que desarrolla una campaña para el "Nó", con la que logra la nominación a película extranjera en la entrega del Oscar; y radiografía la existencia de unos curas pedófilos afincados en el Sur, en la dramática "El Club" con la que gana el Oso de Plata- Gran Premio del Jurado en el Festival de Berlín. En el 2016, rueda "Neruda" una singular visión del universo del poeta parralino entremezclado con las constantes del thriller; y "Jackie" que recrea los días posteriores al asesinato del Presidente John F. Kennedy. Pese a pertenecer a una familia conservadora, Larraín se define un antipinochetista conciente de la violación de los derechos humanos: "En Chile, la derecha es responsable directa, a través del gobierno de Pinochet, de lo que pasó con la cultura en esos años, no solo con la eliminación y la no propagación de ella sino, también, en la persecución de autores y artistas", declaró Larraín a la Agencia EFE en 2008. De alguna manera, su cine nos permite acercarnos a momentos históricos beligerantes que ponen a prueba la seguridad, la emocionalidad y la unión.

"El Club". Un tema controvertido como es la violación de niños por parte de unos sacerdotes, es abordada por Larraín con una singular característica estilística, remarcada por el encierro y unas atmósferas enrarecidas. El suicidio de una visita rompe la armonía de cuatro curas y una monja, que habitan aislados en una casa en la zona costera chilena. La película es una metáfora claustrofóbica, siniestra, horrorosa, oscura y decadente, sobre el sentido de culpa y la penitencia como medio para confrontar las verdades que duelen, esas que no nos atrevemos a hablar en voz alta. Gracias a las modélicas actuaciones, Larraín impone un clima opresivo y terrorífico que no da tregua al espectador. El lenguaje por momentos, es procaz, duro y directo, y las acciones están condicionadas por esta "jaula viva" de engendros, que fustigan al cielo su irrefrenable maldad. Un gran estudio sicológico sobre la oscuridad que afecta a la Humanidad.

"Neruda". La reconstrucción de la clandestinidad en que vivió el poeta chileno Pablo Neruda y su esposa la actriz argentina Delia del Carril, pasa por aceptar que muchos de los instantes que tiene esta notable película, emanan de la propia conciencia literaria del célebre escritor parralino. Detrás de la modélica actuación de Luis Gnecco, que no satiriza la personalidad del artista, esta la aguda constatación de un momento histórico en Chile, cuando se integran los primeros estertores de la Guerra Fría. Larraín en su sabiduría estilística, recupera la sensibilidad del creador, haciendo converger narración, poesía y literatura para trascender la figura archiconocida de Neruda. Haciendo caso omiso de los convencionalismos, el director chileno integra el surrealismo y la humanidad para evitar el biopic tradicional y nutrir a la figura del artista, de la pasión desbordante de su propia genialidad. Una obra original en su propuesta, que nos acerca al Neruda- Hombre perseguido por sus ideales y emancipado a través de su pluma.

"Jackie". Si en "Post Mortem" Larraín demostraba contar una historia conocida con ribetes más dramáticos, para sacarle el lado épico a los acontecimientos, como lo hizo después en "Nó" y "Neruda", la figura de la primera dama de Estados Unidos, Jacqueline Kennedy le sirve de pretexto, para acercarnos a la vulnerabilidad de la mujer, que estuvo involucrada directamente en los acontecimientos que rodearon el asesinato del Presidente John F. Kennedy. De esta manera, la cámara evita utilizar los exteriores como material estético para elaborar imágenes de postal turística, que potencien el típico biopic tradicional. Larraín en cambio, opta por "el close up de la estupenda Natalie Portman, para acercarnos a la experiencia de una mujer vitalista que quedó viuda y con dos hijos pequeños dentro de una tremenda incertidumbre". Es un melodrama intimista que varía su intensidad emotiva, siguiendo el patrón de un viejo documental que la Primera Dama hizo mostrando la Casa Blanca a los televidentes. Se trata de la construcción del perfil de una mujer valerosa, llena de temores, ansiedades y sueños, que no se doblegó frente a los inciertos momentos históricos que le tocó vivir. Una real delicia la actuación de Natalie Portman, alabada por la crítica internacional, y a estas alturas, convertida en una de las grandes actrices jóvenes del cine norteamericano. También incorpora sendas colaboraciones secundarias de : Greta Gerwig, Richard E.Grant, Billy Cudrup, Peter Sarsgaard, John Carroll Lynch y Max Casella. Cabe resalta el rol de John Hurt, recientemente desaparecido, y que aparece como el sacerdote confesor de la primera dama. Se estrenará en Chile el 16 de Febrero próximo.

El extraordinario set que simula la Casa Blanca con los magníficos vestuarios, cuando tocó Pablo Casals frente a los Kennedy.

La actriz Natalie Portman y el recientemente desaparecido John Hurt. Frases inolvidables que considera la película : "Bienvenidos a la Casa de la gente"; "Se trata de llegar a la verdad. Eso hacen los reporteros"; "El Presidente aún en mis brazos, ya sabía que estaba muerto"; "Yo nunca quise la fama. Sólo me convertí en una Kennedy".

J. A. Bayona / Juan Antonio Bayona. Graduado de ESCAC ( Escuela de Cine y Audiovisuales de Cataluña ), nacido en Barcelona como Juan Antonio García Bayona, se inició en el cine con el excelente relato de terror "El Orfanato", para demostrar que no tiene miedos al enfrentar presupuestos mayores de índole internacional, con su segunda película "Lo Imposible" y "Un Monstruo viene a verme". En las tres películas se detecta su interés temático acerca de la muerte, las infidencias que hay sobre los miedos, las frustraciones y las aprehensiones humanas, cuando se trata de enfrentar situaciones límites de carácter extraordinarias. De alguna manera, Bayona intenta dar explicaciones a lo único que tenemos seguro los humanos en este mundo, y desde ahí, soliviantar un discurso que pasa por su naturaleza teológica, sin desconocer sus implicancias espirituales. Es un autor nato en toda regla y un cineasta proclive al cine fantástico, siempre en relación a sus inquietudes personales respecto a la vulnerabilidad en que estamos frente a lo insólito y accidental.

"El Orfanato". Producida por Guillermo del Toro, es la primera película de Bayona que tiene una extraordinaria y solvente narrativa a la manera de los clásicos del género de terror, y un acabado detallismo en su forma de trabajar la edición, la puesta en escena y la fotografía. Es un relato minimalista, claustrofóbico, tenebroso y emotivo, que mezcla el lado dramático de la historia acerca de la maternidad y el regreso a la infancia, con el lado terrorífico, logrando una intensidad que explosiona hacia el desenlace. La actriz Belén Rueda está perfecta como Laura, contenida en ciertos momentos y desbordada de emociones en otros instantes, pero siempre segura de sí misma, como que se lleva todo el peso dramático del asunto. A su lado, la revelación infantil, el niño actor Roger Princep como Simón de siete años, resulta todo un hallazgo. Completan el reparto grandes secundarios como el actor mexicano Edgar Vivar de "El chapulín colorado" y "El Chavo del Ocho" y la versátil actriz Monserrat Carrucha, como Benigna, una malvada mujer que se esconde tras unos gruesos lentes ópticos. Excelente relato de terror y misterio.

"Lo Imposible". Los que hemos vivido de cerca las inclemencias del tiempo, el sorprendente golpe de los terremotos y maremotos, sabemos que en una crisis así, lo primero que se piensa es en la supervivencia de la familia. Esta película que es la primera cinta en inglés de Bayona, logra afiatar la experiencia de una familia frente a un maremoto con el drama de la supervivencia. Detrás de la emocionalidad del relato, está el espíritu aguerrido de una mujer ( la estupenda Naomí Watts ), que nunca se doblega frente a la muerte y lucha desesperadamente por mantenerse viva en relación a sus hijos. Bayona demuestra conocer las tensiones del relato y las acomoda en una pista que desborda hacia el final con intensidad telúrica.

"Un monstruo viene a verme"/ "A monster calls". Tercer largometraje de Bayona, segunda producción en inglés, que intensifica su temática recurrente : la muerte. Sobre la novela del escritor británico Patrick Ness, que también guioniza la película, se esconde una sensible aproximación a los terrores infantiles desde la perspectiva de un muchachito, Conor ( Lewis MacDougall ) que sufre la paulatina pérdida de su madre ( Felicity Jones ), una enferma terminal. Las esperanzas que se abren están dadas por la ptesencia fantástica de un monstruo que ha nacido de las entrañas de un viejo árbol, y que le condiciona a través de unos cuentos, a reconocerse vulnerable frente a la pérdida maternal. Es una notable y madura película familiar que hay que ver con el pañuelo en la mano, y que nos abofetea sobre una realidad ineludible, pero que, tras su espíritu acertivo, esconde una discreta aceptación sobre la muerte. Grandes actuaciones, sobretodo del niño actor Lewis MacDougall, que cae en los desbordes lagrimógenos con auténtico realismo, y una impagable Sigourney Weaver como la abuela del muchacho, que logra matizar desde un segundo plano, todo el proceso de aceptación que debe asumir el joven frente a la pérdida irremediable de su madre. Una pequeña obra maestra sobre un tema que antes no se atrevían a explorar en profundidad. Magnífico estreno del cine fantástico. Se estrenó en España, en Octubre del 2016.

En el precipicio de la culpa, niño y monstruo, en el climax más doloroso del relato. Una auténtica joya que merece verse en compañía de los niños.

Quizás no exista mayor sufrimiento que la pérdida de los seres queridos. Esta película acomoda la temática a una sensibilidad candorosa, entrañable y muy realista pese a su sesgo fantástico. Muy Recomendable.

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