LOS DIRECTORES Y SUS PELICULAS.

Hijos pródigos de la luz.

En el Cine también hay estrellas, aunque para nosotros tiene un valor fundamental, el trabajo de los directores. Por eso esta nueva entrada, destaca la labor de los realizadores a propósito de estrenos, clásicos y películas por descubrir. Hay amenidad, evasión y talento  en estado puro.

__ Los directores han creado un mundo fantástico a partir de sus propias películas. 
Y cada uno de sus filmes, representan a los hijos pródigos nacidos del conocimiento de los recursos expresivos del arte cinemático, la experiencia vital y el gusto estético.
No es fácil rodar películas. Ni menos darles origen. 
En todo aquello, siempre hay una serie de obstáculos que sortear y algunos desafíos legítimos que caracterizan el trabajo colectivo.
De alguna manera, todo el procedimiento que implica pre-producir, producir y post-producir Cine, obliga a asumir altas exigencias que sólo es posible sortear con la experiencia de los años, la autodisciplina, el trabajo constante, y sobretodo, el conocimiento de las nuevas técnicas que han surgido con el supremo avance de las ciencias informáticas.
Por eso, no todos los profesionales que se dedican a dirigir películas, logran obras maestras. 
Ni tampoco, todos los cineastas llegan a trascender en la historia, porque se dedican simplemente a rodar. 
Hay incluso numerosos ejemplos de profesionales, que se quedaron sepultados en el tiempo y el olvido, aceptando una derrota marginal e injusta.
Desde la perspectiva de la producción, recursos económicos muy estrechos han originado  grandes películas. Y muy por el contrario, han surgido los mayores fracasos en taquilla, de películas que contaban con grandes presupuestos. 
Es esta constante variabilidad, la que permite hacer interesante el desafío de rodar cine. 
Ubicándonos en esta aventura de situaciones irregulares, cambiantes y sorprendentes, hemos trazado en "Séptimo 7 sello" para esta semana, un amplio panorama con varios de los realizadores que gravitan en el Cine actual, de distintas nacionalidades y culturas. 
Además, integramos una imagen con sus rostros y otra con alguna de sus películas más representativas, como una manera de tener una agenda visual que nos permita reconocer su trabajo más específico. 
En el caso de los maestros clásicos, hemos optado por citar más una película para que tengan una opción más amplia y selectiva.
Entremedio, hay también cineastas olvidados que merecen redescubrirse al amparo de las bondades del DVD, el Blue Ray, las exhibiciones de las Cinematecas y los Cines Clubes Universitarios. 
¡¡¡¡ Que este nuevo viaje por el mundo del Cine les sea grato y placentero !!!!


En Boca de todos.
* Estos son los realizadores que viajan a través de los Festivales Internacionales de Cine y que se han hecho un nombre, para gravitar desde el reconocimiento de la crítica especializada e influenciar a las nuevas corrientes estéticas y estilísticas del mundo.
 
 

Paolo Sorrentino. Sus dos obras maestras "La gran belleza" y "La Juventud"/"Youth", hablan de la soledad como motor compulsivo de personas que vienen de vuelta de todo. Hay en su cine una mirada surrealista, que nunca desentona con el tono agridulce de sus relatos. Se trata de una gran estilista visual, un genial creador de imágenes y un narrador único. Nacido en Nápoles en 1970, se inició como guionista en 1998 y como director en el 2001 con "L"uomo in piú". Con "Le consegueze dell"amore" ( 2004) obtuvo reconocimiento internacional al ser nominada a la Palma de Oro en el Festival de Cannes. Sin embargo con "La gran belleza" logra ganar el Oscar a la Mejor Película Extranjera, tras su primera película en inglés con Sean Penn, "This Must The Place" ( 2011), una dramática historia sobre una antigua leyenda del rock que va tras los pasos del oficial nazi que asesinó a su padre en Auschwitz. Sus películas originan detractores y numerosos admiradores, que creen ver en su cine, una extensión de lo que en otros tiempos fueron Federico Fellini y Luchino Visconti.   

 

"La Juventud" /"Youth". La soledad en el tránsito hacia la vejez, la belleza en la juventud, el miedo al fracaso, la estupidez de la popularidad mal asimilada, la complejidad en las relaciones de pareja, la frugalidad de la existencia, la rutina de las acciones cotidianas, la soledad como un nexo sustentable entre las relaciones de la creación, la inspiración y el desaliento, aparecen como temáticas características de la última película de Paolo Sorrentino. Un notable maestro de música ( Michael Caine ) y un director de cine frustrado (Harvey Keitel ), en medio de un hotel de reposo de fama algo siniestra, sirven de pretexto al magnífico realizador italiano, para profundizar en las claves que ayudan a entender mejor los vaivenes de la existencia en los albores de la tercera edad. Una obra mayor del cine actual dedicada a la memoria del destacado cineasta Francesco Rosi.

 

Pablo Larraín. Del cineasta chileno más destacado del momento - junto con Matías Bize y Sebastián Leilo- , sólo basta decir que, su cine alcanza ribetes de expurgación casi confesional, respecto a los temas que más controversias han desatado en la opinión pública nacional. Desde que debutó con el estupendo policial Fuga en el 2006, Larraín jamás ha dejado de amoldar los estilos para trascender con temáticas de candente interés : los entretelones de la campaña política que llevaron a Chile a una nueva etapa de la Democracia en "Nó"; las influencias iconográficas de la época disco en tiempos de crisis con un asesino en serie en "Tony Manero"; la reconstrucción de los acontecimientos para efectuar una autopsia al presidente Allende en "Post Mortem"; el documental colectivo "Venice 70: Future Reloaded" y el poderoso drama de unos sacerdotes enclaustrados en una zona costera, aislados por sus comportamientos homosexuales y pedófilos en "El Club". Hay en todo el cine de Larraín, una madura forma de narrar que somete al espectador a sus propias bajezas y debilidades, para hablar sin pelos en la lengua de los problemas que afectan a la sociedad en su conjunto. Sin duda, un cineasta inconformista y polémico, que superpone el esquematismo pueril y comercial, por una audaz manera de criticar el mundo que le rodea. 

 

"El Club". Cuatro sacerdotes, una monja y el suicidio de una visita, que rompe la aparente armonía de una casa en la zona costera chilena, sirven de pretexto al director Pablo Larraín para efectuar una aguda reflexión sobre los pecados de la Fé y la expurgación de las culpas. Más que una crítica a la Iglesia Católica, - como muchos han querido visualizar- , es una metáfora claustrofóbica, siniestra, horrorosa, decadente, oscura y durísima, que habla sobre la penitencia como medio para confrontar las verdades que duelen, de un grupo de curas de oscuro pasado y la impunidad como un germen que utilizan las instituciones para salvaguardar sus prestigios. A las extraordinarias actuaciones de un puñado de nuestros mejores actores de cine, teatro y televisión, se suma la estupenda puesta en escena, que Larraín impone en su nueva obra de tono terrorífico y asfixiante. Una película que seguirá dando que hablar por mucho tiempo y que es difícil de olvidar después de su primer visionado.

 

Julio Medem. Uno de los directores españoles íconos de la década de los noventa, cuyos temas predilectos son el amor, el azar, la magia, la locura, el sexo, el viaje y un registro del misticismo estético, algunas veces más cercano al surrealismo y otra al realismo mágico. Todas sus películas como "Vacas" y "Los amantes del círculo polar", surgen entre miembros de familias en conflicto, o entre personajes reunidos por el azar como en "Lucía y el sexo" y  "Habitación en Roma". Por lo general, sus personajes atraviesan por problemas sicológicos, inhibición en "Vacas"; intentos de suicidio, amnesia y locura en "La ardilla roja" , esquizofrenia en "Tierra";  depresión histérica en "Lucía y el sexo" y cáncer en "Ma ma". Cuando analiza sus comportamientos, Medem opta por insuflarle un tono humorístico, casi irónico, que surge de manera inesperada, y culmina con una ironía muchas veces contradictoria. Todo su cine, tiene la virtud de mostrar a personajes en viajes externos o internos y muestran su amor por la sensibilidad femenina, la belleza del mar y de la naturaleza.

"Ma Ma". Un drama contemporáneo, más cercano al universo de Pedro Almodóvar que al propio, simulan cierta fatiga creativa en la constatación de una historia interesante y asombrosa. De alguna manera, Penélope Cruz insiste en demostrar la fortaleza de una mujer independiente, tras saber que sufre de cáncer mamario y lucha como puede, junto a su hijo pequeño, para asumir una maternidad sorprendente. Estupendas actuaciones de Luis Tosar y Penélope Cruz, que no logran apaciguar del todo, cierto tufillo a melodrama hogareño plagado de clichés redundantes, que Medem aplica con distancia y oficio narrativo. Aún así, la película es una experiencia inolvidable en el plano de los supuestos románticos, ya que nunca renuncia a insistir en la posibilidad de encontrar el amor ideal, con la muerte doblegándolo todo a su alrededor. Para visionar con el pañuelo en la mano.

 

Cesc Gay. Este barcelonés ya nos había demostrado su buen oficio como narrador y esteta, gracias a películas como "Krampack"; "En la ciudad" y "Una pistola en cada mano". Capaz de abordar los géneros más populares con riguroso conocimiento del lenguaje audiovisual, se caracteriza por extraer de sus actores, toda la potencia dramática de los personajes casi siempre enfrentados a situaciones extremas donde ronda la muerte, el fracaso o la derrota.Fue el gran triunfador de la reciente entrega de los Premios de la Academia de Cine Español Goya, al obtener la precea reservada a Mejor Director, Mejor Película, Mejor Actor ( Ricardo Darín), Mejor Guión Original, Mejor Actor de Reparto ( Javier Cámara).

 

"Truman". El viaje de Tomás ( Javier Cámara) un entrañable amigo español para despedirse de Julián ( Ricardo Darín ) su compinche argentino que está enfermo de cáncer, constituye el eje dramático de esta agridulce comedia de situaciones, que además, incluye un viaje relámpago a Copenhague en Holanda. La película tiene un ritmo perfecto, capaz de retratar con aguda complicidad la vida de dos viejos amigos, evitando la ambigüedad y los desbordes melodramáticos, para entregar una nueva y vitalizante visión respecto a la Vida en tránsito a la muerte. Los viejos amores, la derrota, el sentido afectivo de la amistad eterna, la soledad, las relaciones padres- hijos, la perfectibilidad de los acontecimientos cotidianos, el inexorable paso del tiempo, la irrecuperable pasión juvenil, y el sutil amor por los animales, adquieren un espacio dentro de un contexto argumental siempre positivista y esperanzador. Una gran película ganadora de 5 Premios Goya, con notables actuaciones protagónicas.        

David Cronenberg. El especialista Wayne Drew asume que el cine de este director canadiense, desestabiliza al espectador a partir de cinco aspectos fundamentales como son : cuerpo y mente; identidad sexual; familia e instituciones sociales; códigos morales y creencias metafísicas; y estructuras económicas y políticas. Su cine es capaz de crear un shock inmediato que se origina en las espesas basas de sus intrincados relatos: la fascinación por el modo en que el cuerpo humano se ve afectado por influencias externas, "son juegos de la mente, pero con sus equivalentes emocionales".  Desde los lejanos tiempos de "Parásitos mortales" hasta "La mosca", de la novedosa "Videodrome" a la génesis de la asombrosa "Existenz"; de las grandiosas "Mortalmente parecidos"; "M.Butterfly"; "Crash", "Promesas del Este" hasta "Una historia de violencia", a Cronenberg le obsesiona el miedo al cuerpo, el temor al contacto físico, los sínodos de la violencia radical y las implicancias del Sida, en un microcosmos con escasos actores, escenarios mas bien cerrados y un destino realmente incierto y pesimista. 

"Polvo de estrellas" /""Maps to the stars". Aunque parece distanciarse de los temas que le obsesionan, este relato critica el mundo hollywoodiense desde la perspectiva más irónica y visceral. Un cuestionamiento directo al exitismo, pergreñado desde un guión de Bruce Wagner, un escritor obsesionado con el sistema de la meca del cine y su disección casi lapidaria del fenómeno de las grandes estrellas. Estructurada como si fuera un cuento macabro, explora en las cloacas malolientes del ego, la sicosis por lograr el triunfo y el reconocimiento popular. Tiene estupendas actuaciones de Julianne Moore y Mia Wasikowska, como una insólita súmmun. Para reflexionar y discutir entre amigos de la farándula criolla.

Ang Lee. Radicado en Estados Unidos desde 1978, este director taiwanés ha labrado una carrera muy singular que se caracteriza por su gran originalidad, su sentido estético y su notable forma de reflejar la simbiosis entre las culturas de Oriente y Occidente. Después de estudiar en la University Film School de Nueva York y efectuar dos cortometrajes galardonados en diversos festivales de cine, Lee reunió 400.000 dólares para rodar su ópera prima "Pushing Hands" ( 1991 ), la historia de un estadounidense de origen chino que lleva a su padre , un maestro de tai-chi, a vivir con él a Nueva York.  Todas sus grandes películas ( "El banquete de bodas"/"The Wedding Banquet"; "Sentido y sensibilidad"/"Sense and sensibility"; "La tormenta de hielo"/"The Ice Storm"; "El Tigre y el dragón"/"Crouching tiger, hidden dragon"; "Secreto de la montaña"  y "Una aventura extraordinaria/"The life of Pi" ), poseen una vertiente muy filosófica, que dan preponderancia al lado racional más que al emocional, para construír complejos cuadros existenciales. A Lee le preocupa, qué elementos visuales se encargan de marcar el rumbo emocional de sus películas.  

"Una aventura extraordinaria"/"The life of Pi". Un relato de largo aliento que se establece  a partir de la relación entre un inmigrante de Pondicherry, en India, que vive en Canadá y un escritor local en la búsqueda de una historia, permiten al notable realizador taiwanés efectuar una obra maestra, que bebe de los cuentos mágicos y de las religiones islámicas y cristianas. Es una cinta casi experimental, sobre las posibilidades de la narración, sus infinitas variables temáticas y sus metáforas literarias. Pero además, un magnífico espectáculo visual, que asombra por la perfecta simbiosis que hay entre relato maravilloso y épica existencialista. Una demostración del poder que tiene la imaginación sometido al lenguaje audiovisual.  

Paul Thomas Anderson. Antes de acceder a la dirección, trabajó como asistente de producción en películas para la televisión, videoclips, y concursos televisivos en Los Angeles y Nueva York. Decidió ampliar su cortometraje Cigarettes and Coffee ( 1993 ), para transformarlo en el largo Hard Eight que se presentó en el Festival de Cannes en 1996. "Boogie Nights" ( 1997 ) una película de culto ambientada en el mundillo de las películas pornográficas, ganó tres nominaciones al Oscar. "Su innovador estilo de dirección no elude los argumentos confusos y los personajes complejos. El cineasta no tiene miedo a transgredir las reglas. En Magnolia que dura tres horas y media, está justo en medio y tan cerca de sus personajes que parece que percibimos su respiración".  Petróleo Sangriento/ There Will Be Blood y "The Master" sólo vienen a confirmar que es el heredero directo del estilo narrativo de Robert Altman y Martin Scorsese.

"Vicio propio"/"Inherent vice". Adaptación de la novela homónima de Thomas Pynchon, un thriller ambientado en California en 1970, sobre un peculiar detective privado ( Joaquín Phoenix ), que debe descubrir la misteriosa desaparición del amante de su exmujer. De esta manera, el investigador pasa a formar parte de una compleja trama de ribetes mayores, que tiene todo el esquema de los clásicos del cine negro. Se trata de un imaginativo ejercicio de estilo, que Paul Thomas Anderson hace suyo, con el retrato de personajes outsiders y marginales que parecen habitar en las cloacas más putrefactas de la ciudad. La sicodelia de una época dentro de una farsa ingeniosa, abierta, desmadrada, inconexa, absurda y divertida. 

Christopher Nolan. Nueve largometrajes conforman la interesante filmografía de este realizador británico, que partió demostrando una original manera de abordar el relato cinematográfico, con su thriller "Memento" ( 2000 ). Después de darle un nuevo giro al personaje de Batman en tres entregas sucesivas ( 2005-2008 y 2012 ), se encarga de hacer lo mismo con el legendario "Superman" /"El hombre de acero", en el 2013. Sus tres películas de fantasía y ficción: "El gran truco"/"El truco final"/"The Prestige" ( 2006 ); "El Origen" ( 2010 ) e "Intelestelar" ( 2014 ), insisten en armar complejas tramas con interesantes reflexiones acerca de la infinitud del cosmos, la eternidad como un movimiento holístico de trascendencia metafísica; y la dualidad de los comportamientos humanos frente al propio universo.

"Intelestelar". Toda la magnificencia de este espectáculo visual sobrecogedor, es para una historia de complejísima ramificaciones relativas al tiempo, el espacio y el amor filial. Sin duda, una obra maestra en su conjunto, que nunca desentona del todo, pese a su infinita variabilidad temática y reflexión metafísica. Matthew McConaughey , Anne Hathaway, Jessica Chastain y la pequeña Mackenzie Foy, se someten a una aventura cosmológica que habla sobre la holística del Universo. Fascinante experiencia que recuerda al 2001 de Kubrick, y que insiste en la eternidad como idea reflejo de una Humanidad en vías de extinción.  

Dentro de una trama elevada en sus planteamientos científicos y espirituales, Nolan asume que las relaciones paterno-filiales no se rompen jamás. Ni con la muerte, ni con las distancias territoriales, ni con los designios de la Vida. Se trata de una colosal parábola sobre el infinito del Universo, pero sobretodo, una gigantesca alusión a la importancia que reviste la vida humana en el cosmos. Los agujeros-negros simbolizan los estadios perpetuos de la Vida, pero a su manera, un enigma de épicas consecuencias para el espacio y el tiempo. Una volada superior de un director singular. 

Guillermo del Toro. Su predilección por el género del terror fantástico nace de su admiración por el trabajo del gran experto en FXs y maquillista Dick Smith. A través de su fanatismo por el cine B, el gore, el relato fantástico y la truculencia, el realizador azteca debuta con el largo "Cronos" ( 1993 ), que recibe nueve nominaciones de la Academia de Cine mexicana. Después se radica en Estados Unidos, donde debuta con la espléndida movie-monster "Mimic" ( 1997 ), que estelariza Mira Sorvino. Más adelante, rodará la estupenda historia de terror fantasmal ambientado en la guerra civil española "El espinazo del diablo" ( 2001 ), para revitalizar la secuela "Blade 2" con Wesley Snipes, y convertirse en un gran suceso taquillero con la saga de "Hellboy" ( 2004 ), con uno de sus actores favoritos, Ron Perlman. Su primera obra maestra absoluta es "El laberinto del fauno", una extraordinaria parábola sobre la guerra con un gusto estético por las monstruosidades basadas en la pintura. Su homenaje a las monster-movies que disfrutaba cuando niño, fue "Titanes del Pacífico" ( 2013 ), para insistir con un macabro cuento gótico de terror con "La cumbre escarlata" ( 2015 ). Ahora prepara una nueva versión al clásico de Collodi "Pinocho". 

"La cumbre escarlata". Si hay algo que identifica el estilo de Guillermo del Toro en el cine, es su refinamiento estético, su detallismo en la puesta en escena y su manejo de las situaciones asombrosas. De alguna manera, todos estos ventajosos recursos reaparecen en esta historia gótica de terror, que vuelve sobre los temas de su interés : la muerte, el mal que proviene de ambiciones de poder desmedidas, la ambigüedad en las relaciones de pareja y el amor como única fuerza para destruír todas las oscuras maldiciones. En su formato, puede resultar algo añejo el espíritu de este relato, que regresa sobre los de esquemas de "Cumbres borrascosas",  y  "La casa embrujada", pero nunca defrauda porque se nota al final, la mano maestra de Del Toro. Mia Wasikowska está estupenda como la frágil doncella engañada por un amante furtivo ( Tom Hiddleston ), para hacerse de su herencia, pero la que se saca todos los Oscares es Jessica Chastain, a estas alturas la más trabajólica actriz del cine americano.  

Paul King. Formado en el cortometraje, debutó como realizador en el largo, con el drama "Bunny and the Bull" ( 2009 ), para escudriñar en la comedia con el telefilme "The Pajama Men : Last Stand To Reason" ( 2011 ). Con el cuento familiar "Paddington" ( 2014 ), logró  reconocimiento internacional, que le fue recompensado con una grandiosa respuesta en la taquilla europea. En estos momentos prepara dos películas: el drama sobre un niño con deformidad facial "Wonder", y la secuela de su éxito "Paddington 2", que se estrenará en el 2017.

"Paddington". Fue una de las gratas sorpresas de la cartelera navideña inglesa del 2014. Una historia novedosa para toda la familia, tratada con una notable celeridad gracias al empleo de las nuevas técnicas informáticas, una imaginativa utilización del montaje, los FXs, la puesta en escena y la revalorización del color. Un tierno osezno que habla y se comporta como un humano, viaja de la selva peruana a Londres, tras la búsqueda de un explorador amigo que le ofreció techo y comida. El joven animalito es recibido momentáneamente por una familia disfuncional, y terminara siendo perseguido por una hermosa taxidermista ( Nicole Kidman ), que no es otra que, la hija vengativa del viejo amigo de la familia oso. Basada en el cuento del escritor británico Michael Bond, esta película demuestra que, con buenas ideas y un correcto uso de los recursos audiovisuales, se pueden obtener novedosos resultados. Cierto. La idea central se doblega hacia los eternos y contradictorios terrenos de la eterna lucha entre el bien y el mal, pero en su cometido, jamás traiciona los fines didácticos de valorizar a la familia como eje y motor de la sociedad.

Dentro de los cánones de los cuentos infantiles más modernos, "Paddington" tiene la ventaja de no traicionar sus propios fines didácticos. En la naturaleza de su personalidad tiernucha y caballerosa, se esconde el espíritu de amabilidad idealizada de un mundo animal vulnerable y siempre amenazado por la destrucción y el caos de la civilización. Hugh Bonneville es Henry Brown y Sally Hawkins interpreta a Mary Brown, los padres de la familia que acoge al osezno. Los niños Madeleine Harris como Judy Brown y Samuel Joslin como Jonathan Brown, se transforman en los "hermanitos" perfectos para ayudar a Paddington a encontrar una familia que le acoja y adopte. La estupenda Julie Walters ( "Educando a Rita"; "Billy Elliot"; "Harry Potter y el misterio del príncipe"), desempeña el papel de Mrs Bird, otra de las aliadas del simpático personaje central. Una grata y simpática película para disfrutar en familia. Hay entretención garantizada.

 Los Reyes de la Taquilla.
* Estos son los directores, que el común de la gente memoriza como los infaltables reyes de la taquilla. Todo lo que ruedan, se vende, aunque a veces, sus películas no alcancen a ser muy novedosas e interesantes. En algunos casos, también pueden ser maestros del cine, porque han impuesto una manera personal de trabajo que se detecta en sus obras.

Steven Spielberg. Ya se ha escrito todo lo que había que saber, de este gran Rey Midas de Hollywood. Artífice de un cine, que corre por dos rutas paralelas : como innovador condescendiente a un cine evasivo que recicla los géneros más populares ( ciencia ficción, fantasía, terror y aventura en la línea de "Tiburón"; "E.T. el extraterrestre"; "Encuentros Cercanos del tercer tipo"; "Cazadores del Arca Perdida"; "Inteligencia Artificial" ) y narrador de épicas históricas que han tenido un impacto en la cultura americana ( "La lista de Schindler"; "Rescatando al soldado Ryan"; "Munich"; "Lincoln"; "Caballo de guerra") . ¿ Qué le queda por rodar ? Quizás, algún día, su propia autobiografía. 

"Puente de Espías". Junto con "Munich" con la que tiene varios puntos en común, es uno de los grandes thrillers judiciales de este siglo. De su complejísima resolución dramática, se sostienen series y miniseries que, menos logradas, retoman el tema de la guerra fría para soliviantar las consecuencias posteriores que han influído en los países aludidos. Tom Hanks somete su personaje a un via crucis judicial, para salvaguardar la vida de dos personas, que deben sobrepasar el muro que actúa como barrera infranqueable de la libertad y símbolo del presidio territorial europeo de otros tiempos. Spielberg logra elevar la historia, porque integra una finísima línea de contacto entre el suspenso clásico y el drama de connotación existencialista. Es una gran película que, como otras semejantes, con los años deberá recomponer su vigorosa fuerza emocional para imponerse en el gusto del espectador medio. Muy recomendable.

J.J.Abrams. Guionista desde 1990 de Cine, series y programas de televisión, debutó como realizador el 2006 con la secuela del thriller de acción y suspenso "Misión Imposible III". No fue hasta la nueva versión de "Star Trek" ( 2009 ), que demostró su enorme capacidad para renovar conceptos temáticos de películas anteriores y aplicar un aire fresco a todo lo que cuenta. Si "Super 8" fue reciclar las claves más categóricas del cine de Spielberg, "Star Trek: en la oscuridad" ( 2013 ), fue complejizar el mundo de Roddenberry, para gloria de los trekkies de la serie de sci fi de los sesenta con la suspicacia del narrador aventajado. Con "Star Wars: el despertar de la fuerza" ( 2015 ) queda la duda, si es un gran fotocopiador de ideas taquilleras o un eximio artista visual. Aunque nosotros nos volcaríamos por la segunda opción. De algún modo, es el director más cercano al estilo de Spielberg-Lucas de los ochentas. 

"Star Wars: el despertar de la fuerza". Nada de lo que se escriba hoy sobre esta película puede hacer olvidar el impacto que nos causó la original saga de George Lucas, en su debut en 1977. Es que ese crucero espacial pasando con sonido dolby stereo por la gran pantalla, dejó boquiabiertos a todo el mundo. El hiperrealismo del género fantástico había llegado a la cúspide. Retomar el camino trazado en los tiempos actuales resulta una paradoja. Sin duda, se ha convertido en la película más taquillera de la historia. Pero quedan las interrogantes ¿ Cúanto hay de antojadizo en la nueva premisa y cuanto hay de reciclado ?...y para ser justos ¿ Cuánto hay de innovador ? Una crítica lo subraya textual : "Curiosamente, lo mejor de la película es su primera media hora. Es en la presentación de los jóvenes protagonistas (y el cómo se van encontrando unos con otros), todos de nuevo cuño, donde la magia Star Wars funciona como un reloj suizo. Se palpa la tragedia, la emoción se traba en el paladar, uno ansía que la película avance para seguir descubriendo cómo ha evolucionado la historia tras décadas de parón". Si hay algo que esta nueva Star Wars retoma, es su poder de ensoñación sobre el público. Esa magia indescriptible de estar un par de horas, allá en una lejana galaxia...

James Cameron. De las diez películas que este innovador director canadiense ha efectuado, incluyendo dos documentales, tres han sido grandes sucesos de taquilla : "Terminator"; "Titanic" y "Avatar". Heredero directo de las tradiciones del cine como espectáculo impuestas por el genial Cecil B.De Mille, Cameron insiste en sus temáticas más sorprendentes : la creación de un universo paralelo donde comulgan el 3 D, los efectos ópticos más arriesgados y las producciones fílmicas más aventuradas, para sorprender al espectador. Ese darse por entero con el deseo de arriesgar hasta la camisa para lograr resultados asombrosos y exigentes, le ha ganado el favor del espectador medio, que asiste con multitudinaria fortuna a visionar sus películas. Actualmente, prepara las secuelas 2,3 y 4 de Avatar y una historia insólita sobre un millonario texano en viaje a Africa en "The Informationist".   

"Avatar". Para unos críticos, se trata de una asombrosa experiencia virtual, demasiado fría y maniqueísta, monocorde y plana. Para otros, una obra maestra de la informática, atesorada por la genialidad de un director innovador e inteligente. Pandora es un universo maravilloso, cuya magia se desprende de los momentos menos esperados, quizás porque el guión es demasiado lineal y básico y parece superado por los gigantescos escenarios y creaturas. En todo caso, se trata de una película que marca un antes y un después en el cine actual. El resultado de una búsqueda obsesiva por el perfeccionamiento de la técnica digital del 3D. Grandiosa en su némesis y como ejemplo del cine que vendrá en un futuro cercano.

Rob Cohen. Productor y director neoyorquino de origen judío, autor de grandes éxitos de taquilla, como : "Rápido y Furioso"; "XxX"; "La historia verdadera de Bruce Lee" y  "La Momia : la tumba del emperador". De sus doce largometrajes, se desprenden algunas de las mejores basas del cine de acción ( hay vértigo, pirotecnia, stunts en situaciones extremas, montaje rápido y alternante, y grandes efectos de sonido ). Como buen surfista, sus películas tratan de mantener cierto equilibrio en la tabla de los placeres cómplices.  

"Rápido y furioso". Desde el 2001, que la saga sobre ladrones de automóviles con Vin Diesel y Paul Walker, despertó las apetencias del espectador. La fórmula se explica en el uso de un montaje funcional, que recupera el cut rápido e instantáneo, y coloca el frenesí en las persecuciones y los giros sorpresivos del relato. Hay acción en grados superlativos, que reciclan varias de las ideas originales de películas sobre persecuciones en carreteras y que contienen suficiente adrenalina, como para pasar un momento al borde de las butacas.

Joss Whedon. Creador de la serie televisiva Buffy la cazavampiros, es también guionista, productor y director de cine americano. Joss nació en una familia muy ligada al mundo de las sitcom norteamericanas (es hijo y nieto de guionistas). Pasó tres años en el Reino Unido, estudiando en el Winchester College de Hampshire. Recibió la licenciatura en cinematografía de la Universidad Wesleyana en 1987. Su primer trabajo acreditado, lo realizó para la comedia Roseanne. Debutó en cine, con "Serenity" una aventura de ciencia ficción estelarizada por Gina Torres. Su segundo largometraje "Los Vengadores" ( 2012) le lleva al éxito que prosigue con la secuela "Los Vengadores : La Era del Ultrón" ( 2015 ). La película en blanco y negro, "Much About Nothing" ( 2012 ), moderniza un clásico de Shakespeare.

"Los Vengadores : La Era de Ultrón". Entretenida secuela que ironiza sobre los superhéroes originales para evidenciar cierto cansancio en sus cometidos formales. No hay mayor contenido superior, ya que se opta por darle una gruesa solvencia a la acción por la acción. Ello parece ir en desmedro de la serie, que fulmina las expectativas de sus fans. Sin embargo, queda la suspicacia de un relato que pudo ser mucho mejor, aunque ameno y con unos efectos visuales espectaculares. 

Francis Lawrence, junto al actor Joss Hutcherson de "Los juegos del hambre". Director de origen austríaco, que comenzó a rodar largometrajes cuando hizo "Constantine" con Keanu Reeves. Su segunda obra "Yo soy leyenda" con Will Smith, vino a reafirmar su vena para reciclar viejos éxitos y darles nueva vida comercial. Después vendría "Agua para elefantes", una fallida historia romántica que le devolvió al cine que mejor domina : la acción y la fantaciencia, como demuestra en la saga de "Los juegos del hambre" ( 2013-14-15).

"Los juegos del hambre : Sinsajo- Parte 2". La conclusión de la saga juvenil para la crítica española Paula Arantzazu Ruiz es definitiva :
"Dar por concluída una saga de la magnitud de Los juegos del hambre sin conceder un ápice a todos aquellos aspectos sobre la dictadura del espectáculo y el mercadeo de imágenes propagandísticas que precisamente intenta criticar no ha debido ser tarea fácil. Pero Francis Lawrence ha apostado por un desenlace de una lógica aplastante con el giro crepuscular que tomó la franquicia en la primera parte de Sinsajo, y si en aquella película el relato se adentraba en un lento despertar sobre los horrores de la guerra y los engranajes del poder, en Sinsajo 2 la pregunta que emerge es de tintes maquiavélicos: ¿verdaderamente el fin justifica los medios?".

Robert Zemeckis. Productor, director y guionista que ha logrado ser original y diferente al integrar una filmografía llena de aventuras, comedias y fantasías que recuperan el gusto del público por los seres más freaks y divertidos del planeta. Desde su homenaje conciente a The Beatles con "Beatlemanía/"I Wanna Hold Your Hand" hasta su reaccionaria pero humanista "Forrest Gump", Zemeckis impone la magia del cine como ilusión compartida por medio mundo, gracias a la trilogía de "Volver al Futuro"/"Back to the Future". Sus mejores obras como "¿ Quién engañó a Roger Rabbit? y "El Expreso Polar", vienen a interrogarse sobre los límites que existen entre la realidad y la fantasía, a partir de sendos experimentos con la animación por ordenador y la mezcla de imágenes en 3D.

"En la cuerda floja" /"El desafío"/"The Walk". Amena y divertida historia basada en los hechos reales que llevaron al acróbata francés Phillippe Petit en 1974, a cruzar por lo alto de las Torres Gemelas/World Trade Center en Nueva York. Al sustancioso y aparente árido relato, Zemeckis integra el humor, la amistad y los sueños de un joven europeo que desafió a la autoridad, para imponerse en un acto de heroismo extremo. Grandes actuaciones de Joseph Gordon-Levitt, la preciosa Charlotte Le Bon y el siempre versátil Ben Kingsley.

La directora inglesa Sam Taylor-Wood junto a su esposo el actor Aaron Taylor Johnson. Directora y actriz londinense que ha logrado reconocimiento internacional con sus películas : "Cincuenta sombras de Grey" ( 2015 ); "Mi nombre es John Lennon" ( 2009 ) y "Love You More" ( 2008 ). Su estilo detallista en las recreaciones de atmósferas y en la puesta en escena, no deja sobrellevar el peso dramático de sus historias. Por el contrario, si bien, logra narrar relatos interesantes, su fuerza emocional no logra imponerse frente al preciosismo y acabado formal de sus imágenes. Es un cine feminista, muy interesante de visualizar y en vías de pleno desarrollo. 

"Mi nombre es John Lennon" /"No Where Boy". La mejor de sus películas, sigue siendo esta biografía sobre el célebre beatle y sus relaciones con su madre y su tía. Gran recreación de una época, nostálgicas canciones del repertorio de los melenudos de Liverpool, pero sobretodo, contiene una modélica actuación del joven Aaron Taylor Johnson que, después se transformó en el marido de la cineasta. Imperdible.

Michael Bay. Productor y director californiano, que comenzó supervisando videos musicales para Vanilla Ice y Meat Loft. Debutó en 1995, con la cinta de acción "Dos policías rebeldes" /"Bad Boy" con Will Smith y Martin Lawrence, para proseguir con "La Roca", "Armageddon" y Pearl Harbor", su película más cara y  menos rentable. Con "La Isla" y posteriormente, "Los Transformers" logra una popularidad avasalladora. 

"Pearl Harbor". La historia de dos amigos capitanes del ejército norteamericano ( Ben Affleck y Joss Hartnett ) en los albores de la Segunda Guerra Mundial. Es un relato bélico y romántico hecho a gran escala, que pese a su tremendo impacto visual, termina por zozobrar debido a la falta de inspiración dramática. Sin duda, se trata de un espectáculo visual inolvidable y una película irregular, que es recomendable revisionar para sopesar donde están sus mayores virtudes y sus mayores defectos. Interesante.   

Colin Trevorrow. Es un seguro candidato para rodar la novena parte de Star Wars. Tras debutar con el documental Reality Show, acomete la saga de "Mundo Jurásico"/"Jurassic World", con una encomiable capacidad para robustecer los planteamientos temáticos del relato original, y salvaguardar la amenidad de un espectáculo logrado. Sin duda, es un magnífico entertaiment que recién inicia una prometedora carrera tras las cámaras.  

"Mundo Jurásico"/"Jurassic World". Todo lo que tiene de sensacional esta película de matiné familiar, está en su génesis escrita por Michael Chrichton. Una auténtica delicia que extiende el poder de la resurrección de los saurios prehistóricos, para contraponer las amenazas superiores de hombres sedientos de poder. Nunca faltan las vueltas de tuercas, los salvamentos de último minuto, y claro está, las nuevas apariciones de saurios biogenéticamente desarrollados para la exhibición de un moderno parque de entretenciones.¿ Quién desea viajar a conocerlo en vivo y en directo ? Pues, tiene que adquirir el Blue Ray.

Si Chris Pratt hace lo imposible dominando velocirraptores, entonces la bellísima Bryce Dallas Howard está en lo suyo, como administradora de un lugar peligroso. Aunque los que se llevan la precea de oro, son los prodigiosos jóvenes actores Ty Simpkins y Nick Robinson, que se lo pasan media película escapando de las fauces de un enorme saurio. Oye si no las visto, no la dejes pasar por alto. Entretención de principio a fin.

Maravillosos "Outsiders".
*También el cine ha dado espacios para directores internacionales que han sacado a relucir las mejores potencialidades creativas con temáticas candentes y autorreflexivas desde el otro lado de la berma. 
Ellos son cineastas estigmatizados por sus propias pasiones cinéfilas, marginados o independientes, capaces de prender la mecha de la pólvora y hacer un cine poético, controvertido o políticamente incorrecto.  
De alguna manera, ellos le han abierto una ventana al aire fresco que el Cine necesita cada cierto tiempo para renovarse y madurar. 

Michael Cimino. Pertenece al grupo de renovadores de la industria fílmica norteamericana de fines de los años 60 y comienzo de los 70, cuya carrera ha sido tan inusual que escapa de la clasificación tribial. Hvladimir Bálic lo definió en una plumada : "Es un solitario, un autor marginal,  /"outsider", y como tal, un puente imperceptible entre las distintas tendencias contemporáneas que ha generado la fragmentación de Hollywood y luego su reconstitución, como centro del marketing fílmico internacional". Escritor de guiones, director de documentales, cintas publicitarias y siete largometrajes. De ellos, sólo conoció la gloria "El francotirador"/"The deer hunter", que en 1979 ganó el Oscar. Su primer filme : "Especialista en el crimen"/"Thunderbolt and Lightfoot", 1974 ), con Clint Eastwood y Jeff Bridges, es "una admirable, modesta y poética reflexión sobre el destino de dos delincuentes que descubren la amistad en medio de una acción violenta infectada de humor y de nostalgias trituradas". En su momento, Cimino tuvo que sufrir en silencio las mutilaciones al metraje impuesto por los productores, porque nadie dio un centavo por la magnífica obra, hoy revalorizada en su justa medida.    

"El Francotirador"/"The Deep hunter". Quizás, la mejor película sobre la participación de las fuerzas armadas norteamericanas en la guerra de Vietnam, que en su momento, dividió a la crítica especializada. Algunos la consideraron una obra maestra, y otros, acusaron a Cimino de reaccionario. Sin duda, el transcurso del tiempo ha logrado descubrir sus mayores virtudes : una narración coral que habla de los ritos familiares, la amistad, el dolor, el fracaso, los traumas, las desaveniencias de la vida y la futilidad del conflicto armado.  

Cimino enfrenta como pocos, las culpas y los equívocos de toda una nación, para dilapidar el idealismo del american wife of life, lo que molesta a muchos, por la excesiva sutileza con que cuenta sus relatos. En "El francotirador"/"El cazador", "durante sus tres horas de duración, los personajes no hacen ningún juicio sobre la guerra, pero Cimino deja muy claro como cambia y destroza la vida de un grupo de amigos de un perdido pueblo norteamericano donde viven sobretodo emigrantes rusos".

Es común en su filmografía, asistir al enfrentamiento con la muerte. Nunca ahorra ser explícito en las acciones más brutales, lo que abofetea el conciente del espectador para darle a conocer las contrariedades de pasar de una vida sutil y cotidiana, a otra salvaje y exterminadora. La película se beneficia asimismo, de las notables actuaciones de sus protagónicos : Robert De Niro, Christopher Walken, John Cazale, Meryl Streep, John Savage, y George Dzundza.

"Las Puertas del Cielo"/"Heaven"s Gates". Estigmatizado desde el fracaso de esta épica western que Cimino quería igualar a superproducciones como "Lo que el viento se llevó" y "Lawrence de Arabia", ha sido restaurada y homenajeada en Europa, ya que sus valores estilísticos permanecen inalterables. Todo lo que hay en esta grandiosa cinta es descomunal : presupuesto, escenarios, actores, historia. Dos hombres de orígenes opuestos, James Averill y Nathan D.Champion ( Kris Kristofferson y Christopher Walken ),  se confrontan por el amor de Ella Watson ( Isabelle Huppert ), una joven prostituta, en medio de una lucha encarnizada entre los ganaderos y los emigrantes que han venido a establecerse a Wyoming en 1890. Obra maestra.  

"Manhattan Sur"/"Year of the dragon". Una obra policial apasionada y furiosa, producto del hondo romanticismo de Michael Cimino. Una extraordinaria historia que exhuda las claves para entender su cine: el deseo casi obsesivo por encontrar un equilibrio en un mundo en caos y la suprema garantía de los esfuerzos por imponer justicia en medio de la corrupción, la desintegración moral y el infierno de la violencia. Grandes actuaciones, sobretodo del revalorizado Mickey O"Rourke.  

Lars von Trier. El más polémico, rupturista, transgresor y controvertido de los cineastas europeos, surgidos del DOGMA danés. Ese curioso manifiesto que buscaba extraer la veracidad de los personajes y escenarios de sus films. Sus películas de una belleza sugerente, son también experimentos que condicionan al espectador a los temas tabúes y prohibitivos. Todos los excesos humanos de la carne, los temores del espíritu y la crueldad de la muerte, están siempre presentes en sus relatos, que analizan el comportamiento humano desde los límites de lo permisivo. Es autor de ese poderoso drama "Rompiendo las olas"/"Breaking the Waves" ( 1996 ), que inauguró su trilogía protagonizada por personajes femeninos atrapados en situaciones complejas. Capaz de crear polémica con "Los idiotas" o la reciente "Ninfomanía", para extraer el inconformismo de las sociedades acomodadas, es un virulento transgresor de las formas cinematográficas de moda, un innovador infatigable y un consumado virtuoso de las técnicas del lenguaje audiovisual.

"Melancolía". Coproducción danesa-germana-sueca sobre el apocalipsis. Mientras Justine ( Kristen Dunst ) y su prometido Michael ( Alexander Skasgard ) celebran su boda, el planeta Melancolía se dirige a colisionar con la Tierra. Es una cinta hecha para calar hondo en las emociones del espectador, a partir de una situación demencial. Ensayo fantástico y poético que resulta algo antojadizo, y que aprovecha la seducción de sus imágenes, para trazar un cuadro sobrenatural sobre el destino humano. En cualquier modo, es una cinta arrebatadora que se divide en dos capítulos y medita filosóficamente sobre la Humanidad con la autosuficiencia habitual del célebre realizador danés. "Ofrece un manojo de imágenes irrepetibles".

"Ninfomanía". Dividida en dos partes, estas memorias de una ninfómana ( Charlotte Gainsboroug ) contada por ella misma, le permiten a Von Trier analizar los límites de la sexualidad y contrastar la moral con el extremismo de los deseos carnales. Es un relato áspero, vacío, confuso, irregular, "en que la fantasía de los deseos proyectados de una nueva Scherezade, encuentran su freno en la explicación racional de su némesis". Una intensa mezcla de charla y sexo, para desentrañar el comportamiento más íntimo en situaciones extremas. Drama psicológico de espesa sugestión, que intenta ser muy provocativo y transgresor. Interesante como reflejo de las cuestiones más íntimas, que pocos directores son capaces de abordar con un criterio reflexivo.  

"Bailando en la oscuridad". Suntosa tragedia musical, rodada con cámaras digitales y que cuenta con la interpretación de la fabulosa cantante islandesa Björn.  Pese a los constantes choques entre la actriz/cantante y el director, el filme se transformó en una cinta de culto, por sus logrados ambientes y su original historia, que ahonda en la delicada relación que existe entre sexo y religión. Es una combinación equilibrada de melodrama y musical, que contiene un estilo muy libre, directo y espontáneo, desde la cual, revitaliza uno de los géneros más populares del período clásico para darle nuevos bríos.

Pier Paolo Pasolini. Poeta, novelista y filólogo italiano de la generación post-neorrealista, que inició su carrera como guionista de Mario Soldati, Federico Fellini y Mauro Bolognini, y que debutó como realizador en 1961. Admirador de la prosa de Rimbaud, que le orientó hacia el mundo de las letras, fue también un notable cineasta, capaz de sacarle partido a la estética de las formas y a la expresividad visual de inspiración lírica. Su cine fue evolucionando desde raíces realistas hasta la fabulación mitopoética, cada vez más libre y desenfadada, lo que le trajo problemas con la censura, la Iglesia y la crítica. Tuvo un marcado interés  por la cultura popular, las situaciones descarnadas y groseras de la vida, distanciado de convencionalismos y ripios conformistas.   

"Mamma Roma". La etapa realista de Pasolini, se caracteriza por un aire crítico pero dramático sobre la vida de una prostituta que intenta labrar un futuro a su único hijo adolescente, sin llegar siquiera a lograrlo. Desgarradora historia llena de nostalgia, que no obstante, mantiene inalterable las extraordinarias actuaciones de Anna Magnani y el joven Ettore Garofolo. Una radiografía dramática que revela el talento de Pasolini.

"El evangelio según San Mateo". Según sus propias palabras, Pasolini intentó recrear la vida de Jesucristo "como un mito lírico-épico popular y visto como a través de los ojos del pueblo creyente". Sus resultados fueron tan espléndidos, que hasta la Oficina Católica Internacional de Cine la premió públicamente. Por cierto, se trata de una obra pura, sin actores profesionales  y que reproduce los textos del Evangelio de Mateo, para alcanzar humanizar la figura de Cristo entre los hombres. "La cámara de Pasolini, muchas veces en mano y a la altura del rostro, es el punto de vista del hombre que sigue las palabras de Jesucristo; y es la palabra lo que Pasolini filma. A veces Jesucristo predica con el rostro sobre el hombro, mirando a sus espaldas; otras veces , la cámara está detrás, justo sobre su cabeza; o se ubica de frente, en primer plano. Después de las palabras, Jesucristo emprende su caminata y arrastra a quienes lo siguen en un movimiento descendente, bajando escaleras, senderos o cerros despoblados. Esta situación, repetida a lo largo de la película, señala el ciclo descendente de Jesucristo y su palabra en el territorio del hombre. Un ciclo que luego, en el calvario y la muerte, se revertirá en ascenso: las escalinatas del templo de los jueces, el calvario en busca de la cruz y finalmente la crucifixión". Obra maestra cautivante y asombrosa, que trasciende con la palabra de Cristo e impulsa a conocer la Biblia desde la modestia y la humildad de las personas comunes y corrientes.     

"El Decamerón". Primera incursión de Pasolini en la adaptación cinematográfica de cuentos populares que inicia su "Trilogía de la vida". Mezcla de elementos sagrados y profanos, personajes marginales, erotismo, humor, películas de episodios, y la revelación de nuevos actores hacen de esta trilogía el motivo de su fama universal. Tremendamente cuestionado por mostrar un sexo libre de códigos morales y religiosos, está integrada por esta versión de la obra homónima del italiano Giovanni Boccaccio, por Los Cuentos de Canterbury sobre los relatos del británico Geoffrey Chaucer y por Las Mil y una noches respecto a un clásico de la literatura árabe. Todavía recuerdo el impacto que provocó en un ciclo de cine italiano que se exhibió en la Universidad de Talca en los años noventa. Sin duda, es una obra renovadora y significativa, cuya "poética de lo popular, supuso una muy singular contribución al acervo del cine contemporáneo".   

"Saló o los 120 días de Sodoma". Sigue siendo una de las obras más provocativas de la historia del cine. Basada en el relato del Marqués de Sade, Pasolini recrea las acciones en los tiempos de la invasión nazi para golpear las conciencias del espectador, con una satírica visión de las fuerzas políticas y militares. Cuatro libertinos fascistas, aplican los vejámenes más extremos en un grupo de jóvenes prisioneros de ambos sexos, mientras desarrollan torturas y humillaciones intolerables. Esta especie de expurgación soez y turbadora, subraya  la actitud ambigua que Pasolini tenía del cuerpo y la sexualidad, pero además, registran una época que fue oscura y detestable. La provocación fue tan espantosa, que Pasolini fue asesinado antes de estrenarla. La película ha sido censurada, prohibida y vetada en varios países, como en Chile, aunque circulan copias en DVD y se exhiben por online en sendas reposiciones cinéfilas.       

Stanley Kubrick. Cineasta antisistémico, audaz, singular, radical, que demostró desde sus inicios, un talento rabiosamente independiente. Formado como fotógrafo en la revista Look, comienza como realizador  con el cortometraje Days of the Flight ( 1950), acerca de la vida del boxeador Walter Cartier. Su primer largo independiente fue "Fear and Desire", un sangrientro episodio de una guerra imaginaria. Se revela con el thriller "Atraco perfecto"/"The Killing" ( 1956 ), que tiene la virtud de entrelazar la historia de un robo con el lado irónico de un puñado de perdedores. Luego de su feroz crítica antibélica "Senderos de gloria"/"Paths of Glory", filma la superproducción histórica "Espartaco"/"Spartacus" que convierte en un fuerte alegato pro-trabajadores anti-esclavitud. Su obra maestra absoluta, será la estilizada "Barry Lyndon" ( 1975 ), sobre la novela de William Tackeray, que conserva intachable todo su romanticismo arrebatador y su aliento épico/ trágico. Aunque muchos prefieran "2001 : Odisea del Espacio" o "La Naranja Mecánica". Su último filme "Ojos bien cerrados" revela que su pulso transgresor y narrativo siguió siendo efectivo a la hora de los resultados hasta el final de su brillante carrera.

"Senderos de gloria"./"Paths of Glory". Está basada en un hecho real acaecido durante la primera guerra mundial : tres soldados franceses habían sido obligados a tomar las colinas de las hormigas, una misión imposible, que tras las primeras escaramuzas y al presenciar la masacre de sus compañeros, deciden negarse a cumplir las órdenes superiores. El filme es un inteligente alegato antibélico protagonizado por Kirk Douglas, Ralph Meeker y Adolphe Menjou. El uso de los travellings por las trincheras, más un aire barroco en las atmósferas, subrayan estupendamente el drama que alcanza sólidos momentos de real tensión e interés. La película se filmó en Alemania en los estudios Geiselgasteig de Munich, y costó 900.000 dólares, de los cuales 350.000 fueron financiados por Douglas. Es la primera película que enseña con tanta lucidez, los intereses que entran en juego cuando la guerra se convierte en una excusa para satisfacer ambiciones personales y escaladas de poder. 

"Espartaco"/"Spartacus". Después que Anthony Mann renunció a las dos semanas de iniciado el rodaje de esta épica histórica sobre un entrenador de gladiadores romanos que se revela al Imperio, Kubrick hace suyo el proyecto, de adaptar la novela de Howard Fast que estaba vetado por las "listas negras maccarthystas". El escritor y guionista Dalton Trumbo, veía a Espartaco como un símbolo de la pasión del hombre por la libertad contra la opresión de los poderosos, mientras que Kubrick suavizó la tendencia social del personaje, para transformarlo en un personaje dramático. El montaje hecho a medias con Kirk Douglas, mantiene el discurso progresista y eleva sus resultados cinematográficos, pese a la renuencia de Kubrick de considerarla una obra maestra. Inolvidables actuaciones de Kirk Douglas, Laurence Olivier, Jean Simmons, Charles Laughton, Peter Ustinov, John Gavin, Nina Foch, John Ireland, Herbert Lom y Woody Strode. Notable.

"Lolita". El profesor Humbert Humbert ( James Mason ), queda prendado de la hija adolescente ( Sue Lyon ) de su arrendataria ( Shelley Winters ), y termina casándose con la mujer para estar cerca de la muchacha. Escribe en un diario de vida todas las opiniones que tiene de la mujer y su hija, hasta que es descubierto por su esposa que horrorizada escapa del lugar para ser arrollada por un vehículo. Kubrick decidió dirigir otra vez para el productor James B. Harris, la adaptación de la controvertida novela del escritor ruso Vladimir Nabokov. Esta película, más "2001" y "La Naranja Mecánica" son las tres obras que han originado toneladas de opiniones respecto a la obra de Kubrick y lo transformaron en un director avezado y polémico. Seleccionada para el papel central, la joven actriz Sue Lyon que tuvo una corta carrera, se transformó en todo un ícono del cine, y el posible escándalo de un viejo verde acostándose con una ninfa, quedó relegado a un segundo plano, por un notable uso del montaje y una inteligente destreza del director para sugerir relaciones incestuosas y eróticas. Con todo, es una gran película con actuaciones memorables.  

Eternos clásicos.
* Ahora integramos este puñado de autores fundamentales de la historia del cine. Grandes como robles centenarios del bosque nativo, sus nombres son sinónimo de nobleza, talento y singularidad. La mayoría genios y figuras que lograron crear obras maestras irrepetibles.

John Ford ( 1895-1973 ). Sin discusión estamos frente al maestro de maestros del cine norteamericano. Ya es conocida la cita de Orson Welles, cuando se le preguntó qué directores le atraían más, contestó : "...los viejos maestros. Quiero decir John Ford, John Ford y John Ford". De alguna manera, Ford logró una obra cohesionada gigantesca, poética, romántica, épica y sobretodo muy personal. A través de Ford, hemos conocido la historia de Estados Unidos. Como escribió en su momento Andrew Sarris : "Ningún director estadounidense ha recorrido tanto el paisaje del pasado de EEUU, los mundos de Lincoln, Lee, Twain, O"Neill; las tres grandes guerras, las migraciones del Oeste y trasatlántica; los indios sin caballo del valle del Mohawk y las caballerías sioux y apaches del Oeste, las incursiones irlandesa y española y la política delicadamente equilibrada de las ciudades políglotas y los estados fronterizos". Como dijo Peter Bogdanovich : "Lo que Ford sabe hacer mejor que ningún otro director del mundo, es crear un cuadro épico y, sin embargo, meter en él a personas con caracteres del mismo tamaño y la misma importancia, por humildes que sean".   

"El joven Lincoln"/"Young Mr.Lincoln". Una de las grandes obras maestras de Ford. Quizás el mejor filme biográfico ficcionado sobre la juventud de Abraham Lincoln, interpretado magistralmente por Henry Fonda. Cahiers du Cinema consideró una edición teórica íntegra sobre Ford, que explica que este cine tiene una ideología compleja. Seguramente, porque el maestro se puso del lado del humanismo de una figura épica. Las conversaciones en la tumba de Ann Rutledge, su decisión de hacerse abogado y su primer juicio en el que defiende a dos jóvenes hermanos acusados de asesinato, cobran validez dramática, sólo desde la perspectiva de la inocencia y del intelecto del hombre que ha conocido más de comportamientos humanos que de acciones deterministas. Un lujo de intérpretes para una gran película. 

"Pasión de los fuertes"/"My darling Clementine". La recreación del duelo en el O.K.Corral según los antecedentes de primera fuente recopilados por Ford. Un western muy influenciado por las corrientes del film noir, con una impresionante fotografía de Joseph P.Macdonald, y una extraordinaria narración llena de sorpresas y giros. Henry Fonda está impagable como Wyatt Earp, Victor Mature grandioso como el tuberculoso "Doc" Holliday y la bellísima Linda Darnell se muestra estupenda como la mexicana Chihuahua, que enamora perdidamente a Holliday, para recibir un balazo por amor a él. Aún sorprende el veterano Walter Brennan como el viejo Clanton, pues en escasas ocasiones interpretó a personajes detestables y lo hace inolvidable como maestro del látigo. Ojo con la presentación de los créditos impresos sobre maderos del O.K.Corral.

"Mogambo". Durante un safari africano, una mujer de pasado turbulento ( Ava Gardner ) y otra, más recatada y acompañada por su marido ( Grace Kelly ), se enfrentan por amor al cazador ( Clark Gable ), aunque eso les signifique perder la compostura. Uno de los filmes más populares de Ford, porque presenta un caso de adulterio y en algunos países se exhibió convenientemente simulada por el doblaje. Se trata de la segunda versión de "Red dust", que Ford aceptó rodar porque le gustó la historia y aquella parte de Africa que no conocía en persona. Un triángulo amoroso en toda su regla, con la fascinación por el paisaje salvaje y el exotismo en las insinuaciones eróticas.

"Más corazón que odio"/"The seachers". La mayor obra de Ford y uno de los títulos emblemáticos de la historia del cine. Desde la música folk de los títulos de créditos hasta el uso de un sistema óptico que registraba el monumental paisaje árido en Arizona en VistaVisión, para narrar la infatigable búsqueda de diez años, de una niña blanca secuestrada por los comanches. El retrato más amargo de los héroes que vienen de vuelta de todo. John Wayne está en su mejor momento y el resto del elenco que incluye a: Jeffrey Hunter, Vera Miles, Ward Bond, Natalie Wood, John Qualen, Olive Carey, Hank Worden y Harry Carey Jr., efectúan personajes inolvidables, cada uno con rasgos individuales que los hacen muy efectivos. Obra maestra de maestras.

Federico Fellini ( 1920-1993 ). Román Gubern lo definió en su momento, mejor que nadie: "Si la producción expresionista de la República de Weimar inauguró la insurrección subjetivista del cine contra el naturalismo fotográfico, quien más lejos ha llevado esta afirmación subjetiva en la pantalla ha sido Federico Fellini. Imaginativo y sensual, los días de su infancia en Rímini, marcaron profundamente su sensibilidad. El niño soñador se ahoga en la pequeña provincia y llegó a escaparse de su casa para enrolarse en un circo. Estudió en un colegio religioso de ambiente severo y autoritario, y esta etapa de su vida, con el conflicto entre su fantasía exhuberante y las bridas morales que la educación le imponía, salpicará con sus atormentados recuerdos su obra posterior". De todos los cineastas peninsulares, Fellini sigue siendo el artista más sensible, capaz de recrear con su cámara los aspectos más sórdidos, grotescos o risibles de la realidad, y erigir a partir de allí, un estilo inconfundible.

"La dolce vita". Sátira de la existencia frívola de la alta burguesía romana, conducida por un periodista ( Marcello Mastroianni ), que pasa por diferentes situaciones insólitas, como la llegada de la actriz sueca Sylvia ( Anita Ekberg ), con la que termina bañándose en la fontana de Trevi. Todos los personajes se autoparodian y el filme se convierte en un enorme éxito internacional, sobretodo por las críticas polémicas que enciende su visionado y la Palma de Oro que gana en el Festival de Cannes. 

"Ocho y medio". Surrealista toma de conciencia autoral respecto al cine y la creatividad personal. Una radiografía sobre las obsesiones infantiles de Fellini, sus temores y ansiedades, sus mujeres, sus deseos, sus tormentos, que pasan por el psicoanálisis y que se convierten en un brillantísimo espectáculo visual. Grandiosa, sigue siendo una de las obras más originales de toda la historia del cine.

"Satiricón". Una deslumbrante y algo anodina recreación de los textos de Caius Petronius. Puede resultar repulsiva y algo indigesta la primera vez, porque las figuras que desfilan en la pantalla tienen el toque satírico casi folletinesco de los comics para adultos. Se trata sin embargo, de una obra estética ejemplar en su grotesca impresión de un mundo ambiguo, oscuro y perverso. Para reconocer a Fellini desde el punto de vista estilístico.

Michelangelo Antonioni ( 1912- 2007 ). Uno de los más grandes innovadores del lenguaje audiovisual. De origen acomodado y atento observador de su realidad social, rompió la prestigiosa tradición proletaria del neorrealismo italiano para desarrollar en su obra, el conflicto que provoca una pareja de amantes, el crimen, la angustia asfixiante de la rutina cotidiana y las crisis psicológicas que se desprenden de relaciones disfuncionales. Su estilo se basó en el sabio empleo del plano-secuencia "cuyos encuadres generales permitían una integración del espacio escénico, con preferencia en los paisajes suburbiales o urbanos capaces de ubicar socialmente a los personajes, pero de definir también sus estados de ánimo". Fue un maestro de los "tiempos muertos", que cobraban su atención en los gestos nimios capaces de revelar las vivencias más ocultas.

"La noche". Segunda parte de la trilogía sobre la incomunicación y que también comprenden : "La Aventura" y "El Eclipse". Cuenta en detalle la desintegración de un matrimonio, a partir de la minuciosa exposición de un día cualquiera en la vida de la pareja, interpretada por Marcello Mastroianni y Jeanne Moreau. Pese a su lentitud y parsimonia, es una película psicológica en toda su profundidad aplicada a un manejo conciente de los tiempos muertos, donde parece que nada fuese a ocurrir y todo se desborda. Con Bernhard Wicki, Maria Pia Luzi y la estupenda Monica Vitti.  

"El desierto rojo". Primer filme en color de Antonioni. Mostró la relación dialéctica del hombre occidental con su entorno industrial, hermoso y terrible a la vez, y pese a su lacitud, una obra cumbre. Fíjense en el empleo que hace del color para mostrar los espacios urbanos y su aplastante ferocidad. Para los seguidores de Antonioni, sigue siendo una obra mayor. 

"Blow Up". La más accesible de las historias de Antonioni y un éxito en todos los lugares donde se exhibió. Basada en un cuento de Julio Cortázar, es un moderno relato policial con un fotógrafo de modas (David Hemmings ), metido en un complot algo misterioso, y sólo descifrable a partir de los rastros que asoman en sus revelados fotográficos. Brian de Palma hizo una nueva versión con John Travolta. Pero esta película es una gran obra, sobretodo, porque aprovecha los exteriores con una notable capacidad de sugerencia y distinción. Ojo con la secuencia de Vanessa Redgrave. Capta la época del swinning london con una particular mirada artística.

Ilustres Olvidados.
Estos son los cineastas que el tiempo olvidó. Nunca es tarde para recuperar su memoria con algunas de las películas que nos legaron en el nuevo formato digital.
 

David Butler ( 1894-1979 ) en el set de "La pequeña coronela" con Shirley Temple. Actor de la era muda, comenzó a dirigir en 1927, logrando efectuar más de ochenta producciones para el cine y la televisión. Su película más famosa es "Calamity Jane" ( 1953 ), una comedia musical para mayor lucimiento de la cantante y actriz Doris Day. Artesano eficaz cuando tenía al frente sólidos guiones y grandes actores, trabajó con la crema y nata de su tiempo, como Janet Gaynor ("Sunny Side Up"); Shirley Temple ("Delicious"; "La pequeña Coronela"; "Rebelde"; "Captain January"; "Bright Eyes" ); Bing Crosby ("East Side of Heaven"; "If I Had My Way"; "Camino a Marruecos" );Eddie Cantor ("Ali Baba Goes To Town"); Judy Garland ("Pigskin Parade"); Humphrey Bogart ("That Your Lucky Stars"; "Two Guys From Milwaukee") y Rex Harrison ("King Richard and the Crisaders" ), entre otros. 

 

"Un yanqui en la corte del Rey Arturo"/"Connecticut Yankee in King Arthur"s Court". Bing Crosby y Rhonda Fleming interpretan esta versión musical del remake sobre la obra de Mark Twain de 1949. Un americano llega a  la época medieval casualmente a la corte del Rey Arturo, donde es tomado como un poderoso hechicero. Su planteamiento es exclusivamente musical, pero las canciones no son muy memorables. Con todo, es un divertimento pasajero que se disfruta como pastilla de menta.
 

Ford Beebe ( 1888-1978 ). Guionista, productor, director, que se destacó como realizador de seriales de matiné y películas de filmación rápida de serie B. Debutó en 1922 y se mantuvo activo hasta 1977. Especialmente dotado para relatos de aventuras como la saga de: "Bomba, el niño de la jungla"/"Bomba the jungle Boy" ( 1949-55), con Johnny Sheffield; y cuentos de ciencia ficción y terror como: "Jungle Jim" ( 1937 ); "Flash Gordon en Marte Ataca la Tierra"/" "Flash Gordon"s Trip To Mars" ( 1938) y "Flash Gordon Conquista el Universo"/"Flash Gordon conquers the universe" ( 1940 ); "La Venganza del hombre invisible" /"The Invisible Mans Revenge" , 1944 ) y "Buck Rogers" ( 1977 ).

"La venganza del hombre invisible"/"The invisible man"s revenge". Un prófugo de un sanatorio mental se une a un científico marginal, que le facilitará la manera de escabullirse de sus perseguidores con el secreto de la invisibilidad. James P.Fulton creó los FXs que permitieron hacer la notable versión de 1933, que antecedió a esta saga de 1944. Ford Beebe logra extender la amenidad de estos relatos y el sentido del suspenso, con un ritmo contagioso y arrebatador. De regalo, hay magníficas actuaciones de  John Carradine, Jon Hall, nuestra recordada coterránea Evelyn Ankers, y Gale Sondergaard. 

 

Edward F.Cline ( 1892- 1961 ). Director, productor, guionista y actor ocasional, debutó en el cine en 1916 y hasta 1948 se mantuvo activo en la industria, llegando a filmar 168 producciones para la gran pantalla, entre cortos, medios y largometrajes. Su fuerte fue la comedia"slapsticks", donde destacó principalmente en su etapa dorada, junto al genial Buster Keaton, para el que filmó "Policías"/"La Mudanza"/ "Cops" ( 1922); "Las tres edades"/"Three Ages" ( 1923 ), primer largometraje de Keaton y "Cara pálida"/"Rostro Pálido"/"The Palaface" ( 1921 ). Es autor de dos de los mejores filmes de W.C.Fields, "A todo gas"/"Million dollar legs" ( 1932 ) y "My little chikadee" ( 1940 ). También supervisó al dúo cómico Bert Wheeler & Robert Woolsey en "So This is Africa" ( 1933 ) y al dúo cómico Olsen & Johnson en "Crazy House" ( 1943 ).

"El rostro pálido"/"The Palaface". Con la colaboración de Eddie Cline, Keaton se transforma en un confiado entomólogo en esta divertida comedia rodada íntegramente en exteriores. El fotógrafo Elgin Lessley realza los paisajes majestuosos para extraer tomas de gran belleza. Sobre este fondo natural, Keaton despliega una multitud de acrobacias, algunas realmente asombrosas como cuando se lanza desde un monte 24 metros por encima de una red convenientemente disimulada. Es uno de los primeros alegatos anti-racistas que logra gran éxito en la taquilla. Una buena muestra del arte cómico universal. 
 

Robert Siodmark ( 1900- 1973 ). Director, guionista y productor de origen alemán, que empezó a trabajar en un banco , pero con la crisis de la bolsa de 1929, desvió sus intereses por el mundo del cine, escribiendo rótulos para las películas mudas y conociendo los secretos de la narración audiovisual como montador.Debutó como director con la excelente mezcla de ficción y documental "Los hombres del domingo" ( 1929 ), donde también colaboran los más tarde conocidos realizadores Edgar G.Ulmer, Billy Wilder y Fred Zinemann. Radicado en Estados Unidos, efectúo 51 películas, hasta 1968, y junto con su hermano, el también director y guionista Curt Siodmak, se transformó en un especialista del cine de terror de serie B de los estudios Universal. Entre sus mejores películas se recomiendan : "El hijo de Drácula"/"Son of Dracula" ( 1943 ); "La dama fantasma"/"The Phantom lady" ( 1944 ); "La escalera de caracol"/"The Spiral Staircase" ( 1945 );  "The Killers" ( 1946 ) y "El abrazo de la muerte"/"Criss Cross" ( 1949).

 

"La dama fantasma"/"Phantom lady". Una notable intriga de cine negro, planeada minuciosamente hasta el terror desbordante. "Un hombre es acusado injustamente del asesinato de su esposa e ignora la ayuda que le prestará su secretaria, decidida a averiguar la verdad". Valiosa por la ambientación sombría y el ritmo frenético de la acción. Es una pieza capital del cine negro, y una joya minimalista del genial Robert Siodmark, uno de los más interesantes neoexpresionistas, que readecúa sus logros a unos conceptos estéticos y estilísticos verdaderamente asombrosos.

 

Robert Florey ( 1900-1979 ). Director, guionista y actor ocasional de origen francés, que se inició en el cine de su país, como ayudante de Feuillade. En 1921, llega a Hollywood como periodista y emplea sus dotes de mil formas diferentes, antes de lograr un puesto en la realización, que llegará a ser importante en la época del cine sonoro. Debutó en 1927 y se transformó en un director de la Paramount, estudio para el que rodó sus mejores películas. Descubrió a  los Hermanos Marxs para los que filmó "Coconuts" ( 1929 ), y completó a lo largo de su trayectoria, 94 producciones para el cine y la televisión. Entre sus mejores películas se citan : "Asesinato en la Calle Morgue" /"Murders in the rue Morgue" ( 1932 ); "The beast with the Five Fingers" ( 1946 ) y "The Face behind the mask" ( 1941 ), tres magníficos relatos de fantasía y terror.

 

"El doble asesinato de la calle Morgue"/"Murders in the rue Morgue". "Un excelente producto terrorífico de la mejor etapa de la Universal, que no conserva del original de Poe más que el título y un par de situaciones, relatando más bien, una de esas historias de sabios enloquecidos que con tanta asiduidad iba a cultivar luego la firma; el doctor Mirakle aspira a cruzar muerte y simios". Lo mejor de la película está en su entrañable forma de asimilar los postulados del expresionismo alemán, con la sabia colaboración del fotógrafo germano Karl Freud, y la inolvidable actuación del carismático Bela Lugosi. A no dudar que el joven Leon Wycoff, se transformaría con los años en el actor León Erroll, padre de la familia de Judy Garland en "La Rueda de la Fortuna".

 

Allan Dwan ( 1885- 1981 ). Director, guionista, productor y fotógrafo del cine norteamericano. Se le considera uno de los pioneros del cine, ya que se calcula dirigió más de 800 films, la mayoría de ellos en el período silente. Como Griffith, Ford, De Mille, Hawk, Vidor o Walsh, su nombre se confunde con los propios orígenes del cine. Debutó en 1911 y se mantuvo activo por más de cuatro décadas hasta 1958. Sus títulos más legendarios son : el relato de aventuras "Robin Hood" ( 1922 ); el biopic "Suez" ( 1938) ; el filme bélico "Arenas de Iwo Jima" ( 1949 ) y el western "Silver Lone" ( 1955 ). 

"Suez". "Las peripecias amorosas de un arquitecto francés ( Tyrone Power ) que construye el canal de Suez, y que no acaba de decidirse entre una aristócrata conciudadana y una belleza local. Elogiable trabajo de ambientación y adecuadas caracterizaciones de reparto, para este melodrama tan popular en su día". Data de 1938 y con Tyrone Power admirado desde su rol en "La dama de las camelias" con Greta Garbo. Completan el elenco : Annabella, J.Edward Bromberg, Henry Stephenson, Joseph Schildkraut y Sidney Blackmer.

 

Edwin L.Marin ( 1899- 1951 ) junto a la actriz Loretta Young en el set de "Young Widow". Director y productor del cine americano especializado en películas B. Debutó con el thriller "El beso de la muerte"/"The death kiss" ( 1932 ), un rarísimo policial con Bela Lugosi, sobre el asesinato que en un estudio de cine se comete, mientras se está rodando una escena; y concluyó con el western "Fort Worth" ( 1951 ), género en el cual parecía moverse con relativa comodidad. De todas sus películas se destacan : el policial  "A Study in scarlet" ( 1933 ) con Sherlock Holmes interpretado por Reginald Owen; la adaptación del clásico "Un cuento de Navidad"/"A Christmas Carol" ( 1938), considerada "una pequeña obra maestra de Pascuas", y el thriller "Nocturne" (1946 ) con George Raft como un inteligente detective que asume que el aparente suicidio del inicio del relato es un asesinato. También es autor de un olvidado western "Tall in the saddle" ( 1944 ), modesto pero entretenidísimo relato con John Wayne en el papel de un vaquero, aficionado a desmantelar cuadrillas de maleantes y que se va a trabajar a un rancho buscando mayores expectativas profesionales.

 

"Listen, darling". Comedia musical juvenil de 1938, con Judy Garland, Freddie Bartholomew, Mary Astor, Walter Pidgeon y Scotty Beckett. Al enviudar Dottie Wingate (Mary Astor), decide volver a casarse por el bien de sus hijos "Pinky" (Garland) y Billie (Scotty Beckett). Para evitar que su madre efectúe este movimiento profético, se alían con su mejor amigo "Buzz" Mitchell (Bartholomew), y conspiran para "secuestrar" a su madre y convencerla de hacer un viaje en el trailer familiar a través del país. A continuación, la chica tiene la fenomenal idea de encontrarle un marido, a quien tanto ella como su hermanito menor les gustaría tener de papá. Con todos los clichés del caso, es una comedia familiar muy divertida, que se goza de principio a fin, porque los actores se toman muy en serio las situaciones. Es el comienzo de la carrera de la Garland, a punto de ser descubierta por Busby Berkeley para sus inolvidables comedias musicales junto a Mickey Rooney.

 

Edwin S.Porter ( 1870- 1941 ). Considerado como uno de los grandes pioneros del cine norteamericano. De ascendencia escocesa, "cansado de su experiencia marinera y de su pasado borrascoso, recaló en los laboratorios de Edison en West Orange, en calidad de mecánico y en los albores del nacimiento del cine, se convirtió en operador cinematográfico de su estudio. Hombre aplicado, Porter estudió detenidamente las películas de Georges Meliés que llegaban de Francia y se convirtió en el fundador del cine de ficción norteamericano. Debutó en la realización en 1898 y trabajó hasta 1915. Su primer filme importante es de 1902, "La Vida de un bombero" donde puso en práctica sus conocimientos del montaje. Al año siguiente, filma su película más célebre "Asalto y robo de un tren"/"The great train robbery" ( 1903 ), considerado el primer western de la historia.

"Asalto y robo del tren". "Parece ser que la primera idea de rodar esta película, la tuvo Porter cuando realizaba el documental ferroviario "The road of Anthracite", y a sugerencias de Billy Martinetti, un acróbata y escenográfo amigo suyo. Sea como fuese, su película de 234 metros y 13 planos, rodados en exteriores ( Dover, New Jersey ), y en el estudio, obtuvo un inmenso éxito, que aseguraría la fortuna del género.El papel del jefe de los bandidos fue asumido por George Barnes ( que aparecía en un celebrado primer plano disparando su revólver en dirección a un público alborotado), mientras la futura gran estrella, Mae Murray interpretaba a una de las viajeras desvalijadas, y Gilbert M.Anderson ( Max Aronson, su nombre verdadero ), incorporaba a uno de los bandidos , pero sólo en las escenas de la estación y del asalto del tren, pues Anderson no sabía montar a caballo".

 

Robert Parrish ( 1916-1995 ). Actor, director, guionista, editor y productor del cine norteamericano. Su carrera se inició prematuramente como actor infantil. A los quince años de edad, aparecía como un despectivo y vivaracho vendedor de periódicos que se burlaba del mismísimo Charles Chaplin, en el clásico "Luces de la Ciudad"/"City Lights" ( 1931 ). Su pasión por el cine, se formó desde la experiencia de asistir a los sets, observar y practicar la técnica con los grandes maestros. Escondido en los cuartos de montaje, se formó una reputación, primero en el género del documental. Luego con toda esta experiencia, debutó en la dirección con "Cry danger" ( 1951 ), cine negro con Dick Powell y Rhonda Fleming. Hizo veinte películas a lo largo de tres décadas, hasta "Mississippi Blues" ( 1983 ), codirigida con el francés Bertrand Tavernier, un buen documental independiente sobre las raíces del blues. De su filmografía se destacan : "Assingment-París" ( 1952 ),"uno de los innumerables filmes de espionaje surgidos a la sombra de la Guerra fría con Dana Andrews como valeroso reportero que acabará descubriendo un complot"; "Pecadores de San Francisco"/"The San Francisco Story" ( 1952 ) un western ambientado durante la fiebre del oro con Joel McCrea e Yvonne de Carlo;  "The Purple Rain" ( 1955 ), un interesante relato de aventuras sobre un oficial de aviación interpretado por Gregory Peck en Birmania; "Fuego escondido"/"Firedown below", 1957), con Jack Lemmon y Robert Mitchum en ambientes tropicales, disputándose el amor de una explosiva Rita Hayworth; y su mayor obra "Más rápido que el viento"/" Saddle the wind" ( 1958 ), un western con Robert Taylor como un ex pistolero que debe ocuparse de su rancho y John Cassavetes como el hermano menor, ansioso de seguir siendo un rufián de armas tomar.  

 

"Grito de terror" /"Cry danger". El ex convicto Rocky Mulloy ( Dick Powell ), busca al verdadero culpable en el delito que lo metió en la cárcel. Ello le significará explorar por un mundo nocturno lleno de mujeres engañosas y vueltas de tuerca de sorprendente fugacidad. Dentro de los esquemas clásicos del film noir, una espléndida demostración de que, con escasos recursos pero mucho olfato y tacto narrativo, se pueden desarrollar grandes historias. Hay atmósferas  sugerentes, femme fatales atractivas y claro está, un galán que hace lo imposible por probar su inocencia.

Julien Duvivier ( 1896-1967). Otro emigrante francés que llegó a Hollywood por la guerra, llevaba tras de sí una abultada carrera y hasta una producción americana "El gran vals"/"The great waltz" ( 1938). En Estados Unidos, continúo demostrando su gran versatilidad con títulos muy estimables como : "Lydia"(1941 ), "una variante anglo-americana de su propio y famoso Carnet de baile; después con los diversos episodios de "Seis destinos"/"Tales of Manhattan". Además, hizo una nueva versión del clásico de Tolstoi, "Anna Karenina" con la inolvidable Vivien Leigh.  

"Anna Karenina". Remake al gran clásico melodrama de Clarence Brown con Greta Garbo rodado en Inglaterra. Se repite entonces, la historia de amor apasionado entre una mujer casada y un oficial , pero en honor de las dotes dramáticas de la heroína de "Lo que el viento se llevó". El resultado fue muy inferior, pero tiene la capacidad narrativa de Duvivier para constreñir al máximo los desbordes, con algunas buenas ideas desperdigadas en los más de 100 minutos de proyección. Con Ralph Richardson, Kieron Moore y Hugh Dempster. Interesante.

Fotos-Gentileza : Incca Films- RTVE- Fábula Producciones- El Español- Cahiers du Cinema- Pathé- 20th. Century Fox- Universal Pictures- Paramount Pictures- Doctor Macro- A certain cinema- Archivo.-

 

Poster de "La Juventud" para el habla inglesa.

 

En lobby-card promocional del Festival Internacional de Miami, fotograma de la película española "ma ma" de Julio Medem.

 

Afiche publicitario de la última película de Guillermo del Toro.

 

Poster de "ma ma" con Penélope Cruz.