Carpenter, De Palma y Spielberg :

El Cine como Industria.
 

Spielberg dirigiendo a Robin Williams en "Hook".

Si hay alguien que sabe de los gustos y preferencias de los espectadores contemporáneos, son estos tres directores que estudiamos esta semana. 
John Carpenter desde las beaterías del cine B, hasta su consagración en la producción industrial, ha demostrado una inclinación vehemente por lo terrorífico, género en el que ha logrado innovar y abrir a nuevas vetas creativas, más susceptibles de ser comercializadas entre el público juvenil.
Brian De Palma, a su modo, también comenzó desde abajo, para trascender con su constante admiración a Hitchcock, sus reciclajes y visiones muy elaboradas en lo estético y narrativo, que deben al maestro inglés toda su impronta, y que ha logrado un espacio en la gran producción en Hollywood.  
Steven Spielberg considerado el nuevo midas industrial, traspasó su denodada manera de integrar la fantasía, el terror y la aventura, con un sentido de la espectacularidad digna de De Mille, y que contrasta poderosamente con sus películas más personales, relativas al holocausto judío en la Segunda Guerra Mundial o a sus thrillers de consonancia política. 
Es una tríada de talentos geniales, que han mantenido con sus taquilleros filmes a una industria, más acostumbrada a reciclar del comic, fotocopiar de la televisión o repetir hasta el cansancio la fórmula de la secuela.


John Carpenter :
Cuentos para no dormir.

Carpenter en su ambiente, lúgubre y misterioso.

Debo admitir que comencé a saborear el gusto por lo truculento, con las películas de John Carpenter ( nacido en Carthage, en Nueva York en 1948), cuando el Cine Astor se transformó en el Palacio del Susto, o sea, la sala de exhibiciones favorita del género del terror en los ochenta.
Carpenter es hijo de un profesor de música, y pasó parte de su adolescencia en Browling Green, Kentucky, donde estudió un tiempo en su Universidad, para trasladarse a la Escuela de Cinematografía de la UCLA en Los Angeles.
Fue allí donde dió sus primeros pasos como cineasta, incentivado por realizadores como Orson Welles Alfred Hitchcock y John Ford, que acudían a los salones de las Academias, a hablar de su experiencia como directores. 
La enseñanza que tuvo Carpenter, le significó valorar al cine desde el punto de vista del Arte y también de su lúdico sentido de crear emociones.
Admirador de las scifi de los años cincuenta, el joven alumno ya venía experimentando con una pequeña cámara portátil en el campo del cortometraje desde 1962, donde produjo cosas como : "Terror from Space" o "Sorcerer from Outer Space".
Premiado por la Academia en 1970 por el corto "The Resurreccion of Bronco Billy", sin embargo, debió esperar cuatro años, antes de debutar con su primer largometraje titulado : "Estrella Oscura" ( "Dark Star", 1974), una curiosa excentricidad que remeda a "2001", con la idea de una nave espacial encargada de destruír planetas inestables, y que refleja los maratónicos esfuerzos de una tripulación por convencer a la "conciencia" de la máquina, que deponga su actitud respecto a una de sus bombas, en un abierto entramado metafísico que disloca cualquier racionalidad compulsiva.
Su segunda película, efectuada siempre en los designios de la serie B, fue : "Asalto al Precinto 13"("Assault on Precint 13,1976), un abierto homenaje a "Río Bravo" de Howard Hawks, que integra entre las escenas más depuradas de una masacre, su propia partitura musical. Hijo de Tigre.


Terrores Ocultos. 

"Estrella Oscura" es una parodia a 2001, hecha con escasos recursos y mucha imaginación.

"Halloween" : sicópata enmascarado.

 

"La Niebla" : los espíritus que penan a una comunidad.

 

"Escape de Nueva York" : el antihéroe, el presidio y su antagonista.

 

"El Enigma de Otro Mundo" : el frío glacial, los expedicionarios, el monstruo y el aislamiento.

Después, Carpenter se puso a rodar con dos chicas estupendas : Jamie Lee Curtis, la hija de Tony Curtis y Janet Leigh, y P.J.Soles, olvidada intérprete B, la reverenciada "Halloween" ( 1978), una película de horror sangrienta, que costó la módica suma de 300 mil dólares, para terminar recaudando la friolera cifra de 75 millones de dólares.
El filme popularizó a los asesinos en serie y se convirtió en la cinta independiente más rentable de su tiempo. Fue una "gallinita de los huevos de Oro", que lubricó a la industria con cuatro desiguales secuelas, ninguna de las cuales dirigió Carpenter, aunque igual colaboró como guionista o músico.
Famoso entre los creativos del undeground y los exégetas del rock, tuvo una banda "The Coupe de Villes", donde también intervinieron futuros cineastas como Tommy Lee Wallace y Nick Castle.
También trabajó para la televisión en dos proyectos, uno de los cuales estaba inspirado en la figura del Rey del Rock, Elvis Presley, titulado simplemente : "Elvis" ( 1979), que pasó prácticamente desapercibida.
De regreso al cine, efectuó "La Niebla"( "The Fog", 1980), una lúcida historia de fantasmas, sobredimensionada por las atmósferas y una alucinante puesta en escena, que no escabulle las situaciones gore. En el relato, toda una comunidad es atacada por seres de ultratumba, que salen a cobrar una vieja cuenta, protegidos por una niebla espesa y aterradora.
Con una estética "dark" muy en boga, dirigió luego "Escape en Nueva York" ( "Escape from New York", 1981), un oscuro thriller apocalíptico ambientado en 1997, cuando la desolada isla de Manhattan, sirve como cárcel inexpugnable, hasta donde cae accidentalmente, el helicóptero presidencial. 
Snake Plissken ( Kurt Russell, su actor fetiche),  un convicto con cadena perpetua, es comisionado a sacrificarse en una misión, donde deberá rescatar al Presidente de las garras de unos presidiarios, en medio de una batahola de peligros, enfrentamientos y sorpresas muy bien concebidas. 
Se trata de una cinta de alta tensión y muchísimo suspenso, que funciona a las mil maravillas, por lo novedoso de sus conceptos estéticos y temáticos.
Al año siguiente, efectúa :"El Enigma de Otro Mundo" ( "The Thing", 1982), remake del filme clásico que realizara Christy Nyby y Howard Hawks en 1951.
Ampliando las expectativas del relato, Carpenter incorpora a su premisa, un extraterrestre que adquiere múltiples fisonomías, mutando dentro de un ambiente claustrofóbico. Esto le permite, aumentar el soporifero climax con magníficos FXs, la estupenda banda musical del experto Ennio Morricone y las solventes interpretaciones, integradas sobre un clima de total paranoia.


Descubriendo los orígenes del Mal.

"Christine" : Carpenter dirigiendo una toma con Keith Gordon y el  Plymouth Fury Rojo.

"Starman" : la mujer y el revivido cuerpo con el extraterrestre.

 

"Rescate en el barrio chino" : en acción con los poderes extraterrenales.

 

"El Príncipe de las Tinieblas" : Alice Cooper encabeza las huestes que esperan el nacimiento del Mal.

Su próximo proyecto, lo llevó por otros derroteros más afines a la comedia de adolescentes, en un traspié que está subvalorado, porque "Christine"( 1983), es una gran película de terror juvenil, condimentada con la idea de un Plymouth Fury Rojo de 1958, poseído por un demonio, y que acapara la atención por su crescendo narrativo muy bien establecido, en razón de los "tiempos muertos", esos momentos, donde parece que no va a ocurrir nada y ocurre lo contrario.
El filme tiene además, una maravillosa estilización cromática, que remarca la época en que se desarrolla la historia, con ese Technicolor de colores fuertes y chillones.
Integrado a la gran producción comercial, Carpenter hizo después la romántica "Starman" ( 1984) con un Jeff Bridges a toda prueba, como un alienígena que toma prestado el cuerpo del marido fallecido de Karen Allen.
El relato tuvo tal impacto entre la gente que, después se convirtió en serie de televisión.
Lo pródigo del cuento, está en el nivel poético que alcanza en breves lapsus de su desarrollo ( como la aparición de un cervatillo, la luz que ostenta en sus palmas el alienígena, etc ), un cálido tono romántico, que no descuadra del margen de la fantasía que caracteriza la historia. 
"Rescate en el barrio chino" ( "Big Trouble in little China", 1986), fue una mal entendida película de acción fantástica, que remedaba algunos clichés del cine de artes marciales con el sesgo de intrigas exóticas, interpretado por Kurt Russell, ahora intentando deshacerse de un grupo de mafiosos chinos con poderes extraterrenales. 
Comedia soporífera, resulta hoy una gozada, si se le toma por el lado irónico y surrealista. 
Como la cinta fracasó en taquilla, Carpenter decidió reonrientar su carrera, bajo el alero de la productora independiente Alive Films, donde dirigió "El Príncipe de las Tinieblas" ("Prince of darkness", 1987), una obra maestra absoluta, en la cual mezcla las ideas de la religión, con cuestiones metafísicas relativas a la existencia del mal, la destrucción y el exterminio humano en la Tierra.
Es un vigoroso relato ambientado en un templo, donde la Ciencia y la Fé vuelven a chocar en una espiral que parece no tener fondo. 
La sola presencia de un ente que puede ser el Diablo, y la sutileza en la mirada del director respecto a la Carne, el Poder, la Ambición, la Delación y la Fustigación en una creencia espiritual, le dan un tono original a esta maravillosa película de horror y suspenso.
Está aquí, el Carpenter de sus primeros tiempos ( la acción se desarrolla en un sitio cerrado, claustrofóbico, oscuro y barroco ), y también el acertivo analista del comportamiento humano en situaciones límites, a través de un estudio profundo de los caracteres de los personajes ( desde el científico ensimismado por la novedad del hallazgo, hasta la chica dilapidada por la fuerza maligna ); todo interrelacionado con una idea de lo desconocido, que cercena la tranquilidad coloquial. 
Un logrado clima de ansiedad y espera de lo maligno ( no olvidemos a Alice Copper encabezando las huestes demoníacas foráneas frente al edificio), y ataques sucesivos de elementos indescriptibles, le dan un suficiente nervio al relato, que no suelta hasta el desenlace.  



Metáforas Políticas.

"Sobreviven " : la alegoría política con Roddy Pipper armado hasta los dientes y gafas oscuras.

"Al borde la locura" : Sam Neill atacado por la conciencia de un escritor dominado por fuerzas ocultas.

En la citada película, Neill se mete en una espiral hasta perder el juicio.

Repite con Alvin Films, cuando efectúo su película más política : "Sobreviven" ( "They live", 1990), un análisis virulento al dominio conservador en las Tierras del Tío Sam. 
La insinuación del relato es que, las clases dominantes son extraterrestres, que se dedican a sobrexplotar a las clases trabajadoras, enviándole mensajes subliminales y argucias consumistas, que sólo pueden leerse y descubrirse, usando unos singulares lentes de sol.
El luchador Roddy Piper debe vérselas solito con sus aspiraciones libertarias, y Carpenter transforma su apariencia brutal, en casi una interpretación celestial, amilanada por notas de humor, ironía, sarcasmo y una cuota de acción sorprendente. Muy original y amena.
Al desajuste que significa modernizar el mito literario de H.G.Wells, Carpenter intenta efectuar en su siguiente obra : "Memorias de un Hombre Invisible" ( "Memoirs of a Invisible Man", 1992), una comedia familiar, que se queda a medio camino entre el desparpajo grandilocuente plagado de FXs y el tono insoportable de Chevy Chase que, sencillamente no calza con el envolado.
Intentando volver a sus lustros, el director adapta la novela de Lovecraft, "Al Borde de la Locura" ( "In the Mounth of Madness", 1995), un magnífico estudio sobre la "realidad" de los sueños, la conciencia de ser, y el subjetivismo del estar.
John Trent ( Sam Neill ), es un curioso detective, que debe seguirle la pista al desaparecido escritor de cuentos de horror, Sutten Crane ( Jürgen Prochnow) , aunque ello le signifique introducirse por un mundo caótico, poblado de seres anómalos y creaturas bastardas, salidas de la mente de un loco.


Extraterrestres, Vampiros y Fantasmas.
 

"El Pueblo de los Malditos" : niños telépatas mortales.

 

"Escape de L.A." : la serpiente que dispara.

"Vampiros" : mercenarios en Nuevo México, exterminando chupasangres.

 

"Fantasmas de Marte" : Natasha Henstridge encabeza la defensa en el planeta rojo.

 

En Marte los fantasmas son sanguinarios y violentistas.

"The Ward" : cuidado que los fantasmas están detrás de ella.

En el remake de "El Pueblo de los Malditos" ( "Village of the damned", 1997), la última película que estelarizó Christopher Reeve, integra con absoluta y modélica fortuna, los toques gore, las sorpresas de último minuto y las vueltas de tuerca, para dimensionar la situación que vive un grupo de habitantes de una villa, invadida por niños extraterrestres con poderes telepáticos, capaces de dominar a la Humanidad.
Grandes momentos de tensión, sólidos FXs, y actuaciones relevantes, logran aclimatar esta historia, que se disfruta como pastilla de menta.  
A la secuela "Escape de L.A." ( Escape from L.A.", 1996), más humorística que su original y llena de ideas descabelladas que funcionan a las mil maravillas, Carpenter se volcó a realizar un homenaje a los westerns , pero en clave vampírica.
En efecto , su "Vampiros" ( "Vampires", 1998) es una suerte de relato del Oeste, donde un grupo de cazadores de chupasangre, se las ingenian para salir de una emboscada que le han tendido los seres de la noche en Nuevo México.  
El tono de la película se afianza, en la temática clásica de la camaradería masculina, en el choque entre buenos y malos, y en la reciedumbre de sus caracterizaciones, encabezadas por : James Woods, Daniel Baldwin y Maximilian Schell.
Con "Fantasmas de Marte" ( "Ghost of Mars", 2001) intentó amalgamar los viejos tópicos de la sci fi de los cincuenta, con los relatos góticos de inspiración vampírica, sin lograr conmover demasiado a las audiencias, enfrascadas en las aventuras de "Harry Potter" y "El Señor de los Anillos".
Como muchos directores de su generación, en los inicios de esta nueva centuria, Carpenter se dedicó a otros menesteres ( la producción y la enseñanza, entre otros aspectos ), para retornar con "Atrapada" ("The Ward", 2010), un relato sutil de fantasmas, que no tuvo ni el eco, ni la trascendencia suficiente, para devolverlo en gloria y majestad.
Por ahora, el paréntesis de su carrera sigue en puntos suspensivos, hasta que otro tema de interés aparezca en su mesa de trabajo.
En espera de esa probabilidad, resulta un ejercicio muy placentero revisitar sus mayores obras en DVD o Blue Ray, que lo demuestra en toda su intensidad creativa.

Su Estilo :

Con su mejor aliada profesional.

John Carpenter es un maestro de la PanaVisión ( pantalla ancha ), recurso técnico-fotográfico que utiliza 2,35:1 de radio, con lentes anamórficos, lo que le permite jugar con los encuadres e integrar situaciones en campo y contracampo, o alusiones simbólicas de rebosante vitalidad. 
A nivel narrativo, opta por la construcción clásica, donde da pie a su cinefilia y su infinito amor por los clásicos, como : "Sólo los Angeles tienen Alas"; "Río Bravo", "Ciudadano Kane", "Vértigo" y "Blow Up", que idolatra hasta el infinito.
En el momento de conceptualizar los detalles del guión, son característicos sus depurados conceptos de la sicología de sus personajes, el trabajo estilizado de los ambientes y las anécdotas, y el sentido del suspenso a punta de golpes de efecto de gran guiñol.  
Nunca descuida los detalles de su composición, sobretodo cuando crea atmósferas desde el subconciente de sus personajes. 
Muy acuicioso y sorprendente, se muestra en el manejo de los espacios cerrados ( la estación de policía atacada por una pandilla motorizada en Asalto al precinto 13, el closet de un dormitorio en Halloween, una catedral en El Príncipe de las Tinieblas, una base glaciar en Noruega en El Enigma de Otro Mundo o una aparentemente plácida villa rural en El Pueblo de los Malditos ), donde disecciona como un taxidermista a sus personajes, para exponerlos a sus propios medios, ansiedades y temores. 
Carpenter subraya la idea de que, los espantos sólo aparecen como parte de "la otra cara de la moneda". Particularmente, nadie está  a salvo en el mundo de hoy. Todo puede ser una amenaza.
Esta dualidad entre el Bien y el Mal, que caracterizan sus películas, están dimensionadas respecto a los límites de la investigación científica, los hechos pasados que nunca se han velado a la justicia o la fé pública; el choque cultural entre lo tradicional y lo moderno; entre lo conservador y lo liberal; entre lo viejo y lo nuevo.  
Sus relatos más críticos, exacerban los lineamientos capitalistas, para subvertirlos a una realidad desoladora, donde el hombre se ve envuelto en un marasmo de proporciones épicas, incapaz de contrarrestar, los designios del consumo, los dominios de la mass media y los monopolios comerciales de las sociedades más desarrolladas. 
Sus monstruos , vampiros, fantasmas y extraterrestres, no son más que los reflejos objetivos de un mundo en caos, donde se cuestiona la moral, la fé y la verdad.


Temática Recurrente :   

"El Príncipe de las Tinieblas" : la apertura del espejo, que puede permitir la salida de la bestia.

El choque eterno entre las fuerzas del Mal y del Bien; entre la Luz y las Tinieblas, o mejor dicho, entre la naturaleza prístina y los excesos sobrenaturales, que fustigan la razón, la conciencia y el espíritu.  
Todas sus películas consideran héroes imperfectos, que acarrean culpas pasadas o buscan un motivo para redimirse, sin estar a la altura de los parámetros idealizados de sus cuentos góticos. Está en el concepto del anti-héroe, la atracción que ostentan sus personajes, porque ninguno de ellos, son seres concientemente enraizados y moldeados a partir de premisas idílicas.  
Para identificar a sus personajes, utiliza como nombres, aquellos que provienen del cine clásico, por ejemplo, John T.Chance en "Asalto al Precinto 13" proviene de John Wayne en "Río Bravo"; y Sam Loomis con que aparece Donald Pleasence, en "Halloween", es el amigo de Janet Leigh de "Sicosis". 
A veces, como sello de marca, repite nombres de personajes, película tras película. Por ejemplo, Rip Haight está en "La Niebla", "Starman", "Body Boug" ( TV) y "El Pueblo de los Malditos". 
Entre sus constantes, está el integrar en sus castings a figuras reales de la música norteamericana como : Ice Cube, Isaac Hayes, Alice Cooper y Bon Jovi, que actúan en sendos papeles secundarios.
Por norma, trata de trabajar con intérpretes de gran reciedumbre, toscos, viriles, proclives al machismo y a la rudeza del concepto "ojo por ojo", que son parte de sus películas más emblemáticas, como Kurt Russell, Peter Jason y Sam Neill, y no se cohíbe para revelar figuras femeninas emergentes como : Jamie Lee Curtis y P.J.Soles en "Halloween", Alexandra Paul en "Christine", la tristemente desaparecida Lisa Blount en "El Príncipe de las Tinieblas", Julie Carmen en "Al borde del abismo", Sheryl Lee en "Vampiros", Nastasha Henstridge en " Fantasmas en Marte", o Amber Heard en "Atrapada". 


Filmografía Fundamental :

Carpenter y su actor fetiche Kurt Russell.

La carrera de Carpenter considera 18 largometrajes para el cine, 6 cortos ( 1962-69), 3 telefilmes y su participación en la serie "Masters of Horror" realizada para el cable, donde dirigió dos episodios. Además, como guionista ha hecho 37 títulos, y como compositor musical 22 películas.
Finalmente, tiene nueve películas como productor, incluyendo dos títulos ajenos de cierto interés : "El Experimento Filadelfia" ( 1984) y "Black Moon Rising" ( 1986).
Entre sus películas para cine, se destacan las siguientes : 

"Estrella Oscura" ( "Dark Star", 1974);  "Asalto al precinto 13" ( "Assault on Precint 13"); "Halloween" ( "Halloween", 1978); "La Niebla" ( "The Fog", 1980); "Escape de Nueva York" ( "Escape from New York", 1981); "El Enigma de Otro Mundo" ( "The Thing", 1982); "Christine" ( "Christine", 1983); "Starman" ( "Starman", 1984); "Rescate en el Barrio Chino" ( "Big Trouble in little China", 1986); "El Príncipe de las Tinieblas" ( "Prince of Darkness", 1987); "Sobreviven" ( "They live", 1988); "Al borde la locura" ( "In the Mouth of Madness", 1994); "El Pueblo de los Malditos" ( "Village of the damned", 1995); "Escape a los Angeles" ( "Escape from L.A.", 1996); "Vampiros" ( "Vampires", 1998); "Fantasmas de Marte" ( "Ghost of Mars", 2001) y "Atrapada" ( "The Ward", 2010).

 


Películas Seleccionadas :

"Halloween" ( 1978).

 
A partir de una sencilla premisa : un psicópata enmascarado, Michael Myers, apuñala y estrangula a jóvenes adolescentes que disfrutan de las fiestas y el sexo fácil, Carpenter incorpora la idea de que nadie puede estar a salvo en un mundo que parece en calma, y que la amenaza mortal puede estar a la vuelta de la esquina.
La intensidad del guión de Debra Hill y de su autoría, le permiten enfrascar el terror en los apacibles suburbios, donde se cree existe únicamente la paz y la comodidad. El peligro se descarta, porque simplemente no existe.
Entonces, Carpenter asesta el golpe en medio de esta naturaleza del confort y del american dream americano, para caotizar la idea de que, no existe sitio alguno que nos entregue seguridad y confianza, cuando un ser endemoniado se incorpora al paisaje. 

La cámara subjetiva es motor y eje dramático superlativo del conjunto, que permite inteligentemente integrar al espectador, como un tercer personaje susceptible de ser engañado.
Además, todos los climaxs tensionales están finamente acentuados por una elaborada y sencilla banda acústica que él mismo efectúo y que, después del estreno, se popularizó tanto como la película. 
Es imposible no tener visión para entender, donde radica el "encanto" de esta película modesta, que logró perfilar todo el cine psycho-killer posterior. 
Por una parte, su sentido sicológico de la acumulación de neurosis colectiva que despierta, cuando el mundo que nos rodea se vuelve una amenaza latente.
Por otra, su sentido voyerista masificando las normas hitchcokianas hasta los límites de lo soportable. 
Carpenter incorpora un ritmo apabullante y tomas extendidas que devienen en sustos efectivos y logra una fórmula vitalizante de emoción y miedo, que no suelta de principio a fin.
Un gran clásico B, que le significó a Carpenter 10.000 dólares iniciales de sueldo, para demostrar que, con pocos recursos y mucha imaginación, se pueden hacer grandes cosas. 
Se trata, en definitiva, de un inteligente thriller de horror que no se compara a ninguna de sus posteriores secuelas. Una obra maestra absoluta del género.  
Actúan: Donald Pleasence, Jamie Lee Curtis, Nancy Kyes, P.J.Soles, Charles Cyphers, Kyle Richards y Brian Andrews.

 
"El Príncipe de las Tinieblas" ( 1987).

Ciencia y Fé ante a lo desconocido : Victor Wong y Donald Pleasence.

Una propuesta novedosa y subyugante, nos trae Carpenter con esta curiosa película, que habla del Apocalipsis, a propósito del nacimiento del Diablo en un Catedral abandonada.  
Todo el relato cerrado y claustrofóbico, se centraliza en el proceso de toma de conciencia de un grupo de jóvenes estudiantes de ciencia, que buscan establecer los nexos indescifrables de una cápsula donde habita el Mal, en forma de sustancia viscosa verde.
El filme juega con las deducciones descriptivas, que integra la reflexión personal del director respecto a la falta de fé, la destrucción paulatina del orden establecido, y la deshumanización.
Los momentos más elocuentes, están trabajados como pequeños esbozos de una cuestión metafísica más global. 
Pequeños símbolos del entramado, como una paloma crucificada; un corto de Tom & Jerry donde aparece el gato Tom perseguido por un perro endemoniado; una pordiosera catatónica mirando el cielo, mientras su rostro aparece invadida por hormigas; corrientes de agua verdosa que fluyen al revés; o transmisiones mentales compartidas por los moradores de la cripta, le agregan un aire misterioso, horrorífico y maloliente. 
Como nunca antes, Carpenter juega con las metáforas visuales : la ausencia de Dios ( un templo vacío y abandonado ), la tensa espera del alumbramiento satánico ( con las hordas de creyentes esperando afuera ), más las amenazas sobrenaturales que afectan a gran parte de los protagonistas, condicionan el ritmo de una historia muy original y que nunca deja cabos sueltos. Aunque da espacios para sugerencias paralelas: ¿ Estamos frente al despertar de una Era donde el Mal nacerá ( nació ) entre nosotros el 1999 ? o ¿ Sólo es el Comienzo de una época convulsa ?

El sacerdote, el profesor y sus alumnos intentado descifrar lo maldito.

Todo el contundente trabajo interpretativo, gira en torno a la idea del exterminio humano. Donald Pleasence como un sacerdote absorto en la Biblia, parece incapaz de superar los dominios del monstruo, ya que es un hombre de Iglesia que ha perdido la fé ; Victor Wong como el profesor Birack, aparece como un sabio demasiado obsecado por trascender a costa de un descubrimiento donde podría perder la vida; Jameson Parker como el joven físico Brian Marsh, sólo le sigue la huella a sus impulsos sexuales sin desconocer que está frente a un hecho irrefrenable; Lisa Blount como la científica Catherine Danforth, aparecerá como la única mujer capaz de sacrificarse por los demás, en momentos en que la Bestia resurgirá tras un espejo, y en fin, cada uno de sus integrantes, demasiado debilitados por sus ambiciones personales, se nos muestran como seres incapaces de trascender por un puzzle mayor, respecto a los orígenes de la Vida y la Fé en la Tierra.
Carpenter juega con los elementos de su puesta en escena, incorporando grandes planos generales, sofisticados close up, muchos campos y contracampos, y dibuja la monstruosidad desde la idea de la contaminación genética, instaurando a partir de allí, un clima áspero, terrorífico, putrefacto, sangriento y espeluznante.
Todos los deslices que muestran sus personajes, remiten a nuestros propios desapegos, respecto a los temas fundamentales que marcan el destino de la Humanidad. Y es esta sugerencia, la que trasciende y caracteriza el tono del relato. 

Realmente estamos frente a una gran película de horror diabólico, que es capaz de incorporar una reflexión adulta respecto al origen del Mal y sus consecuencias en el orden establecido.



"Al Borde de la locura" ( 1995).

En los terrenos de lo desconocido.

Inspirado en una novela de H.P. Lovecraft , la película se arma sobre la desaparición de un escritor tipo Stephen King, que ha dejado a medio terminar una novela, incentivando una serie de horrendos crímenes entre sus fans.
La situación se desmadra, cuando un detective privado, John Trent ( Sam Neill), se introduce en un universo binario, que parece creado por el novelista que busca, y que habita un curiosísimo castillo medieval en medio de la Nada ( Jürgen Prochnow).
Si hay algo que recoge con insistencia Carpenter en sus películas más personales, es la paulatina deshumanización que el Mundo adquiere, en consonancia con sus criterios sociales, políticos, religiosos y creativos. 
Esta película juega con la noción de la conciencia del creador febril, anárquico, que dilapida su propio ser, en la búsqueda de las dimensiones oscuras que tiene el origen del Miedo.
Toda la película es un viaje a la locura. Una alambicada aventura hacia el subconciente de un narrador, cuyo espíritu provocativo e insurrecto, está en las antípodas del genio, capaz de procrear y construír mundos armónicos.
De ahí, la sutileza con que Carpenter adiciona los supuestos de un mundo vicario, que se mueve entre el que escribe un cuento y los seres que pueblan su conciencia, que pueden estar predeterminados por otras fuerzas ajenas al positivismo y la esperanza.
  

Comentario :

Maestro del terror contemporáneo.

"Su apego a las formas clásicas de narración, su vitalidad y sencillez de propuesta para crear suspenso y horror a punta de atmósferas, le dieron fama instantánea. Y aunque desde entonces, su carrera ha sido irregular, con fracasos de público y desprecio de la crítica, él se ha mantenido fiel a sus principios y a su forma de filmar. Además, nunca ha intentado darle en el gusto a nadie y se ha mantenido "puro" en un género lleno de productos bastardos".

( El crítico chileno Daniel Olave Miranda).



Brian De Palma :
Juguete de sus Obsesiones.

Admirador de Hitchcock, es una agudo crítico de la realidad norteamericana.

Dentro de los cineastas surgidos en los sesenta, el nombre del ítalo americano Brian De Palma ( nacido en Newark en 1940), debe estar por derecho propio, entre los maestros por sus innovadores conceptos visuales y narrativos.
Una vez dijo en una entrevista : "Me gusta creer que, en lo que respecta a mis películas, soy un juguete de mis obsesiones. Me dejo dominar por una obsesión extraña y permito que me lleve a donde quiera".
La verdad es que, desde que está en el negocio del cine, siempre ha cosechado magníficas obsesiones temáticas, que lo impulsan a repetir a Hitchcock, y  a duplicar sus propios conceptos respecto a la Etica, la Razón y la Fé.
Este triángulo temático recorre toda su filmografía, y fomenta con luminosidad portentosa los géneros del thriller, el relato bélico,  el horror y la fantaciencia. 
Desde una pequeña localidad de New Jersey surgió De Palma al mundo, para entrar a estudiar Cibernética en la Universidad de Columbia, donde descubre el cine.
Su afición le llevó a realizar documentales y cortos en 16 mm, y durante su estadía en el Sarah Lawrence College produce y dirige su primer largometraje "The Wedding Party" ( 1967 ), que le deparó más de tres años de su vida, y que se recuerda exclusivamente, porque debutó un jovencísimo Robert De Niro.
Entremedio de la filmación, De Palma se titula en Bellas Artes y aumenta su denodada admiración por las películas, rodando varios cortos, entre los cuales, sobresale "Wotan"s wake" ( 1962), con la que ganó un Premio de la Fundación Rosenthal.
A finales de los años sesenta, forma una Compañía de Teatro experimental con el actor William Finley, "The Performance Group", con la que desarrolla sus inquietudes más artísticas relativas a la vanguardia y al underground.
Totalmente influenciado por Hitchcock, desarrolla nuevas películas, que intentan imitar el estilo del maestro inglés, pese a sus escasísimos niveles de producción. En este grupo, están títulos como : "Murder a la Mod" ( 1967), "Grettings" ( 1968) y "Hi,Mom!" ( 1970), que le sirven como prácticas técnico-narrativas para sus posteriores logros.


Duplicación de personalidad. 

"Conoce bien a tu conejo" tiene una colaboración especial de Orson Welles.

"Sisters" : la idea de la doble personalidad a través de una siamesa.

"Fantasma en el Paraíso": un clásico del terror en una visión moderna y renovada.

Después dirige "Conoce bien a tu Conejo" ( "Get To Know Your Rabbit, 1972), que mantiene el interés, por una descabellada historia sobre renuncia, rendención y éxito.
El desconocido Tom Smothers, interpreta a un exitoso yuppie que, hastiado de la vida rutinaria, decide dedicarse a la magia para recorrer Estados Unidos por la costa oeste.
Se trata de una modesta pero divertida reflexión sobre el consumismo, que incorpora actuaciones de Orson Welles, John Astin, Allen Garfield, Charles Lane, Katharine Ross y M.Emmett Walsh.  
El filme ya dejaba ver los manierismos técnicos de su director, como los largos travellings interiores desarrollados en escenarios con muros falsos.
Con la filmación de "Hermanas" ( "Sisters", 1973), De Palma ingresa al cine del Hollywood industrial, para pergreñar con lastimosa elocuencia, las bases del cine sicológico, a través de una historia donde la debutante Margot Kidder, encarna a una siamesa con serias transgresiones mentales y duplicación de personalidad. 
Sus desórdenes llegan al homicidio, y un periodista que es testigo del crimen, deberá probar los hechos, involucrándose con la chica y la policía.
Es latente en la película, su admiración por Hitchcock, no sólo cuando elabora vigorozas escenas de transmutación mental, sino cuando administra el tiempo narrativo con una pericia digna de su maestro.
En las antípodas del thriller, De Palma efectuó después, una remake pop de "El Fantasma de la Opera" , la célebre novela de terror de Gastón Leroux. Se tituló : "Fantasma en el Paraíso" ( "Phantom of the Paradise", 1974),  en una trasposición de épocas, que le hizo acreedor del primer premio en el Festival de Cine Fantástico de Avoriaz.
El relato cuenta las circunstancias que llevaron a un destacado músico ( William Finley ) a esconderse tras una máscara, después de refugiarse en las catacumbas de un Club de Música, intentado doblegar las ambiciones desmedidas de Swan ( Paul Williams ), un empresario que le ha usurpado sus partituras.
Como subraya el crítico chileno Miguel Angel Fredes : 
"El rejuvenecimiento de la historia que podría parecer gratuito, permite insertar hábilmente los mitos de Leroux y Fausto al universo del llamado show business".



Chica torturada y obseso múltiple.

"Carrie" : venganza sangrienta.

"Magnífica Obsesión" : la amnesia y la recuperación obsesiva del pasado.

 
Con su siguiente película : "Carrie" ( Carrie", 1976), De Palma logra una nominación al Oscar, pero además, erige una fama inclaudicable de creador certero de atmósferas de terror y suspenso.
El filme basado en una novela de Stephen King, que por esos años era casi un desconocido, se establece a partir de la situación incómoda de una retraída joven ( Sissy Spacek ), torturada por sus compañeros ( el bullying comenzaba a hacer un problema en los high school ) , y mancillada por una madre crépula ( Piper Laurie), que se demuestra como una fanática religiosa descabellada y cruel.
La chica descubrirá que tiene poderes sobrenaturales, con los cuales buscará vengarse de sus flageladores, con toda la violencia sangrienta de su furia.
Como destacó en su momento el crítico Hvalimir Balíc :
"Lo más sorprendente en la película es la sensación de que todo está a punto de explotar con esa heroína de pueblo chico, a quien la naturaleza le regala su primera menstruación. Aquí De Palma trabaja con sangre. Una sangre que, en su abundancia, parece llamar la atención sobre el pecado original que, como en el ceremonial del Antiguo Testamento, sólo puede lavarse con el sacrificio de la muerte. Filme gótico y estremecedor, tiene por allí una mano que sale de la tierra, para que el espectador no se quede tranquilo con su conciencia después de haber visto lo que vió. Es una cinta de terror con repercusiones morales insospechadas."

Después rodó "Magnífica Obsesión" ("Obsession", 1976), "abordando el tema de la memoria, así como en su momento lo hizo Hitchcock en "Vértigo" ( 1958).
Fredes apunta que , "El realizador, sin centrarse en el tema de la amnesia propiamente tal, abordó el problema de la recuperación obsesiva y misteriosa de un pasado racionalmente irrecuperable, recurriendo a los mejores recursos del cine de suspenso. En la película cuenta la historia de un hombre que al cabo de veinte años descubre el doble, no sólo físico de su mujer fallecida, reviviendo su vida pasada junto a ella. Pese a que la cinta clarifica cualquier duda existente, gravita a lo largo de todo su desarrollo un halo misterioso, que va acrecentando con el paso del tiempo al interior del filme".


El Poder de la Mente.

"La Furia" : poderes telepáticos extraordinarios.

 

Lobby-card de"Vestida para matar", con el autógrafo de la actriz Angie Dickinson.

Nuevamente atraído por los poderes de la mente, De Palma filma luego "La Furia" ( "The Fury", 1978) , una de sus películas más interesantes de esta etapa. 
La historia antecede al fenómeno de "Scanners" de David Cronenberg. Un padre ( Kirk Douglas ), vinculado a las fuerzas de seguridad, busca incansablemnete a su hijo ( Andrew Stevens ), cautivo por agentes encubiertos, para utilizarlo debido a sus extraordinarios poderes síquicos, en misiones ultrasecretas.
Escapando de los agentes federales encabezados por John Cassavetes, se une Amy Irving, una joven que ostenta los mismos poderes del muchacho, pero que a diferencia de aquél, no sabe como controlar sus impulsos, los que muchas veces conectan a los de su joven amigo.
Secuencias antológicas como la que se desarrolla en un parque de diversiones donde el telepáta no puede controlar su ira y la estrella sobre un grupo de árabes, que se divierten en una rueda de la fortuna, se pueden extraer lecturas políticas, donde De Palma critica metafóricamente a los Emiratos que en aquellos tiempos financiaba la carrera armamentista en Oriente.    
Como en "Carrie", el desarrollo se precipita hacia la segunda mitad, integrando un epílogo abierto, digno de "shock" y toques gore.
"Vestida para Matar" ( "Dressed to Kill", 1980), es un aplicado estudio muy estilizado, sobre la violencia urbana, el terror patológico y los ilimitados subtratos del suspenso.
El relato se plantea desde la disfuncionalidad de una mujer ( Angie Dickinson ), que asiste regularmente a su siquiatra debido a su ninfomanía.
En un museo, en una secuencia que es magistral, se topa con un sujeto con quien hace el amor, y que después la abandona, con la idea que ha contraído una enfermedad venérea muy peligrosa. 
Frente a su desesperación, puede más significativamente la muerte, ya que es asesinada en un ascensor. 
Suma para la raya. De Palma logra estilizar sus manierismos a un ritmo ascendente. Como nunca antes, nos proporciona los perfiles funestos de la sicopatología criminal, y efectúa una puesta en escena magistral, que tiene la capacidad de sugerir más allá de sus implicacias estéticas.
Gran trabajo interpretativo de Michael Caine.


Voyerismo y sexo compulsivo.

 

"Estallido Mortal" : con sus característicos picados de sugerente complicidad.

 

"Scarface" : Tony Montana ( Al Pacino), un ícono de la mafia.

"Doble de Cuerpo" : la mirada indiscreta.

 

"Códigos de Guerra" : la crítica acida y reflexiva sobre Vietnam.

"La Hoguera de las Vanidades" : la decadencia en el mundo financiero.

Con "Estallido Mortal" ( "Blow Out", 1981), especie de remake del clásico de Antonioni, De Palma ya en el cenit de su estilo, nos regala un contundente thriller con un John Travolta metido accidentalmente como testigo de un asesinato, en un complejo puzzle de oscuros intereses económicos y políticos.  
Exquisitamente calculada, la película se beneficia de los constrastes dramáticos, entre un sonidista fisgón y una organización criminal, planeada para exterminar a un hombre público de importancia. Toda la secuencia del voyeur escuchando lo que parece inaudible, es digna de ripley.
Pese a sus excesos sardónicos, "Caracortada" ( "Scarface", 1983),su particular visión del submundo del hampa, que es un remake moderno al clásico de cine gangsteril de los años treinta; con la distancia que dan los años, ha logrado asumir su valiosa radiografía al narcotráfico internacional.
Al año siguiente rodó : "Doble de Cuerpo" ( "Body double", 1984), que es una de sus películas más controvertidas, y a la vez, una de las más características de su singular estilo. 
Detrás de su crudeza sexual, el cineasta intenta descifrar la interrogante del subjetivismo de las apariencias. 
Ambas películas las comentamos en extenso, en el apartado "Obras seleccionadas".
Más tarde, vinieron "Los avispados" ( "Wise Guy", 1986), una fallida aproximación a la comedia negra; su alegato contra Vietnam en "Códigos de Guerra" ("Casualties of War", 1989) que gira en torno al secuestro y violación de una vietnamita; y "La Hoguera de las Vanidades" ( "The Bonfire of the vanities", 1990), basada en la novela de Tom Wolfe, que ha sido catalogada como su mayor fracaso, quizás porque la historia de un decadente agente de valores interpretado por Tom Hanks, no logra trascender y se queda en el bosquejo mal parido de un drama ético.


Los mafiosos y psicópatas.

"Los Intocables" : la fotografía más característica de la película, con Kevin Costner, Sean Connery, Andy García y Charles Martin Smith.

En la citada película, Robert De Niro engordó unos kilos a base de pastas, para parecerse a Al Capone.

"Demente" : John Lithgow como un psicólogo infantil con los cables pelados.

 

"Atrapado por su pasado" : en la incertidumbre de un destino fatal.

 

En la película, Sean Penn tiene un papel clave en el conflicto central.

La preciosa Penélope Ann Miller debe conformarse con lo que pudo ser y no fue.

De entre todas ellas, "Los Intocables" ( "The untouchables", 1987), una resumida visión al clásico serial televisivo, es una prodigiosa obra maestra, que desliza todas sus fortalezas de un guión intenso y unas actuaciones inolvidables, a cargo de Kevin Costner , Sean Connery, Andy García, Charles Martin Smith y Robert De Niro. 
Se trata, por cierto, de su película más taquillera, que logra empatía con el público porque convierte a Elliot Ness en un personaje vulnerable, pese a su frialdad y parsimonia al enfrentarse con la muerte.
El filme además, tiene una ambientación de época exquisita, que incorpora la figura de Al Capone ( un extraordinario De Niro ), desde los fastuosos elementos del romanticismo barroco de los viejos clásicos gangsteriles.   
Interesado en la sicopatología, De Palma insiste con "Demente"("Raising Cain", 1992), para intentar desplegar una historia sobre una personalidad múltiple.
El filme gira en torno a un psicólogo infantil ( John Lithgow), perseguido por los torturantes recuerdos de su infancia, que por celos decide matar a su esposa.
Hasta aquí la uniformidad del cuento, porque los giros, dobleces y ambigüedades se suceden uno tras otro, hasta la secuencia final desarrollada en un edificio de departamentos, donde la acción se despliega en tres direcciones distintas. Pese a su virtuosismo técnico, la cinta no logra transmitir todo el peso dramático de su protagonista, quizás , porque el filme es frente a todo, un ejercicio de estilo, más débil que sus obras capitales. 
"Atrapado por su pasado" ( "Carlito"s Way", 1994), es una nueva mirada al mundo de la mafia latina en Estados Unidos, a partir de un portorriqueño en Nueva York, que intenta alejarse de sus recuerdos pasados para reencontrarse con su mujer y rehacer su vida.
Sin embargo, el peso de sus faltas anteriores le harán vulnerable, porque el mundo ha cambiado. 
De Palma logra acertadamente retomar sus temas más recurrentes, para desarrollar un drama urbano criminalístico, que tiene a su favor las estupendas actuaciones de Al Pacino, Sean Penn, Penélope Ann Miller y Jorge Porcel.
También su extraordinario ritmo narrativo, con una estilizada puesta en escena, que acentúa un largo racconto de un alma en pena, limpiándolo o expurgándolo de sus faltas, y depositando su memoria en el cálido afiche fotográfico de un paseo turístico a Hawai. 
De Palma acomoda inteligentemente los conflictos interiores de sus personajes, para revertir situaciones importantes en climaxs episódicos como : la muerte del primo traicionado por sus compañeros de juerga, la traición de un viejo amigo minusválido, la accidentada fuga de uno de los jefes de la mafia desde Alcatraz, las excesivas fiestas de trasnochada, y la muerte final. 
Todo expresivamente detallado con el oficio y el talento de sus mejores obras cinematográficas.



Exitos Taquilleros.

"Misión Imposible" : Tom Cruise al borde de la muerte.

"Ojos de serpiente" : la insinuación sexual en un rocambolesco caso de homicidio, en medio de un pugilato boxeril.

Paréntesis obligado. De Palma se toma un recreo con oficio y vitalidad, para adaptar al cine "Misión Imposible" ( "Mission : Impossible", 1996 ), la célebre serie policial de los años 60 y 70.
Ya no está Peter Graves a la cabeza de un equipo infalible de agentes secretos. Ni existe la Guerra Fría, la Cortina de Hierro, ni siquiera la Unión Soviética. Por eso, Tom Cruise, actor y coproductor y uno de los principales mentores de esta producción de acción y suspenso,  decidió con De Palma, modernizar los caracteres y situar gran parte de la acción en Praga y Londres.
Los villanos de turno son ahora Vanessa Redgrave, como una traficante de información ultrasecreta y Jon Voight el traidor que decide exterminar su unidad especializada de espionaje, para robar un valioso CD, que incluye una lista de los seudónimos de los espías más famosos de Occidente en actual servicio.
De Palma entretiene con la historia y demuestra que, aún no pierde su virtuosismo estilístico. Dos escenas claves de su estilo : el robo de información directamente de los archivos computacionales ultrasecretos en Washington D.C. y la persecución final sobre un tren bala, que cruza por el túnel más largo del mundo sobre el Canal de la Mancha. 
Punto meritorio además, es el funcional montaje del experimentado Paul Hirsch.  
"Ojos de Serpiente" ( "Snake Eyes",1998), lo restituye como un maestro de las rocambolescas intrigas policiales. 
Nicolas Cage interpreta a un detective de Atlantic City, invitado por su mejor amigo, un coronel de la Naval americana encarnado por Gary Sinise, a presenciar una colosal jornada pugilística, en el que se disputa el cetro de los pesos pesados. En el intertanto, su amigo le comenta que irá a cuidar las espaldas del Ministro de Seguridad, muy aficionado al boxeo.
El encuentro está desarrollado con toda la garra visual que De Palma nos tiene acostumbrados. El atentado contra el Ministro en pleno desarrollo de la contienda, desencadenará el intinerario investigativo, que volverá una y otra vez, a analizar los hechos acaecidos previos al asesinato. 
Lo que el cineasta extrae de esta trágica situación es el nudo argumental del conflicto, que será a su vez, el epicentro de su revisionista manera de utilizar la cámara subjetiva. En una actitud osada para los tiempos que corren del cine actual, De Palma hace participar al espectador como nunca antes, condicionándole su mirada, al objetivo de una cámara siempre en movimiento.


Ultimos pasos.

"Misión a Marte" : la desaparición misteriosa en el planeta rojo.

 

"Femme Fatale" : la seducción ambigua por un valioso botín.

"La dalia negra" : el cine negro clásico en flamante technicolor.

"Redacted" : la mirada crítica es ahora a la guerra en Irak.

"Passion" : ahora la claqueta es para Rachel McAdams en escena.

Aprovechando el impacto noticioso que ha suscitado en la comunidad aeroespacial,  la puesta en marcha de un programa que colocará por primera vez a seres humanos en Marte, el director elabora con "Misión a Marte" ( "Mission To Mars", 2000), su primera película de ciencia ficción, desarrollando una trama, que cruza por las teorías de Asimov, 2001 Odisea en el Espacio, y la estética de los FXs digitales. 
La historia circula alrededor de un grupo de astronautas amigos, que en el año 2020 conquista Marte, aunque la primera misión desaparece inexplicablememte de la superficie del planeta rojo.
Un año después, y tras una accidentada operación, llega una nueva misión de astronautas, que establecerá un vínculo más estrecho, con la aparente vida inteligente que se oculta en el planeta, como una manera de descifrar la desaparición de la anterior misión espacial.
Mucho suspenso, largos paseos con la steady-camp, y un desenlace en las antípodas del cine fantástico, le dan un atractivo adicional, a este híbrido entre el thriller y la fantaciencia.
Vuelve a demostrar su cinefilia, sobretodo al revivir la temática del cine negro, en dos películas diferentes : "Femme Fatale" ( 2002), que es una curiosa transposición de los viejos clichés del género, a los enfoques modernos de su particular concepción estética. 
El relato sobre una extravagante modelo, que es seducida por otra mujer para hacerse parte de su valiosas joyas, integra los temas de la suplantación de identidad, y la idea del sexo como fuente de seducción materialista; y la extraordinaria "La dalia negra" ( "The Black Dahlia", 2006), un notable thriller ambientado en el Hollywood de los cuarenta y que tiene a su favor, magníficas actuaciones, recreación de ambientes y vigorosa narración clásica.
Sus últimas obras, están sometidas al cuestionamiento político y a los clichés potenciales del thriller de raíz lésbica. 
En efecto, "Redacted" ( 2007), la historia sobre el caso de violación de una adolescente iraquí y el asesinato de toda su familia por parte de un equipo de soldados americanos, basada hechos reales acaecidos en el 2006, vuelve a poner en tela de juicio, los desbordes sicológicos de los soldados en el campo de batalla, así como lo hiciera en "Códigos de Guerra", ambientada en Vietnam.
Mientras que, en "Passion" ( 2012), una coproducción franco-alemana-estadounidense, que es un remake de un filme de Alain Corneau, sobre una joven ejecutiva de cuentas, que mantiene una relación lésbica con su jefa, a la que pasa admirar pasionalmente hasta llegar al odio más lapidario, demuestra que De Palma, pese a los años, todavía mantiene su rúbrica, sus obsesiones temáticas y su acertiva forma de encarar la puesta en escena.
No está demás insistir que, estamos frente a uno de los grandes cineastas de la generación intermedia que tuvo la industria norteamericana, y que revitalizó, los conceptos clásicos del cine para subrayar la importancia que tiene la imagen en la conciencia del espectador. 
Brian De Palma es un realizador que, ha logrado sobresalir con una carrera de altos y bajos muy interesante desde el punto de vista temático y estético, y que verdaderamente se ha transformado, en un notable innovador de los recursos expresivos del cine.  


 Su estilo :

De Palma en los años ochenta.

De Palma utiliza  la temática de la violencia como un instrumento de conocimiento y como expresión romántica, sin dejar de admirar a los grandes narradores clásicos del cine. 
Perteneciente a la generación que le tocó renovar las basas estéticas y comerciales de la industria, demuestra una especial admiración por la obra de Alfred Hitchcock, al que ha tratado de imitar en innumerables ocasiones.
Como recordó una vez, Hvalimir Bálic, "De Palma es de aquellos directores en que el estilo constituye su verdadera ética. A él se puede aplicar aquella fórmula de cierto cine contemporáneo, que niega la diferencia entre el fondo y la forma, reduciendo lo esencial del trabajo del creador fílmico a las exigencias técnicas y morales de la llamada puesta en imágenes".
En su cine, tiene un valor adicional, la fotografía elaboradísma como efectismo transgresor; la banda sonora y la partitura musical.
Al respecto, una vez, el director señaló : "La música es muy importante en mis películas, porque puede alterar todo el tono emocional de una historia, especialmente en el género del thriller sicológico, en el que siempre estás intentado influír sobre el estado emocional del público. Esa es la razón por qué colaboro de forma tan intensa con el compositor. El proceso de crear la banda sonora, nos ayuda a averiguar qué elementos musicales funcionarán mejor en una película.
Yo creo que, la música no está allí únicamente para llenar los silencios, sino para ayudar a contar la historia".


Temática Recurrente :

De Palma en la actualidad.

Le interesan los conceptos temáticos relativos a la conciencia, a las personalidades múltiples, a los hechos sobrenaturales, al poder de la mente, y como ello influye en el normal comportamiento de una sociedad.
También manifiesta una abierta disconformidad con los sistemas políticos cerrados, demasiado enfrascados en las cuestiones del poder, que descuidan la naturaleza de las personas y sus necesidades vitales.
Su cine está lleno de guiños a la realidad actual. No escabulle sus preocupaciones morales, religiosas ni sociales, aunque su mirada sea descarnada e inconformista. 
Además le interesan los temas relativos al pasado irrecuperable, el presente escrutador y globalizado, y el futuro demasiado cibernético, deshumanizado y  egoísta.
Sus películas son grandes estudios, que combinan el suspenso, el miedo, la violencia, el sexo, el poder, la corrupción, la traición, la redención, la doble identidad y el sentido ambiguo de las cosas.
Gusta elaborar secuencias completas con estilizadas angulaciones y de manera aleatoria, innovar en los conceptos temáticos, insistiendo en los valores que tienen el montaje, la fotografía, la dirección artística y la música, para crear suspenso.
Cineasta moralizador, es también un gran manipulador de las emociones como lo hacía su maestro Hitchcock, intentando canalizar los temores y ansiedades de las sociedades más desarrolladas.
"Utilizo cosas con las que los espectadores ya están familiarizados para abrir el camino a los sustos", subraya.



Filmografía Fundamental :

"Carrie" : una de sus películas más características.

La carrera de Brian De Palma considera 29 largometrajes, siete cortos, dos videos documentales ( sobre la carrera del cantante Bruce Springsteen), 17 películas como guionista, seis como productor ejecutivo y cinco como editor.

Del Cine son títulos como : "The Wedding Party" ( 1967); "Murder a la mod" ( 1967); "Greetings" ( 1968); "Hi, Mom!(1970); "Conoce bien a tu conejo" ( "Get To know your rabbit", 1972); "Hermanas" ( "Sisters", 1973); "Fantasma en el Paraíso" ( "Phantom of the Paradise", 1974); "Carrie" ( "Carrie", 1976); "Magnífica Obsesión" ( "Obssession"/"Hidden room, the obssesssion", 1976); "La Furia" ( "The Fury", 1978); "Intimidades de un director" ( "Home movies", 1979); "Vestida para Matar" ( "Dressed to kill", 1980); "Caracortada" ( "Scarface", 1983); "Doble de Cuerpo" ( "Body double", 1984); "Los Avispados" ( "Wise guys", 1986); "Los Intocables" ( "The untouchables", 1987); "Pecados de Guerra" ( "Casualties of war", 1989); "La Hoguera de las Vanidades" ( "The Bonfire of the vanities", 1990); "Demente" ( "Raising Cain", 1992); "Atrapado por su Pasado" ( "Carlito"s Way", 1993); "Misión Imposible" ( "Mission : Impossible", 1996); "Ojos de Serpiente" ( "Snake Eyes", 1998);  "Misión a Marte" ("Mission to Mars", 2000); "Femme Fatale" ( "Femme Fatale"; 2002); "La dalia negra" ( "The Black dalia", 2006); "Redacted" ( 2007) y "Passion" ( "Passion", 2012).
 

Obras Seleccionadas :

"Caracortada" ( 1982).

Al Pacino logró una de sus actuaciones más destacadas.

La modernización de la obra, rodada por Howard Hawks con Paul Muni, George Raft y Ann Dvorak en 1932, le significó a De Palma insertar los problemas sociopolíticos de la era Reagan, con una mirada certera, penetrante, reflexiva, que rápidamente la convirtió en una película de culto.
El relato mantiene la estructura de la obra original, pero condiciona sus deslices delictivos a los nuevos tiempos del mercado negro, los estupefacientes, la heroína, la cocaína, en Miami en 1980 cuando Fidel Castro abre la frontera de Cuba durante un breve lapsus, y se intensifica el capitalismo como único motor del desarrollo económico. 
Al Pacino como Tony Montana, en el límite de sus exageraciones dramáticas, es el cappo de lla maffia en Miami, corrompida por la droga, que "por la capacidad de afirmarse en el mundo sin utilizar la fuerza bruta y una tendencia a mostrar su afecto, humillando a la gente que más quiere, dotan a esta película de una dimensión dramática".
El enfoque es provocativo, así como los diálogos resultan punzantes. No es difícil apuntar algunas frases para el broce como :  "¿ Saben lo que es el capitalismo ?... Que te follen!, o, "En este país , primero haces dinero. Cuando tienes dinero, te haces con el poder. Y cuando tienes poder , tienes mujeres".

Michele Pfeiffer está inolvidable como la pareja de Tony Montana.

Al visceral tratamiento de las cuestiones socio-políticas, De Palma integra un  enfoque reflexivo, que convierten "Caracortada", en una real delicia.
Según el propio Montana, "los políticos deberían abogar por la legalización de las drogas en lugar de luchar contra el crimen organizado. Porque todo aquello les proporciona buenos argumentos electorales, justifica la brutalidad de la policía y ayuda a encubrir sus propias maquinaciones. Los poderosos de este mundo, ni siquiera necesitan ser corruptos, para beneficiarse de la delincuencia organizada".
Aunque el filme considera estas reflexiones, como parte de una era determinada, Montana terminará sus días acribillado por otras mafias.
De Palma logra sobredimensionar, las raíces de los problemas de las sociedades modernas, donde lo oscuro también puede ser justificado, en nombre del poder de las hegemonías económicas mundiales. 
Esta lectura contestaria, eleva el nivel de la discusión de la película y la hace muy actual. Como el vino, mientras más añejo está concebido, mejor resulta para el paladar. 
Inolvidables las actuaciones de : Al Pacino, Steven Bauer, Michelle Pfeiffer, Mary Elizabeth Mastrantonio, Robert Loggia y F.Murray Abraham.   
Gran fotografía de John A.Alonzo, que matiza con tonos suaves las escenas románticas y con tonos duros las secuencias de extrema violencia; y la música de Giorgio Moroder.


"Doble de Cuerpo" ( 1984 ).

Craig Wasson es un actor de poca monta, con un delirio voyerista.

 

La preciosa Deborah Shelton, como la chica espiada, perseguida y asesinada.

 

El beso sexual más sobredimensionado del cine. Excelente momento efectista.

Detrás de la crudeza sexual de esta historia de fisgones, se esconde una intriga que tiene que ver, con la ambigüedad de las apariencias.
Se trata de su obra más controvertida, pero también de una de sus películas más logradas de toda su carrera. 

Mientras Craig Wasson, un actor de películas macarras y voyerista compulsivo, corre por la avenida para salvar a una chica de un apartamento, donde un asesino intenta matarla con un taladro, De Palma se inclina por metamorfosear nuevamente a Hitchcock, pero desde las implicancias modernas del gore y del terror urbano. 
Su cinta es una simbiosis entre "La Ventana Indiscreta" y "Vértigo", con un ritmo pausado pero intenso, lleno de vuelcos impredecibles, y aunque parece demasiado artificiosa, sostiene un halo de ambigüedad suficiente, como para atrapar al espectador sin denostarlo.
De paso, efectúa una mirada irónica a la producción de películas soft core ( pornográficas ), a los ambientes del fetichismo sexual  y a las burocráticas pruebas de casting, donde en largas filas, los jóvenes aspirantes a estrellas, esperan su turno para ser probados en fatigosas jornadas de ensayo.
Notablemente elaboradas son las largas secuencias de persecución ( en un centro comercial o cerca de la playa, integran planos-secuencias y cámaras subjetivas);  y las sugerencias visuales que se extraen del voyerismo sexual, juegan con la duplicidad de las apariencias.
Inolvidable es la música de Pino Donaggio, su colaborador habitual, que acentúa los climaxs con notable insistencia, y esa canción erótica "Relax" de Frankie Goes To Hollywood, que integra una secuencia clave de la película, cuando Wasson se topa con la exhuberante actriz porno, que interpreta con desenfadado humor, una principiante Melanie Griffith.
Yo me quedo siempre con la escena del baile sensual de la exquisita Deborah Shelton, modelo de "Playboy", que ejemplifica muy bien, la capacidad voyerista que tenemos los espectadores de cine, asiduos a mirar vidas ajenas a través de la pantalla grande.
Magnífica es también la labor del fotógrafo Stephen H.Burum, que para la secuencia del acalorado encuentro fortuito entre el mirón y su presa, acentúa la situación, girando la cámara sobre su eje en 360 grados, con esa vaporosa forma de plantearse el beso en el éxtasis sexual del encuentro accidental. 
Se trata de una escena digna de las innovadoras antologías del cine De Palma. 


"Ojos de Serpiente" ( 1998).

Pugna insolente que es un cara a cara.

Utilizando la cámara subjetiva para integrar al espectador en primera fila,  De Palma efectúa una de sus obras más complejas, y por cierto, una de sus más extraordinarias películas de intriga.
La acción se sitúa en medio de un combate de boxeo, donde asesinan a un Ministro de Seguridad, y la trama para ser descifrada, insistirá en presentarnos desde distintos aspectos, una y otra vez, los hechos ocurridos.
Inspirado en el "Rashomon" de Kurosawa, el cineasta envuelve las atmósferas de misterio, con el subjetivismo de visiones enmarañadas por las circunstancias de un guión, siempre resuelto a jugarnos una mala pasada.
Nicolas Cage como un detective de Atlantic City y Gary Sinise como un coronel de la Naval, se enfrentan como en el boxeo, pero la lucha es a nivel de las conciencias, de las dobles vueltas y engaños surtidos que tiene el relato.
Su combate está en las antípodas del cine de acción pueril, pues se desarrolla en el encierro de un local lleno de casinos, salones de juego y diversiones nocturnas.
La lluvia y la llegada intempestida de un huracán como elementos dramáticos, condicionan aún más, la ferocidad con que ambos personajes lucharán, por lo que creen correcto, aunque sólo uno logre el éxito.
Todas las secuencias efectuadas en contrapicado, el uso de divisiones del encuadre, y los pasos que se suceden de un escenario a otro, por simuladas murallas, o sobre los techos, no hacen sino remarcar la estilizadísima puesta en escena de De Palma.  
Es una obra singular, novedosa, sugestiva, que remite a lo mejor del estilo de su director.


"La dalia negra" ( 2006).

Cuatro vidas en conflicto.

Josh Harnett y Scarlett Johansson en el espléndido ambiente de época.

La séptima novela del escritor de relatos policiales James Ellroy, le sirvió de base argumental al guionista Josh Friedman para elaborar por espacio de ocho años, la estructura narrativa de esta magnífica película que nos devuelve a Brian De Palma en toda la esencia de sus dotes como narrador y esteta.
Basada en un hecho real que conmovió a la ciudad del cine : el asesinato y descuartizamiento de una joven aspirante a actriz, en la década de los años cuarenta, es un thriller que nos sumerge por el oscuro mundo de las perversiones sexuales, los manejos corruptos de la producción en cadena y las intrigas del poder. 

Bunchy Bleincher ( Josh Harnett ) y Lee Blanchard ( Aaron Eackard ), policías y eximios boxeadores profesionales de Hollywood, les toca investigar el caso, hasta la aparición de la sensual Kay ( Scarlett Johansson ), una femme fatale que dividirá la amistad de los profesionales.
Gracias al estupendo trabajo fotográfico de Vilmos Zsigmond ( habitual colaborador de Spielberg ), De Palma nos sumerge por una enrevesada pesadilla criminal, contrastando los momentos más elocuentes, con unas tonalidades verdaderamente sugerentes.
Rodada en Bulgaria, con la colaboración del diseñador de producción Dante Ferreti qiue reconstruye en estudio al Hollywood de aquellos tiempos, la película se caracteriza por su buen pulso narrativo, sus sólidas actuaciones y notables atmósferas, con una trama cuyas pistas y casualidades, aparecerán desperdigadas en sus dos horas de duración, para beneplácito de los seguidores del género.



Comentario:

Un maestro del thriller y del suspenso moderno.

 
"Siempre hay en De Palma robo y crimen, que son modos en que se da, la apropiación de la identidad ajena, por parte de otras personas, los psiquiatras, los medios de comunicación, la policía, los discos y grabaciones, las películas, el arte."
"Se trata de un brillante cronista de la alienación de su país, de los oscuros niveles a que puede bajar una sociedad neurotizada, pero es también un fanático del arte, de lo bello y del cine. Tal como los grandes, hace una obra que puede ser apreciada por todos. Y donde públicos de distintos niveles, hallarán diversos estímulos intelectuales, sensoriales y emocionales".

( La crítico chilena Constanza Johnson ). 



Steven Spielberg :
La Infancia permanente.

El director y la pequeña Drew Barrymore, en el set de "E.T., el extraterrestre".

Según el crítico norteamericano Andrew Sarris, Spielberg y Lucas "comparten una afición por los cuentos de hadas que les sirven, menos de ritos iniciáticos, que de alegatos por una infancia permanente".
En algun sentido, Spielberg ha demostrado a través de una filmografía contundente, su sensibilidad infantil, que marca su estilo, a través de su apego a historias preferentemente regresivas en el tiempo, nostálgicas, lúdicas, que aluden constantemente a esos años de la inocencia y la pureza original.
Steven Allan Spielberg ( nacido en Cincinnati, Ohio, en 1946), pasó su infancia en New Jersey y Arizona, donde cultivó su imaginación con la lectura de los clásicos infantiles, las películas de matiné, el cariño por la aviación, los comics, y los dibujos animados.
A raíz de la separación de sus padres, Steven se fue a vivir con su madre, que era pianista, y descubrió su afición por los clásicos de la música, algo más influyente en la sólida amistad laboral que tiene con el compositor John Williams, colaborador habitual desde "Tiburón" en todas sus películas. 
Con una cámara de 8 mm., Spielberg comenzó a grabar sus primeras películas, y a los trece años, ganó un concurso con un relato bélico titulado "Escape to nowhere".
Más tarde, filma en 16 mm "Firelight", un relato de ciencia ficción donde por primera vez, confronta las fuerzas de seguridad nacional con monstruos del espacio, en un antecedente directo de lo que desarrollaría cuando adulto con "E.T.", "Encuentros Cercanos" o "La Guerra de los Mundos".  
Sus biógrafos anotan que, su padre arrendó el cine de Scottsdale, el pueblo de Arizona donde vivía, proyectó la película y en una noche recuperó los 500 dólares que le había costado la producción.
Su arribo a California, no fue del todo satisfactoria. Sin lograr ingresar a la UCLA para estudiar Cine, debió conformarse con sacar un título en inglés en la California State University. Hasta que "Amblin", un corto de 24 minutos efectuado en 1969, le permitió obtener un contrato de siete años con la productora MCA-TV. 
Su carrera entonces, la inició dirigiendo series de televisión como "Galería nocturna" ( un episodio espeluznante titulado "Eyes" con Joan Crawford y Ossie Davis ); Marcus Welby y Columbo.

Primeros Tiempos.

"Reto a la muerte" : la persecución mortal.

"Loca Evasión" : otra vez la carretera y la idea de las persecuciones.

Su debut para la misma MCA, fue supervisando el thriller B para televisión, "Reto a la muerte"/Duelo" ( "Duel", 1972), con Dennis Weaver perseguido por un camión blindado, que revela sus condicionantes de niño-adulto, ingenuo y asexuado.  
El filme gira en torno a David Mann ( Weaver) , un agente comercial que es un hombre muy inseguro, común y corriente, que no tiene estabilidad emocional ni con su mujer, ni con sus amigos, y que es asediado constantemente por un camión que intenta matarlo en la carretera.
El ritmo del filme, adquiere un frenesí que asegura su tremenda sutileza para manejar los conceptos del thriller y del suspenso. 
Y lo más importante es que, Spielberg al remarcar las emociones del personaje, nos logra hacer creer toda la carga angustiosa que vive David dentro de su automóvil, sin ofrecernos el mínimo de respiro. 
A su vez, la presencia casi fantasmal del camión, termina por impresionar en la línea de lo que trataría después "El Auto" ("The Car", 1976), otra interesante cinta B de terror y suspenso.   
La maestría de Spielberg, se sostiene cuando evita los diálogos para darle mayor realce a las acciones, subrayando el uso del montaje paralelo y transformando la película en una verdadera pesadilla de ribetes apocalípticos. 
Su siguiente película es una "road movie", "Loca Evasión" ( "The Sugarland Express", 1974), su debut oficial para el cine, que se desarrolla sobre la idea de la búsqueda desesperada de una madre ( Goldie Hawn), tras su pequeño hijo. 
A la mujer, que es una presidiaria, le persiguen por la carretera un sheriff astuto y la mitad de la policía de Texas, con lo que, el cineasta se asegura que tendrá, toda la adrenalina suficiente para intensificar los climaxs de persecuciones y mantener la intensidad en la fuga.
El filme destaca por la notable fotografía de Vilmos Zsigsmond que le saca partido a los exteriores, y a los espectaculares choques, precedentes absolutos de la serie "Duques de Hazzard" y de las correrías en secuelas de "Cannonball Run". 


El Midas de las Taquillas.

"Tiburón" : tres hombres y un destino.

"Encuentros Cercanos del Tercer Tipo" : la probabilidad de un contacto es efectiva, según Spielberg.

 
Antes de ser adaptada al cine por Spielberg, "Tiburón" ( "Jaws", 1975) era un best seller de Peter Benchley, tan popular como "La Cabaña del Tío Tom". 
Llevar a la pantalla grande, la cruenta historia de un escualo gigante que ataca las costas de Amityville, no fue tarea fácil. 
Desde luego, significó asimilar los intereses globales de un relato, para insertar el lado terrorífico tan propio del cine de Hitchcock. Pero además, hacerlo accesible a todos los públicos.
A su historia demasiado obvia, Spielberg le integra una tensión in crescendo, que obliga a no moverse de la butaca, porque ¿ En qué momento aparecerá el tiburón ?
Como el maestro inglés, el director americano opta por mostrarnos, los distintos accidentes que devienen en el climax final, cuando el trío de protagonistas masculinos ( Richard Dreyfuss, Roy Scheider y Robert Shaw ), se enfrenten cara a cara con el escualo gigante.
La sensación de miedo, claustrofobia y ansiedad compulsiva, hacen de la película una aplicadísima fórmula, que habría de nutrir buena parte del cine de terror en los ochenta.
"Encuentros Cercanos del Tercer Tipo" ( "Close Encounters of the third kind", 1977- Edición Especial estrenada en 1980), es su película más personal a la fecha. 
Realiza un acabado análisis a la familia norteamericana de clase media, una mirada indulgente y casi religiosa a las fuerzas desconocidas de otros mundos, y una conjunción perfecta de la música de John Williams, los efectos especiales de Douglas Trumbull y la fotografía de Vilmos Zsigmond, William  A.Fraker y Douglas Slocombe.  
Aquí dos hombres, luchan por establecer comunicación con sus obsesiones : Claude Lacombe, interpretado por el realizador Francois Truffaut , que intenta comunicarse con los seres extraterrestres utilizando cinco toques mágicos de música; Roy Neary ( Richard Dreyfuss ), un empleado de la Compañía Eléctrica que tiene una pésima relación con su esposa y sus hijos, y que cae en una obsesión autodestructiva, hasta reencontrar el amor familiar, en la desesperada búsqueda de una madre, que ansía que le devuelvan a su hijito cooptado por los seres de otro mundo. 

 

Los visitantes de otros mundos están detrás de la puerta.

 
Los momentos más spielbergnianos, están en los dibujos certeros que hace de los comportamientos familiares. El retrato de la familia de Neary, es cínico, burlesco, irónico, donde es incapaz de ser comprendido en sus dilemas paranormales.
Nuevamente se remarca la idea del viaje, como motor del crecimiento personal, de la experiencia que madura en su trayecto.
Se repite la idea de la carretera perdida de "Duel" y "Loca Evasión", y los ritos de la iniciación en la aventura sin retorno. 
Como nunca antes, se retrata a los extraterrestres como niños benditos, seres angelicales venidos de otros lugares, abiertos a la redención de la propia Humanidad. 
Recuerden la escena del "jefe de Ets" con los brazos abiertos, como si fuera el Sagrado Corazón de Jesús, una icónica figura que antecede al propio "E.T."
"Encuentros Cercanos", conmueve y emociona a partes iguales, porque tiene una narración sencilla y transparente. 
La Edición Especial, alarga el encuentro de los  OVNIS con los humanos, y la secuencia de la conferencia de prensa de los "tocados" por la obsesión de llegar a la "Torre del diablo", presupone un fuga para encontrar las respuestas al enigma. 


Héroe de la Aventura.

Indiana Jones se transformó en un ícono del cine de aventuras.

 

En la primera película, Harrison Ford aparece con la estupenda Karen Allen.

  

"Indiana Jones y el Templo de la perdición" con el niño Ke Huay Quan.

 

"Indiana Jones y la última cruzada" aparece con Sean Connery como su padre.

 Spielberg y los actores de "Indiana Jones y la calavera de cristal".

La película "1941" ( 1979) fue su primer paso en falso. Proclive a la ostentación hollywoodiana, Spielberg aceptó rodar esta comedia bélica muy satírica, enteramente realizada en estudios, donde se reconstruyó Los Angeles de los cuarenta, para arremeterla con una supuesta invasión nazi-japonesa ( actúan Toshiro Mifune y Christopher Lee, en abierta complicidad con el director ).
El formato de CinemaScope, le permite incluír todos los elementos que va a intervenir en esta ambiciosa producción. 
Hay grandilocuentes números de baile coreografiados, muchísima estética de las viejas películas bélicas y musicales, y una enorme variedad de personajes y acciones, que desencadenarán en una gran explosión final subversiva y estrambótica.
La película es como una "tomadura de pelo" a los clichés del género, pero también un costosísimo chiste visual, que no entusiasmó, ni a la crítica, ni al público. 
"1941" únicamente revela que los millones de dólares no hacen grandes películas. Faltó un guión más trabajado y una historia más verosimil, quizás por esto, Spielberg no volvió a la comedia.
Las tiras comicas de "Terry y los Piratas" de Milton Caniff, los alardes aventureros de Errol Flynn y Tyrone Power, y los ambientes exóticos de "Las Mil y unas Noches", Alí Babá" y "Tarzán de los monos", parecen confluír en la creación de "Los Cazadores del Arca Perdida" ( "Raiders of the lost ark", 1981), la primera de cuatro aventuras del arqueólogo Indiana Jones, un personaje creado por George Lucas y Philip Kaufman.
Como remarca el escritor y crítico Alberto Fuguet : "Asumiendo el estereotipo y el cliché como tales, la cinta es un constante rescate de último minuto. Cada cinco minutos Indiana Jones ( interpretado con gran humor por Harrison Ford ), debe recurrir a todo su ingenio para salvar su vida o la de su chica ( con la que lleva una relación absolutamente asexuada ). Como siempre el filme posee una estupenda ambientación y una realización técnica impecable. El éxito del filme puso a Spielberg, a la cabeza de los directores para públicos infantiles, especialista en películas de matiné, creador de fantasiosos mundos que esconden no tan solapadamente, una xenofobia no tan alejada del racismo y una muy particular e ingenua mirada al mundo de los adultos". 
El personaje de "Indiana" conocerá tres aventuras adicionales, y cada una de ellas evolucionarán hasta dar con la suspicacia de integrar a un hijo, que relegará con el tiempo, las peligrosas misiones de su padre.
Características centrales de : "Indiana Jones y el Templo de la perdición" ( "Indiana Jones and the Temple of doom", 1984); "Indiana Jones y la Ultima Cruzada" ( "Indiana Jones and the Last Crusade", 1989) e "Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Cristal" ( "Indiana Jones and the Kingdoom of the Crystal Skull", 2008), son su vertiginosa forma de encauzar la acción, el misterio y la aventura; su humor, irónico y corrosivo; sus secuencias de peleas y enfrentamientos, altamente sofisticadas y estilizadas, y sus ambientes exóticos que pasan de la idealización a la utopía de las culturas aborígenes.  


Amigo de las Estrellas.

La película más personal de la carrera del cineasta.

"El Color Púrpura" : sólo permite verificar que, el corazón del director está del lado de los desamparados.

Con "E.T.el extraterrestre" ( "E.T. the extraterrestrial", 1982) Spielberg logra su primera obra cumbre, con el sello inconfundible de Walt Disney y Georges Meliés.
No sólo es capaz de contar una historia infantil y sojuzgar los deberes a los que se ve expuesto Elliot ( Henry Thomas ), un niño de once años, constantemente sometido a la burla de sus compañeros de juegos, e incomprendido en su familia, donde el padre ausente ( otra vez, la diusfuncionalidad paternal ), es reemplazado en la imagen idílica del director, por un ser proveniente de otras galaxias.
Sino más bien, de lograr un relato intimista conmovedor, donde la infancia parece ampliada hasta el infinito. 
En su falta de pretensiones, Spielberg aclimata una cálida mirada al comportamiento infantil, y edifica una historia de amistad y amor extraterrenal, que no tiene parangones en la historia del cine. 
Hay en cada secuencia, en cada sutil escena, un paulatino y autoreferente desgarro, un aparente ajuste de cuentas de Spielberg con su propia infancia de hijo de padres separados, y una emocionalidad visceral, que aumenta hacia el desenlace como un éxtasis o una expurgación de sentimientos escondidos en una terapia. 
Se trata de su película más personal, pero también de su cinta más edificante.
Después estrena : "El Color Púrpura" ( "The color purple", 1985), que puede ser un interesante drama racial, pero el cineasta buscando la respetabilidad de la Academia, efectúa un relato disfuncional, demasiado alargado por sus fines estéticos y con una temática que poco le interesa.
Fuguet sostiene que esta película está "llena de situaciones forzadas, subrayadas a más no poder. La opción de presentar a Celie, la protagonista , como una niña, una ET negra, no sólo es deplorable sino que de poco sirve para desarrollar la historia de la liberación de una mujer no tanto de los blancos sino de los hombres de su propia raza. Temeroso de los asuntos conflictivos, Spielberg anula el tema del lesbianismo, vital en la novela, y opta por el costumbrismo criollo".


La fascinación por los aviones.

"Imperio del sol" : Christian Bale debuta en el cine.

"Siempre" : historia de amor con ángeles.

"Hook" : las aventuras de Peter Pan de regreso a la Tierra del Nunca Jamás.

"Imperio del Sol" ( "Empire the Sun", 1987), lo reafirma en el espectáculo visual como un midas realmente sobrecogedor.
La película narra las peripecias de un niño británico ( el debutante Christian Bale ), abandonado a su suerte durante la invasión japonesa en Shangai en 1941, y está basada en la novela de J.G.Ballard.
El filme desarrollado con una limpieza majestuosa, recoge la fascinación que siente el pequeño Jim por los aviones ( Spielberg y sus recuerdos de niño ), pero integra la desolación casi suicida de un chico, que debe arreglárselas para sobrevivir en medio de la hecatombe bélica.
Las fascinación por el vuelo lo mantiene relativamente inspirado en su reclusión, junto a un puñado de personajes secundarios, y Spielberg luce su estética con la brillantez del colosalista audiovisual.
Se trata de una película coherente con el universo del cineasta, que pese a ciertas debilidades en su desarrollo argumental ( la relación entre lo real y la fantasía es débil ), logra convertirse en un espectáculo visual inolvidable, que traduce los recurrentes gustos del director por los aviones, y lo acerca por primera vez, al universo adulto, que habría de traducir despúes en sus relatos bélicos : "La lista de Schindler" y "Rescatando al Soldado Ryan". 
"Siempre" ( "Always", 1989) , que se recuerda como el último trabajo interpretativo de Audrey Hepburn, es un relato de amor celestial, nunca tan contundente, pese a su melosa simplicidad y su lograda relación con los ángeles del cielo.
De regreso a sus mejores lides como artesano eficaz de relatos infantiles, efectúa su visión personal al cuento de "Peter Pan" remozado para "Hook" ( "Hook", 1991), donde sobresale Dustin Hoffman como el Capitán Garfio.
Los mejores momentos de esta nueva aventura en las Tierras del Nunca Jamás, ocurren en una dimensión donde los niños disfrutan de los juegos al aire libre, mientras Robin Williams intenta no desbancarse a una Campanita celosa y sufriente. Otra vez, aparece Spielberg crítico y ofuscado, por la paternidad no asumida, de un hombre demasiado sometido a sus intereses económicos y laborales, que a la crianza de sus propios hijos. 


Nueva obra maestra.

"Jurassic Park" : cuando los dinosaurios dominaban la tierra.

 

En la medida de lo creíble, los FXs que simulan saurios son de antología.

 

La superestrella de la película : el Tiranosaurio Rex.

"Jurassic Park" ( 1993) es su segunda obra maestra en el terreno de la fantasía y la ciencia ficción. 
Reviviendo los tiempos prehistóricos a propósito de un ambicioso proyecto ecológico patrocinado por un multimillonario, Spielberg utilizando nueva tecnología en FXs logra recrear el mundo prehistórico, con la fascinación de estar descubriendo un nuevo mundo como Colón.
Detrás de su parafernálica ostentación de recursos audiovisuales, está el dominio perfecto del género de la fantasía y del terror.  
Inolvidables los momentos de los brontosaurios aullándole a la luna llena, y el Tiranosaurio Rex atacando en descampado a los protagonistas, sin olvidar las maravillosas secuencias con los niños perseguidos por otros saurios de realismo sobrecogedor.
Es Spielberg es la gloria de sus dotes como narrador efectivo y efectista. Nada escapa a su certero relato : científicos ambiciosos, plutócratas egoístas, Sam Neill como un hombre que odia la presencia infantil y rehúye  a los niños para terminar aceptándolos; Jeff Goldblum un narcisista compulsivo, que se vanagloria de sus dotes machistas y que enfrenta con una soltura abismante el ataque de los saurios; y un abuelo queredón de sus dos nietos, pero demasiado arribista en sus fines ambientales. La chica, Laura Dern es el catalizador en las relaciones entre los personajes masculinos adultos, y parece más cercana a un Indiana Jones femenino que a la idea de la amazona ardiente.  
La premisa de "Jurassic Park" conocerá dos continuaciones , la segunda de las cuales "El Mundo Perdido" ( "The Lost World".Jurassic Park", 1997) también dirigirá Spielberg, prodigando ahora la salida de nuevos saurios en una réplica de la isla anterior.


Recuerdos de Guerra.

"Amistad " : la épica y el sentido crítico de Spielberg.

 

"Rescatando al soldado Ryan" : acción y suspenso bélico.

  
"La lista de Schindler" ( 1994), es su primera obra madura sobre el holocausto judío, y revitaliza su filmografía abriéndola a sus recuerdos más oscuros respecto a la guerra y a la devastación humana.
De ella, hablamos en el apartado Obras seleccionadas.
 "Amistad" ( "Amistad", 1997), retoma su gusto por la épica histórica. 
El filme ambientado en 1839, reconstruye los hechos que llevaron a un grupo de africanos a América, trasladados clandestinamente a bordo de Amistad, un pequeño navío.
Las fascinación que siente Spielberg por el relato, nos descubre un hecho judicial y político que tuvo resonancias insospechadas, y que hoy se puede entender como parte de una trilogía que también conforman "El Color Púrpura", y "Lincoln".
"Rescatando  al Soldado Ryan" ( Saving Private Ryan", 1998), es una innovadora película de guerra, que integra al espectador desde sus categóricos y antológicos minutos iniciales con el desembarco de Normandía, rodado como si fuera un documental y con un realismo sangriento apabullante.   
La película considera el rescate de un soldado por parte del Capitán Miller ( Tom Hanks ), a la postre, el último sobreviviente de una vasta familia, cuyos hijos han muerto todos en actos de servicio.  
La pregunta ética que se eleva del conflicto dramático, tiene que ver con la entrega a la profesión, y a los valores castrenses.  
¿ Realmente vale la pena arriesgar la vida de ocho soldados por salvar uno de la muerte, en medio de un territorio invadido por las tropas nazis ? 
El filme de aliento épico y nacionalista, superpone también un sesgo humanista y pacifista, pese a los exarcerbados momentos de violencia; y considera algunos instantes realmente conmovedores, como cuando un puñado de secretarias escriben cartas de condolencias a las familias americanas que han perdido un ser querido en el campo de batalla. 
A nivel narrativo, en casi tres horas de duración, Spielberg demuestra conocer su oficio, integrando su mirada personal al conflicto bélico, y potenciando la emocionalidad con las escenas de acción, sin descuidar los detalles en las ambientaciones de época, el montaje, la música y la fotografía.  

El nuevo milenio. 

"Inteligencia Artificial" : niño humano y niño robot.

En el set con el prodigio Haley Joel Osment.

 

"Minority Report: Sentencia previa" : la informática al servicio de la ley.

El siglo XXI lo inicia Spielberg con uno de sus proyectos más ajenos, que hereda del fallecido Stanley Kubrick.
La adaptación de la novela de Brian Aldiss "SuperToys Last All Summer Long" titulada  "Inteligencia Artificial" ("Artificial Intelligence : AI", 2001), es una nueva lectura al cuento Pinocho de Collodi, y con la que Spileberg logra una de sus cintas más hermosas y sensibles.  
No sólo recupera su fascinación por el cuento de espíritu infantil, sino que demuestra un ansiosa y oculta paternidad ( maternidad ) que remarca la desesperada huída de un niño robot en la búsqueda de su madre humana. 
Toda la película se circunscribe a la tremenda actuación del notable prodigio Haley Joel Osment, que evita pestañear en cámara, para demostrar que es un híbrido cibernético.
Como nunca antes, Spielberg consigue dotar a su película de un ambiente dark, tenebroso, oscuro y marginal, solo encendido en sus anacrónicas insinuaciones con extraterrestres, en un mundo ya desaparecido. 
"Minority Report: Sentencia Previa" ( "Minority Report", 2002), es la adaptación de una novela de Philip K.Dick, escrita como cuento en la revista "Fantastic Universe", y que se desarrolla en Washington D.C. en el año 2054, cuando un selecto grupo de policías, guiados por tres videntes que habitan en el sueño de la leche amniótica de una Corporación de alta seguridad, combaten el delito y el crimen, antes de que éstos se produzcan. 
Gracias a la facultad de los "pre-cogs", John Aderton ( Tom Cruise ), el jefe del escuadrón , logra detener a un marido desconsolado que intenta ultimar a su mujer, después que descubre que ésta le engaña con otro hombre, en el dormitorio de su hogar.
La Unidad de pre-crimen es el resultado de una experimentación supervisada por el veterano Max Von Sydow, que ha logrado prevenir el crimen en Estados Unidos.
Todo parece en su sitio, hasta que Anderton, fracturado por la muerte de su hijo de seis años, descubre un complot detrás de la operación de precrimen. 
A la imaginería que Spielberg despliega en escenarios realmente cautivadores, agrega un suspenso y un sentido de la acción, que logra condimentar una salsa realmente intensa y refrescante.  

"Atrápame si puedes" : la estética de una época en medio de una intriga de suspenso basado en un caso real.

"Atrápame si puedes" ( "Catch Me If You Can", 2003), es un thriller basado en la historia real de Frank W. Abagnale Jr. (Leonardo Di Caprio), un joven estafador que se hace pasar por piloto, abogado y médico, con la facilidad del convencer a medio mundo de ejercer dichas profesiones. 
Spielberg analiza la sicología de este singular personaje, hijo de un matrimonio divorciado, y nos enrostra la orfandad social que sufre su "anti-héroe", en un mundo donde sólo valen las apariencias.
Ambientada en los sesenta, el filme es un drama intimista, sensible y conmovedor, que asume el itinerario delictual de un adolescente de 16 años que, por las circunstancias llegó a valerse así mismo, buscando la figura familiar en situaciones erráticas. 
Veteranos actores como : James Brolin, Martin Sheen y Christopher Walken, ayudan a entender el comportamiento de un hombre inteligente, que dejó de se sentirse perseguido, cuando se dedicó a trabajar con sus agentes de seguridad, al revelar sus amplios conocimientos en la estafa y la falsificación de cheques bancarios.
En efecto, su contraparte, que le pisa los talones es Carl Hanratty ( Tom Hanks ), un agente de la FB, que terminará por admirar las intrincadas fórmulas con que el joven burla sus propios esfuerzos de captura. 
La película es una gozada estética, que recobra el cromatismo de las películas de espionaje de los años sesenta y acentúa su vigor, en función de una estilizada puesta en escena, donde destaca el diseño de producción, los decorados de época, el vestuario y la arquitectura. 

"Terminal " : un cuento para adultos en el ambiente de un aeropuerto internacional.

"La Guerra de los Mundos" : Tom Cruise luchando con su familia, contra una invasión alienígena.

"Terminal" ( "The Terminal", ,2004), insiste con Tom Hanks, uno de sus actores fetiches, ahora interpretando a un viajero que llega al aeropuerto JFK en Nueva York, y que por una serie de tecnicismos burocráticos, se le hace imposible regresar a su país o ingresar en Estados Unidos.
El hombre atrapado en el suntuoso lugar, conseguirá trabajo, una chica que le ama y unos amigos que realmente le valoran, sin llegar a colocar un pie dentro o fuera del sistema territorial.
Filme menor dentro del conjunto de su obra, resulta una placentera comedia de iniciación, tras la búsqueda de los perfiles que caracterizan a América del Norte. 
Agradable y muy dulce en sus cometidos metafóricos, se insinúa como la vertiente de un nuevo torrente que Spielberg no ha utilizado en demasía.
Su tono positivista, se diluirá en las sombras de la remake de "La Guerra de los Mundos" ( "War of the Worlds", 2005) , con Tom Cruise como padre indulgente, que con sus hijos, se enfrenta a una invasión marciana, tal como décadas atrás lo insinuó el clásico de sci fi de los cincuenta de Byron Haskin, tomando como base el material literario de la célebre novela de H.G.Wells.  
A su favor, el filme tiene un acabado ritmo narrativo, condescendiente a los propósitos terroríficos del relato, una extraordinaria modernización estilistica que comprende magníficos diseños de naves y alienígenas;  FXs de última generación y grandes actuaciones.
Rápida y entretenida, es una gran matiné que revisiona los clásicos del género con una fórmula probadamente eficaz.

"Munich" : el deporte, las Olimpiadas, la vida y la muerte.

"Munich" ( "Munich", 2005), es una recreación del controvertido caso del asalto y posterior asesinato de la delegación israelí durante los Juegos Olímpicos de 1972 en Alemania, que el realizador efectúa con notable soltura y corrección narrativa.
El filme se desarrolla sobre las circunstancias que lleva un grupo de espías a buscar a los ejecutores de la matanza para asesinarlos.
Es un viaje de muerte por Roma, París, Beirut, Atenas, Londres y Tarifa en la costa española, lo que le permite al cineasta, incluír atractivas imágenes de cada ciudad y acentuar los esquemas del thriller de espionaje con astucia y solvencia. 
Spielberg concentra todo el peso dramático, en la figura de Arner Atorch ( Eric Bana), que se debatió entre el cumplimiento del deber y la estabilidad familiar. 
A su alrededor, un pequeño equipo de "sicarios" ( entre los que sobresalen Ciaran Hinds y Daniel Craig ), construirán el material melodramático del que Arner no podrá escapar. La película tiene varias lecturas. 
En el esfuerzo de colocarse de un lado u otro, el realizador asume la violencia terrorista como un sacrificio inútil. 
A veces, asemeja un títere, sin pies, ni cabeza ( como en el caso de la holandesa ejecutada ), y en otras ocasiones, se caracteriza por incluír demasiados fanatismos ideológicos y diferencias culturales en choque de muy larga data.
La película se alza como una visión muy adulta,  que funciona excelentemente bien como cinta de espionaje, porque integra las complejidades de un mundo globalizado, las rivalidades y ambiciones del poder, y los desaciertos ideológicos que han llevado al hombre al exterminio.

"Las Aventuras de Tin Tín" : un Indiana Jones en animación digital.

"Caballo de Guerra" : el amor por los animales.

"Lincoln":  las intrigas de la política  americana en una épica intimista.

De sus últimas obras : "Las Aventuras de Tintín" : El Secreto del Unicornio" ( 2011), parece ser una incursión en la animación, denostada por transformar el célebre personaje del comic en una nueva Indiana Jones, pero es entretenida y muy vertiginosa. Una cinta ideal para pasar el rato, con el frenesí de los videogames.
"Caballo de Guerra" ( "War House", 2011), es una visión romántica sobre los viejos filmes irlandeses de John Ford. 
Parecerá demasiado estéril quizás, en su conocida trama del caballo amistoso que, un joven desea recuperar a toda costa, en medio de la debacle de la Gran Guerra; pero su formalidad estética, es realmente sobrecogedora.
Se trata de una cinta muy spielbergniana por su emocionalidad, su marcado lirismo épico y su cuidada recreación de época. 
Finalmente, este año pudimos conocer :"Lincoln" ( 2012), que se concentra en los esfuerzo del mítico presidente norteamericano ( notablemente interpretado por Daniel Day Lewis ), por lograr que el Congreso le apruebe la ley que elimina la esclavitud. 
Es un filme correcto, tremendamente expositivo, detallista en su conjunción de intrigas y ejercicios burocráticos; y que remarca el verdadero rostro que tiene el mundo de la política. 
Spielberg además, dimensiona la figura de Lincoln, con todas sus frustraciones, recuerdos y ambiciones; y se da tiempo para integrar, la relación que tiene con sus hijos y su mujer ( una magnífica Sally Field ).
Hay en esta notable suspicacia, el deseo conciente de establecer, un equilibrio entre los distintos actores que arman día a día los destinos del mundo. 
Sin duda, a su manera, Spielberg ha logrado ser un cineasta conciente de sus virtudes y defectos. Quizás, el único que mejor conoce los gustos y preferencias del espectador. 
Es en este proceso de acercamiento, que sus películas nos parecen tan familiares. Una fama mantenida con el tiempo, que ha logrado abrirse a otros estadios de su propia naturaleza, como los dramas bélicos y los filmes de época.  
Un artesano eficaz, un maestro con un extraordinario olfato comercial, y un notable narrador audiovisual, que ha nutrido al cine norteamericano de nueva sabia creativa. 
Simplemente la marca "Spielberg" tiene su espacio brillante en el desarrollo de la historia del Cine industrial.-

Su estilo :

El cineasta buscando el encuadre perfecto.

 
El cine de Spielberg, busca preferentemente la entretención y la diversión, a partir de la emocionalidad de sus relatos.
Sus recuerdos de la infancia, y más aún, lo que le hubiese gustado que fuera su niñez, están plasmados brillantemente en sus películas. 
De ahí que su visión de los personajes, sea fundamentalmente "virginal", negando sus impulsos sexuales en aras de una percepción infantil maníquea y primigenia.
En su puesta en escena abundan los desvalidos, carentes de la figura paternal, los héroes condicionados a los esquemas de la aventura, imperfectos y con un pasado nunca muy categórico, y que en encuentran en el desafío con la muerte, un leit motiv a sus propios conflictos internos.
Spielberg gusta de los géneros más populares como la acción, la aventura, la fantasía, la ciencia ficción y el relato bélico, porque cree reconocer en ellos, las preferencias más característica del espectador medio. 
Pese a la gran cantidad de simbólicos momentos que lo acerca a la fé cristiana ( E.T. parece extraído de los íconos del Sagrado Corazón de Jesús; los extraterrestres de "Encuentros Cercanos" parecen ángeles del cielo; el millonario de Jurassic Park tiene la figura de un nuevo Papá Noel), Spielberg se muestra muy crítico respecto a la actitud que tiene el hombre con el mundo.
El crítico René Naranjo apunta al respecto : "La falta de fé que demuestra Spielberg en el hombre ( en tanto ser complejo, sexualizado y contradictorio), lo obliga a fijar las posibilidades de redención de éste y del mundo en lo que pueda venir desde el cielo. Cierto es que, lo que hay bajo tierra y agua en sus películas, es bastante horrible y es verdad que el cineasta ha prolongado tales conceptos en varias de las cintas que ha producido y coescrito  ( los terrores de las galerías subterráneas en Los goonies, el cementerio que sale a flote en Poltergeist, la secta que sacrifica humanos en El Secreto de la Pirámide ), pero ello no surge tanto de una concepción religiosa del universo, como de una muy profunda decepción de la realidad. Escapar de lo terrestre y de todo lo que ello connota, regresar al estado virginal y paradisíaco de la infancia o encontrar en lo terrestre, la alegría y el consuelo, parece ser la obsesión perpetua de Spielberg".
Aún en sus cintas más edificantes como "Siempre", "La Terminal" y "Caballo de Guerra" hay un soplo de melancolía, que lo recompone como un inconformista nato, que busca en los pequeños placeres de la vida, una razón más valedera para existir y lograr la felicidad.

 
Temática Recurrente :
 

El realizador con su compositor musical habitual, John Williams.

 
Su insistencia de estar del lado de los desposeídos, los maltratados por la guerra, los abandonados por la familia, los desamparados de amor y paternidad, y de todos quienes a pesar del sufrimiento, no tienen otra opción que escapar a otros mundos, buscando lo que aquí se les ha negado.
Sus héroes de la aventura o la guerra son realmente seres vulnerables, llenos de matices dramáticos, que perpetúan su ansiedad de reconocimiento en la lucha denodada por otros, que están peor que uno. 
Cuando avisora la familia americana constata su disfuncionalidad, por lo general con la marcada ausencia del padre, aún en situaciones fantásticas, donde reemplaza la orfandad por la clemencia de un ser extraterrestre, la súplica de un niño robot por tener la posibilidad de pasar un día con su madre idealizada, o la dicha de amplificar el rol de la madre en circunstancias extremas.
Maestro de los miedos y las ansiedades de las sociedades desarrolladas, es también un certero crítico de la constitución familiar, de la intriga del poder, de las enrevesadas formas que adquieren los idealismos y  sus consecuencias.
En sus películas no evoca terrores abstractos o legendarios, sino los miedos cotidianos que le han asaltado toda la vida. De esta forma, el cine es para Spielberg una especie de catarsis para exorcizar sus propios temores, que también identifican a la mayoría.

Filmografía Fundamental :

Mosaico son sus películas más destacadas.

La carrera de Spielberg considera : como director casi cincuenta largometrajes, como productor 150 películas, series de televisión, documentales, cortos y largos; como guionista 21 títulos y como editor, ocho trabajos audiovisuales.

Para el cine, ha dirigido los siguientes títulos :
"Loca Evasión" ( "The Sugarland Express", 1974); "Tiburón" ( "Jaws", 1975); Encuentros Cercanos del Tercer Tipo" ( "Close Encounters of the Third Kind", 1977); "1941" ( 1979); "Cazadores del Arca Perdida" ( "Raiders of the Lost Ark" ( 1981); ""E.T., el Extraterrestre" ( "ET.the extraterrestrial", 1982); "Al Filo de la Realidad" ( "Twilight zone, the movie", 1983, segundo cuento titulado "Kick the can"); "Indiana Jones y el Templo de la Perdición" ( "Indiana Jones and rhe Temple of Doom", 1984); "El Color Púrpura" ( "The Color Purple", 1985); "Imperio del Sol" ( "Empire of the Sun", 1987); "Indiana Jones y la última cruzada" ( "Indiana Jones and the last crusade", 1989); "Siempre" ( "Always", 1989); "Hook" ( "Hook", 1989); "Parque Jurásico" ( "Jurassic Park", 1993); "La lista de Schindler" ( "Schindler list", 1993); "El Mundo Perdido" ( "The lost world : Jurassic Park", 1997); "Amistad" ( "Amistad", 1997); ""Rescatando al soldado Ryan" ( "Saving Private Ryan", 1998); "Inteligencia Artificial" ( "Artificial Intelligence; AI", 2001); "Minority Report: Sentencia previa" ( "Minority Report", 2002); "Atrápame si puedes" ( "Catch Me If You Can", 2002); "La Terminal" ( "The Terminal", 2004); "La Guerra de los Mundos" ( "War of the Worlds", 2005); "Munich" ( "Munich", 2006); "Indiana Jones y la Calavera de Cristal" ( "Indiana Jones and the Kingdoom of the Crystal Skull", 2008); "Las Aventuras de Tin Tín : El Secreto del Unicornio" ( 2011); "Caballo de Guerra" ( "War Horse", 2011) y "Lincoln" ( "Lincoln", 2012).  
 
Obras Seleccionadas :

"E.T. el extraterrestre" ( 1982). 

Como el padre de E.T.

 

Henry Thomas, Drew Barrymore y Robert MacNaughton en una escena de la película.

 

Los actores infantiles sin maquillaje.

Su primera gran obra maestra es un cuento fantástico escrito en conjunto con la guionista Melissa Mathison, que es una historia de amor fraternal entre un niño , Elliot ( Henry Thomas ) y un ser venido de lejanas constelaciones.

Spielberg está tan identificado con la historia que parece ser "un ajuste de cuentas con su propio pasado", debatiendo la ausencia de un padre en una familia disfuncional, donde la madre debe valérselas por sí misma con el trabajo, la casa y los niños.
La mirada del director es realmente nostálgica y pavorosa, y asume conocer bien el mundo de la niñez, sin perder la óptica que estamos frente a una aventura extraordinaria. 
Las referencias a la cultura pop de su tiempo y a las costumbres americanas pasan por un detallado inserto de aspectos cotidianos ( los niños no se pierden "Plaza Sésamo" por la televisión, o los grandes clásicos como "El Hombre Tranquilo" que E.T. remeda mientras está borracho de tanto tomar cerveza; las tiras cómicas en los diarios incluyen a "Buck Rogers", que inspira la radio con la que se contacta el alienígena; se muestra la vida en construcción de un suburbio en la época floreciente de las casa habitacionales individuales, espaciosas y modernas; existe también el cultismo a los viajes en bicicleta, las fiestas de Halloween, los primeros atisbos de la informática en el hogar con un juguete con pantalla digital, y en fin, las reuniones de los niños y sus amigos, mientras comen pizzas y toman bebidas gaseosas ). 
El sentido casi bíblico que tiene la llegada de E.T. a la comunidad infantil no se rompe hasta el desenlace, y el director se encarga de darle una connnotación casi mística ( recuerden a E.T. subiendo a la nave, mientras ésta se cierra, en una imagen que recuerda el Sagrado Corazón de Jesús), sin perder jamás los hilos del suspenso, la acción y la aventura asombrosa. 
Gran fotografía de Allen Daviau, que remarca atardeceres y amaneceres con un intenso cambio cromático y la inolvidable banda musical de John Williams, que intensifica las secuencias de persecuciones y la antológica despedida.
Inolvidable también la creatura de Carlo Rambaldi, efectuada a partir de fotografías de Albert Einstein y fetos humanos; la voz de E.T. del especialista Ben Burtt y el diseño de la colosal nave espacial a cargo de Ralph MacQuarrie, estos últimos colaboradores habituales de George Lucas, en su saga de "La Guerra de las Galaxias".

Por último, recordar al elenco de actores, encabezados por los debutantes : Henry Thomas, Drew Barrymore y Robert MacNaughton como los niños protagonistas, Peter Coyote como el "señor de las llaves",  Dee Wallace Stone como la madre de Elliot; y si se fijan con atención, en la sala de Ciencias cuando Elliot libera a las ranas del experimento mortal participan, Erika Eleniak y el pequeño Ke Huay Quan, que compatirá estelares con Harrison Ford y Kate Capshaw, años más tarde en  la secuela de "Indiana Jones y el Templo de la Perdición". 
En la pandilla de amigos en bicicletas, participa además, C.Thomas Howell, el protagonista de la nostálgica "Los Desalmados" de Francis Ford Coppola.



"La lista de Schindler" ( 1993).

Confeccionando la lista bendita Ben Kingsley y Liam Neeson.

Vigorosa crónica del exterminio judío llevada a cabo por las tropas nazis durante la Segunda Guerra Mundial. Spielberg, como nunca antes, se hace parte directa de un retrato sobre la masacre de millones de personas, tomando como base la novela de Thomas Keneally adaptada por el gran guionista y director Steve Zaillan.
El drama y el horror cobran en esta película su cara más detestable, y el director no evita acentuar los hechos, con una capacidad asombrosa para mantener el interés a lo largo de 197 minutos de proyección.  
Se vale de las interpretaciones de Liam Neeson, Ben Kingsley, Ralph Fiennes, Caroline Gooddall; de la hermosa fotografía en blanco y negro de Janusz Kaminski, que transmite las atmósferas con expresiva complicidad; y de los técnicos más afines al diseño de producción, que se la juegan por recrear con fidelidad el confinamiento en los campos de exterminio.  

Inapreciable como documento histórico, es también un gran drama, que evita mayores complejidades caracterológicas, por un acertivo manejo de las emociones. 
Como en toda la filmografía del director, esta cinta en particular, entra por la emoción que provocan sus imágenes, el sentido motor de vivir como uno más , las espantosas experiencias de estar encarcelado, esperando la muerte.



"Inteligencia Artificial" ( 2001).

En búsqueda de la madre pródiga.

Robots atrapados por su pasado.

La readaptación del cuento Pinocho de Collodi, pasa por reconocer en esta película, toda la magia que tiene Spielberg por los relatos infantiles.
Fue el proyecto en que trabajaba Stanley Kubrick antes de morir, cuyo nombre original era "Super-Toys". El relato es acerca de un niño robot, que busca incansablemente el amor maternal, pese a que , en un principio lo consigue mientras reemplaza al hijo de una familia,  que está en estado vegetativo.
El abandono de la creatura desencadenará la aventura, que se desarrolla en su gran parte, en una época del futuro donde dominan las máquinas y la cibernética.
La película termina mal, porque el niño robot es descongelado por unos seres extraterrestres cuando la Tierra y la Humanidad ha desaparecido. 
Como nunca, Spielberg acentúa esta reflexión, incorporándole un tono agudo de nostalgia y melancolía. 
Haley Joel Osment está en el cenit de su carrera como niño actor, y se roba las escenas más logradas, como cuando imita por celular la voz de su padre adoptivo, o  debe escapar junto a un "chulo" cibernético interpretado por Jude Law, de las "carnicerías" deportivas que convierten en polvo la chatarra robótica.
Inolvidable por su diseño de producción, sus colores, la inserción de un metáfora angustiosa del destino humano, y la contundente claridad para manejar los contenidos de una historia fantástica maravillosa.
Junto a "Encuentros Cercanos" y "E.T.", Spielberg construye una trilogía extraterrestre donde la bondad está más allá de estos mundos.


"Lincoln" ( 2012).

 

La figura insigne de un personaje histórico.

 

También incluye el sesgo infantil.

 

Además de una mirada intimista.

Aquel que busca una biografía épica del presidente que abolió la esclavitud, puede irse por las ramas del árbol equivocado, con ésta, hasta ahora, la última película dirigida por Spielberg.
En verdad, el filme se centraliza en los esfuerzos que tiene el líder político, en una época convulsa con la Guerra de Secesión en curso y en toda su magnitud, por lograr que el Congreso apruebe la ley que deroga la esclavitud en Estados Unidos.
La película más política del cineasta, es también una mirada intimista al hombre que logró unificar un país enorme, con sólo su esfuerzo, sus estratégicas intenciones por conseguir los votos requeridos, y ampliar los idealismos de una República que estaba justamente en el lado contrario, con mucha disgregación y confrontaciones ideológicas y sociales. 

Pero también es el retrato humano de un abogado, padre de familia que choca con sus hijos y su mujer, para mantener en alto, la posibilidad de los beneficios de una

enmienda y solidificar el destino de una nación.
Spielberg es pródigo en las escenas más intimistas, donde Lincoln ( un memorable Daniel Day Lewis), comparte su espacio laboral con su hijo menor, y el peso de haber perdido a uno de los suyos antes; y además adiciona la figura de la esposa ( la solvente Sally Field ), que busca al marido pero debe asumir que está con el Presidente de la Nación.
Su mirada del ídolo político es agudo, visceral, humano, imperfecto, porque demuestra las intrigas que se tejen en el mundo político para lograr cuestiones que tienen que ver con el Poder y los auténticos valores de la Democracia.
En este sentido, es digno de agradecer la intervención de Tommy Lee Jones, un demócrata fustigado por sus amores de cama; y Hal Holbrook, enegrecido por sus estreches conservadoras, dos personajes potenciales de la trama que están en lados unilaterales. 
A través de ellos, Spielberg dimensiona lo complejo que es, ponerse de acuerdo, en momentos en que, pueden más los intereses de grupos fácticos que los verdaderos intereses del país. 
Un guiño que se puede traducir a toda la actividad politica mundial en nuestros días.   



Comentarios :

El director durante el rodaje de "Encuentros Cercanos del tercer tipo".

"El personaje que más me interesa es el hombre normal, aquél que podría perfectamente pasarse toda la vida dentro de unas condiciones que le han sido asignadas, y ver como se las arregla cuando se enfrenta a una crisis, cuando un imprevisto lo lleva fuera de su terreno habitual y le hace luchar por la sobrevivencia. A través de mis películas, no hago más que exorcizar los miedos que me han asaltado durante toda mi vida. Me hace sentir mejor. No creo que haya nada malo en esto. En alguna forma, solo hago películas sobre lo que no entiendo, y sólo trato de que me resulten fascinantes. Lo desconocido, lo misterioso, me atrae profundamente y me pregunto sobre lo que no me puedo explicar. También me gusta traducir en la pantalla grande, los mitos del hombre sobre sí mismo. La fuerza, la rapidez, el ingenio. El mejor sueño del heroísmo : una época sin miedos, con la idea de la competencia frente a cualquier adversidad".

( El cineasta Steven Spielberg ). 

Spielberg y su numerosa familia compuesta por siete hijos.

"Los éxitos de taquilla de Steven Spielberg como Minority Report y La Guerra de los Mundos, con escenas apocalípticas de Manhattan, justo después de ataque de los aviones, ya no se diferenciaban mucho de sus obras más serias : Inteligencia Artificial, dividió a las críticas en cuanto a si era de calidad o nó, y Munich se trasladó al terreno político. El mensaje de la película, exacerbó tanto a defensores como a detractores de las facciones israelitas, pero la trama de Spielberg y del guionista Tony Kushner sobre el comando Mossad , que va tras los responsables de la masacre de las Olimpiadas de 1972, es una obra maestra cinematográfica. La película plantea cuestiones sobre las represarias y las compara con el ataque al World Trade Center y la respuesta del gobierno de Estados Unidos".

(El crítico y editor del "International Film Guide", Ian Haydn Smith ). 

Fotos-Gentileza : Columbia Pictures- Universal Pictures- 20th.Century Fox - Top10 Films GB- Variety- The New York Times- Los Angeles Times - Cinemanía- Steven Spielberg Fans Club - A Certain Cinema-  Archivo Lobby Cards.-

Afiche original de "Halloween" de John Carpenter.

 

Poster de "La dalia negra" de Brian De Palma.

 

Afiche publicitario en alemán de "Terminal" de Steven Spielberg.

 

Fotograma de "E.T." que sirvió de logotipo para "Amblin" la productora de Steven Spielberg.