Séptimo 7 sello: Coppola, Ray y Stevens :

La Tríada de la Epica Independiente.

James Dean en el imponente escenario tejano de "Gigante".

Si algo que emparenta al cineasta neoyorquino Francis Ford Coppola, con Nicholas Ray y George Stevens, es su desafora defensa de la obra fílmica como pieza de autor, a costa, incluso de sufrir los embates del sistema de producción, y patentar el sínodo de cineasta autosuficiente e independiente.
Los tres, en sus respectivos momentos, chocaron con los productores inescrupulosos, que no entendieron el trabajo fílmico como un ejercicio de inspiración artística, pese a ser legítimos maestros en sus oficios.
Coppola , incluso llegó a estar en eminente bancarrota por su desaforado lirismo y su megalomanía, exquisita y llena de consecuencia personal.
Ray, a su vez, fue un "enfant terrible" de la industria, incomprendido y marginado que logró remontar carrera con su constante atención al mundo juvenil y adolescente.
Stevens, fue un adelantado a su tiempo, un visionario que logró su propia independencia a costa de sacrificar sus primeros años en trabajos por encargo.
Directores y autores, de un puñado de obras maestras y películas de gran interés, dedicamos esta entrada a rescatar sus respectivas trayectorias, con el estilo que caracteriza a "Séptimo7sello". Sean todos bienvenidos !!!!

Francis Ford Coppola :
Del refinamiento visual a la experimentación minimalista.

Renovador del cine americano, el genial cineasta intentó hacer su propio Hollywood en San Francisco.

Para nosotros, Francis Ford Coppola ( nacido en Detroit, Michigan en 1939), sigue siendo uno de los cinco realizadores más importantes del cine estadounidense de los años setenta y ochenta.
Acudir a repasar sus títulos más emblemáticos, es un ejercicio gozoso, nostálgico y valioso. Sobretodo cuando deseas incentivar el conocimiento estético en los jóvenes, y plasmar su "mirada" en las compostelas más o menos vanguardistas de las nuevas fanaticadas del cine actual.
No hay ninguna película de Coppola, que no tenga algún grado de interés. Ni siquiera sus primeros trabajos, como su debut : "Dementia 13"( 1963 ) , un homenaje encubierto al cine de Hawks en clave Cormaniana, o "Ya eres un hombre" ( "You"re a Big Boy Now", 1966), sobre la novela homónima de David Benedictus.
Hay en todas sus películas más emblemáticas, incluyendo la trilogía épica sobre la mafia neoyorquina en : "El Padrino" ( "The Godfather", 1972 ), un gusto por lo estético, y una obsesiva búsqueda por el perfeccionamiento de las formas cinematográficas más adustas, incluyendo el guión literario, la puesta en escena, el montaje.
Coppola entendió al cine en un momento de su trayectoria, como el campo fértil de sus vides creativas, a escala de estar imitando los fastos desmedidos de Griffith o de De Mille.
También supo trascender con discursos críticos sobre Vietnam, la familia, el rol de la justicia , las pandillas juveniles, y el acomodaticio "revival" nostálgico de su juventud.
Cineasta en toda la extensión de la palabra, supo transmitir las inquietudes de una época, y aunque nunca se abanderó en los rudimentarios espectros del cine comercial más espúreo, hizo de sus películas, pequeñas piezas de cámara o grandes óperas visuales, premunidas de suficiente munición como para ganar una guerra.
Como lo recuerda Alberto Fuguet en un estudio analítico : "Pensando en el futuro, Coppola predijo que en un par de años más, cuando los entonces estudiantes de cine se graduaran de sus respectivas escuelas universitarias, Hollywood sería un lugar distinto, una ciudad capaz de albergar una industria donde las decisiones las tomaran los propios cineastas, donde la creatividad fuera el motor principal. Hollywood, por cierto, cambió, pero no de la manera como Coppola lo soñó".

Tras la huella familiar.

Su padre Carmine Copola, fue un notable músico que trabajó para la NBC.

La familia de Coppola estuvo siempre relacionada al mundo artístico. Su padre fue Carmine Coppola, un extraordinario compositor y músico, de la orquesta de la NBC que dirigía Toscanini y que después se dedicó en los años cincuenta, a trabajar en arreglos musicales de las famosas Rockettes en el Radio City Music Hall.
Mucho más tarde, produjo para su hijo, algunas de las bandas sonoras de sus películas más famosas.
Su madre, Italia Coppola, fue una actriz dedicada a los menesteres domésticos y a los quehaceres del hogar.
Aunque nació en Detroit, su familia se mudó al barrio de Queens en Nueva York.
Un dato revelador de su infancia : a los diez años, Francis pasó casi 365 días en cama, sin la compañía de otros chicos por el temor al contagio de la poliomelitis.
¿ Cómo se entretuvo en todo ese tiempo ? Con la televisión y un teatro de títeres, una proyectora de 16 m.m.y una grabadora, donde efectúo sus primeros contactos con el trabajo audiovisual.
Siguiendo la tradición familiar, toca la tuba e ingresa a la Academia Militar donde se hace sus pinitos escribiendo las cartas de amor de los reclutas.
Un año y medio despúes, se escapa por los constantes maltratos que recibe de los cadetes mayores y decidido a iniciar una nueva carrera se inscribe en la Hofstra University en Long Island, donde hace un poco de todo : decorador, electricista y director, iniciando su carrera en las tablas con la obra "La cuerda" de Eugene O"Neill.
Después de dirigir algunas obras y escribir unos cuentos, se cambia a Literatura para recabar interesándose por el Cine.
Esta predilección que ya había demostrado desde muy niño, le lleva a vender su auto, y con el dinero adquiere una cámara en 16 mm, con el que comienza a experimentar en sus propias obras. Además, asiste a los ciclos de Cine clásico del Museo de Arte Moderno, descubre la teoría del "montaje de atracciones" de Eisenstein, y se transforma en un voraz lector de libros sobre el lenguaje audiovisual, hasta su matrícula definitiva en el departamento de Cine de la UCLA.

Sus primeros pasos en el cine los dio de la mano del productor y director B, Roger Corman.

Su pasión desbordante, le llevó a valorar las obras de la "nouvelle vague" francesa y el cine vanguardista ; efectuando algunos cortos con John Milius ( su compañero de curso y co-autor más adelante de "Apocalipsis Now" ), para pasar a dirigir películas porno de segundo orden.
Más tarde, se va a trabajar con Roger Corman, exégeta de las películas B, y un adalid de talentos jóvenes, que le dió oportunidad de desarrollar una amplia variedad de oficios, para conocer en terreno los vagajes de la producción.
Hizo de todo : desde la adaptación al inglés de un par de películas soviéticas hasta la dirección de la segunda unidad de películas B.
Durante la producción en Irlanda de "The Young Racers", convenció a Corman que le dejara dirigir en sus ratos libres "Dementia 13", que escribió en dos semanas.
La película es un ejercicio de estilo, desarrollada dentro de los cánones del cine barato, que campea entre el terror y el suspenso más depurado a la manera de los grandes clásicos del cine bizarro.
Rodada en un inmenso castillo, cuenta la historia de un maníaco asesino que amenaza la tranquilidad del recinto con insistencia. La cinta estrenada en cines de barrio, se cuenta como el punto de partida de uno de los realizadores más influyentes del cine norteamericano contemporáneo.

El Alma Mater.

Coppola con sus colegas : Steven Spielberg, Martin Scorsese, Brian De Palma y George Lucas. Cinco maestros absolutos del cine americano moderno.

Poster de su segunda película con Elizabeth Hartman, Peter Kastner y Geraldine Page.

"El valle del arcoiris" : un musical con Tommy Steele y Petula Clark.

Mosaico con algunas escenas de la película citada.

Cinco años debió esperar Coppola, para su siguiente empresa. Se trata de "Ya eres un hombre"/"Ya eres un gran chico" ( "You"re a Big Boy Now", 1966), considerada "una suerte de americanización de la estética pop de Richard Lester, al servicio de una historia de aprendizaje moral muy en la corriente de Salinger y El guardián ante el centeno".
Es una película que habla sobre la emancipación, a partir de las experiencias vitales de un joven, con un elenco que encabezaban : Peter Kastner, Elizabeth Hartman, Geraldine Page y Julie Harris.
Su siguiente película : "El camino del arcoiris"/"El Valle del Arcoiris" ( "Finian"s Rainbow", 1968), es un homenaje a la comedia musical americana, sobretodo a ese tipo de cine de esparcimiento, que produjo la MGM y la Unidad Freed en los años 40 y 50.
La cinta, subvalorada en su momento, es un viaje colorista y positivista, que se sigue con encanto por la presencia de Fred Astaire y la voz de Petula Clark.
Rodada en esplendorosos paisajes aunque resulta almibarada en extremo, se disfruta por la sutileza de Coppola, de trabajar la emoción y las sensaciones, características que lo habrían de definir con el tiempo, como un autor megalómano y un esteticista muy singular.
Su primer éxito crítico será : "Dos almas en pugna" / "Llueve sobre mi corazón" ( "The Rain People", 1969), un drama hecho con muy pocos medios y filmado al paso de las carreteras , que tiene la virtud de delinear con profundidad sicológica a sus personajes y mantener la atención, con un conflicto que parte con la huída de una esposa en crisis matrimonial.
Todo el trabajo coppoliano se palpa en la sutileza para delinear su historia, mantener la espontaneidad y burlar los artificios, con un soplo de autenticidad muy en la onda de la nouvelle vague.
Es una película para revalorar el trabajo del director, pero además porque constituye una sólida reunión de interpretaciones memorables integradas por : Shirley Knight, James Caan y Robert Duvall.
El filme obtuvo la "Concha de Oro" en el Festival de San Sebastián, y mostró a un Coppola en toda la esencia de su talento.

El Padre de "American Zoetrope".

Coppola y George Lucas que produjeron dos grandes épicas del realizador japonés Akira Kurosawa : "Kagemusha" y "Ran".

Con un abierto espíritu de independencia y ambiciones de producir a gran escala sus propias ideas, decide formar un equipo de actores, técnicos y colaboradores que habrían de acompañarle en la próxima década en el cenit de sus talentos.
En San Francisco, una ciudad abierta a los experimentos creativos, junto a George Lucas, Carroll Ballard y John Milius funda la "American Zoetrope", especie de nuevo refugio de talento joven.
En un viejo edificio, instala sus oficinas y siete salas de postproducción. Hay filas de entusiastas profesionales que deciden emigrar a la "Tierra de Nadie" para convertirse en la "Tierra de Todos".
Intentando aumentar el caudal de financiamiento, Coppola y sus compañeros de aventura, deciden producir películas educativas, documentales institucionales, spots comerciales y campañas audiovisuales para productos del marketing. Todo en una sola berma.
George Lucas cuenta con su apoyo para efectuar su debut "THX 1138", una cinta futurista minimalista, y después repite con "American Grafitti", un gran éxito en la taquilla que revive el espíritu de la música y la juventud de los años 60.
También produce "El Corcel Negro" de Ballard, una inusual película ecologista, magníficamente narrada y ambientada en los años cuarenta, que tuvo gran éxito de público y crítica.
Pero además: "Hammett" una vanguardista cinta en blanco y negro de Wim Wenders y "The Escape Artist" de Caleb Deschanel, que no fueron a ver ni los padres de los realizadores.
Circunstancialmente, escribe el guión de "Patton" que lo hace merecedor de un Oscar. Y apoya la distribución internacional de un clásico indiscutible, remasterizado con las nuevas tecologías : "Napoleón" de Abel Gance.
Además, con George Lucas ayudó a producir "Kagemusha" y "Ran", sendas obras épicas de Akira Kurosawa. Para repetirse el plato con "Mishima", una antológica cinta experimental de Paul Schrader, que se recuerda por su elocuente esteticismo.

Supervisando una toma de "El Padrino" con Marlon Brando.

Ahora en el set con el actor.

En "La Conversación", Gene Hackman en un notable thriller sobre los problemas de la conciencia.

Entremedio de estos avatares, Coppola decide llevar al cine la novela de Mario Puzo, "El Padrino" ( "The Godfather", 1972), a sabiendas de revelar los secretos de la mafia neoyorquina.
Encerrado con Puzo por semanas, entre fastos de gourmet italiano y conversaciones largas y agotadoras monta el universo de la familia Corleone, una tarea titánica que significó kilos de spaghettis y buen vino negro, para aliviar la carga emocional y creativa de sus autores.
También se atreve a revelar, con una prodigiosa manera de narrar, los oscuros esbirros de la guerra fría, en una metafórica alusión a la novela de Herman Hesse "El lobo estepario", en el suculento "thriller", "La Conversación" ( "The Conversation", 1974), que se beneficia de la estupenda actuación de Gene Hackman.
El tema central es la soledad abrumadora y el sentido de culpabilidad, muy bien analizados, desde la óptica de un "topo" fisgón, que pasa de efectuar un encargo de asesinato a impedir el homicidio con vehemencia.
Desarrollado con nervio y un sentido visceral de los problemas de la conciencia, integra grandes sorpresas y un final insólito.

El Regreso de Vito Corleone.

En "El Padrino II", Robert De Niro resalta la juventud de Vito Corleone y Al Pacino pasa a ocupar el cetro de la mafia.

La continuación de "El Padrino", se desarrolla pasando el rol primigenio de Marlon Brando a un incipiente Robert De Niro, que confirma su versatilidad con esta película. Además, solidifica los conflictos familiares de los Corleone, adicionándoles elaborados escenarios, ambientados en La Habana y acentuando el tono apocalíptico a la manera de la Opera, con insistentes y alambicados ejercicios de estilo.
Todo en este notable filme, para muchos el mejor de la trilogía, está desarrollado con perfección y un gusto estético personalista. Nada sobra, nada falta. Coppola alcanza la maestría, destruyendo el mito de que "nunca segunda partes fueron mejores".
La explicación es sencilla y se la escuché al destacado crítico chileno Héctor Soto, cuando compara El Padrino y secuela, al sombrero de copa de un mago, "donde uno se cansa de ver, tras cada revisión, los cientos de conejos que tu puedes extraer de ella".
Ello en directa alusión a los numerosos temas y significados que aborda la épica coppoliana. Traición, amor, lealtad, capitalismo, poder, sumisión, angustia, terror, violencia, familia, corrupción, vértigo, suspenso, bautizos, matrimonios y defunciones, en una gran amalgama de situaciones difíciles de volver a encontrar en una sola película.

"Apocalipsis, ahora" : la revisión a la novela de Conrad, ambientada en la guerra de Vietnam.

"Golpe al Corazón" /"Corazonada" : la riqueza estética de una película que merece una justa reivindicación.

Los colores tiene un valor sicológico concientemente establecido por Coppola y su fotógrafo habitual Vittorio Storaro.

Retomando una vieja idea que lo perturbó por años, decide adaptar "En el corazón de las Tinieblas" de Joseph Conrad, una novela tan difícil y compleja como sus insinuaciones metafóricas y sus acabados formales.
Para ello, se da el lujo de trasladar el relato a la guerra de Vietnam en :"Apocalisisis, Ahora" ( "Apocalipsis, now", 1979), conduciendo una parábola fogosa y revitalizante sobre la futilidad de la guerra, y la ansiedad de la muerte en un viaje al interior de la selva agreste, que somete a un puñado de soldados a encontrarse con el mismo demonio encarnado por un calvo Marlon Brando.
La cinta recientemente remasterizada en DVD y blue ray y en una versión alargada ( "Apocalipsis Now Redux" ), es una película lograda, original, insinuosa, pervertida, oscura, ambigua, tremendamente eficaz, potente en lo visual y atractiva en lo narrativo.
La megalomanía de Coppola, parece no terminar en los incómodos parajes del Vietcong.
De regreso a San Francisco, manda a construír en estudio, unos enormes decorados que asemejan a los casinos luminosos de Las Vegas.
Ensimismado con la idea de producir un "musical moderno", no escatima recursos para rodar "Golpe al corazón" /"Corazonada" ( "One from the hearth", 1982), "una historia trivial, narrada con toda la grandilocuencia de un estilo visual que hace una epopeya de lo que toca".
Demuestra aquí, que su cine es exclusivamente "sensorial", elegante, colorístico, humanista, onírico, fantástico y de ambientes irreales.
La película significó un punto y aparte en su carrera. Obra maldita donde las haya, es una historia melodramática, que incluye un final feliz; un trabajo gigantesco de notable hermosura, lleno de referencias audiovisuales y de gran exquisitez estética.
Incomprendida película que llevó a la "American Zoetrope" a un callejón sin salida.

El regreso al minimalismo.

Dirigiendo a C.Thomas Howell y Matt Dillon en "Los desalmados".

"La ley de la calle" : reviviendo a Brando con Mickey Rourke y a James Dean con Matt Dillon.

"Cotton Club" : los años locos de un local mítico de música de color.

"Peggy Sue, su pasado le espera" : Kathleen Turner reviviendo su propia juventud.

"Jardines de Piedra" : el drama de los soldados que se quedaron en casa a recibir los muertos.

"Tucker, un hombre y su sueño" : la megalomanía de un inventor de automóviles en clara referencia a su propia vida.

Nuevamente resalta la conjunción estética atribuíble a las formas y a los colores.

La siguiente etapa de Coppola, se abre con un díptico basado en sendas historias juveniles de la escritora Susan E. Hinton.
Por una petición de un colegio de Fresno en California, recibe el encargo de rodar "Los Desalmados" /"Rebeldes" ( "The Outsiders", 1983), novedosa historia de unos adolescentes marginales en constantes luchas con las pandillas de niños más acomodados.
La cinta significó la revelación de jóvenes actores que darían mucho que hablar más adelante como : Matt Dillon, Tom Cruise, Ralph Macchio, Patrick Swayze, Rob Lowe, Emilio Estevez y Diane Lane. Pero además, integró la riqueza estética en la modalidad del cine para adolescentes, como lo impusiera en los 50, Nicholas Ray.
Sin desconocer su pericia narrativa, Coppola logró filtrar una mirada tangencial al problema de la marginalidad social, que completó con "La ley de la calle" ( "Rumble Fish", 1983), una cinta experimental , rodada en su totalidad en blanco y negro, donde revela un control conciente de los recursos expresivos clásicos como el espacio-tiempo, el surrealismo fotográfico y el expresionismo naturalista.
Más adelante, revivirá los "años felices" de "Cotton Club" ( 1984), especie de prorrogación estilística de los filmes negros de jazz ; y los "años felices" de los albores del rock and roll en : "Peggy Sue, su pasado le espera" / "Peggy Sue, se ha casado" ( "Peggy Sue Got Married", 1986 ), mal comprendida parábola acerca del choque entre la inmadurez juvenil y la vida adulta; que Coppola desarrolla con muchos toques de humor e ironía, y una actuación desbordada de su sobrino Nicolas Cage y la espléndida Kathleen Turner.
Esta etapa, cuando todo parecía dicho acerca de la guerra de Vietnam, Coppola se detendrá en el fenómeno social de "los limpios y marciales soldados que se quedaron en casa a enterrar sus muertos", en la oxigenada "Jardines de Piedra" ( "Gardens of the stone", 1987), donde la posición ya no está en las trincheras sino en el soldado profesional "capaz de objetar la guerra y de lamentarse por los buenos muchachos enviados al matadero".
Grandes actuaciones de James Caan, Angelica Huston, D.B.Sweeney y Dean Stockwell, afianzan una historia sólida y reflexiva.
Con el estreno de : "Tucker, el hombre y su sueño" ( "Tucker, The Man and his dream", 1988), el cineasta elabora una sólida metáfora construída sobre su propia personalidad de "Midas del Cine" vuelto en desgracia, a partir de la historia de un incomprendido aventurero e innovador de la industria automovilística, en los años cincuenta del siglo pasado.
Ambas películas son, por derecho propio, grandes obras que resaltan la tozudez del genio creativo de Coppola, revelándose a cada nueva obra como un progresista encomiable , "cuya impureza esencial consiste en trabajar sobre el estilo para construír una épica de la intimidad, del desconcierto y de la soledad".

La última etapa.

"El Padrino III" : el final operístico de una obra maestra.

"Drácula" : la visión romántica y sensual del mito vampírico.

Las vampiros que "sodomizan" al joven protagonista.

"Jack" : Robin Williams y los niños protagonistas de esta comedia familiar.

"El poder de la justicia" : Matt Damon en acción en los tribunales.

La tercera parte de "El Padrino" ("The Godfather", Part III, 1990), cierra la trilogía con toda la carga emocional al máximo. Al conflicto de los Corleone, une las ambivalencias que salpicaron al Vaticano con una trama llena de intrigas y corrupción.
Matiza el desenlace con el sesgo operístico, reforzando los orígenes de la trama policial, sin desmerecer el lado trágico.
La película anduvo muy bien en taquilla y recuperó el interés por el estilo coppoliano.
Dos años después, estrena su versión al clásico de terror gótico : "Drácula" ( 1992) sobre la novela de Bram Stoker, que se beneficia de la lectura trágico-romántica que el cineasta incorpora, con gran gusto estilístico.
Sobreimpresiones, relato en "off", atmósferas verdaderamente barrocas, claustrofóbicas, terroríficas entremezcladas con otras imágenes de época, que homenajean los inicios del cine, y un elocuente diseño de producción y vestuario, completan el panorama de esta singular versión al monstruo de la "Universal".
Cuatro años de espera, y Coppola se reincorpora a la pantalla con : "Jack" ( 1996 ), una nostálgica película infantil, fallida en su contexto de novedad argumental, pero tremendamente amena, para mayor gloria del comediante Robin Williams.
Más tarde, filma "El Poder de la Justicia" ( "The Rainmaker", 1997 ), una visión detallada de la corrupción judicial, que se justifica como drama de tribunales y como alegato crítico de la tremenda disparidad que existe, entre la verdad y su aplicación en un mundo lleno de intereses creados.
Un multitudinario elenco refuerza una potente puesta en escena : Matt Damon, Danny De Vito, Claire Danes, Jon Voight, Mary Kay Place, Dean Stockwell, Teresa Wright, Virginia Madsen y Mickey Rourke.

Una década después.

Con su hija Sofía Coppola en 1984.

Padre e hija cuando ésta comenzó a dirigir.

En "Tetro" con las actrices españolas Maribel Verdú y Carmen Maura.

En el set de "Twixt" conversando con Bruce Dern y Val Kilmer.

En la citada película, dirigiendo a Elle Fanning donde interpreta a un fantasma.

Diez años se demoró Coppola en volver a filmar. En el intertanto, se dedica a promover a su hija Sofía, en sus primeros pinitos como realizadora.
Su largometraje debut, "Las Vírgenes suicidas", resulta una potente alusión al drama del encierro juvenil y a la educación conservadora.
Después, "Perdidos en Tokio" ( "Lost in Translation"), una visceral mirada a la rutina y a la soledad en tierras desconocidas.
Además, Coppola amplía sus instintos comerciales a la producción vitivinícola. En uno de esos viajes, llega a Chile y Argentina. Causa gran expectación, aunque no logra ser entrevistado por ningún medio, porque viene con otros planes relativos a sus vinos.
Su regreso tras la cámara, después de una década es : "Youth Without Youth" ( 2007 ), un cuento semifantástico sobre un tipo común y corriente ( Tim Roth ), que sobrevive a una tremenda descarga el eléctrica en su cuerpo, y que por cuestiones del relato, comienza a rejuvenecer.
La cinta incorpora el minimalismo en su elaborada conjunción de elementos surrealistas, y logra transmitir los desaguisados de un hombre, que parece volver a nacer, con la esperanza de resolver cuestiones filosóficas relativas a la eternidad y la muerte.
"Tetro" ( 2009) rodada en la Argentina, es una buena historia de amores recíprocos, dos hermanos que comparten un mismo espacio, en un edificio con una hermosa y sensual mujer. Uno muy joven e introvertido, el otro, explosivo y algo decadente.
Tango, teatro, las calles de Buenos Aires y ese aire tan idealizado de "sensaciones" pletóricas de multiculturalismo social caracterizan la obra.
Culmina su última etapa, con el ejercicio de terror y suspenso : "Twixt" ( 2011 ), que cuenta con la interpretación de Val Kilmer metido en un pueblo "maldito", estigmatizado por una serie de asesinatos sin resolver, donde las víctimas fueron niños; Bruce Dern pisándole los talones con su recurrente ironía y vileza; y la pequeña Elle Fanning, apareciendo como un hermoso fantasma, guiando los pasos del aventurero metido en lo sobrenatural.
Al amparo de estos trabajos, Coppola ha vuelto a sus orígenes, filmando películas de bajo presupuesto, con bien estructurados guiones y cuidadosas puestas en escena, doblegando los excesos presupuestarios del pasado, con estilo e imaginación.
Una gozada que nos permite atesorar la supervivencia de un gigante del cine.

Su estilo :

En otras de sus aficiones : la gastronomia italiana y los buenos vinos.

La evolución de la obra coppoliana, pasa por distanciarse de asuntos relativos a su tiempo para integrarse directamente en la mitología del cine.
Verdadero artífice de la renovación de los íconos más perdurables del séptimo arte, transforma los esquemas y arquetipos del pasado en nuevos mitos del presente, donde se acentúa la destrucción familiar o , definitivamente, la ausencia familiar.
Desde la familia Corleone a la inexistente de "Los desalmados" y "La ley de la calle", matizado con un sesgo nostálgico, con las cuales explorar en "las zonas más sensibles y peligrosas , menos protegidas y más crueles" de la relación humana.
El director sabe ser emocionalmente positivista al alero de "Peggy Sue..." y "Jack", aunque son momentos donde la felicidad se desvanece paulatinamente por la realidad adulta.
En su magnificencia recuerda a Welles, cuestionando las maquinaciones del poder, aunque se reserva siempre la esperanza en el futuro en las raíces más fuertes de la familia, como núcleo valioso y estructuralista de la sociedad.

Temática Recurrente :

Curiosa fotografía en el set de "El Padrino" mientras maquillan a Marlon Brando.

Las películas de Coppola son un amplio abanico de temas y preocupaciones de orden humanista. Desde sus primeros tiempos, donde redundaban en someter su mirada a los gustos estéticos del cine clásico, a sus posteriores ejercicios de carácter crítico y reflexivo, toda su obra parece girar al nivel de las sensaciones.
Su versatilidad no esconde su voluntad de llegar a filmar parábolas oníricas, grandilocuentes testimonios de la mafia urbana, la guerra de Vietnam, el mundo adolescente, los problemas de la conciencia o las disparidades de un matrimonio.
Es una misma trilogía como "El Padrino" es capaz de integrar los ritos familiares y religiosos a los oscuros designios del capitalismo y la corrupción gangsteril.
Sobrelleva su carga emocional, con un abigarrado gusto por lo estético, aún en sus películas "menores" donde no descuida detalles en la ambientación de época, el vestuario, los decorados, el diseño de producción, la música y el montaje.
Puede ser vitalista en la medida de lo perceptible o un crítico pertinaz de los escabrosos manejos del poder, el dinero, la justicia y la política, para transformarse en un romanticista abrumador, donde los problemas de la infidelidad parecer ser el tema predominante de obras estilizadas como "Golpe al corazón" o "Peggy Sue, su pasado la espera".
Coppola trabaja sobre el estilo y los códigos de los géneros más populares, para elaborar una epopeya sobre el desconcierto, la soledad, y las debilidades más recurrentes del hombre civilizado.

Filmografía Fundamental :

"El Padrino" : en pleno la familia Corleone.

"Dementia 13" ( 1963) ; "Dos almas en pugna"/"Llueve sobre mi corazón" ( "The Rain People", 1969); "El Padrino" ( "The Godfather", 1972); ""La Conversación" ( "The Conversation", 1974); ""El Padrino II" ( "The Godfather", Part II, 1974); Apocalipsis , Ahora" ( "Apocalypse, now", 1979); "Golpe al Corazón"/ "Corazonada" ( "One from the hearth", 1982); "Los Desalmados" ("The Outsiders", 1983); "La ley de la calle" ( "Rumble Fish", 1983); Cotton Club" ( 1984); "Peggy Sue, su pasado le espera" / "Peggy Sue seha casado" ( "Peggy Sue Got Married", 1986); "Jardines de Piedra" ( "Gardens of Stone", 1987); "Tucker, el hombre y su sueño" ( "Tucker, the man and his dream", 1988); "Historias de Nueva York" ( "New York Stories", 1989, segmento "La vida sin Zoe"/ "Life without Zoe") filme colectivo, codirigido también por Martin Scorsese y Woody Allen ; "El Padrino III" ( "The Godfather , Part III, 1990); "Drácula" ( 1992); ""Jack" ( 1996); "El Poder de la Justicia" ( "The Rainmaker", 1997); "Youth without Youth" ( 2007); "Tetro" ( 2009); y "Twixt" ( 2011).

Películas Seleccionadas :

"El Padrino II" ( 1974 ).

Con Brando en la secuela de la saga Corleone.

Inteligente secuela de la novela original de Mario Puzo, construída a través de un habilidoso intercambio de flashbacks, que integran en el relato : la juventud de Vito Corleone, la ascensión de su hijo Michael y los problemas económicos que devendrán para el clan, en una tercera y última entrega.
Sin duda, es la mejor de las tres, por su amplio ramillete de opciones temáticas, su equilibrado ritmo narrativo, sus tremendas actuaciones, su amplia conjunción de simbólicas escenas, verdaderos manjares para los estudiantes de cine.
Perfecta simbiosis entre cine gangsteril y crónica de época, profundiza en los conflictos familiares de los Corleone, sin descuidar el tono melodramático, el sesgo familiar, el dibujo político y el rasgo costumbrista plagado de ritos cotidianos.
Un casi debutante Robert De Niro, estudió hasta la exageración, los guiños y el tono vocal de Brando, para dar con el personaje en sus primeros tiempos, a su vez que, Al Pacino insistió en la rebeldía de su personaje con la fiereza de un tigre en cautiverio.
La película es más elegíaca, oscura y pesimista, porque disecciona los personajes del original, para hacer de ellos verdaderas representaciones de las motivaciones que priman en los complejos arrabales de la mafia.
Grandes escenarios y magníficas secuencias como la colorida fiesta en la pequeña Italia de Nueva York, los estertores de la revolución cubana en La Habana o la inclaudicable dureza de Michael, que va quedándose solo con un poder inconmensurable, caracterizan esta extraordinaria secuela, que cuenta con la magnífica fotografía del siempre estimable Gordon Willis y la música de Carmine Coppola y Nino Rota.
Pero hay más. Un imperecedero regusto por las distintas formas de actuación, con algunos de los mejores intérpretes salidos de las huestes del "Actor"s Studio", hasta la solapada labor artística de los diseñadores de producción : Dean Tavoularis, Angelo P.Graham y George R.Nelson, que recrean con certero realismo momentos determinantes en la vida de los Corleone.
Una obra maestra imperdible, que demuestra la solidez de un cineasta, absolutamente imprescindible para entender el desarrollo que tuvo el cine norteamericano en la década de los setenta.
Ganadora de seis Oscar, incluyendo : Mejor Película , Mejor Director, Guión y Actor de Reparto ( Robert De Niro).

"Apocalipsis , Ahora" ( 1979).

Mosaico con diferentes escenas de la película.

Detalle de la construcción y decorados levantada en plena jungla.

Fíjense en la diversidad de tonalidades que tienen las diferencias secuencias.

Difícil abstraerse de la intencionalidad con que Coppola abordó el conflicto vietnamita. Durante una conferencia de prensa en Cannes, recordó que le intrigaba de Vietnam, ese desatino con que se hacían las cosas, algo que repitió él y su equipo en el rodaje de la película.
"Estábamos en la jungla, teníamos acceso a demasiado dinero y, poco a poco, nos volvimos locos".
La cinta está estructurada sobre una serie de escenas de acción, que aumentan o acentúan el ingreso de una lancha de guerra hacia el corazón de las tinieblas.
Esta metáfora sobre el descenso al infierno, cobra mayor validez en la presunción de un conflicto exageradamente demente, donde palidecen las víctimas y se elevan los propios jerarcas a la altura de semidioses, incapaces de disernir sobre los efectos de las bombas de napalm, o los bombardeos aéreos.
Por eso, Coppola remarca el sentido de espectáculo dantesco que tiene la contienda.
Martin Sheen que casi falleció de un ataque al corazón, logra transmitir los bloqueos sensoriales de enfrentarse al mismo demonio, encarnado por un Marlon Brando, calvo y mesiánico.
El diseñador Dean Tavoularis, leyó la novela de Joseph Conrad y la Biblia en el proceso de documentación de la película.
El profesional recuerda que, lo más difícil de edificar fue el templo emplazado en medio de una selva frondosa y salvaje.
"Complejo porque debimos trasladar seiscientas personas que eran necesarias para su construcción. Ningún camión podía acceder a aquel lugar, por lo que todo tuvo que ser transportado hasta allí en trineos de bambú arrastrados por caribús. Además, utilizamos los métodos de construcción tradicionales de las Filipinas, muy parecidos a los de la tribu vietnamita de los montagnard. No usamos ningún tipo de maquinaria mecánica, tuvimos que construirlo todo de forma artesanal, con machetes para cortar las frondas de bambú y las palmeras".
Este esfuerzo gigantesco, sumergió a Coppola en una épica de resonancias apocalípticas, que sólo logró ser apreciado en su justa medida, a principios de este milenio, cuando Francis reeditó todo el material filmado y efectúo una "nueva versión" alargada de su maravilloso trabajo, titulado "Apocalipsis Now, Redux".

"Golpe al Corazón" / "Corazonada" (1982).

Todo el erotismo de la exquisita Nasstassja Kinski seduciendo a Frederic Forrest.

Por su parte, la exhuberante Teri Garr hace lo mismo con su amante latino interpretado por Raul Julia.

Subvalorada obra coppoliana, que significó el punto culminante de su desaforado lirismo y una sed de grandeza personal, a partir de los íconos del cine.
Se trata de un relato modesto, sobre las desaveniencias de una pareja, pero narrada con la elocuencia visual que derrocha color, estilo y cinefilia.
En los estudios de American Zoetrope, reconstruyó un trozo de Las Vegas, elaboró sendos artilugios estéticos de simbólica belleza, y unificó el melodrama con la comedia musical, a sabiendas que el género madre había tenido su cuarto de hora glorioso en la MGM bajo el alero del productor Arthur Freed.
Correr riesgos a costa de la innovación, eran la característica central del director esos años.
Hank ( Frederic Forrest ) y Franny ( Teri Garr) están desmoronándose por dentro como pareja, golpeados por una vida rutinaria, cuya convulsión transcurre entre canciones elaboradas por Tom Waits, cantadas por él y Crystal Gayle.
Mientras Fanny se acuesta con su amante latino Ray ( Raúl Julia en sus primeros tiempos en Hollywood ), Hank hace lo mismo con Leila ( Nasstassja Kinski), una exótica y sensual artista circense.
El viaje de infidelidades y ruptura, está concebido desde la óptica de los sueños. Por eso, sus imágenes destellan fantasía y un lirismo romántico arrebatador.
La interconexión de la pareja, está suficientemente objetada por Coppola con constantes recursos visuales que hablan de la dicotomía existencial, de la disyuntiva de vivir y convivir en pareja, y de las disociaciones de los espacios donde ellos confluyen. Todo es irreal, salvo el amor. Nada parece en su sitio parece de la naturaleza. Hasta las palmeras son falsas.
Este juego lúdico le permite a Coppola ambientar el desmoronamiento y después, el reencuentro de la pareja con un sentido onírico que sólo está en los musicales de Broadway y en las comedias del cine de otros tiempos.
Por lo mismo, se trata de una obra construída desde la base de la cinefilia, de la experiencia sensorial que tiene las películas del género.

"La Ley de la Calle" (1983).

Los hermanos se reencuentran para terminar separándose definitivamente.

Rusty James en el sopor de una herida, tiene un sueño erótico con su novia.

Imagen icónica de la película sobrexplotada en un spot de la ADV.

Dos semanas después de concluído el rodaje de "Los Desalmados" sobre la novela de S.E.Hinton, Coppola insiste con la autora, ahora con su libro "Rumble Fish" ( Peces peleadores ), una alegoría sobre la violencia pandillera, el chico de la moto y la mitología urbana de los rebeldes sin causa.
Rodada en Oklahoma, en auténticos escenarios callejeros, el director asume la empresa con mucha reserva y adelantándose a los designios de la tecnología, hace actuar a sus actores sobre los fondos dibujados de lo que es la "story board" de la película, para asegurar su estilo estético.
El resultado es simplemente maestro. Una obra filmada en su integridad en blanco y negro ( únicamente con los peces de colores, que son un símbolo de la confrontación de los hermanos ), lleno de imágenes surrealistas y oníricas.
Matt Dillon repite los tics de su joven descarriado de "The Outsiders", ahora con Mickey Rourke como un esmirriado, daltónico y sordo ídolo de la motocicleta, que en otros tiempos fue líder de pandillas suburbanas. Y un impagable Dennis Hopper , como el padre alcohólico de los muchachos, a quien Coppola hizo repetir una secuencia más de veinte veces para llegar a la absoluta perfección.
Nicolas Cage, Vincent Spano, Diane Lane, Christopher Penn y Laurence Fishburne completan el séquito de muchachos que giran alrededor de los dos protagonistas, uno que ya viene de vuelta y otro que comienza a alzar el vuelo como una gaviota en la orilla del mar.
Escenas como los desvaríos acústicos del chico de la moto, remarcados por Coppola con ruidos de tren y máquinas ; se entremezclan con las secuencias de la pelea a cuchillo limpio cerca del metro; o el asalto que sufre Rusty James en un callejón. Se trata de un filme experimental, inteligente, detallista, emotivo y muy cercano al espectador, porque Coppola dibuja un cuadro de marginalidad identificable, naturalista y humano. El chico de la moto dejó de ser niño a los cinco años. ¿ Por qué ? Esta aparente madurez vejatoria, nunca está especificada pero se presume tiene relación con la partida de la madre y el alcoholismo del padre. Gran película sobre la juventud descarriada y sus efectos colaterales. Una obra maestra que crece con el tiempo.

Un Comentario :

Revisando el voluminoso guión de "El Padrino" para el "special features" del DVD con la trilogía de la película.

"La fama de Apocalipsis Ahora, ahora no se puede separar de las espectaculares circunstancias de su realización. Algunos ( incluso Coppola ) han visto en ella una analogía con Vietnam. Aún más interesante es la tenacidad con que Coppola se va desligando de la estética del realismo externo que suele imperar en el género del cine bélico. A la guerra de Vietnam, se le ha calificado a menudo de "sicodélica". Francis Ford Coppola y su director de fotografía Vittorio Storaro, trasladan ese concepto a las imágenes de un modo brillante".

( El crítico europeo Jörn Hetebrügge ).

Nicholas Ray :
Rebelde Trasgresor, Intelectual Consumado .

El director y James Dean en un descanso de "Rebelde sin causa".

El tema recurrente de la obra del cineasta norteamericano Nicholas Ray ( 1911-1979), es la soledad del marginado.
Indudablemente, toda su filmografía compuesta por 22 películas da cuenta de ello. Incluso utilizando figuras bíblicas, mitos del far west y escritores compulsivos.
Es que Ray, no hizo otra cosa que reflejar los cambios de una época tradicional que se transformó en una etapa más liberal y desprejuiciada.
Con experiencia teatral y una formación con el arquitecto Frank Lloyd Wright, interviene en programas radiales que difunden música folk; para terminar en el cine colaborando con Elia Kazan en su primera película.
Como no consigue interesar a nadie que lo inicie en la dirección, decide volver a Nueva York, donde por un tiempo hará montajes teatrales, hasta que aparece en su vida el productor Dore Schary, quien lo introducirá como realizador en la industria hollywoodiense.
Su primera película, es una magnífica adaptación de la novela policial de Edward Anderson,"Los amantes de la noche"/"Sendas torcidas" ( "They Live by Night", 1947), salpicado de realismo y un soplo de intimismo costumbrista característico de su estilo.
La película "impresionó por su intensidad en el relato de una joven pareja empujada al delito, luego obligada a contínuas fugas".
Aparecen desde un principio, su interés por el mundo juvenil, su emocionalidad radical y la lucha por abrirse un espacio en un mundo en crisis.
Después de un filme por encargo : "Un Secreto de Mujer" ( "A Woman"s secret", 1948), filma ese mismo año, la interesante crónica jurídico-policial : "Llamad a cualquier puerta"/"Hora de angustia" ( "Knock On Any Door", 1948), alegato sobre la marginalidad juvenil atribuíble a la sociedad donde vivimos.
Planteada como una crónica social que le sigue los pasos a un joven metido a delincuente, utilizando una profusión de "flash backs", destaca por la meritoria actuación del inolvidable Humphrey Bogart que hace de juez defensor de un muchacho condenado a la prisión, sin medir que muchas de sus acciones fueron obligadas por una sociedad que poco interés tiene en ayudar y solidarizar con el caído en desgracia.
Resulta inolvidable el cuadro costumbrista que integra Ray en su película, la revelación dramática del joven John Derek, un antecedente directo de James Dean, y el discurso final en los tribunales, que Bogart pronuncia con emoción y donde están las palabras que dan título al filme.

Mujeres dominantes.

Dirigiendo a Humphrey Bogart y Gloria Grahame en "En un lugar solitario".

"Johnny Guitar" : un western feminista innovador y original.

Un año después, estrena : "En un lugar solitario" ( "In a Lonely Place", 1950), una obra maestra modélica, elaborada sobre un amor perfecto entre Bogart y Gloria Grahame.
El es un escritor en crisis, ella una "femme fatale" de labios perdidos, insinuosa, detestable, pérfida apetecible, tan altiva como intrigante. Un perfil del que se enamoró Ray. Una relación que mantuvieron durante años, con la turbulenta magia de las crónicas de la época.
Porque Ray tenía un genio autodestructivo, y la Grahame una personalidad que era todo torbelino, puro fuego y dinamita.
"En un lugar solitario" es una obra "maldita" valiosa, revalorizada con sus pasadas por la televisión, tremendamente subyugante, inolvidable como concepción del amor perdido.
Más adelante, Ray efectúo obras que le importan poco, y que sólo le sirven para comer y pagar los impuestos; la mayoría para la RKO , como "Infierno en las nubes" ( "Flying Leathernecks", 1951), aventura bélica áerea más entretenida que original ; y "La Casa de las sombras" ( "On Dangerous Ground", 1952), que son las más oscuras sombras en una carrera de altibajos.
De este período, conviene resaltar un western innovador, distinto, original, que valoriza el rol de la mujer, en un género tradicionalmente reservado a los hombres.
Se trata de : "Johnny Guitar" ( 1954 ), choque de personalidades entre Joan Crawford, la compasiva dueña de un saloon y Mercedes MacCambridge, la irascible hija de un terrateniente, que hará lo imposible por atrapar a los hombres que su contrincante se lleve a su cama.
El duelo entre ambas es de antología, como lo son sus esbirros, cowboys enconados en medio de unos decorados de colores extenuantes.
Todo lo que se cruza en "Johnny Guitar" huele a novedad. Ya no sólo el uso del negro para su heroína, sino el halo feminista que recubre todo el relato.
Los estudios Republic arriesgaron su reputación sin mayores remilgos, al tratarse de uno de los géneros que mejor explotaban en las seriales y las películas B de los que fueron grandes especialistas en su mejor época.

Jóvenes airados.

"Rebelde sin causa" : coordinando una escena con James Dean.

"Más poderoso que la vida" : el drama donde acentúa el uso del color, las sombras y los espacios cerrados.

"Amarga victoria" : un drama romántico en el trasfondo de la guerra.

"La Rosa del Hampa" : Cyd Charisse en el esplendor de sus formas.

"Salvajes inocentes" : curiosa aventura de esquimales con Anthony Quinn y Yoko Tani.

Un año más tarde, Ray se concentró en un nueva historia de adolescentes : "Rebelde sin Causa" ( "Rebel Without a Cause", 1955), la obra por la que es más reconocido, y que era su favorita porque la terminó sin interferencias.
Más tarde, destacará con el drama: "Más poderoso que la vida" ( "Bigger That Life", 1956), sobre un padre descompuesto por su afición a la cortisona, y donde se habló de la drogadicción dentro de la familia, con la espléndida actuación de James Mason.
También, reverdecerá su gusto por las historias de jóvenes rebeldes con el western "La verdadera historia de Jesse James" ( "The True Story of Jesse James", 1957), donde confirma su maestría en los dominios del "CinemaScope" .
Hastiado de los artilugios de Hollywood y sus productores, viaja a Libia con un equipo francés para rodar: "Amarga victoria" ( "Bitter Victory", 1957), un drama bélico que resalta por el intenso conflicto que se produce entre dos oficiales ingleses que aman a la misma mujer.
De regreso en Florida, parte filmando "Wind Across the Everglades" ( 1958), pero abandona el proyecto por diferencias irrenconciliables con el guionista y productor Budd Schulberg, para retomar los temas de su interés en el filme : "La Rosa del Hampa" / "Chicago, años 30"( Party Girl" , 1958), perfecta mezcla entre cine gangsteril y melodrama romántico.
Gracias a la novedad del procedimiento de proyección "Technirama 70", se puede extraer algún interés en su siguiente película: "Los dientes del diablo" / "Salvajes Inocentes" ( "The savages innocents", 1960), una coproducción entre EEUU, GB e Italia, ambientada en las inmensidades del Polo, con Anthony Quinn, Yoko Tani y Peter O"Toole a la cabeza de un reparto multicultural.
Luego vendría su especial acercamiento a la figura de Jesucristo, con "Rey de Reyes" ( "King of Kings", 1961), una valiosa y realista visión del Mesías, que guarda toda la carga emocional y política de su autor.
La superproducción "55 días en Pekín" ( "55 Days at Pekin", 1963), cerró anticipadamente su cooperación con la industria norteamericana.
En el transcurso del rodaje, los constantes contratiempos del guión, que Ray modificó diariamente y los choques por el presupuesto con el productor Samuel Bronston, lo pusieron enfermo y alejado del mismo, así que fueron sus colaboradores los que concluyeron la película.
Unicamente resaltan las estupendas ambientaciones de época, la corrección narrativa , el nivel de las actuaciones y se mantiene ausente el soplo épico vital que caracterizó su mejor etapa.

Triste destino para un genio.

Ray en el college con sus alumnos.

En "El amigo americano" de Wim Wenders hizo una destacable interpretación.

Como otros estimables cineastas, Ray vagó durante diez años por toda Europa en busca del financiamiento que le devolviera a su profesión.
Incomprendido entre sus pares, con fama de "personaje difícil", terminó enajenando sus esfuerzos en el alcoholismo, hasta transformarse "en una caricatura de sí mismo".
Hacia 1971, logra ingresar como profesor titular en el Harper College de Binghamton, dedicándose casi una década a la educación y formación de sus alumnos.
Con ellos, logra efectuar la producción inacabada de "You Can"t Go Home Again ( 1976 ).
Siempre distinto a los demás, Ray le solicita a su amigo el cineasta alemán Wim Wenders ( con quien hizo un papel para su película "El amigo americano" ), que filme su propia muerte, víctima de un cáncer irreversible.
La película : "Relámpago sobre el agua" ( "Lightning Over Water", 1979 ), es un crudo testimonio sobre sí mismo; pero sobretodo, la declaración amorosa por su pasión de toda la vida : el Cine.
El filme fue presentado en el Festival de Cannes de 1980, muy poco después de su desaparecimiento.

Su estilo :

Con la actriz Brigit Bazlen en el rodaje de "Rey de Reyes".

Su cine está estructurado sobre normas específicas estrictamente apegado a un realismo escrutador. Aunque buena parte de sus películas parecen abstracciones metafóricas, nunca dejó de ser telúrico, perturbador e inconformista.
Podía lograr la intensidad emocional de sus actores, sin descuidar los detalles técnicos de la puesta en escena.
Integró como pocos, los recursos del color, afianzando la estética de sus formas y contenidos, con una pulcridad elocuente.
Cineasta subvalorado, Ray recorrió la mayoría de los géneros populares para innovar en el terreno del guión, la estética, la simbología, la valorización de la puesta en escena, el naturalismo en la interpretación, y la concepción idealista sobre un estilo romántico, único y personal.
No es menor que, utilizara la arquitectura y los decorados para "ayudarnos a comprender las emociones de sus personajes" y también las antagónicas incidencias entre lo público y lo privado, para desentrañar el choque cultural que existe entre el conservadurismo tradicional y el advenimiento del progreso.
Hay en alguna medida, en las películas de Ray, la rabia compungida de alguien que intentó adelantarnos, muchos de los conflictos de la vida moderna actual, desde las disyuntivas de la problemática social, familiar y amorosa.
Por eso, gustó de las historias de jóvenes rebeldes, quizás porque él mismo era uno de aquellos "outsider" intentado abrir espacios de discusión, en una industria demasiado tradicionalista y monolítica.
Con certeza, se trata de uno de los directores más importantes de la posguerra; y un renovador de los esquemas más utilizados por la fábrica de sueños de Hollywood.

Temática Recurrente :

Durante la filmación de "55 días en Pekin".

La mayoría del universo fílmico de Ray, circuló sobre el tema de la traición. Quizás como ningún otro cineasta, logró encausar esta temática en obras del cine negro, melodramas románticos y épicas históricas.
Su mundo "está poblado también por otras obsesiones : las mujeres dominantes, los hombres violentos que quieren dejar de serlo, los niños en busca de padre, los amores acorralados, los brotes del fascismo".
Sus películas "muestran conflictos interiores , pero no se limitan nunca al simple análisis psicológico y presentan auténticos estudios sociológicos. En Ray, el héroe es por lo general un rebelde, violento y romántico, que busca más o menos inconcientemente la pureza y el absoluto, en un viaje que podría calificarse de místico".
Ray fue un maestro de la pantalla ancha, un verdadero entusiasta del color, y un acertivo manierista de las formas, que utilizó el tema recurrente de la muerte como un camino del aprendizaje moral de sus personajes.
Todo su cine, desde el más supérfluo producto hecho por encargo, hasta la obra más personal y comprometida, tiene la dignidad y la sutileza de su metódico trabajo.
Obseso del perfeccionismo del guión, llegaba a cambiar sobre la marcha de un rodaje, la estructura de una historia para convertirla en nuevas formas, buscando la perfección y la naturalidad en las acciones.
Dio gran preponderancia al trabajo con los actores, aunque nunca descuidó la mirada analítica de los comportamientos en la puesta en escena.
Eterno rebelde dentro de una industria que no le comprendía, supo adelantarse al nuevo cine estadounidense que vendría a establecerse en los setenta, preocupado de los adolescentes, la nueva camada de espectadores regulares de las salas de exhibición.

Filmografía Fundamental :

"Llamad a cualquier puerta" : uno de los grandes dramas sobre juventud marginal de Ray.

"Los amantes de la noche"/"Sendas torcidas" ( "They Live by Night", 1947); ""Llamad a cualquier puerta"/"Hora de Angustias" ( "Knock On Any Door", 1948); "En un lugar solitario" ( "In a Lonely Place", 1950); "Johnny Guitar" ( "Johnny Guitar", 1954); "Rebelde sin Causa" ( "Rebel out a Cause", 1955); "Bigger Than Life" (1956); "La verdadera historia de Jesse James" ( "The True Story of Jesse James", 1957); "La Rosa del Hampa" /"Chicago, años 30" ( "Party Girl", 1958); "Los dientes del diablo" ( "The savage innocents", 1959); "Rey de Reyes" ( "Kings of Kings", 1961); "55 días en Pekín" ( "55 Days at Peking", 1963); "El Conserje" ( "Der Hausmeister", episodio de "Sueños Húmedos" / "Wet Dreams") y "You Can"t Go Home Again" ( 1976).

Películas seleccionadas :

"En un lugar solitario" ( 1950).

Dix y Laurel, la pareja de la pasión y de la desestabilidad.

De todas las películas redescubiertas por el cable, ésta debe ser una de las mejores. Ya la había agendado hace muchos años atrás, cuando el recordado crítico y escritor Guillermo Cabrera Infante, la había integrado entre sus filmes favoritos.
"Cinemax" la proyectó en un ciclo de clásicos del cine negro con el inimitable Humphrey Bogart, uno de mis actores predilectos.
La grabé porque a nivel comercial, en eso años, no había copias disponibles en Chile.
Realmente, me re-gustó. O sea, que la he visto muchísimas veces. Mientras más pasan los años, estas películas en blanco y negro, tienen un valor sentimental inconmensurable.
Nunca le tuve pavor al hecho, de preferir el blanco y negro al color, porque si es thriller o film noir, las prefiero en blanco y negro. Hay algo de metafísico en ello. No sé. Creo que la carga de angustia de esos años, decadencia urbana y soledad castrante, se logran matizar mejor en el expresionismo del black or white.
Nunca olvido la primera vez que ví "En un lugar solitario", junto a familiares que admiraban a Bogart.
Para muchos se trata de una película desconocida. Creo que en Chile se dio, pasó desapercibida y se olvidó. Ahora que también está en DVD, no hay que dejar de tenerla, si gustan de clásicos imperdibles.
La película es sobre la imposibilidad de retomar la labor creativa de una obra. Quedar neutro, en blanco, marcado por la frustración.
El relato es acerca de un guionista de Hollywood, un tal Dixon Steele ( Bogart ), que es un tipo escéptico, amargado, autodestructivo, que pasa por este bajón creativo, con una personalidad muy cercana al propio Ray; y a partir del cual, se nos muestran las distintas personalidades que pululan por la ciudad del cine.
Desde luego hay un sesgo policial, y un exhaustivo análisis acerca del precio de ser marginal, intelectual, justo con los hechos y crítico con el sistema de estudios.

En el set, director y actores repasando el script.

Steele sólo cuenta con dos amigos : "su agente , el pequeño grande Art Smith y un antiguo tespiano, un viejo actor disuelto en alcohol, Robert Warwick, reducido en la película a actor secundario", como apunta Cabrera Infante.
Además, Steele tiene un pequeño ángel guardian, un teniente de policía ( Frank Lovejov ), cazurrero como zorro tras su presa.
Por esos contactos que nunca faltan en momentos de crisis, el guionista recibe el encargo de adaptar un libro para convertirlo en movie.
Antes de agotar tiempo, cigarrillos y alcohol, en escribir frente a la máquina la dichosa adaptación, el profesional decide prestarle el original a una chica de un restaurant para que compruebe que tan factible es convertirla en película, con tan mala suerte que al otro día de su encuentro, la chica aparece asesinada en la carretera.
Sospechoso de un crimen que no cometió, el tipo recibe la visita de una rubia vaporosa, Lauren Gray ( Gloria Grahame ), una fea maldita que le seduce y se transforma en su amante.
En los careos de la investigación policial, ella miente a su favor. En la intimidad, él le regala su dignidad a cambio de sexo.
Lo que viene después, tienen que verlo ustedes mismos, pero la intriga es muy diversificada, llena de vericuetos, giros de tuerca y sorpresas de último minuto.
"Contrario a lo que se cree, Ray no conoció a Gloria Grahame durante el rodaje de la película. Ya se habían casado y separado antes de comenzar la obra que parece autobiográfica". Pero se debe a Ray el esfuerzo de imponer en el papel de Lauren Gray a la Grahame.
Además, muchas de las escenas rodadas con ella, fueron impresionadas en el propio hogar que ocupaba la pareja cuando eran matrimonio.
Doble reflejo de la ficción con la vida de este autor estimable.

"Rebelde sin causa" ( 1955).

El triángulo de una familia idealizada por la incomprensión de los padres.

Mosaico con algunas de las escenas de la película.

Punto de partida de una idea que Ray había titulado "The Blind Run" y que se basaba en los estudios sobre la juventud disconformista, donde intervenían psicólogos educacionales.
Para el rodaje, el director se entrevistó con los jóvenes airados, e integró en el casting al aborotador Frank Mazzola, que tuvo un breve rol, intentando dar la mayor credibilidad posible al conflicto emocional que cuenta la película.
Jim ( James Dean ), hijo de un padre servil y una madre tiránica, conoce en su nuevo high school a la hermosa Judy ( Natalie Wood ), incomprendida por un padre escrutador; y al sensible Platón ( Sal Mineo ), vástago de linaje superior, que practica la marginalidad, frente al evidente abandono de su madre y a la ausencia eterna de su padre.
Los tres se hacen amigos y conforman el idealismo de una familia feliz, aunque resultarán perseguidos por una pandilla, después que Jim compita en una riesgosa carrera de automóviles, donde resultará muerto uno de los líderes de los "teenagers".
El filme circula sobre el tema de la soledad y el abandono, la incomprensión de la generación adulta por la juventud, el choque que existe entre lo tradicional y la vehemencia de los cambios que mueven a los chicos a desafiar hasta con su propia vida, los rigores del sistema donde habitan.
Mientras Platón busca a un padre a quien imitar, Jim solo quiere respetar al suyo, si éste deja de humillarse frente a una madre escrutadora y energúmena.
Ambos sólo desean ser escuchados por sus pares mayores y que nos les traicione y mienta. Aunque en el transcurrir del relato, Jim sin atisbarlo, terminará traicionando a Platón para que se entregue a las autoridades; y como aseveró Ray, a partir de este sacrificio Platón se reconciliará con su padre, en una actitud que tiene mucho de desolación post mortem.

Detalles de las escenas desarrolladas en "CinemaScope".

A escala superior, "Rebelde sin causa" es el primer gran hit del cine para adolescentes, que transmite todos los lugares comunes que habrían de ser arquetípicos en la explotación de su temática en los años setenta y ochenta : pandillas motorizadas, conversaciones transparentes con sus iguales, incomprensión adulta, romance, idealismo, ruptura, planteamiento sumario de cada personaje en razón de sus traumas, anhelos y ansiedades.
Ray transforma el onirismo de la industria, en realismo puro y sincero, y lo confronta con los problemas más radicales de la sociedad.
Establece parámetros de incidencia, relega los artificios impostados de la ilusión, por una mirada casi natural del mundo que le rodea.
En su actitud, también esta la rebeldía de ser sincero y elocuente a la hora de filmar. Porque esta obra maestra no sólo crece con los años, sino que se autovaloriza, al mostrarnos los choques generacionales entre padres e hijos con una capacidad emocional, asertiva, humana y cercana a cualquier espectador medio de cualquier época. Notable.

"Rey de Reyes" ( 1961).

Jeffrey Hunter en una de las parábolas más hermosas y comprometidas del cine bíblico.

En un momento del rodaje de la obra.

La crucifixión según Ray, con todo su realismo elocuente.

De todas las películas que han utilizado la figura de Jesucristo para acercarnos el sacrificio del Mesías y conmovernos con su palabra, ésta película debe ser la más naturalista de las efectuadas por Hollywood; y por lo mismo, la que nos parece más cercana.
Como resaltó en su momento el crítico español Carlos Aguilar: "A través de la historia de Jesús, el director ha querido ilustrar su tema favorito del hombre que se debate entre las posibilidad de la acción y la contemplación; así como sus ideas acerca del inconformismo, la libertad y la violencia".
No sólo dimensiona la figura de Cristo desde la metáfora surrealista, tan cara a la realidad histórica, sino que intenta ofrecernos una figura empática, que logra compenetrarnos de su conflicto interior y transmitirnos la validez de su santo sacrificio, interactuando con las personas humildes y comunes.
En este esfuerzo, nos trae a Jesucristo a una realidad muy actual, donde remarca "la infinita soledad del traicionado", para reestablecer sus parábolas con un sentido plástico efectivo y poético.
Jeffrey Hunter nunca sobredimensiona los textos, y obtiene un ícono que nos parece más realista que otros intérpretes, que se han subido al cielo de la elocuencia con demasiada patudez.
Como lo hizo Rosellini y Pasolini, Ray logra conmovernos con la historia bíblica porque presupone a Jesús entre nosotros, a la altura de un hombre común, que desafió al poder, usurpó a la codicia y a la maldad, su autosuficiencia, contraponiendo el orgullo de la modestia, la verdad en la Fé y la naturalidad de un legado, que repercute en nuestras Iglesias con el beneplácito del creyente consecuente.
En su naturaleza de cineasta realista y transparente, Ray convierte a Jesús en un hombre culto e íntegro, humano y divino, que se nos acerca con devoción en un intento por preservar la autenticidad de su relato y de su palabra.
Se trata de una valiosa obra maestra, que contemporaliza los hechos determinantes de la Santa Biblia, con un exquisito gusto por lo estético y narrativo.

Un Comentario:

Eterno compañero de Ray : el cigarrillo imberbe.

"Rebelde sin Causa" se cuenta entre los mejores trabajos de Ray , quien con una técnica narrativa casi instintivamente segura, sólida y directa, creó un lenguaje fílmico en que la esencia de las acciones está motivada por la existencia de los personajes. Los seres de Ray, son siempre individualistas incómodos, y las películas de Ray muestran su realidad, a menudo impactante"
"Para muchos cineastas de la nouvelle vague como Godard, Rivette y Truffaut, así como el alemán Wim Wenders, el cine individualista de Ray fue un modelo a seguir".

( El crítico Stephan Reisner ).

George Stevens :
Ecléctico y Versátil.

Frente a la moviola revisando tomas y encuadres.

Niño prodigio del teatro, su afición por trabajar en el cine le lleva a Hollywood en 1921, para convertirse primero en fotógrafo de numerosos cortos y largos del productor Hal Roach, protagonizados por "El Gordo y el flaco" ( "Laurel & Hardy).
Su primera película es "The Cohens and the Kellys in Trouble", última de una serie de comedias disparatadas que remarcan las diferencias entre judíos e irlandeses.
Obviando sus primeros cinco trabajos, que efectúa por encargo, menciona que su carrera realmente parte con "Alice Adams" ( 1935 ), una candorosa comedia basada en una novela de Booth Tarkington, donde Katharine Hepburn interpreta a una mujer llena de aspiraciones, que termina enamorada de un tipo demasiado modesto, encarnado por Fred MacMurray.
Para el bailarín, cantante y actor Fred Astaire, dirigió dos de sus musicales más edulcorantes : "A Swing Time" ( 1936) y "A Damsel in Distress" ( 1937).
Su verdadero despegue viene con la adaptación del clásico de aventuras colonial "Gunga Din" ( 1939), una de las grandes películas de aventuras sobre el relato de Rudyard Kipling, que interpreta un elenco de estrellas partiendo por el incomparable Cary Grant, el fornido Victor McLaglen y la naciente Joan Fontaine.
Más tarde, se concentra, en potentes melodramas efectuados con el sentimentalismo propio de esos años, y la corrección académica que caracterizó su trabajo : "Noche de angustia" ( "Vigil in the night", 1940), ambientado en un hospital con Carole Lombard y Brian Aherne; y "Serenata nostálgica" ( "Penny Serenade", 1941), una original sucesión de anécdotas alrededor de una pareja que adopta un niño después de perder el suyo propio, y que esta magníficamente interpretada por Cary Grant e Irenne Dunne.

Conversando con Fred Astaire durante el rodaje de "A damsel in distress".

Con Katharine Hepburn y Spencer Tracy en : "La Mujer del año".

"Gunga Din": un clásico de aventuras dirigido por Stevens.

Con Irene Dunne en el set de "I remember mama".

En "El Amor llamó dos veces" con Richard Gaines y Jean Arthur.

Producciones Libertad.

Con "La Mujer del Año" ( "Woman of the Year" , 1942 ), logra el cenit en el campo de la comedia, sin dejar de lado el cuestionamiento a la emancipación de la mujer, constituye uno de sus trabajos más logrados. El sólido guión de Ring Larner Jr., y Michael Kaning, obtiene el Oscar, pero la cinta inicia la cooperación en la vida real y en la pantalla de la dupla que conforman Spencer Tracy y Katharine Hepburn. Ambos están estupendos, se nora en cada secuencia que gozan con la trama y se sacan partido a la química que hay entre ambos.
Después resurge su endiablada manera de mezclar comedia con drama en la inolvidable : "El Asunto del día" ( "The talk of the town", 1942), donde rastrea los derechos civiles a partir del amor que siente una chica ( Jean Arthur) , por un hombre acusado de homicidio y su abogado defensor ( Cary Grant y Ronald Colman).
En 1943, participa como voluntario en la Segunda Guerra Mundial, y filma varios documentales sobre el conflicto.
De regreso a casa, funda con sus colegas Frank Capra y William Wyler la productora Liberty Films, con la intención de hacer las películas que él quiere, iniciando este periodo de su vida profesional, con la comedia sentimental "Nunca te olvidaré" ( "I remember mama", 1948), la épica historia de una familia de emigrantes en Estados Unidos a principios del siglo XX.
Después, se estrena : "El Amor llamó dos veces" ( "The More the merrier", 1943), que cuenta las desvdenturas de una chica que, en Washington, se ve obligada a compartir un apartamento con un hombre bien parecido y un veterano del que aprenderá "las cosas buenas de la vida".
Jean Arthur vuelve a ponerse bajo su dirección, ahora acompañada de Joel McCrea y el característico Charles Coburn ( el hombre del monóculo ), que por este rol recibió un Oscar.

Ambiciones de un Gigante.

Montgomery Clift y Elizabeth Taylor en : "Ambiciones que matan".

Notable western, "Shane" con Alan Ladd y el niño Brandon De Wilde.

Junto a James Dean en "Gigante".

"El diario de Ana Frank" : los actores en pleno.

"La historia más grande jamás contada" : Max Von Sydow como Jesús en la secuencia de la última cena.

"El único juego de la ciudad" : última obra de Stevens, con Warren Beatty y Liz Taylor.

Su última etapa, se caracteriza por los éxitos más conocidos de su trayectoria.
En este compendio, deben destacarse :
"Un lugar en el sol"/ "Ambiciones que matan" ( "A place in the Sun", 1951), innovador relato que habla por primera vez de aborto, pero que eleva el rostro impagable de Elizabeth Taylor a estatura universal. La fotogenia de ella en este filme, vale por sí sola, el precio de la entrada. Además, es un buen drama contemporáneo acerca de un muchacho demasiado ambicioso ( Montgomery Clift ), caído en desgracia por su propios errores conyugales.
La épica del western :
"Shane, el desconocido"/"Raíces profundas" ( "Shane", 1953), modélico desde el punto de vista formal, y especialmente innovador en su majestuosa solemnidad crepuscular.
"Gigante" ( "Giant ", 1956), la ambiciosa y colosal historia de una familia de rancheros de Texas, sazonada de actuaciones antológicas, fotografía espectacular y un notable rasgo pro-multicultural, que la moderniza en sus conceptos más clásicos.
"El diario de Ana Frank" ( "The Diary of Anne Frank", 1959), adaptación de la novela homónima sobre el cautiverio claustrofóbico de un puñado de judíos holandeses escondidos en una buhardilla de los nazis. Que quizás peca de demasiado teatral en su concepción original.
"La historia más grande jamás contada" ( "The Greatest Story Ever Told", 1965) , una magnífica superproducción épica sobre la vida de Jesucristo, que destaca por sus ambientes y sus recreaciones plásticas.
Y "El único juego en la ciudad" ( "The Only Game in Town", 1970), una irregular y licérgica historia de amor entre un jugador profesional y una chica de alterné, que trabaja como corista en uno de los casinos en Las Vegas.

Su estilo :

Revisando maquetas de los escenarios junto a James Dean para "Gigante".

"Realizador avezado , artesano honesto, su estilo, ciertamente académico, no está exento de una cierta poética y de una peculiar y aguda visión psicológica de sus personajes".
Buscaba siempre la manera de interesar al público, con recursos contemporáneos en el planteamiento temático, aunque a veces, sus historias se desarrollaban en otra época. Por ejemplo, al adaptar la novela de Theodore Dreser "Una tragedia americana", "tuvo que enfrentarse a la dificultad de hacer que resultase interesante el tema de la lucha de clases para el público de los años cincuenta, más interesado en el entretenimiento que en la instrucción política".
Para ello, armó un entramado, donde se remarcan los deseos eróticos del protagonista por la chica adinerada en desmedro de la obrera, que deja embarazada, matizando el conflicto de intereses del muchacho, con la privación y exclusión que debilita su personalidad y lo hace más accesible al sentimiento del público. Se trata, por cierto, de un joven ambicioso vencido por el propio peso de su codicia.
Nótese el enfoque moral que sus obras lacanzan, donde no juzga directamente a sus personajes, sino que los hace replantearse sus acciones en función de sus caídas. En este sentido, la mujer juega un rol decisivo, y nos es difícil comprender que Stevens fue un certero observador de la emancipación femenina y sus riesgos.
De cierto modo, su rúbrica era directa, transparente, crítica pero también benevolente, justiciera, independiente y decididamente atemporal.

Temática Recurrente :

Un gran perfeccionista de los relatos y de las atmósferas.

Fue capaz de efectuar desde comedias inocentes, agradables de ver, hasta relatos dramáticos, sin desconocer que era insuperable en el intimismo más arrebatador, aunque también jugó con las basas de la superproducción.
Tenía fama de ser perfeccionista en extremo.
Gustaba extraer de sus obras, la belleza de los paisajes, aunque para él, fueron siempre más importantes los personajes, sus conflictos interiores, su sicología y sus debilidades frente a situaciones que no pueden adulterar en razón de su origen.

Filmografía Fundamental :

Con Mercedes MacCambridge, Liz Taylor, Rock Hudson y James Dean en el set de "Gigante".

"The Cohens and the Kellys in Trouble" ( 1933); "Alice Adams" ( 1935); "A Swing Time" ( 1936); "A Damsel in Distress" ( 1937); "Gunga Din" ( 1939); "Serenata nostálgica" ( "Penny Serenade", 1941); "La mujer del año" ( "A woman of the year", 1942); "El asunto del día" ( "The Talk of the Town", 1942); "El amor llamó dos veces" ( "The More the Merrier", 1943); "Un lugar en el sol"/"Ambiciones que matan" ( "A place in the Sun", 1951); "Shane, el desconocido" /"Raíces profundas" ( "Shane", 1953); "Gigante" ( "Giant",1956); "El diario de Ana Frank" ( "The diary of Anne Frank", 1959); y "La historia más grande jamás contada" ( "The Greatest Story Ever Told", 1965).

Películas Seleccionadas :

Ambiciones que Matan ( 1951).

Ahogados en las redes de la pasión sexual, es un amor imposible.

Basada en la novela "Una tragedia americana" de Theodore Dreiser, esta "remake" es una inusual obra melodramática salpicada de emoción, un certero trabajo interpretativo, y un Stevens en toda su forma, al integrar la seductora presencia de Elizabeth Taylor como Angela Vickers, una chica remilgada, hermosísima, que con sólo su belleza, deja caer en sus redes al joven George Eastman ( Montgomery Clift ), ya comprometido con la obrera Alice ( Shelley Winters ).
La desesperación del joven, por superar su posición marginal, y ostentar una situación cómoda y perdurable con la ninfa constante de Liz, le hace planificar el homicidio de su chica obrera.
Pese a su arrepentimiento, y a que el supuesto asesinato no es tal, sino que un accidente fortuito atribuído a los celos de la muchacha, George pagará sus culpas con la condena de muerte que le impone la justicia.
El filme está estupendamente realizado, con una impagable puesta en escena, donde sobresale la fotografía y los close up de William C.Mellor, que recoge en todo su esplendor la belleza facial de Liz.
La cámara se enamora de ella. Y nosotros quedamos embelesados con la fotogenia de la actriz.
El éxito en boleterías de esta cinta, mueve a Stevens a completar su trilogía dedicada a la familia norteamericana con "Shane" y "Gigante".

"Shane" ( 1953 ).

Renovando los esquemas clásicos del western.

Quien disfrute de los westerns, no puede dejar de verla, pues se trata sin duda, de un relato familiar en el Oeste muy innovador y original.
La historia de un pistolero con pasado escabroso ( Alan Ladd ), que se instala en casa de una familia de campesinos para ayudarlos de los propósitos de un terrateniente ambicioso y déspota, cobra vida con la interrelación amorosa que surge ( y sólo se explicita ), en la amistad con la madre del hijo único de la familia.
Al renunciar al amor de la mujer ( Jean Arthur ) y al cariño admirativo que le tiene el niño ( Brandon De Wilde ), Shane doblegará a los villanos de turno con su hábil manejo del revólver, a vista y paciencia del pequeño, que será testigo privilegiado de los acontecimientos.
Como nunca antes, Stevens realza esta maravillosa elegía sobre la entrega y la redención de un cowboy solitario, utilizando las bondades del technicolor y los excelsos paisajes naturales, acentuando su preciosismo en reiteradas ocasiones. También es una clase magistral de climaxs narrativos, muchos de los cuales están resueltos con pequeños guiños al espectador, como la pelea a combo limpio entre el héroe y uno de sus antagónicos, que sólo se acentúa con los caballos nerviosos que están en el corral.
El filme tiene además, una inolvidable partitura musical, y unos encomiables secundarios que habrían de repetirse el plato dentro del género del "far west", como : Jack Palance, Ben Johnson y Elisha Cook Jr.

Gigante ( 1956).

Admiración, codicia, pérdida y soledad.

Detalle de la fotografía en color de William C.Mellor.

Según la novela homónima de Edna Ferber, Stevens llegó a la cúspide de su inspiración con esta épica emocionante sobre la vida de una familia de rancheros texanos a través de sus veinticinco años en Reata.
"El filme retrata la convivencia de Leslie y Bick ( Rock Hudson y Elizabeth Taylor ), la educación de sus hijos, y las diversasa crisis y problemas de los habitantes del rancho . En un segundo nivel narrativo, asistimos al ascenso de Jeff ( James Dean ), que pasa de ser un pobre peón a un magnate del petróleo inmensamente rico, que aprovecha cualquier oportunidad que se le presenta para vengarse de Bick por el amor no correspondido que siente por su esposa, llegando al punto de seducir a la hija de su rival ( Carroll Baker )."
Como nos sugiere su título, estamos en presencia de una épica colosalista de más de tres horas de duración, estructurada sobre la base de las contrariedades que surgen entre las personalidades de Leslie y Bick, y que amplía su lectura amorosa a los temas que tiene que ver con : el racismo, la emancipación, el dominio, la codicia, el egoísmo, la familia, la soledad, la frustración, la venganza, el rencor y el respeto.
Stevens se encarga de mostrar a lo largo de todo el metraje, su buen hacer como cineasta detallista de los espacios, las relaciones de pareja, los subterfugios secundarios que pueden destruír la aparente armonía de la pareja protagónica.
Integra pequeños detalles y simbólicas opciones para adelantar hechos o perfilar situaciones que ocurrirán en el futuro. Un ejemplo : cuando el pequeño Jordan estalla en llanto montado en un ponie que le regalan en su cuarto cumpleaños, y que plantea que el niño cuando mayor, no será el sucesor de la tradición ganadera de la familia. Ya adulto ( Dennis Hopper), el chico incluso, se casará con una descendiente mexicana para dedicarse a la medicina.
"Gigante" es un clásico en toda norma, una película que integra las mayores virtudes de este cineasta subvalorado, y que dejó un puñado de obras magníficas de extraordinaria factura.

Comentarios :

Dirigiendo a la pareja estelar de "Un lugar en el sol".

"A pesar de ser el director responsable de clásicos como : "La Mujer del Año", el western "Shane" o la película bíblica "La historia más grande jamás contada", George Stevens nunca llegó a ser considerado realmente uno de los grandes cineastas de Hollywood".

( El crítico Eric Stahl ).

"Shane" : la grandiosidad del paisaje donde el cowboy se pierde en el horizonte.

"Con Shane es George Stevens el que nos lleva a los viejos escenarios del Oeste americano. Y el género cinematográfico que ha compuesto es un poema. La sustancia dramática de esta película está tratada con sobriedad extrema... Los gestos que verdaderamente cuenta son mínimos, apenas insinuados, y disparan nuestra atención a aquello que significan, a la realidad no expresada a la que aluden".

( El filósofo español Julian Marias ).

Fotos Gentileza : Academy of Achievement- A Museum of living History of Washington DC, USA- Studio 360 - Paramount Pictures - Warner Bros.- RKO Pictures - 20.th.Century Fox - Jeffrey Hunter legacy - IGN - A certain Cinema - Doctor Macro - Life - Collections Oscar - Wordpress.-