Séptimo 7 sello: ENTRE EL CINE B Y LA PRODUCCION INDEPENDIENTE :

Pequeñas Grandes Películas.

¡ Escóndanse que llegó "The Babadook"! Una fiel representante del cine B de terror contemporáneo. Analizamos algunos directores y películas en formato independiente.

___En el cine es recurrente que, los buenos artesanos no hayan sido valorados en su momento, hasta mucho después, cuando sus obras han decantado en pequeñas obras maestras o películas de indudable interés artístico.
Por eso, es motivo de redescubrimiento, las obras más significativas de este tipo de películas, efectuadas al amparo de equipos de serie B, de filmación rápida, actores y no superestrellas, modestos presupuestos y una garantía de temas más significativos, desarrollados con extrema pulcridad, en base a guiones que se atreven a explorar con madurez creativa y sin mayores riesgos económicos.
De todo aquello y más, preparamos esta nueva entrada de "Séptimo7Sello", como una manera de reconocer a aquellos realizadores independientes del cine actual, y de valorizar a los artesanos B que existieron durante la época del "star system" americano, cuando los grandes productores tenían el dominio del negocio.

Elliot Silverstein : Artesano Multifuncional.

Recordando la filmación de "Cat Ballout".

____Director y productor del cine norteamericano ( nacido en 1927 ), que se formó en la televisión dirigiendo capítulos de series famosas como : "Dr. Kildare", "Ruta 66", "Naked City" y "The Twilight Zone".
Su filmografía comprende sólo seis largometrajes.
Su debut en el cine, se produjo con la refrescante : "Cat Ballou: la Tigresa del Oeste" ( Cat Ballout", 1965), reescritura en clave femenina del universo del far west, contada en función de un par de juglares ( uno de ellos, Nat King Cole, nada menos ), que entonan unos temas "folk", muy a propósito de una historia sobre una mujer joven, independiente, osada, valiente, peligrosa y renegada, que asume la justicia por sus propias manos ( la hermosa Jane Fonda ).
¿ Habrá algo más sexy que ver a Jane Fonda en "blue jeans" disparando su arma como si fuera Clint Eastwood ?
Sí, y es ver a Lee Marvin convertido en una "leyenda", alcohólica y marginal, denostado por unas copas de más y acentuando la ironía de su personaje con una notable capacidad expresiva.
Vestido como si se tratara de una estrella del rodeo, se lleva los mejores "gags", porque aparece totalmente excedido, simpático y cómico.
Se trata de una sátira candorosa, original, rupturista y moderna, que recompone el horizonte del "far west", con los trozos de una borrachera celestial.

Jane Fonda como "La Tigresa del Oeste", una magnífica sátira que recompone el rol de la mujer en el universo del western.

"Un hombre llamado caballo", un western pro-indigenista, que contrapone las tradiciones aborígenes con la invasión del hombre occidental.

Richard Harris en medio de la tribu en "Un hombre llamado caballo".

"El Auto" : James Brolin enfrentando el mal inexplicable.

___ Retomó el universo western, con el discurso pro-indio de : "Un hombre llamado Caballo" ( "A Man called Horse", 1970) , visión antropológica acerca de un blanco en tierras aborígenes, que contaba con unas excelentes interpretaciones de Richard Harris y Judith Anderson.
Detrás de su discurso en favor de las causas indigenistas, hay una interesante mirada que muestra el choque de dos culturas, y la toma de razón del colonizador desde el sacrificio, el dolor y la renuncia.
La película se beneficiaba de su tono progresista, su maravillosa fotografía y la vigorosa manera de encarar un material complejo sobre el mundo tradicional.
Entre todas las películas que efectúo en esos años, también rescato una película de terror : "El Auto" ( "The Car", 1977 ), que pasó sin pena y gloria por la cartelera. Pero hay que revisitarla porque no es "una del montón", como se le trató en su momento.
Hasta un poblado del desértico Arizona, llegan los ataques de un extraño automóvil negro, que elimina paulatinamente todos los transeúntes que se le colocan en su camino.

El ataque fortuito en medio del ensayo escolar.

En las puertas del cementerio, el auto sencillamente no se atreve a ingresar.

___ Antecedente directo del "Duel" ( 1974 ) de Spielberg, es una atractiva y novedosa cinta sobre la presencia del mal en un pequeño pueblo del Oeste.
James Brolin es el orgulloso padre de dos hijas, que trabaja de policía de carretera y comparte sus relaciones amorosas con una profesora de música.
La muerte de dos adolescentes atropellados por un automóvil negro, blindado, sin marca o registro conocido, desencadenará una serie de eventos demenciales, que pondrá a su oficina en una inagotable espiral : el choque pirotécnico de sus colegas; la muerte atroz de un joven músico, el ataque a unos niños en las cercanías de un cementerio, o la sorpresiva desaparición de un ser querido.
Silvesteirn no filma los eventos como si se tratara de golpes efectistas porque se da tiempo para analizar las interrelaciones de sus personajes.
Hay gestos y silencios en las escenas dialogadas, mucho trabajo técnico con el recurso wellesiano de la profundidad de campo y un estudio de caracteres de notable realismo.
Toda la secuencia de Brolin y su pareja jugando en la cama, o despertando a sus hijas, remite al mejor Cassavetes.

Las primeras víctimas.

La fuga sorprendente.

___ La música de Leonard Rosemann ("Rebelde sin causa"; "Al este del paraíso" ) es de lo mejor, con visos a Herrman de Hitchcock, una fotografía espectacular que aprovecha los espacios y la arquitectura natural del desierto; y un montaje encendido al máximo, sobretodo porque se prodiga en planos detalle de magnífica efectividad.
En este sentido, toda la escena de Brolin enfrentando cara a cara por primera vez, a su invisible oponente en la carretera, cuando éste se detiene y le lanza un portazo que lo deja inconciente, está muy bien ejecutado por Silverstein. Pero hay más.
Nótese la economía de recursos cuando filma los ataques sorpresivos del auto.
Un reflejo del sol a la distancia; el polvo que se levanta en un camino de tierra; el tronar ensordecedor de su claxon; el premonitorio cambio climático cuando el espíritu maligno ataca a sus víctimas, las sucesivas "pistas" que la narración desperdiga para elaborar sus climaxs, como la angustiante y soporífera tensión in crescendo, y en fin, los funestos atropellamientos en casa de la chica, están estructurados con solvente eficacia y nervio.
Además, la película tiene un ritmo narrativo intenso, vertiginoso y crepuscular.
Simplemente es una película B, hecha con magnífica artesanía y excelente actuaciones.

James Brolin en sus años mozos, gustaba correr en motocicleta.

Ronny Cox, James Brolin y John Marley en una escena de la película "El Auto".

Kathleen Lloyd defendiéndose del ataque mortal.

El característico R.G.Armstrong.

Conozcamos el elenco de "El Auto" en detalle.

James Brolin ( nacido en 1940 ) : un actor que hizo su carrera en la televisión en series como : "Marcus Welby M.D.", "Hotel", "Extreme" y "Pensacola : Wings of Gold".
Su hijo es el actor Josh Brolin ( "Sin lugar para los débiles" ), que está muy bien avaluado y que le sigue los pasos a su padre, con mejor fortuna en el cine.

Kathleen Lloyd ( nacida en 1948 ), una gran y promisoria intérprete, muy versátil y natural, que hizo películas B y "Duelo de Titanes" ( "The Missouri Breaks" , 1976 ) un western crepuscular de Arthur Penn, junto a dos grandes : Marlon Brando y Jack Nicholson.
El mitómano la puede descubrir en series como : "Ironside", "Toma", "Centro Médico", "Harry O", "El Hombre Increíble", "Simon & Simon" e "Hill Street Blues".

También está Ronny Cox ( nacido en 1938 ), considerado uno de los grandes actores de carácter estadounidense, por películas como : "Deliverance" ( 1972), "Esta tierra es mi tierra" ( 1976 ); "Más allá del Honor" ( 1981), "Un detective suelto en Hollywood" y "El Vengador del Futuro" ( 1990), se dedica actualmente, casi en exclusivo, a actuar en series de televisión en la línea de : "Stargate", "Dexter" y "Mr.Sunshine".

Completan el elenco : John Marley ( "El Padrino", "Love Story" ), R.G.Armstrong ( "Pistoleros al atardecer"; "El Dorado", "The ballad of cable Hogue" ), Roy Jenson ( "Chinatown", "Telefon" ) y las hermanas prodigios Kim y Kyle Richards.
Recuerdo asistir al estreno de la película en el desaparecido "Cine Astor" de mi ciudad, con unos compañeros de "high school".
Ibamos por "Star Trek" de Robert Wise, en un programa doble.
Pero fue tal impacto que "El Auto" produjo en nuestras mentes jóvenes, que después incentivamos a todo el curso a que acudiera a verla.
Fue una sorpresa inolvidable. Un filme B que todavía revive en las funciones caseras de la medianoche.

Herbert Brenon : Un cineasta injustamente olvidado.

De origen irlandés, Brenon es un director en las tinieblas para reconsiderar.

__ La Historia del cine está lleno de asteriscos vacíos, puntos suspensivos y relatos no contados de artistas y cineastas que el tiempo sepultó en el olvido.
Cuando el star system se instituyó en Hollywood, para imitar la fabricación en serie de los autos Ford, fue siempre normativa, que los productores se sintieran muy satisfechos con la organización del trabajo controlado, con el rodaje en los grandes estudios de las majors, a costa de sacrificar la realidad inmediata y hacer prevalecer la magia y el encanto de la primitiva técnica de los pioneros.
Era común, que la labor de los realizadores fuera considerada, como parte de un engranaje lo suficientemente efectivo, para hacer prevalecer casi exclusivamente, los rostros y las figuras de las grandes estrellas.
Había magníficos realizadores que provenían de los primeros tiempos de la llamada Era de los Estudios, que se originaron en la práctica conciente de la profesión - como John Ford, Howard Hawks, Raoul Walsh, Cecil B.De Mille, Henry Hathaway y Charles Chaplin; y otros que, sencillamente, prevalecían en segundo orden de prioridades dentro del denominado "Cine B", hecho con rapidez, olfato, y buenas intenciones; y que pudieron suplir la falta de recursos económicos, con ingenio y perseverancia.
Ya nadie recuerda que, un artesano modelo como George Melford, rodó a Valentino en su mayor éxito: "The Sheik" ( 1921) y que fue uno de los 26 fundadores de la "Motion Pictures Directors Association", o que el olvidado Clarence Badger, un especialista en comedias románticas ligeras, fue el artífice de la mejor película que hizo Clara Bow como sex symbol, "It" ( 1927), cuyo título sirvió de propaganda para denominar "Eso", que transformó a la chica en la figura icónica de la Era del jazz y de los años locos.
Entre aquellos directores de prestigio olvidados que lucieron en películas emblemáticas, destacamos el nombre de : Herbert Brenon ( 1880-1958), de origen irlandés y autor de la primera adaptación de "Peter Pan".
Educado en Londres, estuvo quince años trabajando en teatro como actor y como director de escena, antes de dedicarse a la realización en el cine.
Debutó con el corto romántico inglés : "All for her" ( 1912 ), que también actúo y de la que no quedan mayores registros.
Hizo su primer largometraje en 1916 : el drama bélico "War Brides" con Alla Nazimova, Charles Hutchinson y Charles Bryant.
Y se despidió de la profesión, con el thriller: "The flying squad" ( 1940), interpretado por Sebastián Shaw, Phyllis Brooks y Jack Hawkins.

El realizador con la actriz Alla Nazimova en el set de su primer filme : "War Brides" ( 1916 ).

Kay Francis y Ricardo Cortez en "Trasgression" ( 1931 ), melodrama de Brenon en los albores del sonido.

Lon Chaney en brazos de una jovencísima Loretta Young en "Laugh Clown, Laugh".

Otro filme olvidado de Brenon : "A kiss of Cinderella", una revisión al clásico cuento de "La Cemicienta".

Mary Brian es Wendy y Betty Bronson es "Peter Pan" , la primera versión de cuento de Barrie.

___ La filmografía de Brenon, considera 128 películas de distintos géneros, lo que demuestra su versatilidad, aunque le acomodaban mejor, las comedias y las adaptaciones de los clásicos literarios y teatrales.
Se cuenta que, con la irrupción del sonido se inhibió tanto del cine, que "fue borrado de muchas listas de personal : ni la enciclopedia de cineastas de Andrew Sarris, ni la de Richard Round lo mencionan".
Y eso, pese a que efectúo algunas películas exponenciales, tanto sobre la versión hollywoodiense del mundo heroico - el "Beau Geste" ( 1926) de Ronald Colman-, como de los años veinte americanos - "Dancing Mothers" y "El Gran Gatsby" / "The Great Gatsby" ( 1926 )-, las tres para PARAMOUNT en 1926.
Dirigió a Lon Chaney en la estupenda "Laugh, Clown Laugh" ( 1928 ), que le permitió subrayar la tremenda capacidad física y sicológica que tenía el "actor de las mil caras" para ahondar en el dramatismo y la desolación.
De la misma data, es la maravillosa "A kiss for Cinderella", sobre la obra de James M.Barrie, con Betty Bronson, que ya había llamado la atención con la grandiosa versión muda de "Peter Pan".
Recuperada por el DVD/Blu-Ray: "Peter Pan" ( 1926), tiene la virtud de contar el mágico relato de Barrie, considerando fielmente su origen teatral, aunque sin desestimar, una puesta en escena espectacular al estilo Hollywood.
La película está protagonizada por una pandilla de niños prodigios, aunque el papel central de Pan, lo desempeñó la olvidada comediante Betty Bronson.
El relato integra a todos los personajes de la Tierra del Nunca Jamás, y logra trascender por su variado tacto para integrar, el interés de un cuento hecho para niños y para adultos con corazón infantil.
Sin duda, constituye una auténtico hallazgo cinéfilo, porque revela el buen desempeño de Brenon, para trabajar sobre la base de la técnica de la época , con la cual logra crear efectos antológicos - como los que recrean a Campanita y al Cocodrilo- , y revela hasta que punto el cine, había madurado en su propio lenguaje.

De perfil, la actriz Betty Bronson caracterizada como Peter Pan.

El prodigio Phillippe de Lacy en "Peter Pan".

Las sirenas de la citada producción de Brenon.

Primera versión de "El Gran Gatsby". No está íntegra.

___ También dirige "Beau Geste" ( 1926), escrita por él mismo y John Russell y que respeta la obra de Percival Christopher Wren, base del guión de Paul Schofield, y estelarizada por dos megaestrellas : Ronald Colman y Noah Beery.
Rodada en el desierto de Arizona, constituye una verdadera superproducción donde participan cientos de camellos y cerca de dos mil jinetes.
Estrenada con gran expectación en el Criterion Theatre de Nueva York, recibe los mayores elogios de la prensa especializada y los parabienes del público, que acude en masa a verla.
El filme origina dos secuelas : "Beau Sabreaur" ( 1928) de John Waters y "Beau Ideal" ( 1931), nuevamente dirigida por Brenon.
Sin embargo, la versión de Gary Cooper realizada con gran solvencia por William Wellman, es la más conocida.
Más adelante, Brenon regresó a los estudios londinenses para filmar: "Royal Cavalcade" ( 1935), un documental para conmemorar los 25 años del Reinado de Jorge V.
En su última etapa, efectúo principalmente comedias de tono familiar y romántico, como "Yellow Sans" ( 1938), una de las raras aparicioners de la actriz teatral Marie Tempest; y "Black Eyes" ( 1939), un drama romántico con el inefable Otto Kruger como hombre de negocios y Mary Macguire como el amor de su vida, en la Rusia zarista anterior a la Gran Guerra.

Jeniffer Kent : Ha nacido una Directora.

Las antologías del cine de terror ya tiene una nueva realizadora en sus huestes.

Inocencia interrumpida en el umbral del abismo.

__ De la última camada de nuevos directores surgidos al amparo del cine de terror, el nombre de la actriz, guionista y directora australiana Jeniffer Kent, tal vez, no le signifique nada al espectador actual.
Todos comienzan en el más brutal de los anonimatos.
Unicamente, sus obras hablan por ellos.
En este caso, "The Babadook" ( 2014 ) viene a constituírse en toda una excepción a la regla del thriller sicológico y de terror.
No ya porque alcance a sostenerse en hora y media con una simpleza en lo formal, que no es tal.
Sino porque sencillamente, logra aclimatar todo el drama de una mujer solitaria, su pequeño hijo y la casa en que se ha enclaustrado.
Hay algo de "El Inquilino" de Polanski, un poco de "El Resplandor" de Kubrick, en cuanto a encierro mental y físico, pero sobretodo, una magnífica manera de trabajar la angustia asfixiante de la rutina diaria de llevar una casa, los hijos y el trabajo, como no se veía hace tiempo en el cine actual.
Detrás de este trabajo, además, se asienta la carrera de una mujer.
Se trata de su debut en el largometraje. Un auspicioso trabajo, metódico, comedido, visceral, emotivo, tenso, redondo en la medida geométrica correcta.
Con una notable economía de recursos, - tan sólo un set exquisitamente diseñado y que remite a la casa de dos pisos, oscura y lúgubre-, Jeniffer Kent se atreve a diseccionar los traumas femeninos de una mujer de estos tiempos convulsos.
Puede que el formato le acomode muy bien para manejar un equipo de producción pequeño, a la manera de los clásicos B, y logre transmitir un mensaje, que es también un estilo, una estética, y en sentido a los punteros del reloj, un avance sustancial para los miles de propuestas fallidas que existen en el cine B.

Defendiendo a la madre con la pureza de la ingenuidad infantil.

Uno de sus logros : las atmósferas en el diseño realista de la casa.

La lectura nocturna que se torna una pesadilla.

___ "The Babadook" habla de los temores inconcientes del hastío de la rutina hogareña, de los fracasos del pasado, de las angustias y traumas accidentales, pero también de la enajenación mental, que nos somete vivir en mundos fracturados.
Es una película sobre la corrupción de la mente y del espíritu... y que sólo se remedia con la pureza de nuestros hijos.
De alguna manera, el filme prolonga con acierto los leit motiv de Hitchcock, las metáforas degenerativas de Polanski, los desquiciamientos morales de Romero y Carpenter, y las angustiantes atmósferas de los filmes de terror de la factoría RKO de los años cuarenta y cincuenta.
A su modo, este pequeño filme B de terror, nos deja muy en alto el esperanzador oficio de hacer cine, porque hay algo interesante que contar con un estilo embriagador y si ser apabullante.
Lejos de efectismos baratos atiborrados de parafernalia conformista y mercantilista, "The Babadook" nos trae el soplo refrescante del trabajo narrativo perfecto, las actuaciones ideales y los logros estéticos de significación ética y sicológica a la altura de los grandes maestros.
No la dejes pasar por alto. Más aún, tómatela como un deber ir a verla, disfrutar de ella y compartir la experiencia entre los amigos cinéfilos.

Terror infantil y ansiedad compulsiva adulta, mezcla la premisa de esta interesante película.

Essie Davis como Amelia, la madre obsesiva.

Noah Wiseman, es el hijo protector invadido por el monstruo del libro oscuro.

___ Conozcamos el elenco central de "The Babadook".

Essie Davis es Amelia, la madre.
Nacida en 1970 en Hobart, Tasmania, Australia. Ha hecho una carrera como actriz y productora. Está casada y tiene dos hijos.
Entre sus actuaciones, principalmente secundarias, se recuerda su intervención en filmes como : "The Matrix : Revoluciones" ( 2003 ) "La Chica de la perla" ( 2003 ), el biopic sobre el pintor Vermeer, junto a Scarlett Johansson y Colin Firth; "La Telaraña de Charlotte" ( 2006) con Dakota Fanning ; "Australia" ( 2008 ) con Nicole Kidman y Huck Jackman y "La leyenda de los ganadores" ( 2010).
Sin duda que su actuación en "The Babadook" eleva su carrera, porque no sólo efectúa un rol estelar memorable, sino que, además se da el lujo de transitar por los diferentes estadios mentales de una mujer invadida por el terror, la soledad y la angustia.

Noah Wiseman es el pequeño Samuel.
Debutó en el corto "The Gift" ( 2013 ), un thriller dirigido por Lucy Gaffy.
En "The Babadook" , su primer largometraje, logra transformarse en el soporte emocional de una madre compulsiva invadida por el monstruo del miedo.
Con apenas nueve años, este chico parece iniciar una prometedora carrera en el negocio de las películas. Pasta le sobra. Ganas, también.

Matías Bize : La Mirada Independiente.

El realizador cámara al hombro.

El corto "La gente está esperando".

El primer largo "Sábado".

"En la cama" con Blanca Lewin y Gonzalo Valenzuela.

___ Si hubiera que definir la palabra "independiente", como el director capaz de integrar una mirada novedosa y original al panorama latinoamericano del Cine, entonces estamos en lo cierto, que el cineasta chileno Matías Bize es el más puro de sus representantes.
Puro en la dirección de impedir someterse a los cánones del cine comercial más utilizados para vender películas.
Original, en la forma de traducir en imágenes un universo absolutamente personal, intimista, visceral, naturalista, autorreferente, y muy cercano al cine humanista que profesó King Vidor, pero que, en lo estético, debe más al cine francés de los años sesenta en la línea de Eric Rohmmer.
Bize es a todas luces, el director más alabado de la última generación de realizadores nacionales, y que sólo comparte la gloria con su coterráneo Pablo Larraín.
Hay en su filmografía un crecimiento en la búsqueda de sus temáticas más recurrentes. Pero también una afirmación respecto a una estética, y una manera de entender el lenguaje fílmico, sin caer en sicologismos baratos, clichés al uso, o insinuaciones erráticas de genialidad espúrea.
Yo tuve la suerte de conocerle por accidente, cuando intentamos con unos colegas de la Universidad Católica del Maule efectuar el primer Festival de Cortometrajes de Talca.
Entre todos los trabajos que recibimos en aquellos años, en VHS, como era la norma ( porque aún no existían los DVD ), nos impactó la naturalidad de sus primeros cortometrajes, "Carola y Max" ( 1999) y "La gente está esperando" ( 2000), estelarizados por sus intérpretes fetiches: Blanca Lewin y Víctor Montero.
Una pareja en su hastío y monotonía, se desnuda sicológicamente frente al espectador. Ellos van al altar... cosa curiosa. ¿ Que tanto se puede esperar de dos personajes ?
Bize muestra su interés en los diálogos inteligentes, los silencios, la rutina del diario vivir y los temores de aceptar unirse a otro, por amor o conveniencia.
Después efectúa el primer largometraje que salió de áquél, "Sábado: una película en tiempo real" ( 2003 ), con Blanca Lewin, Victor Montero y Antonia Zegers, para diseccionar la vida de una joven que, al momento de casarse, se entera que su novio le ha sido infiel. El registro de una hora que obtiene un camarógrafo en tiempo real, se acentuará cuando la chica busque la venganza.
La película obtuvo los mayores reconocimientos en el Festival de Mannheim en Alemania, y paradojalmente, el financiamiento para realizar su siguiente película : "En la cama" ( 2005 ), con Blanca Lewin, Gonzalo Valenzuela, Antonia Zegers y Juan Pablo Miranda, una especie de radiografía de cómo nos comportamos en la intimidad, en medio de la rutina de dos desconocidos que pueden encontrarse y tolerarse hablando sobre los distintos temas que a Bize le interesan.
Aunque se supone, jamás volverán a encontrarse, lentamente mostrarán su pasado y su propia intimidad gracias al amor que los cambiará definitivamente.
El filme que obtuvo la Espiga de Oro en el Festival de Valladolid en España, está rodado con un equipo de doce personas, transcurre en un espacio único : el cuarto de un motel, y demoró seis meses de rodaje y cuatro de ensayo.
Conoció un interesante remake elaborado por el cineasta español Julio Medem.
La película ha obtenido más de treinta premios internacionales y la revista francesa "Cahiers du Cinema", calificó a Bize como "el cineasta más prometedor del cine chileno".

"Lo bueno de llorar".

"La vida de los peces".

___ Su cooperación en el filme colectivo "Juego de Verano" ( 2005 ), dió paso al drama "Lo bueno de llorar" ( 2006 ) con Alex Brendemühl, Vicenta N"Dongo y Eloi Yerbra.
Es una coproducción española- chilena que logró el premio Especial del Jurado y el Premio de la Crítica en el Festival de Valdivia.
Después, rueda su primer filme de cátedra, "La vida de los peces" ( 2010), donde disecciona el regreso de un Santiago Cabrera que se da vueltas y vueltas en los recuerdos de su pasado, para recomponer el viejo amor de su juventud, Blanca Lewin.
Nótese los recursos expresivos que Bize utiliza con inteligencia y sagacidad : los espacios cerrados como premisa estética, y las conversaciones face to face, para desnudar el alma de sus personajes, todos en vías de recuperar o perder algo, o que vienen de vuelta de muchas cosas, sin tener en qué enraizarse.
Anuda los conflictos con la suficiente cordura y determinación, como para analizar a fondo los cambios generacionales y culturales que afectan al hombre contemporáneo.
Nada escapa a su mirada independiente : viejos resabios de complejos no asumidos, traumas edípicos, angustias silenciosas, quebrantos rutinarios, reflexiones soterradas por el minimalismo de sentirse parte de un mundo, donde la claustrofobia y la ansiedad, priman como motores sin frenos.
El filme ganó el Goya a la Mejor Película Hispanoamericana.

Bize y los actores de "La Memoria del Agua".

Dirigiendo a Benjamín Vicuña en la citada película.

Desde el dolor y el complejo de culpa, reconstruyendo una relación amorosa sustentable.

___ Con "La Memoria del Agua" ( 2015 ), Bize regresa al drama de resonancias sicológicas y fluctuaciones románticas. Es la historia de una pareja ( Elena Anaya y Néstor Cantillana ), que debe superar la muerte trágica de su hijo, para recomponer su relación y salvar el amor que les queda.
La película insiste en dibujar los conflictos, quiebres y reencuentros sentimentales con la pincelada del tarxidermista, que disecciona sus piezas una a una para, a partir de allí, construír una compleja radiografía sobre las relaciones de pareja.
Su estilo da preponderancia a los sentimientos humanos más profundos, atisbados en primeros planos y encuadres cerrados, que devienen en una constante autoral, atribuíble a un cine de planteamiento sicológico y antropológico, en la medida de trazar el "paisaje de los sentidos".
El sexo, el amor, la familia, las relaciones de pareja, la amistad, la nostalgia, el viaje, el sueño, la pesadilla, el dolor, la rabia, el cariño, la simpatía, la anomalía, la disgregación, la neurosis, la desesperanza, el despertar y la recuperación, forman parte de un abanico de inquietudes autorales desperdigadas en guiones modélicos y con una estética siempre a la altura de los rostros.
Su cine libera los fantasmas del pasado, pero nos atan a la incertidumbre del futuro.
Nada de lo que hablan sus personajes huele a prefabricado, porque de la compleja alianza que existe entre el análisis sicológico y humano, Bize acomoda las piezas de su juego autoral, hasta transmutar una certera estocada de vitalidad, en una obra de resonancias y valores ocultos.
Se trata, por cierto, del director chileno más consecuente con un estilo pulcro, transparente y realista, que nos condiciona a profundizar en la conciencia del ser humano.

Panorama Independiente.

He aquí algunas películas del cine anti-taquilla que pululan en DVDs y Blue Ray para que las tomes en cuenta.
Hay de todos los calibres y que abordan las temáticas más diversas.
Si te animas, hasta las verás con un sesgo de obstinación y te preguntarás...
¿ Cómo lograron rodar cosas tan interesantes y con un mínimo de presupuesto ? Cassavettes nos diría, el secreto está en lo que cuentas.

"Rachel Getting Married" de Jonathan Demme. El realizador de "Melvin & Howatd" y "El Silencio de los Inocentes" se descuelga de los referentes del movimiento "Dogma" y rueda con cámara digital, el drama de una "yonker", que dos años antes, mató a su hermanito en un accidente. El relato parte desde la salida del Centro de Rehabilitación de la muchacha, para centrarse en un fin de semana en la casa de su familia, donde se ultiman los preparativos de la boda de su hermana mayor, Raquel. Película de personajes con la estupenda actriz Anne Hathaway, que se pasea por los vericuetos de los complejos de culpa y las desaveniencias familiares ( Debra Winger interpreta a la madre de la chica y tiene una escena realmente dramática con la Hathaway). Recomendable.

"Donde Viven los Monstruos" /"Where The Wild Things Are de Spike Jonze. Adaptación del cuento infantil de Maurice Sedak, que logra una refrescante y novedosa historia de crecimiento, traumas y aflicciones sobre un niño marginado por su familia. A través de los "muppets" de un árido y reseco bosque australiano, Jonze crea una sabia metáfora que integra temáticas referentes a la severidad adulta, la vulnerabilidad infantil y la incomprensión entre padres e hijos debido a la incomunicación. Sin duda, un título muy estimable, a tomar muy en consideración.

"Maridos"/"Husbands" de John Cassavetes. Doce películas alcanzó a rodar el director neoyorquino John Casavetes ( 1929-1988), construyendo una de las carreras más originales, atípicas, rupturistas, personales y sinceras de la historia del cine independiente. Debutando en 1970 con "Husbands", nos dibuja un sólido retrato acerca de un trío de entrañables amigos, que, en distinta situación, apoyan a uno de ellos frente a la crisis de su matrimonio y le acompañan a Londres en un viaje de "desahogo" estableciendo relaciones con chicas de distinto origen. Con objetivismo naturalista, y un acertado uso del close up, Cassavetes acondiciona su mirada a un estilo muy singular. Desde la larga secuencia del funeral de uno de ellos, a la irrupción en la casa de la esposa frustrada, y el posterior "tour" intimista por Inglaterra, Cassavetes efectúa una contundente radiografía sobre el comportamiento masculino respecto a la mujer. Esposos melancólicos de vida apacible y cómoda, manifiestan traumas y aprehensiones que sólo saldrán a flote, hacia el desenlace, exteriorizando las complejidades de la raíz humana. Grandes actuaciones de : Peter Falk, Ben Gazzara y el propio director.

"Quémese después de leerse" /" Burn After Reading" de Ethan & Joel Coen. La información secreta de un agente en retiro, desentraña una serie de enredos y tribulaciones surtidas. En la película abundan los diálogos, un montaje paralelo funcional y la construcción febril de los distintos caracteres de sus personajes. Su tono irónico y destemplado se agudiza en la constatación de destruír el orden en que vive un puñado de personajes. Interesante como propuesta, sin llegar a constituírse en una de las mayores obras del dúo de hermanos cineastas. Con un elenco que encabezan : George Clooney, Frances McDormand, John Malkovic y Brad Pitt.

"Cosas que nunca te dije" de Isabel Coixet. En un tono literario, donde cada personaje le sirve a la realizadora de entrada y salida para cada capítulo, analiza la vida monótona y provinciana de una chica ( Lili Taylor ), en la encrucijada amorosa de su existencia. Por un lado, confiesa frente a la cámara, que su novio la ha abandonado, contándo todo lo que nunca le dijo antes. Y por otro, se enamora - a través de los videos-, de un solitario voyerista, mientras confiesa sus quebrantos a un solitario joven por el servicio telefónico de consultas. Colaboración especial del actor Seymour Cassel, fetiche del director John Cassavetes. Entretenida intimidad.

"El Pequeño Figitivo"/"The Little Fugitive" de Morris Engel, Ray Ashley y Ruth Orkin. Un filme emblemático del cine independiente norteamericano. El primer gran precedente data de 1953, y demostró, que se puede hacer cine fuera de la industria, sin mayores recursos y contando una historia interesante. El pequeño Richie Andrusco de siete años, escapa de su barrio, después de creer que ha dado muerte a su hermano mayor, mientras éstos juegan. El recorrido por Coney Island tiene mucho de road movie y aunque está filmado con encanto, guarda un discreto toque de melancolía y nostalgia. Se trata de una película imprescindible, cuyo visionado es urgente establecer como legítimo y obligatorio. Cine naturalista, casi documental, tremendamente efectivo y sensible. Para todo espectador.

"El demonio de las armas"/"Gun Crazy"de Joseph H. Lewis. Revalorizado con el paso del tiempo, Lewis no sólo era un gran artesano sino un director con mordiente. Se atrevía a innovar con escasos presupuestos, y rodaba a gran velocidad, consiguiendo piezas maestras como este gran thriller, acerca de dos fugitivos, enlazados por el amor , la ambición y las armas. La reducción de una mujer hacia un hombre, al que fulmina con su inagotable deseo sexual, está tan bien sugerido en los diálogos y en las metáforas, que logra un envolvente tránsito de la aventura demencial al escape mortal con maravilllosa celeridad. Antológica toda la secuencia del asalto al banco de Hampton, que está filmado en un sólo plano. Obra maestra con los impagables John Dall y Peggy Cummins, que es una pantera en celo.

Fotos - Gentileza : Paramount Pictures- Universal Pictures- Variety- Hollywood Report- Movie Classics-