Séptimo 7 sello: LOS DIRECTORES - GRANDES ILUSIONISTAS DEL CINE.

Panorama desde el puente.

Mientras algunos disfrutan de las vacaciones y otros asisten a las jornadas escolares, les invitamos a efectuar este recorrido con algunos de los realizadores más destacados del panorama cinematográfico actual. Desfilan : Tarantino, Scorsese, Malik, Coppola, Iñárritu, Miller, Wright, McQueen, Howard y un largo etc.

___ Se inicia el 2016, con grandes expectativas para alimentar la cinefilia, que incluye un puñado de nuevos estrenos de interés potencial que ya están circulando por la cartelera local.
Actualmente, como ver cine considera una serie de alternativas, que van desde asistir a las salas de exhibición, adquirir una película en DVD o Blue Ray, rescatarlas a través de la programación de la TV Cable y sus canales especializados, verlas en YouTube, en smartphone, o en canales del online como Netflix, resulta primordial acceder a una guía práctica que nos oriente con la complicidad de la amenidad y el sentido de pertenencia.
De la misma forma, como la mayoría de los blogs especializados en Cine, se han encargado de adelantarnos la cartelera anual de los cines, "Séptimo 7 sello" se ha propuesto efectuar una entrada diferente.
Algo que los estimule a conocer la obra de algunos de los directores más destacados del momento.
De ahí, el origen de esta entrada fugaz, rápida, sumaria, plagada de fotogramas y con el adicional comentario personal para incentivarles a descubrir cada uno de estos títulos.
También añadimos a la selección, numerosos realizadores clásicos, como una manera de ampliar esa agenda hogareña de proyecciones familiares e incorporar la valorización por el pasado ilustre del séptimo arte.
Durante todo el año, intentaremos mantener esta sección de "Los Directores", como una manera de registrar los nuevos estrenos y explorar en los repasos históricos más pertinentes.
Dentro de este panorama que efectuamos desde un puente - o sea, desde la inmediatez de la distancia- , accederemos a rescatar nombres olvidados del cine B o independiente, artesanos eficientes de matinés, y algunos cineastas europeos, asiáticos y latinoamericanos conocidos o por descubrir que merecen un espacio.
Todo como una gran variopintum que busca únicamente prender la llama de la pasión por ver películas de todos los tiempos y en el lugar donde ustedes estén, exclusivamente hecho para llenar el ocio y alimentar la cultura. Nada más.
Reciban pues, este suculento manjar de películas y directores del Cine de siempre.

Cineastas que están de moda.

George Miller. Resulta difícil disociar la figura de este realizador australiano con su creación más universal : "Mad Max: el Guerrero de la Carretera". De alguna manera, él instuyó, el verdadero potencial que tiene el relato de acción y le insufló aire fresco, desde la vanguardia del cine B. Después se dedicó a producir y dirigir películas alimenticias como la comedia fantástica "Las brujas de Eastwick", la comedia infantil "Babe el puerquito valiente" que revivió el cine con animales parlanchines; el drama realista "Un milagro para Lorenzo" y la cinta animada "Happy Feet" sobre un curioso pingüinito. Con la nueva versión a su propia obra maestra, recicla varias de las claves narrativas del cine B, pero sobretodo, le otorga una mirada novedosa, vigorosa, recia y original a un relato conocido. Una auténtica joya en su grado máximo.

"Mad Max : Furia de la carretera"/"Mad Max Fury Road". No debiera sorprendernos, que esta película obtenga la estatuilla dorada de los Oscars a escasas semanas de la premiación. Las razones hay que descubrirlas en su visionado. Estética punkie, referentes al western, al heavy metal, al cine dark, a las pulpmagazines, a los comics para adultos, con una capacidad para ingresar en la mente, desde la pura adrenalina ( gran edición de Margaret Sixel, con más de 530 especialistas en efectos visuales y con la estupenda fotografía de John Seale ) y el choque inconciente del vértigo, la acción delirante y las sorprendentes variaciones de una trama, llena de climaxs y dobles vueltas de tuerca. Innovadora película desde la elementalidad de los supuestos del montaje paralelo, las elipsis y los golpes de efectos visuales. Si gana la estatuilla, va a recibir una ovación gigantesca, y quizás también pifias, porque su llegada resulta inesperada dentro de un cuadro de películas más tradicionales. A excepción de Iñarritu, el australiano retuerce los frutos de la acción para darle una nueva perspectiva.

Inagotable en la serie de imaginativas situaciones que se producen en esta cacería por el desierto, agregan mayor interés a una película que obliga su visionado, para alabar la sustancia estética y la maestría en el uso del montaje. Muy recomendable.

Alejandro González Iñárritu. Notable ha sido la evolución artística que ha tenido este cineasta mexicano desde sus primeros tiempos, cuando revelaba su gozosa manera de narrar en "Amores Perros" y "21 Gramos". Siempre innovador e inconformista - como si se tratara de un Kubrick latino-, Iñárritu ha logrado consolidar un prestigio en base a obras diferentes, ennoblecidas por el inteligente uso que efectúa de los recursos expresivos, pero sobretodo, de la técnica audiovisual, pero también de los supuestos narrativos que tiene el relato cinematográfico. Otros filmes destacados de su carrera son "Babel"; "Biutiful" y Birdman". Curiosamente las tres, con B de bueno y brillante. Seguramente con "El Renacido"/"The Revenant", su última obra maestra, se llevará el Oscar a Mejor Director.

"El Renacido" /"The Revenant". Historia de supervivencia, basada en la novela de Michael Punke sobre un hecho real ambientado en el far west. Se trata de un relato abierto a las sensaciones más duras y recíprocas, que superponen la fiereza del Oeste a la impotencia de un hombre, Glass ( Leonardo Di Caprio ), que oficia de explorador y sobrevive a un increíble enfrentamiento contra las fuerzas de la Naturaleza, para cumplir una venganza : el asesinato de su hijo, que es mitad blanco y mitad indio pawnee.

El filme es un western pro-indigenista, que se arma desde la perspectiva de una narración no-lineal y que se acomoda a los hechos más insólitos para descubrir la rudeza salvaje del Oeste, a través de la impotencia de un hombre abandonado a su suerte. Alejandro G. Iñárritu y su director de fotografía Emmanuel Lubenszki, optan por contar la historia desde la altura del desafortunado protagonista, con abundantes tomas en picado y filmación con luz natural. Por momentos, se transforma en un cuento feroz, sorprendente en su visceralidad y llena de situaciones resueltas con ingenio, que somete a Di Caprio a una de sus actuaciones más complejas de su carrera, ya que su personaje sufre lo indecible, desde la perspectiva del tipo ultrajado y violado en sus convicciones más íntimas.

Si Tarantino opta por desestructurar el western desde la narratividad clásica, integrando diálogos ambiguos, mordaces y escatológicos que definen la naturaleza de sus personajes, Iñárritu baja la mirada a la altura del loto - como Ozu- para acercarnos al individuo en la sordidez de su sufrimiento, en la colosal lucha por mantenerse vivo, y en la inmediatez de su venganza, aunque desde un punto de vista antropológico. La mayor parte de la cinta está fotografiada desde abajo, para ampliar el objetivo sobre el paisaje agreste, y redundar en la tragedia de la vulnerabilidad del hombre respecto a la Naturaleza.

Iñárritu gusta de las situaciones límites respecto a personajes, que siempre están a la deriva de lo establecido. Por eso, sus películas resultan ser tan novedosas, aunque pretendan graficar de manera elocuente, la violencia soterrada que existe en un mundo en crisis. En "El Renacido", Glass vive sólo para vengar la muerte de su hijo y mantiene un contacto simbólico, que también es espiritual, con sus seres queridos a través de los sueños o desde el sopor del sufrimiento físico. Esta carga metafórica, Iñárritu la convierte en imagen poética, capaz de subvertir y aminorar los momentos de violencia y sangre. También existe una mirada desencantada de la épica, que refleja el caos y la vulnerabilidad del hombre en tiempos de crisis. Dentro de su autenticidad, el filme se convierte en reflejo de estos tiempos actuales, que grafica el choque de culturas, la violencia como solución perentoria a las desaveniencias personales y el constante esfuerzo por doblegar a la Naturaleza, cuando ella termina castigando a la Humanidad que la desatiende, la vulnera y la destruye.

"El Renacido" habla desde su original contexto, sobre la desesperada lucha del Hombre por sobrevivir y el desmedido salvajismo por conquistar espacios vetados para la Civilización. Dentro de sus parámetros, mantiene un interés potencial gracias a la maravillosa capacidad de Iñárritu por contar una historia inteligente, al funcional empleo del montaje de Stephen Mirrione, a la sutil banda musical compuesta por Ryuichi Sakamoto y Alva Noto; y al realista vestuario de Jacqueline West. Sin duda, es una de las favoritas para ganar el Oscar, y por méritos no se queda corta. Una gran película que renueva los conceptos estilísticos del western y nos regala una nueva dimensión cercana al hombre, que lucha por mantenerse en pie dentro de un mundo inhóspito.

Esta película se ha transformado en una de las grandes sorpresas de la cartelera de este año. Sin duda, un filme para ver más de una vez, y someterlo a la reflexion cinéfila porque tiene muchas cuestiones interesantes y contingentes. Muy Recomendable.

Steve McQueen. Desde sus cortos experimentales y hasta sus tres largometrajes reveladores de un estilo, como la magnífica "Hunger" sobre la huelga de hambre irlandesa en 1981 y la extraordinaria"Shame : Sin Reservas" acerca de la doble vida de un ejecutivo neoyorquino, obsesionado y adicto al sexo; el afro-británico director - que se llama como el astro fílmico de los años 60-70-, ha demostrado una manera de evitar los encasillamientos, con un vigoroso sentido de la narratividad. Es visceral, gráfico, explícito y directo, y nunca se amedrenta para mostar sin tapujos, las bajezas y miserias de la vida. En algún sentido, McQueen es un inconformista, capaz de revelar el lado oscuro de la raíz humana, sin adornar o impostar situaciones que parecían olvidadas por el tiempo.

"12 Años de esclavitud"/"12 Years A Slave". Basado en un hecho real, este conciso drama cautivó a todo el mundo, y al Oscar, al recrear la historia de un músico de color ( Chiwetel Ejiofor) de Nueva York, que es drogado y secuestrado para ser vendido como esclavo en una plantación de Louisiana. A diferencia de otras películas del mismo tenor - y pensamos en la serie "Raíces", o "El Color Púrpura"-, ésta es una película inteligente, profunda, despiadada, terrorífica y emocional, que no da tregua al espectador al dimensionar la tragedia de un afro-americano. Se trata de un relato que evita los desbordes melodramáticos, para mostrar la desgarradora experiencia de un artista en una época de persecuciones, guerra y racismo.

La película se beneficia de las extraordinarias actuaciones de un elenco irrepetible que encabezan : Michael Fassbender ( notable ), Lupita Nyong"o, Paul Dano, Benedict Cumberbatch, Paul Giamatti, Brad Pitt y Alfre Woodward. Aunque también se destaca por la mano maestra con que McQueen, eleva el conflicto central, conteniendo los desbordes con una increíble facultad de organizar y revelar sin ofuscamientos o clichés al uso. Una película durísima, conmovedora e inolvidable.

Quentin Tarantino. El cineasta que siempre está en boca de todos, es también el más influyente y polémico de la última generación de cineastas norteamericanos del siglo XX, capaz de renovar todos los géneros ( thriller policial, ciencia ficción, drama, western ) y en virtud de aquello, crear sus propios códigos narrativos y estéticos, al amparo de un gusto determinante por la música, la fotografía, los colores, la hemoglobina, los personajes ambiguos y misóginos que vienen de vuelta de todo y nunca esperan perder nada, los comicbooks, los pulp magazines, el cine B, las viejas seriales de televisión, los antiguos formatos del audiovisual, la narración fragmentada y los abruptos cambios espacio-temporales, la ironía, el sarcasmo y la marginalidad.
Filmes más representativos : "Los perros de la calle"; "Pulp Fiction" y "Jackie Brown".

"Los ocho odiosos"/" The Hateful Eight". La octava película de Tarantino, muestra las claves más características para entender su cine. No es un director, que cuente con un amplio respaldo de la crítica especializada, quizás porque aún, mantiene ciertos excesos estilísticos que son su "marca de fábrica". Este es su segundo western con visos de thriller grandguiñolesco, que rodó en Super 70 mm, para sobredimensionar el paisaje nevado donde se desarrolla la historia, pero sobretodo, para centralizar los espacios de un refugio único donde transcurre gran parte del relato. Hasta este lugar, llegan siete hombres y una mujer, todos con un pasado oscuro y tenebroso. Cada uno, escondiendo una mentira y revelando algunos propósitos deleznables. Los primeros 45 minutos de las casi tres horas de metraje, acomodan al espectador en los referentes dramáticos, y manifestan una agudo sentido del valor que tiene el guión dentro del contexto. Después, se acentúa el suspenso y la tensión se desencadena para culminar en un rictus sangriento, doloroso y espectacular, que está subrayado por la banda musical del genial compositor italiano Ennio Morricone, que regresa a los terrenos del far west con una magnífica creación original.

Los desbordes sadomasoquistas y algunas escenas gore son atenuadas por Tarantino, con su agudo sentido de la ironía y del humor negro. Tampoco faltan los diálogos ingeniosos, ambiguos, pícaros, escatológicos y las referencias al western clásico, desde John Ford a Sergio Leone. También hay citas cinéfilas a películas del Oeste como : "La diligencia", los westerns B de Budd Boetticher y Sam Peckinpah, los spaghetti westerns de Sergio Leone, Mario Bava, Lucio Fulci, Duccio Tessari y Sergio Corbucci, las antiguas series de televisión alusivas al far west y hasta los comics relativos al género. Con todo, el filme resulta irregular, por momentos se torna demasiado lineal, pesado y literatoso, mostrando varios altibajos en su ritmo, y sufriendo de inercia contenida, como si preparara concientemente el terreno para un desenlace artificial, desbordante y sorprendente. Este recurso que ya había utilizado en "Malditos bastardos" y "Django, desencadenado", le permite concentrar la acción en casi un único escenario, subrayar los diálogos por sobre las acciones en determinados espacios, extender y romper los márgenes del relato, que ya viene repartido en seis capítulos : El Ultimo Tramo a Red Rock; Son of a Gun; La Mercería de Minnie, Domergue tiene un secreto, Los cuatro pasajeros y Hombre negro, infierno blanco. Sin embargo, la película no decepcionará a sus seguidores, porque Tarantino se encarga de aderezar los desbordes grandguiñolescos y escatológicos del relato, con algunas interesantes ideas, tan propias de su cine. Y cómo nó, nos reencuentra con algunos de actores de su team y otros rostros nuevos, que se unen a esta pandilla de desadaptados para vulnerar la ley.

Ocho personajes centrales encerrados en una cabaña, en medio de una tormenta de nieve, permiten a Tarantino rastrear como taxidermista por las bajezas de la Humanidad. Cada uno desde su pasado, revela algún síntoma de violencia. Todos danzan con la muerte y se encuentran en el infierno más perfectible y sin ánimo de doblegar a sus destinos, todos terminarán enfrentados de alguna manera en la espiral subterránea que esconden los pecados, la avaricia, el individualismo, la vanidad, la derrota, la miseria y la ambición.

En suma, "Los ocho odiosos" es una película diferente, casi un experimento para revivir los viejos estilos del western, un ejercicio de género hasta cierto punto original, atractivo, ambiguo, retorcido, salvaje, procaz, sangriento, visceral. Como siempre, Tarantino nos golpea al mentón, con algunas pinceladas gruesas e imágenes realmente alucinantes y antológicas. Su historia es un viaje al infierno para coquetear con la muerte, liberar adrenalina y simbolizar en la sangre, la derrota de unos personajes sin destino.

Joe Wright. Desde las románticas imágenes de "Sensatez y Sentimientos"/"Atonement", hasta las estetizantes recreaciones de época de la nueva versión de "Anna Karenina", este director londinense ha mostrado una sutileza espiritual para confrontar distintas personalidades en choque, aunque aduce una férrea disciplina en el manejo del montaje, la fotografía, la puesta en escena y la interpretación. Cuando rodó la remake de "Orgullo y Prejuicio"/"Pride & Prejudice" alcanzó la maestría de los clásicos, con la fortaleza de un gigante, para trascender más allá del relato. Su fuerte parecía estar en los cuadros de época, hasta que se atrevió a coquetear con el relato policial, logrando una obra redonda con "Hanna", menospreciada por cierta crítica antojadiza. De algún modo, lo suyo parece estar condicionado por un trabajo conciente con el guión y los actores, para perfilar los que son sus obras más acabadas.

"Pan". ¿ Qué trató de efectuar Wright con el tradicional relato de J.M.Barrie ? Un cuento a la manera de los grandes clásicos. Un divertimento pasajero para públicos juveniles. Una nueva recreación, en la búsqueda de las interrogantes que mejor definen a los personajes del montaje teatral original. En realidad, esta película tiene un poco de las tres. De alguna manera, Wright redunda en la idea, de que los villanos tienen un pasado desde el cual originan su atracción por el mal. Además, prolonga la naturaleza del niño, transformándolo en un huérfano londinense con una carga emocional demasiado grande, como para soslayar cualquier ímpetuo de rebeldía. En su forma, esta versión pasará a la historia por la riqueza estética de sus imágenes. Huck Jackman está inolvidable como el Pirata Barbanegra, Rooney Mara convence como la Tigresa Lily y el prodigio Levi Miller se nos revela como un actor, dueño de un carisma sorprendente.

No es que Pan sea la adaptación del cuento de Barrie. Se trata de una precuela, utilizando los referentes originales para ampliar las expectativas que ha despertado siempre el relato tradicional.

Ron Howard. Desde sus tiempos de niño prodigio al amparo del cine y de la televisión, Ronnie aprendió del oficio lo suficiente, como para encarar la posibilidad de transformarse en director. Amante de los géneros más populares, ha logrado mantener una carrera interesante y variada, reciclando y replanteando los esquemas básicos del western ( "Un horizonte lejano"("Far and Away"; "La búsqueda"/"The Missing"), la comedia fantástica ( "Splash"; El Grinch" ), la comedia familiar ("Todo en Familia"/ "Parenthood"), el biopic ( "Apollo 13"; "Una mente brillante" ; "Frost/ Nixon"; "El luchador"/"Cinderella man"; "Rush"), el best sellers de moda ("El Código DaVinci"; "Angeles y demonios"); el thriller policial ("El rescate"/"Ransom"), el reality show ("Edtv") y el relato de profesionales en ejercicio ("El Periódico"; "Marea de Fuego").

"En el corazón del mar"/"In the heart of the sea". No hay que bucear muy al fondo del mar, para encontrar los referentes literarios de la novela de "Moby Dick" de Traven. Gregory Peck interpretó una versión inolvidable como el Capitán Acab, y Howard en su vigésima cuarta película que no olvida su pasado cinéfilo de niño prodigio, decidió rastrear en los orígenes de la obra, con una estupenda recreación de época y una espectacular puesta en escena. Se trata, por cierto, de una película intimista en su concepto fundamental, que no escabulle los aspectos más clásicos del relato de aventuras, para subrayar el suspenso, la acción y el misterio que esconde la persecución de una enorme ballena, detrás de una tripulación que intentó cazarla en alta mar. Una pequeña joya que obliga a repasar después, la película que hizo el director John Huston sobre la novela homónima.

Nuevamente aflora la temática de la lucha del hombre contra la Naturaleza, aunque esta lucha también tiene implicancias teológicas más cercanas a Dios. Por cierto, una película muy recomendable.

Guy Ritchie. Después de ver "Butch Cassidy & The Sundance Kid"cuando era un niño, este británico decidió que su vida la dedicaría profesionalmente a la producción y dirección de películas. Como otros muchos, comenzó en el campo de la publicidad y de los videos musicales, para debutar con gran éxito con el novedoso thriller "Juegos, trampas y dos armas humeantes"/"Lock, Stock & The Smoking Barrels". Con "Snatch : cerdos y diamantes", vino a confirmar su tremendo talento para narrar utilizando el montaje como una innovadora visión posmodernista. Más adelante, efectúo la adaptación de un cuento de Luc Besson en "Revólver" y preparó nuevos tiros para su interesante "RocknRolla", otro thriller ambientado en Londres. Su díptico sobre "Sherlock Holmes" le trajo innumerables detractores, que vieron que su estilo se estaba marchitando en las beaterías de los efectos digitales. Con su nuevo thriller retomó los mejores aspectos estilísticos de su trabajo. Para el 2017, prepara un remake de "Los Caballeros de la mesa redonda"/ "Knights of the Roundtable : King Arthur".

"El agente de CIPOL" /"The man from the U.N.C.L.E." No hay que ser pitonizo para comprender, porqué Ritchie decidió hacer una versión cinematográfica de un clásico de las series de televisión de los años sesenta. Su estilo siempre ha estado del lado de los thrillers de género, que le resultan más cómodos de filmar y montar. Pero hay más. Reconozcámos que el esfuerzo ha sido plausible. El filme con toda su adrenalina al paso, resulta una exquisitez, que recupera el humor en una trama llena de suspenso, traiciones y persecuciones, y que le saca provecho a los espacios urbanos, a la moda y a la puesta en escena. Más cerca del público que busca una entretención inteligente, Ritchie nos confirma su fuerza visual, para lograr entretener con una trama oficiosa y madura.

Si quieres ver un filme de acción inteligente y divertido, ésta parece ser tu mejor opción. No la dejes pasar por alto.

Christopher McQuarrie. Guionista de Bryan Singer para "Los Sospechosos de siempre"/"The Usual Suspects" y "El cazagigantes"/"Jack, the giant slayer" y de Florian Henkel von Donnersmarck para "El Turista" /"The Tourist", debutó con el thriller "Jack Reacher : Bajo la mira" con Tom Cruise. Después de dirigir : "Misión Imposible 5 : Nación Secreta", prepara una sexta entrega por estrenarse probablemente en el 2017.

"Misión Imposible 5: Nación Secreta"/ "Mission Impossible : Rogue Nation". Otro gran thriller del año pasado. La quinta entrega, se beneficia de una historia increíble que busca ampliar las expectativas territoriales de los agentes secretos. Es un tour de acción y suspenso, efectuado por las grandes capitales del mundo, que duplica la ironía y el humor de sus personajes para amortiguar la violencia y la pirotecnia. El inicio es golpeador - a la manera de Spielberg-, porque Cruise debe salvar una situación peligrosa colgado desde un avión, para después someter al espectador a un complot organizado desde una nueva alianza que pretende destruír al servicio secreto. A las secuencias increíbles donde se luce Tom Cruise y los stunts, McQuarrie adiciona una tensión in crescendo, que triplicará las expectativas que los seguidores de la serie se han hecho de esta secuela. Gran montaje sonoro y visual.

Una vibrante persecución en motocicleta y una curiosa persecución dentro de un famoso Teatro de la Opera, espera a los fanáticos seguidores de la saga de espionaje, acción y suspenso.

John Mclean. Estudió dibujo y pintura en la Edinburgh College of Art y en el Royal College of Art de Londres. Después de graduarse, formó la banda musical Beta con sus amigos, desde 1997 hasta 2004 y The Aliens desde el 2005 al 2008. Se convirtió en director, cuando produjo la mayoría de los videos de su banda. En 2009, John debutó con el corto "Hombre en una motocicleta", un cortometraje protagonizado por Michael Fassbender, filmada en un teléfono móvil, y con el cual obtuvo el premio al mejor cortometraje de BAFTA. Con "Slow West" debuta en los terrenos del largometraje, donde demuestra una lúcida manera de trabajar los recursos expresivos del cine.

"Slow West". Estupendo western neozelandés, que recupera algunas de las variables más sustanciosas del género, con una trama novedosa, vigorosa y auténtica. Puede parecer ambiguo el viaje que emprende un joven junto a un pistolero tras los pasos del amor de su vida, pero McLean ilustra con suficiente minuciosidad y profundidad, la serie de circunstancias a que se exponen ambos personajes en tierras inhóspitas. Se trata de una odisea existencial hacia el reconocimiento del amor idílico, aunque también hacia la madurez. Una exploración de perfiles humanos que termina muy mal, pero que deja un melancólico sabor amargo con ese gustillo a haber visto algo realmente original. El joven Kodi Smith-McPhee está grandioso y Michael Fassbender demuestra, porqué es considerado uno de los grandes actores de nuestro tiempo. Por favor, no la dejes pasar por alto.

No es que redundemos, pero estamos frente a una colosal historia minimalista que superpone las variables del tiempo, el paisaje y las sorpresas de último minuto, con una notable capacidad dramática y emocional.

Alfonso Gómez-Rejón. Nació y creció en Laredo, Texas, en la frontera de Estados Unidos / México. Recibió su BFA de la Universidad de Nueva York y su MFA de la AFI. Comenzó su carrera como asistente personal de Martin Scorsese, Nora Ephron, Robert De Niro y Alejandro González Iñárritu. Dirigió episodios aclamados de Glee y American Horror Story, así como numerosos anuncios nacionales de la talla de T-Mobile y Chevrolet (Super Bowl). Fue nominado a un Emmy a la Mejor Dirección en Miniserie para "American Horror Story: Coven", así como a la Mejor Miniserie como Co-Productor Ejecutivo de la serie. También dirigió el episodio piloto de "Sociedad Red Band" de Fox, que fue el origen de una serie. Con su segundo largometraje, "Yo, él y Raquel" /"Me & Earl and the dying girl", ganó el Gran Premio del Jurado y el Premio del Público en el Concurso dramático estadounidense en el Festival de Cine de Sundance 2015.

"Yo, él y Raquel" /"Me and Earl and the dying girl". Al elocuente inicio filmado con steady camp que recuerda los planos introductorios avezados de Welles, se une una narración fluída, atractiva y directa, que busca subrayar situaciones y hechos que hacen el leit motiv de esta originalísima historia sobre adolescentes cinéfilos y algo freaks. Nada de lo que parece insustancial, asusta dentro de una trama llena de giros y secuencias antológicas, que mantiene la frescura de sus modelos, con ese aire de renovación estilística tan propia de los cineastas que comienzan a dar sus primeros registros autorales. Si eres joven, disfrutarás y te emocionarás con el relato. Si eres adulto, no dejes de revivir viejos sueños de rebeldía y una cinefilia embriagadora subliminada a las virtudes del VHS y del dolby stereo. Fue la regalona del último Sundance, por su vigorosa manera de narrar y visualizar un estilo de película para adolescentes, que parecía imposible de renovar desde sus bases narrativas y estéticas. Un auténtico hallazgo del cine independiente.

Un atractiva película que tras su melancólica historia analiza temas relativos a la soledad, al amistad, el amor, la muerte, la vida, el sexo, la creatividad y la belleza en las cosas simples de las relaciones de pareja.

Marielle Heller. Conocida como escritora, directora y actriz, estuvo seleccionada en el Sundance 2012 por uno de sus guiones y fue honrada con el Lynn Auerbach para una beca, y en The Maryland Festival de Cine donde recibió otra beca. Sus créditos de la escritura incluyen espacios pilotos para ABC y 20th Century Fox, y múltiples guiones y obras de teatro. Ha actuado en los teatros de todo el mundo, desde Nueva York hasta el West End. Pareja del dibujante underground Donald Crumb, se inició en el cine con "Diario de una adolescente", un largometraje que tiene una novedosa visión del despertar sexual en la juventud.

"Diario de una adolescente"/ "Diary of a teenage girl". El mundo de una joven quinceañera ( la estupenda Bel Powley ), logra entusiasmar desde la testera de la novedoso. Basado en el comic book autobiográfico de Phoebe Gloekner, descubre el nuevo mundo de sensaciones, que vivirá una adolescente en su tránsito al Amor desde el despertar sexual y el conflicto con los adultos. Esta chica se enamora perdidamente del amante de su madre. Asumiendo una mentalidad abierta, ella experimentará esta relación, desde la óptica de sus deseos emocionales y su apasionadas encuentros clandestinos con el hombre mayor, para redescubrir el amor desde su propia sexualidad. Lo maravilloso de esta película, es cómo la Heller logra obtener un nuevo visionado al manoseado tema juvenil, para surtirlo de efectos de buena ley, como la integración de dibujos animados y flash backs autorreferentes. Muy recomendable para los adolescentes, que se inician en el descubrimiento de su propia sexualidad. Novedosa y refrescante.

Reflexiones abiertas al sexo, las drogas, la experimentación sexual, la fidelidad, la amistad y las relaciones madre-hija integra esta inusual propuesta fílmica.

Craig William Macneill. Después de sorprender en el Festival de Sundance, con su corto "Henley", sobre un niño de nueve años, callado y solitario, que regenta un motel en un lugar geográfico semiabandonado, retomó la temática para su debut en solitario como realizador, con "The Boy". Había codirigido junto a Alexei Kaleina, el drama "The Afterlight", pero fue con esta curiosa película, que su nombre comenzó a circular por los medios especializados.

"The Boy". Esta interesante película producida por el actor Elijah Wood, considera una arriesgada apuesta al centralizar su trama en el tema del origen de la violencia en los niños. En efecto, Ted ( gran actuación del prodigio californiano Jared Freeze ) de nueve años, habita en compañía de su padre, John ( David Morse ), trabajando un motel casi abandonado a su suerte, en medio de una carretera perdida. El niño sólo conoce de deberes y obligaciones, ya que tiene un padre incapaz de darle afecto, y su rutina diaria le obliga a coquetear con la muerte más allá de lo deseado. Un día, provoca un accidente, del que saldrá un cliente al paso, que viene arrastrando una tragedia familiar de insospechadas dimensiones. Novedoso cine independiente norteamericano, capaz de recrear la existencia de un niño sociópata con suficiente madurez, como para explicitar los síntomas de una sociedad convulsa, y que recuerda en varios segmentos a "El Señor de las Moscas" y "El Otro", por esa fuerza interior telúrica de contener inteligentemente las aristas de un cuento macabro. Para descubrir y valorar en su justa medida.

Un niño sociópata que huye de la realidad para refugiarse en la macabra espiral de la muerte, constituye la temática de esta producción independiente.

Brad Bird. Comenzó dirigiendo capítulos de la serie animada "Los Simpsons", para pasar luego al cine con la novedosa: "El gigante de hierro"/"The Iron Giant" y luego a los Pixar Studios, donde ha dirigido : "Los Increíbles"; "Ratatouille" y "Up". Tom Cruise le convence para dirigir uno de los capítulos de la saga de "Misión Imposible", y regresa por sus temas preferidos con "El mundo del mañana"/"Tomorrowland", que no es, sino un homenaje al viejo sueño de Walt Disney, el personaje que más admira del cine animado.

"El Mundo del Mañana" /"Tomorrowland". El sueño de Walt Disney hecho realidad. La ciudad del futuro alcanza ribetes existenciales en esta película amena y divertida, que tiene sus mejores logros en una sofisticada utilización de los efectos visuales y el uso de un montaje ágil, que impide que la inercia la arrastre hacia un acantilado sin fondo. Es una matiné familiar que redunda en la idea de una dimensión desconocida y paralela, en el cual gestionar el mundo venidero, a expensas de la amenaza siempre latente de una hecatombe universal. George Clooney, Hugh Laurie, Britt Robertson, Tim McGraw y la pequeña Raffey Cassidy, asumen que ésta, no es la única vida, y que es posible todavía soñar con un futuro más placentero, donde la ciencia sea valorada como respuesta al progreso de la Humanidad.

En IMAX fue exhibida en varias salas norteamericanas "El Mundo del mañana".

David O.Russell. Productor y director neoyorquino que tiene a su haber nueve largometrajes, entre los cuales se destacan : "Tres Reyes"/"Three Kings"; "El Vencedor"/"The Fighter"; "El lado bueno de las cosas"/"Silver Linigs Playbook" y "Escándalo americano"/American Hustle". Se especializa en comedias, que acentúa en función de actuaciones siempre brillantes y diálogos ingeniosos.

"Joy". ¿ Qué interés puede despertar en el público, una película sobre la azarosa existencia de una ama de casa, que se cansó de su triste vida cotidiana, para inventar un trapeador que la transformó en una empresaria exitosa y feliz ? La hermosa actriz Jeniffer Lawrence, revela que, puede asumir papeles dramáticos más auspiciosos, lejos de sus "Juegos del Hambre", y transformar con su sola presencia, un relato que puede ser banal, pero que en la visión de Russell, acaba convirtiéndose en un biopic entretenido, amable, cercano al espectador, emotivo, sincero y humanista. No en balde, aparecen como secundarios los grandiosos : Robert De Niro, Isabella Rosellini, Diane Ladd, Bradley Cooper, Virginia Madsen y Ken Howard. Para despertar la sensibilidad del inventor que todos llevamos dentro.

Más que una simple comedia familiar sobre las desaveniencias entre parientes, el filme explora sobre la capacidad que tiene una mujer de espíritu libre y fuerte para salir adelante, pese a los cientos de obstáculos que debe vencer en su camino al éxito.

Matthew Vaughn. Conocido productor británico que dió sus primeros pasos al lado del director Guy Ritchie. Debutó en la realización con un thriller "Layer Cake" interpretado por Daniel Craig. Con la novedosa "Stardust" donde Robert De Niro tiene un papel muy divertido, afianza su carrera, en la que no deja de producir y escribir sus propios guiones. Sus películas más famosas como "Kick-Ass" y "X-Men : First Class", lo consagran como un director con oficio, capaz de sacarle lustre a las historias más conocidas y a los relatos menos brillantes.

"Kingsman : Servicio Secreto" /"Kigsman : The Secret Service". Novedosa adaptación del comic de Mark Millar y Dave Gibbons. Un experimentado agente secreto inglés, interpretado por el solvente Colin Firth, debe entrenar a un joven demasiado anti-sistémico, encarnado por Taron Egerton, para convertirlo en un magnífico investigador gracias a un exigente programa de entrenamiento, mientras se planifica una gigantesca amenaza global, originada por un genio sin tornillos. Pese a su obviedad y esquematismo rebuscado, es una entretención divertida, simpática y refrescante, que nos insinúa lo ameno que puede llegar a ser una película, que mezcla la ironía y la farsa a grados similares para ennoblecer al cine de matiné. Firth está increíble y la cinta es una gozada con varias escenas espectaculares.

A los jóvenes espectadores les ha encantado, como que la fibra de esta relación entre el veterano y el rebelde, logra una química efervescente.

Jean Marc Vallee. No es cualquier artesano. Su cine está ceñido a una corrección profesional, que parte en el uso conciente de la técnica, en función de relatos siempre interesantes y originales. Incluso cuando analiza figuras clásicas, como en "La Joven Victoria" o "Dallar Buyers Club : El Club de los desahuciados", donde resaltan las actuaciones de Emily Blunt y Matthew McConaughey, respectivamente. También puede ser un genial analista de costumbres juveniles, como en "C.R.A.Z.Y.", que se ha transformado en película de culto beat.

"Alma salvaje" /"Wild". Otra película que nos habla sobre los esfuerzos de una mujer, que caminó 1,100 millas por las escarpadas montañas de Oregón, para recuperar la fé en sí misma. Esta peregrinación esta dimensionada por la extraordinaria actuación de Reese Whiterspoon- una de las grandes actrices de cine actual -, que profundiza por el carácter, la personalidad y los recuerdos amargos de una muchacha siempre al borde del precipicio. Detrás de esta caminata por la Naturaleza, se revela el via crucis de una mujer, que intenta rehacer su vida después de bajar a los infiernos. También tiene una meritoria actuación, la siempre esplendorosa Laura Dern.

Bajo la aparente simpleza de este viaje existencial, se esconden las claves, para entender las complejas ramificaciones que tiene la existencia humana.

Hou-Hsiao Hsien. Productor, director, guionista y actor taiwanés, perteneciente a la nueva ola asiática, y considerado uno de sus exponentes más singulares. Dieciocho películas en tres décadas avalan un trabajo constante y perseverante, que se destaca por una originalidad en los supuestos estilísticos y una poética verdaderamente espectacular. De sus obras clásicas resaltan: "Flores de Shangai" y "La ciudad de la tristeza"; ésta última cargada de connotación política y que obtuvo el León de Oro en el Festival de Cine en Venecia. Suyas son también las famosas : "Polvo en el viento"; "El maestro titiretero"; "Adiós sur, adiós" y "Tres veces". A nuestro país, sólo se tiene acceso a su obra, través de circuitos de Cine Arte universitario o muestras internacionales del Asia. No olviden de rastrearlo en formato DVD o Blue Ray.

"The Assassin". Lo que ha hecho Hsien, es reiventar un género a partir de sus efectos estéticos, su particular manera de contar una historia y sus modismos estilísticos. Una inyección potente contra la esquizofrenia y la hiperquinesis de estos locos tiempos, pero también una valoración de la belleza que tiene el sentido de la contemplación de la naturaleza y de las acciones humanas. Es la historia de una auténtica justiciera en el siglo IX, cuyo maestro le encarga la cruenta misión de eliminar a su primo, un tirano que gobierna con mano de hierro la provincia militar de Weibo. De una belleza que deja sin aliento, esta película es de esos tesoros fílmicos para mirar mil veces y descubrirles siempre un nuevo significado. Una obra maestra en todo el buen sentido de la palabra.

Ni más, ni menos que es una de las mejores películas de la cartelera cinematográfica actual.

Abderrahmane Sissako. Nació en Mauritania y pasó su infancia en Malí, donde descubrió el Cine. De regreso a Mauritania, emigró a Moscú para estudiar en el Instituto Estatal de Cine de Moscú. Allí rodó dos cortos, uno de ellos titulado Octobre, presentado en 1993 en el Festival de Cannes. En 1998, dentro de la colección “2000 visto por…”, rodó Retour à la terre, cuyo tono agridulce recuerda à Aimé Césaire. Heremakono, rodada en 2002, participó en numerosos festivales internacionales y obtuvo el Premio de la Crítica Internacional en Cannes y el Etalon de Yennenga en el Fespaco. En 2006, filmó Bamako, en la casa de su padre en Mali, donde enjuicia a las instituciones internacionales por las injusticias que sufre África. Con Timbuktu logra su obra maestra.

"Timbuktu". El régimen yihadista tiene controlada a la ciudad malisiense de Timbuktú, donde sus habitantes tiene prohibido : escuchar música, reír, fumar e incluso jugar al fútbol, mientras los tribunales islamistas imponen un estricto control a costa de la tragedia más absurda. En este ambiente de restricciones extremas y muerte viven Kidame, su mujer, su hija y un pequeño pastor de doce años. Todo parece marchar rutinariamente hasta que un día por accidente, Kidame mata a un pescador que ha dado muerte a su vez, a su vaca favorita. Una impactante, escalofriante y realista historia, que analiza en el fondo, los regímenes totalitarios carentes de libertad y donde prima el fanatismo religioso. Por su temática, una película muy actual y contingente. Atractiva visualmente, es una película construída con suficiente emoción, como para dejar a nadie indiferente.

Nominada a ocho premios Cesar en Cannes, Timbuktu recibió toda clase de elogios por parte de la crítica especializada.

Dennis Villeneuve. Estudió Cine en la Universidad de Quebec en Montreal. Dirigió programas de televisión antes de su ópera prima: Un 32 août sur terre, "un drama sobre la amistad, los sucesos que te cambian la vida y la percepción que hay sobre ella". En su segundo trabajo Maelström, analiza la depresión en la juventud, para proseguir después con sus cuatro películas más significativas : Polytechnique sobre la masacre perpetrada en la Escuela Politécnica de Montreal; Incendies acerca de los desastrosos problemas familiares y religiosos que te llevan a una espiral sin fondo; Prisioneros su primer filme estadounidense, que es un thriller sobre secuestros interpretado por Huck Jackman y Jake Gyllenhaal; y Enemy adaptación de la novela de José Saramago.

"Sicario". En la zona fronteriza que separa a Estados Unidos y México, una idealista agente del FBI ( Emily Blunt ), es reclutada para combatir el narcotráfico, mientras reflexiona sobre los límites de la ley y las contradicciones que se originan respecto a sus propias convicciones. La crítica la alabó en su momento porque "su estilo visual impresiona y maneja con inteligencia el ritmo y el suspense". Pero más allá de su recreación, Villenueve trabaja como pocos, los sentidos, esa capacidad milagrosa de integrar en su relato, las sensaciones más diversas como: la viscosidad, la inestabilidad, la ansiedad, la incomodidad, lo tenebroso y nauseabundo que se esconde detrás de estos negocios y de las personas que acceden a él. Un retrato duro y transgresor, que logra cautivar de principio a fin.

Dos horas in extremis para entender lo inentendible de las redes y la corrupción que origina el tráfico de drogas. Una película alucinante e impresionante.

Ken Kwapis. Surgido de la televisión, se reveló en el cine con "The Beniker Gang" un drama con Andrew McCarthy. Después haría la primera comedia en cine de los personajes de "Plaza Sésamo", para pasar luego a las comedias "Vibes" con Cindy Lauper y Jeff Goldblum; "Atractivas diferencias"/"He said, She said" con Kevin Bacon y Elizabeth Perkins; y otras discretas comedias para pasar el rato. Artesano eficaz cuando tiene delante de sí sólidos libretos, logra dulcificar la vida con un estilo más bien "hecho para todo público".

"Un paseo por el bosque"/"Grandes amigos" /"A Walk in the Woods". Después de vivir veinte años en Inglaterra, Bill Bryson ( Robert Redford ) regresa para cumplir un desafío con un viejo amigo (Nick Nolte ) : escalar los montes Apalaches y redescubrir la belleza y los desafíos que impone la Naturaleza. Basado en el libro de un refutado escritor de relatos de viaje, Redford decidió desempolvar este guión que había pensado en un principio protagonizar con su amigo Paul Newman. Pero Newman murió y la historia quedó abandonada por más de una década. Ahora llamó a Nolte, que le dió un espíritu especial a su papel, creando el antagonismo correcto con su personaje. Hay humor negro sobre la tercera edad y los temas relativos a la proximidad de la muerte, que agregan un interés favorable a esta comedia para pasar el rato y salir con una sonrisa del cine. Ojo que Redford conoce como la palma de su mano este territorio montanés, considerado uno de los parajes más hermosos de Estados Unidos. Hay colaboraciones especiales de las actrices Emma Thompson y Mary Steerburgen.

Una comedia simpática y divertida, muy recomendable para amenizar la tarde, sobretodo si usted cruza los sesenta abriles de edad.

Ridley Scott. Es un lugar común referirse a este notable director británico como uno de los grandes cineastas del mundo. No es banal achacar a Scott, la renovación estética del cine, desde que irrumpiera con fuerza con "Los duelistas" ; "Alien" y "Blade Runner". A través de su filmografía, se ha filtrado una bocanada de aire fresco que puede resultar indigesto, si no se aceptan las suspicacias estilísticas de su cine. Quizás por eso la preciosista "Leyenda" no fue nunca bien comprendida y la ambiciosa "1492 : A la conquista del paraíso", no pasó de la media de un biopic históricamente no muy bien asimilado. Eterno aventurero romántico e innovador de las técnicas visuales, tiene tras de sí, una huella indeleble que lo catapulta entre los grandes maestros de la luz y un narrador eficaz cuando se lo plantea en serio ( "Thelma & Louise"; "Gladiador"; "Hannibal"; "Gángster americano"; "Prometheus"; "Exodo : Dioses y Reyes").

"Misión Rescate"/"Marte"/"The Martial". Puede resultar antojadizo que Scott se adelante a través de la novela de Andy Weir, a una situación que podría ocurrir en los futuros expediciones al planeta rojo. Sin embargo, es capaz de recrear, lo que le sucede en un año y fracción al biólogo y astronauta Matt Watey (Matt Damon ), que en un principio, sufre un accidente que lo aparta del resto de sus compañeros, y es abandonado a su suerte en medio del desierto. La odisea le llevará a revertir todas las probabilidades de supervivencia, para practicar con ánimo ecologista, una estrategia de cultivo de patatas que le convertirá en el primer hombre en Marte capaz de acceder a la agricultura. Es un inusual relato para la filmografía de Scott que, sin embargo, se transforma en un filme de transición entretenido, divertido y atractivo. Sin ser perfecto, porque extiende muchas situaciones maníqueas y se vuelve algo repetitivo, logra interesar por las probabilidades que acondiciona de los vuelos tripulados a Marte. Gran banda sonora con éxitos de Gloria Gaynor y Abba, entre otros. Estupenda fotografía del experimentado Dariusz Wolski ("Prometheus").

Adaptación de best seller de Andy Weir.

Alex Garland. Comenzó como guionista cuando su novela "La Playa"/"The beach", fue adaptada en el 2000 por Danny Boyle con Leonardo Di Caprio. Su primer gran guión fue la cinta de terror "Exterminio" y el thriller de ciencia ficción "Sunshine", ambas para Boyle. Con "Ex-Machina"cumple el viejo sueño de ser el director de su propio libreto. Ahora rueda "Annihilation", otro thriller de ciencia ficción con Nathalie Portman, que se estrenará en el 2017.

Ex-Machina. Una interesante nueva perspectiva temática sobre la inteligencia artificial, incorpora la historia de este relato británico de ciencia ficción. ¿ Qué pasaría si una de estas máquinas, simulando el rostro de una bella chica, enamora a un joven ingeniero ? Las claves hay que descubrirlas en esta curiosa y novedosa película, que tiene a su favor un trabajo de la puesta en escena ejemplar, un buen guión y unas actuaciones memorables a cargo de Dohnall Gleeson, Alicia Vikander y Oscar Isaac. Encantará a los aficionados al género, porque trasciende en sus reflexiones acerca de la relación hombre- máquina.

En el futuro, el mundo estará dominado por las máquinas...Quizás.

Alejandro Gómez Monteverde. Productor y director mexicano, que se inició con el corto "Bocho" en el 2001, para debutar cinco años después, en los terrenos del largometraje con el drama romántico "Bella" ambientado en Nueva York. Con su segundo largo "El gran pequeño"/"The little boy", llega a ser conocido en Europa, y su cinta fue un regalo especial al Papa Francisco que le entregó cuando visitó El Vaticano en Roma.

"El Gran pequeño"/"The little boy". Después que su padre debe ir a combatir al frente por la Segunda Guerra Mundial, el pequeño Jakob Salvati debe aprender a defenderse solo, pese a sus problemas de desarrollo. Un cuento bienintencionado, pese a su aparente ingenuidad, que relativiza cuestiones demasiado serias, aunque logra entusiasmar y emocionar de veras. Hay sencillez y autenticidad en las escenas infantiles y una aleccionadora historia sobre la Fé, algo que se ha perdido en el mundo actual y que es urgente recuperar.

Este es el hermoso afiche promocional de la produccion mexicano-estadounidense.

Pete Docter. Se inició como guionista en los estudios PIXAR con "Toy Story"; para luego ampliar su experiencia como libretista en "Monsters Inc"; "Wall E" y "Up". Ha trabajado en conjunto con otros directores de esa casa estudio, en "Monsters Inc" y "Up", para codirigir con Ronnie Del Carmen "Intensa-mente"/"Inside-out".

"Intensa-mente"/"Inside-out". Una aventura animada de lo más novedosa, divertida, inteligente y aguda, que es capaz de analizar la siquis humana desde las emociones básicas. En efecto, los protagonistas de este relato son : Alegría, Tristeza, Miedo, Asco e Ira. Sujetos a la memoria de una niña de doce años, el filme recorrerá con imaginación desbordante y unos diseños increíbles por la raíz humana. Historia sorprendente y llena de matices humorísticos, críticos y reflexivos, logra asumir el manejo de las emociones desde el prisma de la fantasía disneyana, basándose lejanamente en un corto de esta factoría. Una obra maestra en su tipo, que permite constatar el buen estado de salud que vive la animación.

¿ Con cuál personaje te quedas tú ? Yo prefiero la alegría. Contra viento y marea, es optimismo a toda prueba.

Tomm Moore. Director y productor de cine animado de origen irlandés, que debutó con grandes elogios con "The secret of Kells"en el 2009, donde reveló una singular manera de narrar un cuento fantástico, caracterizado por su particular estética de dibujos y escenarios con increíbles geometrías y figuras decorativas muy originales. Después participó en el colectivo "El Profeta"/"The Prophet", para volver a deslumbrar con su segundo largo "La canción del mar"/"The song of the sea", que estuvo nominada al Oscar en su especialidad.

"La canción del mar" /"The song of the sea". Las tradiciones célticas y la magia han atraído la filmografía de Tomm Moore desde sus primeras películas. Esta cinta parece ser perfecta en todos sus aspectos, incluyendo las curiosas metáforas, su sentido de los maravilloso a partir de una leyenda tradicional, su estimable creatividad para subrayar una estética caracterizada por las geometrías y las texturas de unos escenarios pictográficos realmente atractivos. Soberbia desde el punto de vista estilístico, es también una obra redonda desde el punto de vista narrativo. Una hermosa historia llena de hallazgos visuales y proclive a convertirse en una obra de culto-cultísimo para los fans de la animación novedosa, amena y original.

No hay que ser cinéfilo iniciado, para sostener que estamos frente a una obra de animación, pródiga en creatividad y con una estética determinante. Sin duda, se trata de un cuento asombroso, narrado con la solvencia de un maestro.

Obras para revalorizar.

Martin Scorsese.

"Taxi driver". El primer éxito que supuso el encuentro con el guionista Paul Schrader, es también su filme más característico : una exploración hacia el subconciente de un marginado, que "se agita entre sus sueños de éxito y la insignificación y mediocridad de su existencia real. Su patología se traduce en una especie de fascismo redentor y mesiánico. En su inquietante epílogo, el filme denuncia la supervivencia de las tendencias destructivas en una sociedad capaz de transformar en héroe a un asesino psicópata". Una obra maestra sobre la maldad que anida en el alma de personas anónimas.

La película se beneficia además, de actuaciones memorables : Robert De Niro que se transformó en el alter ego de Scorsese, Harvey Keitel que con los años mostró toda la fuerza casi animal para desarrollar personajes complejos, la sutil Cybill Sheppard que venía de algunos éxitos con Peter Bogdanovich; y la preciosa Jodie Foster cuando aún era una incipiente actriz adolescente.

Nueva propuesta de afiche para la famosa película.

George A.Romero.

"Martin". ¿ Cómo convertir los esquemas básicos de un cuento gótico de vampiros en algo superior ? Este esfuerzo singular demuestra que, Romero aprecia los espacios cerrados para analizar al hombre en sus momentos más íntimos y extremos. Un magnífico relato de vampirismo desde la perspectiva de un joven que se desangra entre el deseo carnal y la fé.

Una gran película B hecha con talento narrativo y buenas dosis de gore.

Francis Ford Coppola.

"La ley de la calle"/"Rumble fish". Sobre la novela de Susan E.Hinton, una obra maestra en toda su regla. Una emocionante historia sobre jóvenes marginales que buscan una razón para vivir. En este caso Matt Dillon, es el hermano menor y Mickey O"Rourke el mayor, que viene de vuelta de todo y de todos. Gran relato que todavía nos hace preguntarnos ¿ Cuántos Dillon y O"Rourke existen en nuestros países ?

La simbología casi poética, en una de las secuencias antológicas que tiene este filme.

Afiche original de la película.

"Los desalmados"/"The outsiders": Coppola rodó esta otra historia de Susan E. Hinton, a sugerencia de unos alumnos del high school. Reunió a actores jóvenes de carreras emergentes y logró otra de sus obras maestras. Como siempre, la juventud marginal, retratada desde el lado más romántico y realista. Grandes actuaciones, una modélica forma de trabajar la edición y el relato y un inolvidable casting, transforman esta película en una obra clave para entender el cine de Coppola.

Tom Cruise, Rob Lowe, C.Thomas Howell, Ralph Macchio, Matt Dillon, Emilio Estevez y Patrick Swayze.

Afiche original de la citada película.

Paul Haggis.

Crash : Vidas Cruzadas. Ganadora del Oscar al Mejor Guión Original, es un relato atípico desarrollado a lo largo de las 36 horas más agitadas, en la vida de un grupo de habitantes de la populosa ciudad de Los Angeles en California. El filme elaborado en clave de thriller urbano, le sigue la pista a un hombre asesinado, cuya investigación transcurre con la solapada pesquisa de un policía de color ( Don Cheadle ). La pista obliga a conocer a un puñado de personajes, cada uno con sus propios vaivenes existenciales e interpretados por : Brendan Fraser, Sandra Bullock, Matt Dillon, Ryan Philippe, Thandie Newton. Este tejido social se construye sobre la base de la incertidumbre, los miedos, rencores, celos, sospechas y castigos, para resolverse en la escena del perdón, de la redención accidental y de la tolerancia amorosa. Obra maestra del cine moderno.

El extraordinario elenco de esta película modélica.

Danny Boyle.

"Millones" /"Millions". Un cuento infantil para comprender con que frescura, Boyle puede desmarcarse de sus temas esenciales, para enfrentar con absoluta personalidad, una historia sorprendente, y darle cuerpo y alma. Detrás de esas sutilezas como la aparición reiterada de los santos y las elipsis para graficar cómo ha sido uno de los robos del siglo, justo en momentos en que Europa cambia de moneda, se esconde un magnífico narrador conciente de los nuevos recursos expresivos que tiene el Cine.

El pequeño actor Elex Etel comenzó una carrera con esta película.

Jim Jarmusch.

"Flores Rotas" /"Broken Flowers". ¿ Cómo ordenar una vida rutinaria, cómoda, solitaria y en el vacío ? La respuesta la tiene esta brillante película, interpretada por Bill Murray, Julie Delpy, Jeffrey Wright, Sharon Stone , Frances Conroy, Jessica Lange, Chloe Sevigny, y Alexis Dziena. Es un viaje buscando respuestas de una carta misteriosa que parece atribuírle una paternidad. Sutiles detalles cubrirán la travesía del personaje, que Jarmusch se encarga de robustecer con simbólicas apariciones, como una bata rosada, una joven desnuda, una foto antigua, un compilado de música alternativa y la perspectiva de una carretera infinita.

En el reencuentro con sus cinco mujeres, Murray aprenderá más de la vida que quedándose en casa disfrutando rutinariamente de su televisor plasma.

Afiche americano de la citada película.

Alex Cox.

"Walker, el invasor". Rodada en Nicaragua con el apoyo del gobierno sandinista, integra la epopeya histórica, el relato político, la sátira, y el western a la italiana. Un filme polémico en su época, que toma como punto de partida la curiosa vida de un mercenario estadounidense, que a mediados del siglo XIX terminó autoproclamándose presidente de ese país centroamericano. Historia sangrienta y atemporal, pues aparecen alusiones irónicas a la revista Time, a la Coca Cola y al rock, es un ejemplo de relato experimental acomodaticio a los valores y principios artísticos de un auténtico outsider del cine.

El anacronismo en Walker, con una botella de una bebida gaseosa y una cajetilla de cigarrillos famosos.

Poster de la polémica producción.

Spike Jonze.

"Her". Al comprar un nuevo modelo operativo basado en la inteligencia artificial, un hombre solitario se enamora de la voz de su interlocutora, estableciendo una relación romántica casi surrealista. Nueva recreación sobre el futuro cercano a las máquinas y la cibernética ( algo que vimos recién en "Ex - Machina" ), pero que tiene un componente emocional que la hace inolvidable. Gran actuación de Joaquín Phoenix y la voz sensual de Scarlett Johansson. Película insólita, extraña, intensa, sobria, elegante y admirable.

Sugestivo afiche de la película de Spike Jonze. Alguna vez, podría ocurrir un caso así, en un futuro cercano.

Terrence Malick.

"El árbol de la vida"/"The Three of life". Ambientada en Texas de los años 50, es la historia de una familia con un padre autoritario y una madre sensible, que permite ampliar los efectos temporales desde los inicios de la Vida en la Tierra. Inclasificable experiencia audiovisual, se recomienda verla en pantalla grande, ya que contiene uno de los más grandiosos trabajos de fotografía de este siglo, a cargo del profesional mexicano Emmanuel Lubezki. Actúan : Brad Pitt, Jessica Chastain, Sean Penn, Fiona Shaw y los niños prodigios, Tye Sheridan y Laramie Eppler. Obra maestra.

Gran poster para una obra mayor del cine actual.

A. J. Edwards. Se inició en el cine como consultor artístico y editor del director Terrence Malik ( "El árbol de la vida"; "To the Wonder"; "Knights of Cup"), para pasar luego a la dirección, con la hermosa recreación de la infancia de Lincoln, "The Better Angels" ( 2014 ), que está producida por Malik y rodada en blanco y negro. Por su trazo poético y su original forma de narrar, ha logrado establecer un inicio prometedor como cineasta. En estos momentos, rueda el drama criminalístico "Friday Child", que se estrenará durante el 2017.

The Better Angels. ¿ Habrá algo más lúcido que una película en blanco y negro, contada a la manera de los grandes clásicos épicos ? Esta película lo es. Significativamente, puede ser un riesgo muy grande que Edwards logra superar, cuando decide narrar la infancia de Abraham Lincoln ( Braydon Denney ) en los campos de Indiana en 1817, con una extraordinaria manera de potenciar el ritmo narrativo, gracias a un estupendo montaje, y adicionarle una fuerza emocional que asombra por su poder lírico. Ello debido a una grandiosa fotografía y una extraordinaria forma de manejar el ritmo narrativo y las voces en off. En efecto, se trata de un relato poético, más cercano a la Tierra y a la Naturaleza, con una mirada casi panteísta, con esos rasgos que cultivó en otros tiempos, el genial King Vidor. La triada Hombre- Madre- Naturaleza, funciona entonces, como nexo y motor dramático, para subrayar los hechos que vivió el estadista norteamericano, con la templanza y la capacidad de elevar la figura del niño-símbolo de la abolición de la esclavitud, desde la perspectiva teologal, cristiana y humanista.

El descubrimiento de la lectura y su afición a ser algo más que un simple campesino, llevó a Lincoln a estudiar abogacía. La película subraya de manera ejemplar, que la madre del chico siempre tuvo el pálpito que su hijo iba a ser un personaje muy relevante para el país.

El amigo de 18 años de edad que inicia el relato, considera también la llegada de una nueva madre para la familia Lincoln, después que, dos de sus seres más queridos, murieran infectados por un virus. El filme se beneficia de la pulcridad para narrar la historia, pero sobretodo, de la recreación de época.

Un momento del rodaje, con la actriz Diane Kruger y el niño actor Bradley Denney.

Estrenada en Estados Unidos en circuitos restringidos, la película recibió entusiasmantes críticas de los especialistas y puso en relieve el pasado infantil desconocido de Lincoln.

Aviso promocional de película que considera las críticas de los entendidos.

Fotos- Gentileza : 20th. Century Fox- Columbia Pictures- Walt Disney- Pixar- Variety-Warner Brothers Pictures- Universal Pictures- Chiller Films- Paramount Pictures- Archivo.-