Rostros Inolvidables del Cine Infantil :

Pequeños Gigantes.

El Tiempo pasa para todo el mundo. Aunque a las estrellas del cine les pesa más mirarse en el espejo. Los recuerdos imborrables también marcan la historia de los niños y niñas prodigios del cine mundial. Para esta ocasión, hemos destacado siete talentos púberes, que desde los primeros años de la niñez, estuvieron trabajando subordinados a directores que les sacaron el "jugo" para lograr verdaderas piezas de antología. Valga esta introducción, a las nuevas entradas preparadas con el cariño del espectador gozoso, que los vió crecer y desarrollarse. Este también es un homenaje a los niños que se fueron al otro mundo, a recorrer la fantasía de la eternidad.

Sus almas infantiles quedaron atrapadas en el celuloide. Para no morir como sus cuerpos, y para perdurar infinitamente en la pantalla de plata.

Los Clásicos.

Shirley Temple :

Alma Mater de la Fox.

Si hay algo que debe la "20 th. Century Fox" a la colosal niña prodigio de principios de los años treinta del siglo pasado, Shirley Temple ( nacida en 1928, en Santa Mónica, California, EEUU ), es su existencia como industria del cine, en momentos en que la productora se iba a la bancarrota iminente.

En efecto, Shirley llegó a los estudios de Darryl Zanuck, cuando éste más lo necesitaba, y logró estrujar la gallinita de los huevos de oro, con notable acierto y celeridad. Y de paso, salvar a la productora de la quiebra mortal.

En sus inicios, la pequeña "ricitos de oro" llegó a actuar hasta en nueve películas al año. Con esta carga laboral, Shirley aprendió de sacrificios desde muy chiquita. Y es que la niña supo de fama y gloria, cuando ni siquiera enteraba los ocho años de edad.

Con el correr del tiempo, su trabajo puede que nos resulte demasiado esquemático. Pero en las normas del "star system" impuesto por las grandes "majors" del cine norteamericano, eso era una actitud normal a la que había que someterse, para mantenerse en el pináculo de las taquillas.

Que la pequeña Shirley como actriz infantil nos resulte hoy, tierna, linda, precoz y "ripipí", es sólo un detalle parcial que desvaloriza su trabajo más consecuente con la mentalidad de la prodigio que fue en su época. 

"Little Miss Marker" : la precoz estrella sabía ser sensible y candorosa.

 

"Now and Forever"  :  con Gary Cooper al comienzo de su carrera.

 

"Pimpollo" ( "Dimples")  : Shirley debe enderazar a su abuelo carterista con la ayuda de un amigo .

En"La Pequeña Coronela" : el papel que la llevó a la consagración en el cine.

"La Pequeña Coronela" ( 2 ) : la magia del tap con Bill "Bojangles" Robinson en una escena antológica.

"La Pequeña Coronela" : con su mamá, Evelyn Venable y la criada de color, Hattie McDaniel.

Realmente, Shirley era una extraodinaria "star", que no sólo actuaba frente a las cámaras con notable desenvoltura. También, improvisaba sus textos con infinita gracia, cantaba tres o cuatro cancioncillas por película, que rápidamente se hacían famosas en la radio; bailaba "tap" con su inconfundible compañero de correrías , el experto actor y bailarín de color Bill "Bojangles" Robinson; patinaba sobre hielo con la destreza de una campeona deportiva; bailaba ballet si la historia lo requería y montaba a caballo con particular destreza. Todo por el precio de una sola artista.

Hija de una acomodada familia , a los tres años siguió cursos de baile y poco después fue descubierta por el realizador Charles Lamont, y en 1932 comienza a rodar "Baby Borkes", cortos donde los niños parodiaban a los famosos. Imitando a Marlene Dietrich en "El Angel Azul" hace sus primeros pinitos en el cine. 

Después se puso a rodar un puñado de películas en papeles secundarios, destacando rápidamente por títulos como : "Little Miss Marker" ( 1934 ) ; "Mandalay" ( 1934 ) y "Ojos Encantados" ( "Bright Eyes", 1934 ), desarrollada esta última en el ambiente de la aviación civil.

Su rápido estrellato llegaría con "La Pequeña Coronela"( "The Little Coronel", 1935 ) de David Butler, donde en ambiente sureño de la guerra civil, Shirley demuestró su amor por el "tap dance" y las canciones del "spiritual" negro.

Shirley convertida en la niña prodigio de Hollywood, arrasó en las taquillas y salvó a la Fox de la quiebra.

"Pequeña Miss Broadway" : volvía a ser una huérfana pero de espíritu libre y musical.

En "Rebeca" los números musicales eran sueños hermosos y espirituales.

 

"Pequeña Flor de Loto" : era una niña huérfana en China que subía de polizón en un crucero.

 

Las películas de la Shirley, se movían con un esquema que se repetía argumentalmente, película tras película. Recuerden : "Ricitos de Oro" ( "Curly Top", 1935 ); la "remake" de "Captain January" , "La Estrella del Faro"( 1936 ), o "Pequeña Miss Broadway" ( "Little Miss Broadway", 1938 ), todos divertimentos típicos de la Shirley. 

Generalmente, interpretaba a una huérfana criada por una tía, un abuelo o un padre que sobrevive haciendo lo imposible por su mocosita, incluso cayendo en el delito más deleznable, el robo.

A la fórmula básica en los argumentos, se le agregaba, un poquito de suspenso por aquí, otro de humor por allá, tres o cuatro canciones pegajosas, y la disponibilidad de la chiquilla para hacer travesuras y salvar enredos de último minuto, con la ayuda de algún amigo adulto o un perrito de mascota.

Sus mejores películas son grandes producciones hechas con presupuestos restringidos.

 "La Mascota del Regimiento" ( "Wee Willie Winkie", 1937 ), se beneficia de la dirección del maestro John Ford. 

La niña viaja con su madre al noreste de la India para ir a vivir con su abuelo, que está en un regimiento donde se transforma en la mascota rodeada del cariño de los soldados y de los jerarcas del lugar. Shirley como nunca antes, aparece con notables actores de carácter, entre ellos, Victor McLaglen del "clan de Ford", C. Aubrey Smith eterno característico inglés de las películas con niño ; y el joven César Romero que hace de un musulmán enemigo que termina rendido a los encantos de la prodigio.

"Pequeña Flor de Loto" ( "Stowaway", 1936 ) del artesano William A.Seiter, hace de "Ching-Ching", una huérfana que vive en la China, y se hace amigo de un "dandy" ( el magnífico Robert Young ), con quien vivirá una aventura arriba de un crucero con destino a San Francisco.

La película sugiere los paisajes con transparencias en estudio y logra aclimatarse al ritmo de las destornillante Shirley, porque el director fustiga sus desbordes demasiado "ripipí".

Hay buenas escenas de humor, como la caída accidental en el barrial o el misterioso viaje como polizona en el barco. Seiter la dirigió otra vez en "Susana de las montañas" ( "Sussanah of the Mounties", 1939 ), pero en esta película logra su pequeña joya de la amenidad, hecha con encanto y candorosa simpatía.

 

En "Heidi", demostrando que podía conquistar a su endurecido abuelo.

 

Shirley podía ser una modelo llamativa, hasta luciendo kimonos a su medida.

"La Mascota del Regimiento" : con Victor McLaglen.

"La Princesita" :  volvía  a soñar con números musicales maravillosos.

"Heidi" ( 1937 ) del gran Allan Dwan, es una agradable versión al célebre cuento infantil desarrollado en los alpes suizos. 

Shirley está colosal en el papel de la niñita que le rompe el duro corazón a un viejo solitario e irascible, que habita en las montañas, aunque el ambiente es superior a todo el contenido dramático de la obra. Recuerden que todo está construído y sugerido en los estudios de la Fox.  Un despliegue de escenarios maravillosos, que sólo volveremos a ver en los dos últimos éxitos de la niña prodigio :

"La Pequeña Princesa" ( "The Little Princess", 1939 )  y "El Pajaro Azul" ( "The Blue Bird", 1940 ), ambas dirigidas por Walter Lang.

"El Pajaro Azul" : se recuerda sobretodo por sus barrocos escenarios fantásticos.

Shirley en su juventud, en la última etapa de su carrera en el cine.

Shirley en la actualidad, conservando su glamour de estrella de Hollywood.

De su etapa adolescente y cuando la Temple amenazaba casarse muy joven y dejar la virginidad para siempre, hizo películas más simples y olvidables como : "Young People" ( 1940 ) , "Kathleen" ( 1941 ) y "Miss Anne Rooney" ( 1942 ), con el también crecidito prodigio Dickie Moore.

 Después sólo destacó en comedias de medio pelo y una obra maestra de John Ford, "Fuerte Apache" ( 1948 ), de la "trilogía de la caballería", donde interpretó a la hermosa hija de un endurecido Henry Fonda, como coronel de ejército demasiado sesgado por las circunstancias históricas.

Shirley se retira del cine a los veitiún años, para dedicarse a la política y hacia 1968 es representante de Estados Unidos en la ONU. Entre 1974 y 1976 fue embajadora de su país en Ghana, y más tarde, jefa de protocolo en la Casa Blanca. 

En la actualidad, sólo aparece en público, cuando una productora reflota algunos de sus éxitos infantiles, para una "premiere" especial de beneficencia o en la remasterización de sus trabajos en DVD.

Y es que , para la conciencia colectiva sólo hay una Shirley Temple. La "Ricitos de Oro" que salvó a una productora gigantesca, y restableció el gusto por el pequeño musical y la aventura infantil hecha con inteligencia y olfato comercial, a gusto y medida del espectador de su tiempo.

Freddie Bartholomew :

La distinción del "gentlemen" inglés.

No existe en la historia del cine infantil, un niño más educado y caballerito que Freddie Bartholomew ( nacido en 1924, en Dublín, Irlanda ), que impuso una presencia siempre vulnerable, paternalista y amorosa. Abandonado por sus padres - cuesta creer por qué -, fue criado desde bebé por una tía en Londres, y cuyo apellido llevó en reconocimiento personal a sus sacrificios y desvelos, por haber sacado adelante al niño.

Frederick Llewelyn March visitó Estados Unidos en los años treinta del siglo XX, y en un reportaje lo vió el productor David O.Selznick , quien lo seleccionó para rodar el papel central infantil de "David Copperfield" ( 1935 ). El reparto de aquella maravilla del cine, estaba cubierto por la "comunidad británica" avecindada en Hollywood durante la Guerra y que incluía además a los notables actores de carácter : Lionel Barrymore, Maureen O"Sullivan, Basil Rathbone, Lennox Pawle, Frank Lawton, Jean Cadell, W.C.Fields, Elizabeth Allan y Robert Young.

"David Copperfield" ( 1935 ) es, sin lugar a dudas, la mejor adaptación que se ha hecho de una obra literaria de Charles Dickens. Se trata, por cierto, de una obra atesorable, donde los grandes momentos y los coloridos retratos iluminan la fuente original, como en la vertiginosa mirada que lanza el realizador George Cukor a su joven héroe. 

Freddie está entrañable como el protagonista cuando niño. Sufre y se desangra cuando el malévolo Basil Rathbone le da de nalgadas, y está brillante como compañero de juegos de una rubicunda niñita, corriendo por un embarcadero mientras el mar los embiste desde abajo. 

La autenticidad de los personajes dickensianos están reflejados con gracia, encanto y muchísima humanidad. Pero además, hay emoción. Emoción en los sentimientos de los personajes. Emoción en las anécdotas y en el correcto trazado de la narrativa clásica.

"David Copperfield" : el universo fidedigno de Charles Dickens en una obra maestra del cine.

 

"David Copperfield" ( 2 ) :  Freddie arrastrado por la confianza que pone en su ambicioso contador.

 

"David Copperfield" ( 3 ) : la maravillosa recreación de atmósferas con W.C.Fields y Freddie en su rol eterno.

"Anna Karenina" : su encuentro con Greta Garbo, que fuera del set era distante y fría.

 

"Anna Karenina" ( 2 ) : Basil Rathbone hacía de su padre y fueron grandes amigos.

Si bien Bartholomew había partido su carrera en Gran Bretaña, debutando en "Toyland" ( 1930 ) y había aparecido en cuatro películas antes de Copperfield, fue este papel el que le abrió las puertas a todo el mundo.

Desde 1934 en Hollywood bajo el alero de MGM y hasta su despedida en "St. Benny The Dip" ( 1951 ), Freddie actuó en veintisiete películas. Muchas de las cuales son grandes clásicos del cine.

De su etapa infantil, se recuerdan además: "Anna Karenina" ( 1935 ) , versión sonora de la obra "Love" ( 1927 ), que Greta Garbo repite ahora con la producción de Selznick y la dirección de Clarence Brown.

La conocida novela homónima del conde ruso León Tolstoi, está recreada por Brown con un estilo romántico "art-decó", lleno de eficaces transcripciones de época, y con Freddie como soporte dramático insustituíble.

El niño vuelve a sufrir en manos de Basil Rathbone, aquí como un conde traicionado por la infidelidad de su mujer ( la Garbo ) , que renuncia a su hijo y al amor de él, por la pasión del Capitán Alexei Vronsky ( Fredric March ). Freddie tiene unos momentos superiores, que remarcan la destreza del niño actor para el drama familiar. Al lado de la Garbo es todo amor y súplica. Asume su soledad y no la acepta, cuando su madre se fuga con su amante, aunque le insinúan que ella ha muerto para la familia. Pero le vuelve a querer, cuando ésta le viene a ver de incógnito, en la noche invernal de incertidumbre. Freddie es un gran expresionista de los diálogos. Recuerden sus parlamentos al lado de la Garbo. Acentúa las palabras destacadas con acierto. Perpetuá  el momento de su reencuentro maternal, con la pasión del amor de un hijo que adora a la mujer que le dió vida, y que a pesar de todo, vuelve para no regresar jamás. Notable Freddie, que está en la esencia de su arte interpretativo.

"Professional Soldier" : lo reunió con Victor McLaglen que no perdió la oportunidad de trabajar con prodigios.

 

"El Pequeño Lord" : Dolores Costello era su querendona mamá y él se dejaba regalonear.

 

"El Pequeño Lord" ( 2 ) era un niño que pasaba de la pobreza marginal a la riqueza nobiliaria.

"Capitanes Intrépidos" : obra maestra que reunía a Freddie con Spencer Tracy y Lionel Barrymore.

"Capitanes Intrépidos" ( 2 ) destacaba por una fotografía expresionista en blanco y negro.

Después rodó "Professional Soldier" ( 1935 ) con Gloria Stuart, donde repitió sus "tics" maternalistas; para retomar la adaptación de los grandes clásicos literarios con la versión de "El Pequeño Lord" ( "Little Lord Fauntleroy", 1936 ), esta vez, con Dolores Costello como su sacrificada madre.

En la película, Freddie criado en un barrio de extracción popular, frecuenta la amistad del juvenil Mickey Rooney - el otro "prodigio" de la casa productora, que con Jackie Copper completan la triada más eterna del cine americano -. Es un chico que le cae bien a todo el mundo por sus refinadas maneras de comportarse, aunque tiene roces serios con los demás chiquillos de la barriada. 

Heredero de una noble y rancia aristocracia londinense, Freddie debe embarcarse con su madre a tierras inglesas, donde asumirá su verdadera posición social. No sin antes expurgar las bondades de ser pobre y aprender que con todo el mundo se puede ser cariñoso, abierto y amistoso.

"Lloyds of London" : la imagen de Bartholomew en una clásica recreación de época.

Más tarde, Bartholomew filmó  "Lloyds of London" ( 1937 ), con Madeleine Carroll y Tyrone Power, donde vuelve a sacar su "artillería pesada" cuando discute en escena con el otrora niño actor Douglas Scott sobre cuestiones vitales del destino. Expresivo y benevolente, asume con fruición un papel de soporte dramático, que le restituye su exquisita pronunciación inglesa.

Inmediatamente, pasó a un clásico del cine de aventuras, "Capitánes Intrépidos" ( "Captains Courages", 1937 ), dirigido por Victor Fleming. Freddie está en el cenit de su carrera infantil al interpretar a "Harvey Cheyne", un niño rico y mimado, que tras beberse seis gaseosas con helado, cae por la borda del trasatlántico en el que viaja con su padre ( Melvyn Douglas ), para ser rescatado después por una puñado de pescadores que encabeza el bueno del portugués Manuel Fidello ( Spencer Tracy ).

La relación de amistad que se entabla con el muchacho, que no se deja impresionar por su posición y riqueza, va a ser el detonante de la formación y  crecimiento interior del chico. Bajo su tutela, el niño aprende el valor del trabajo arduo y de la verdadera destreza para solventar los obstáculos que nos pone la vida. Así el niño que salió del puerto un día, regresará después a los brazos de su padre, convertido en un hombre. Con humor, patetismo, y una moraleja interesante, "Capitanes Intrépidos" es, a no dudarlo, una obra maestra del cine de todos los tiempos. 

 

"Devil is a Sissy" : reunía a los tres prodigios de MGM : Bartholomew, Mickey Rooney y Jackie Cooper.

En sus horas de descanso, compartía con Jackie Cooper su afición por el aeromodelismo.

"Lord Jeff" : Mickey Rooney, Charles Coburn y Freddie en la escuela naval.

  

La filmografía de Freddie, no volvió a  alcanzar los momentos mágicos de estas películas, aunque : "Lord Jeff" ( 1938 ) es una entretenida mirada al mundo de una escuela naval ; y "La Familia Robinson Suiza" ( 1940 ), una magnífica versión de aventuras, con una familia abandonada a su suerte en una isla paradisíaca.

Al crecer, Freddie amasó su pequeña fortuna lejos de Hollywood. Volvió a Inglaterra donde se dedicó a los negocios. Ya adulto llegó a producir en los ochenta hasta una "soap opera" ( teleserie ), aunque yo prefiera recordarlo en el magnífico documental compilatorio que pasa revista a la historia de la Metro Goldwyn Mayer, "Cuando ruge el león".
En su última aparición pública, recordaba con  emoción, su frustrante relación fuera del sets con la Garbo, y su eterna amistad con sus pares cinematográficos Mickey Rooney y Jackie Cooper. Excesivamente gordo, con sobrepeso, de lentes pero igual de simpático y culto, Bartholomew no tuvo más que palabras de agradecimiento a la MGM por recibirlo y darle una ilusión profesional que le duró hasta su juventud. 

Freddie falleció poco después en 1992 en Sarasota, Florida, víctima de un eficema pulmonar.

En el documental "Cuando ruge el león", Freddie recuerda con nostalgia su trabajo junto a Greta Garbo.

Recordando sus años mozos en el documental "Cuando ruge el león".

Como en cualquier oportunidad selecta, no pierdo la ocasión de proyectarle a los niños de esta generación, "Capitanes Intrépidos", una de mis películas infantiles favoritas. 

Y recuerdo a Freddie adulto, emocionado mirándose en la pantalla, cuando era un mozuelo gracioso y educado, con ese aire "british" que caracterizó toda su interesante carrera estelar. 
Gloria y Paz, Freddie.  Gloria y Paz.

Johnny Sheffield :

Eterno Hijo de "Tarzán".

Su padre fue el actor inglés Reginald Sheffield ( 1901-1957 ), que cuando vió en el periódico, que la MGM buscaba afanosamente un actorcito que interpretara al hijo de "Tarzán, el rey de los Monos", no dudó en contactarse con la productora para audicionar a su pequeño vástago. Su madre era Louise Van Loon ( 1905-1987 ), nativa de Nueva York, graduada del "Vassar College", una mujer de espíritu liberal, educada en las Artes y con un inmenso amor por la cultura de los libros y la literatura.

La verdad es que, Johnny Sheffield ( nacido en 1931, en Pasadena, California, EEUU ),ya había tenido experiencia actuando junto a su padre en el teatro en Broadway, cuando integró el "casting" original de la obra "On Borrowed Time".

De acuerdo al presentimiento paternal, el pequeño Johnny llegaría al cine de la mano de una oportunidad, que se la dió entre 300 niños, el excampeón olímpico de natación, Johnny Weissmüller.

 

"El Hijo de Tarzán" : reveló el enorme potencial que tenía Sheffield como el hijo adoptivo del hombre mono.

 

"El Hijo de Tarzán" ( 2 ) Johnny se familiarizó rápidamente con los elefantes en la selva ficticia.

Podía contar secretillos al oído de su padre adoptivo.

Elegido para encarnar a "Boy" desde "El Hijo de Tarzán" ( "Tarzan Finds a son!", 1939 ), Sheffield causó sensación entre el público ávido de nuevas aventuras. Su inclusión resultó una novedad exitosa, y por consiguiente un contrato fijo por los próximos cuatro años bajo el alero del estudio del león.

En "El Hijo de Tarzán", Johnny aparecía sin sus dientes posteriores, pues eran de leche y los estaba cambiando. Su aspecto díscolo y desordenado, rindió frutos. Recuerden la escena del niño azuzando a las grullas y flamencos, dilapidando la aparente tranquilidad de la mítica selva. Eso, unido a su paradigma de "hijo adoptivo" del célebre personaje literario de Edgar Rice Burroughs, según un acuerdo con la legión de decencia para no despertar polémicas morales; concitó la adhesión del espectador más fiel al personaje, los niños que acompañaban a sus padres en las funciones de matiné. 

Johnny rápidamente fue entrenado por el propio Weismüller en las claves de la natación. Desarrolló una dieta especial y logró equiparar, su talento, su dionisíaca belleza púber y su sensibilidad para improvisar los textos originales, con arranques de perversión maliciosa y rabietas adicionales en conjunto con la mona "Cheeta".

 

"El Tesoro Secreto de Tarzán" : Johnny destacó en su familia selvática.

"El Tesoro Secreto de Tarzán" estaba rodada en auténticos escenarios naturales en Florida; Sheffield aparece con su inseparable amiga, la mona Cheeta.

Una foto del rodaje donde aparece Sheffield, Weissmüller y de espaldas el doble de Boy.

Otra foto del rodaje : aparecen Sheffield, Weissmüller y la doble de Jane en los exteriores de La Florida.

"El Tesoro Secreto de Tarzán" ( 5 ) : sirvió de inspiración para la creación de "Los Picapiedras".

En esta aventura, compartía la amistad con un niño aborigen.

"El Tesoro Secreto de Tarzán" ( 7 ) : los cazadores furtivos, ambiciosos de fortuna detonaban el conflicto.

"Tarzán en Nueva York" : Weissmüller y Maureen O"Sullivan viajan a rescatar a Boy de un circo.

"Tarzán en Nueva York" ( 2 ) : la familia siempre unida se fortalece con cada nueva aventura.

Sus siguientes películas denotan este paulatino crecimiento físico y sicológico del personaje. En "El Tesoro Secreto de Tarzan" ( "Tarzan Secret Treasure", 1941 ), su imagen da inicio a la aventura, lanzándose con sus padres desde la altura de unos frondosos abedules al correntoso río salvaje.

En la película, de tanto oír hablar del mundo civilizado, guía desobedientemente a unos ambiciosos cazadores hasta una mina de oro, no sin antes quedar atrapado por la tribu Ubardi, que lo acusan de una maldición. Sobre una pira que arde, Johnny es salvado en el último momento por su "padre" natural, Tarzán. Orgulloso de tenerlo cerca, Boy presenta a su padre con una profusión en los diálogos, caracterizado por el jolgorio y la elocuencia. Johnny ya está cómodo en el rol de Boy. Es capaz de emocionar con sólo sus gestos, como cuando visita a la madre moribunda de un amiguito africano. De hacer reír de buena gana, en las obligadas travesuras de la mona Cheeta, y volverse entrañable como "regalón" de Jane. Nada parece incomodarle. Al contrario, su personaje se vuelve vulnerable y eso lo humaniza aún más.

En su siguiente película "Tarzán en Nueva York" ( "Tarzan"s New York Adventure, 1942 ), pasa a segundo plano, aunque tiene dos momentos inolvidables : el primero en la selva, demostrando su dominio de los elefantes que hacen prevalecer en la conciencia de los cazadores que ven al niño, la "mina de oro" que sería el muchacho como la principal atracción de un circo en Estados Unidos. El segundo instante certero, muestra a Boy en el trapecio huyendo de los bandidos de turno. Johnny Sheffield le perdió el miedo a las alturas. Además tenía un cuerpecito atlético que se formó nadando, y que podía superar los márgenes de lo establecido, como estar en las alturas de una carpa, intentando descolgarse de los villanos del cuento.

Si bien usó "dobles" para las escenas de riesgo, como muestran unas fotografías del Archivo de Miami en Florida, donde se hizo "El Tesoro Secreto de Tarzán", y que insertamos como una exclusiva; Johnny era renuente a evitar la espontaneidad y el dominio de sus facultades deportivas.

Al terminar el contrato con la MGM, la familia de "Tarzán" pasó a producirse en la RKO.

La diferencia presupuestaria fue grande. Las selvas inmensas sugeridas con la "maitting paint" y otros FX al uso, fueron reemplazadas por pequeños sets, donde los actores podían moverse con menos soltura y más restricción.

 

"Tarzán y el desierto misterioso" : del paisaje agreste rescataban de la muerte a un hermoso caballo salvaje.

"Tarzán y el desierto misterioso" ( 2 ) : Sheffield salvaba cualquier entuerto, incluso en culturas estereotipadas.

"Tarzán y las Amazonas" : Sheffield y Weissmüller en balsa a buscar a Jane.

     

Sheffield pareció siempre más reflexivo y contenido, cuando estaba sólo frente a las cámaras.

"Tarzán y las Amazonas" ( 2 )  : Brenda Joyce reemplazó a la Sullivan como Jane.

A los relatos más febriles de la MGM, Tarzán en la RKO se fue al oportunismo patriótico, a propósito del desarrollo de la Segunda Guerra Mundial como en "El triunfo de Tarzán" ( "Tarzan"s Triumph" 1942 ). Pero sus nuevas aventuras tuvieron un encanto B, lleno de ideas algo excéntricas, y universales.

En esta época, Boy debió defenderse del ataque de una araña gigante y seres antidiluvianos en "Tarzán y el desierto Misterioso" ( "Tarzán Desert Mystery", 1943 ). 

El niño, muestra sus aspectos más misteriosos, como la malicia de descubrir la vulnerabilidad de su padre atrapado en una torre mora. Y los aspectos más sensuales de reconocer la belleza femenina en una chica engañada por los espías nazis, insertos en un pueblo donde se cruzan el marroquí con el árabe. Esta mezcla indefinida, jamás molestó a los guionistas de RKO, que hacían lo que podían con unos pocos dólares.

Después, Johnny rodó "Tarzán y las Amazonas" ( "Tarzan and the Amazons", 1945 ), el primer gran aprovechamiento estético de la figura de Boy adolescente. Como las taquillas respondían bien al muchacho, se le dió un aire de "dandy" en taparrabos, que apenas sugería la sexualidad en desarrollo de Boy, rodeado de Amazonas. Nuevamente su desobediencia y rebeldía le hacían pagar caro sus arranques de insubordinación. Aquí los villanos de turno eran unos cazadores en la búsqueda del Santo Grial. Johnny era un pequeño Mr. Atlas. Perfecto y adusto en lo físico. Sensible y temerario en lo espiritual. 

Fue la primera nota discordante con su "padre" adoptivo, y que lo iba a llevar por otros derroteros, cuando le ofrecieran un serial propio alejado definitivamente de este personaje.

 

"El Triunfo de Tarzán" : el héroe se volvió patriótico y combatió a los nazis. Boy acompañó a su padre.

"El Triunfo de Tarzán" ( 2 ) : una nueva amiga se unía a los aventureros.

"Tarzán y la Mujer Leopardo" : Sheffield se enfrentaba a una tribu hostil y clandestina.

"Tarzán y la Mujer Leopardo" ( 2 ) : Sheffield adolescente, ya contaba con una horda de admiradoras.

 

Defendiendo a Jane de un niño disfrazado de leopardo.

"Tarzán y la cazadora" : la despedida de Sheffield de la serie.

Con "Tarzán y la Mujer Leopardo" ( "Tarzan and the Leopard Woman", 1946 ), el pequeño Johnny alcanzó el cenit de su atractivo sexual. Una opción no motivada por el guión, pero profundamente latente en lo visual. Al acercamiento con Jane a la que defendía incluso de otro joven disfrazado como un leopardo y perteneciente a una tribu marginal, que operaba oculta hurdiendo apoderarse de una zona de Africa; Boy asumió su atractivo frente a las muchachas, cuando su corazón parecía perderse en la desoladora selva.

La muerte anunciada de Boy para Weissmüller llegó con "Tarzán y la Cazadora" ( 1947 ), que reveló que el filón estaba prácticamente agotado. Atrapado entre las opciones de crecer y desarrollarse como un personaje afín a su padre adoptivo, Johnny fue un hijo fiel montado en elefante, atrapando peces y pájaros con su arco acusador, para despedirse de la saga antes del total declive del personaje.

Y vino su segunda oportunidad de subsistencia en el cine. Ford Beebe que era un artesano prolífico y conocido en el ambiente de Hollywood, llevó las riendas de "Bomba , el niño de la Jungla" ( "Bomba, the Jungle Boy", 1949 ), una serie de aventuras tarzanescas, que atrapó a las jovencitas que idolatraban a Johnny Sheffield desde niño. 
En las doce películas de la serie,  desde 1949 hasta 1955, Johnny tuvo la oportunidad de asumir que sólo podía ser un sucesor idóneo de su padre cinematográfico. Sin aspavientos, se cruzó por florestas californianas más o menos pobres, para insinuar que él era un salvaje blanco invencible. Las cintas que ahora están en una colección de DVDs, rescatan el sentido de la acción de las viejas matinés, sin reveses, ni dobleces, Johnny se mueve en los estudios "Monogram" con la tradicional fortaleza de haber nacido en tierras hostiles.

Joven, atlético y consecuente con una vida alejada del "show business", concluyó su carrera después de probar fortuna con una serie piloto hecha para la televisión, donde aparece montado en una cebra con un taparrabos de igual confección, y replicando por tercera vez, la fórmula de las historias del mítico rey de la selva.

Sheffield como "Boy" fue más conciente de los alcances de su personaje.

Sheffield como "Bomba, el niño de la Jungla" : mas renuente a los cambios temáticos.

El niño en la etapa más popular de su carrera.

 

Sheffield en la pira a punto de ser cremado. Siempre lo salvaba Tarzán.

 

Eternos amigos de aventuras  : Sheffield como "Boy" y la mona Cheeta.

Sheffield en su tercera edad, firmando autógrafos, recordando su pasado en el cine.

 

Licenciado en Negocios de la UCLA, se radicó en Arizona donde fundó una empresa con la que construyó su pequeña comodidad hogareña. Johnny era agradecido de su vida artística. En los ochenta, a propósito del lanzamiento de la serie "Tarzán" en VHS se reencontró con Maureen O"Sullivan, la Jane original de la MGM. La anciana estrella abrazó con el cariño maternal de su mítico personaje, a un maduro Johnny Sheffield entrado en canas.

La ilusión de la belleza ida que azota la vejez, fue indulgente con ambos supervivientes del célebre serial.  Tiempo después, tuvimos la suerte de conocer la entrevista que Johnny hizo por última vez, explorando en sus recuerdos de niño. Cansado pero feliz, aceptó gustoso firmar autógrafos, uno de los cuales guardo con especial admiración.Y es que, todos los que fuimos niños una vez, llegamos a soñar con ser el hijo de Tarzan. Porque la selva nos incentivó a la ecología, al respeto por el otro y la madre naturaleza. Y como Johnny, a preocuparse por el medio ambiente.

Por una ironía del destino, Sheffield murió en su hogar, en el 2010 al caer de una escalera después de podar un árbol. Sin duda, para muchos de nosotros, el bueno de Johnny Sheffield, será siempre el Boy inolvidable e irremplazable. Niño independiente, saladillo y valeroso. Tierno y afable. Un ícono de la actuación infantil del cine norteamericano.

Margaret O"Brien :
Gran superviviente de la escuela MGM.

Bautizada como Angela Maxine O"Brien Flores, conocida en el mundo cinematográfico como Margaret O"Brien ( nacida en 1937 en San Diego, California, EEUU ), es hija de un padre que fue actor circense y que murió prematuramente cuando la niña no había cumplido el año de vida ; y de una madre, Gladys Flores, bailarina española de flamenco que actuó en los escenarios junto a su hermana Marissa. Originalmente por las venas de Margaret corre sangre irlandesa y española de sus ancestros.

Su debut en el cine fue sólo un minuto en un corto MGM, "Babes on Broadway" ( 1941 ).

 Bastó ese gran momento, para incluirla en el drama "Por amor a Margaret" ( "Journey for Margaret", 1942 ). Después hizo un "cameo" en el show final del musical "Thousand Cheers", su primer encuentro con la actriz June Allyson con quien haría otras películas.

Más tarde, la niña aprendió francés para aparecer como la hijita menor de Orson Welles en el clásico "Jane Eyre" ( 1944 ). Veanla en su justa dimensión. Chiquita y pizpireta, agradable de seguir en la recitación de sus breves diálogos y muy expresiva. Hasta el propio Welles se rinde a los encantos de la hermosa criatura.

Sin embargo, le aguardaba su actuación más reveladora, donde demostró actuar, cantar , bailar y emocionar con total convicción. Fue en la película "La Rueda de la Fortuna" ( "Meet Me St.Louis", 1944 ), título mítico donde los haya, del joven Vincente Minelli. 

La película se beneficiaba del exquisito "Technicolor" de la época, pero era un acertivo drama familiar y un musical de época, enquistado en las desesperanzas que rondan a un familia de principios del siglo XX, cuando a su padre, la empresa en que trabaja, decide trasladarlo de St. Louis a Nueva York.

Margaret es la menor de la familia y está estupenda desdoblándose de la risa al llanto. Todo su papel es una lección de buena actuación infantil, porque reniega de ser abrazada por la idílica forma de ver a los niños con ojos de adulto. Ella es espontánea. Asume las penas y el delirio del terror, con candorosa naturalidad. Recuerden la secuencia de la fiesta de Halloween, donde además, se asusta de los mitos terroríficos que circundan sobre una casa vecina. Repliega con pasmosa neurosis, la propia sicosis infantil de esta popular fiesta del día de brujas.

"Por amor a Margaret" : su decisivo rol en el inicio de su carrera.

"Jane Eyre" : la pequeña Margareth "robaba" cámara con sus graciosos vestidos.

 

"Jane Eyre" ( 2 )  : Joan Fontaine y Orson Welles secundaron a la prodigio.

 

"La Rueda de la Fortuna" : con Judy Garland en la película que la reveló con el Oscar.

"La Rueda de la Fortuna" ( 2 ) :  Margareth siempre fue agradable al mundo adulto.

"El Fantasma de Canterville" : conquistaba a todos.

"El Rosal de la Vida" : Margaret era una niña granjera.

 

Después vino su conjunción con el muy "shakespereano" Charles Laughton haciendo de "El Fantasma de Canterville" ( The Canterville Ghost", 1944 ). 

La película se beneficiaba del talento de la niña, para sacar adelante un embrollo no siempre efectivo, que se atascaba por culpa de los dobleces del famoso fantasma de la vieja mansión, donde pernoctan Margaret y sus amigos.

Más tarde, se cruzó en el camino de "El Rosal de la Vida" ( "Our Vines Have Tender Grapes", 1945), una película costumbrista donde hace de hija de unos agricultores holandeses,  y que le permitió salir por primera vez, con el pecosillo niño actor Butch Jenkins, que tenía unas pecas tan grandes como lunares.

El filme necesita una urgente reivindicación, pues es una notable historia familiar, sólidamente interpretada, narrada y con unos estupendos exteriores en blanco y negro.

Su carrera prosiguió alternando el drama con la comedia musical. Vinieron después títulos que fueron franquicia  absoluta en las boleterías : "Music for Millions" ( 1944 ), "Three Wise Fools" ( 1946 ) y "The Unfinished Dance", 1947 ).

 

"El Jardín Secreto" : Margaret con Dean Stockwell y Brian Roper, en un clásico subvalorizado.

"Mujercitas" : con Mary Astor, June Allyson, Janet Leigh y Elizabeth Taylor.

"Mujercitas" ( 2 ) : un clásico de renombre con el "touch" estilístico de MGM.

De su etapa adolescente, destacan dos películas clásicas perdurables. La menos conocida versión del cuento "El Jardín Secreto" ( 1949 ), donde se cruza con los talentos infantiles : Dean Stockwell haciendo de primo minusválido encerrado en una mansión neovictoriana y Brian Roper como su amigo del alma. Y la más célebre versión de "Mujercitas" ( "Little Women", 1949 ), una exquisitez estética abarrotada de talento superior, dirigida por Mervyn Le Roy, que tomo al pie de la letra, el relato clásico de Louise May Alcott, para subvertirlo con el clásico "touch" estilístico de la Metro.

En "Mujercitas", Margaret demostró que podía madurar sin hacer muchos berrinches, pero sobretodo, podía contener sus desbordes histriónicos, con tacto y solvencia. 

Fue la última película "grande" que hizo, aunque su carrera se extendió hasta rodar su vigésima producción, "Her First Romance" ( 1951 ), que pasó sin pena ni gloria. 

Margareth bailando el lago de los cisnes.

Su imagen característica en el cine : con trenzas en el cabello y con humita al cuello.

 

Margaret hoy día, homenajeada por la cadena TCM.

Después se retiró del cine, y aunque intentó volver en los años sesenta  ( con Heller in Pink Tights", 1960 ), y en décadas posteriores tuvo esa doble ocasión ( con "Amy", 1980 ; y "Sunset After Dark", 1996 ), su iconografía clásica perdurará por siempre, en los anales de la infancia.

Como niñita actriz, fue una figura versátil, talentosa y singular. 

Hace poco, reapareció a la luz pública en sendos homenajes de la cadena TCM, para firmar autógrafos. Se veía radiante, aunque entradita en años. Recordándonos que el tiempo pasa para todos nosotros. Sin embargo, ella vive en el corazón de sus fans, convertida en la niñita apuesta y disciplinada que fue para la MGM.

Jackie Cooper :

El chico de la eterna fortuna.

La primera aparición de Jackie Cooper ( nacido en 1922 en Los Angeles, California, EEUU ) en la pantalla grande, fue en el corto "Boxing Gloves" en 1929, de la serie : "La Pandilla" ( "Our Gag"). Es significativo que, tres años después, en 1932, su contrato expirara. Significativo, porque pasó de menos a más en sus opciones laborales. Aunque en efecto, sus numerosos episodios en estas primitivas "sitcom" infantiles , le prepararon para cambiarse de estudio en la primavera de 1931.

El director Norman Taurog, le dió el rol estelar en "Skippy"  y a los nueve años fue nominado al Oscar por esta actuación.

Su desplante y esos arranques de superioridad de niñito aderezado, calzaron bien con el personaje de la película. Comenzó su fama, dejando atrás una niñez sacrificada. Su padre, John Cooper abandonó la familia cuando Jackie tenía dos años. Su madre, Mabel Leonard Bigelow, fue pianista y actriz infantil. Su padrastro, C.J.Bigelow, era productor de un estudio. Con todos estos antecedentes familiares, estaba claro que, tenía un destino que ya estaba escrito.

Al pasar con un contrato a MGM , Jackie se convirtió en la estrella más joven del estudio y en pareja indispensable del refunfuñón Wallace Beery, en sucesivos títulos : "El Campeón" ( "The Champ", 1931 ), "The Bowery" ( 1933 ), "The Choices of Andy Purcell" ( 1933 ), "La Isla del Tesoro" ( "Treasure Island", 1934 ) y "El Niño del Circo" ( "O "Saughnessy"s boy", 1935 ).

De todas ellas, "El Campeón" sigue siendo una encantadora película familiar. La gran guionista Francis Marion, escribió la historia del boxeador de segunda fila ( Beery ) que regresa al cuadrilátero animado por el amor de su único hijo ( Cooper ), abandonado por su madre cuando pequeño.

Su desaforado sentimentalismo, hizo popular a la película en su día, pese a sus descuidos técnicos. Ethan Mordden, experto en analizar este período del cine sonoro norteamericano, anotó una vez que, en "El Campeón", "abundaban las frases echadas a perder y la espontaneidad accidental". Al margen de sus limitancias narrativas, el pequeño Jackie tiene memorables momentos de actuación, como cuando ayuda a su padre alcohólico a acostarse, y el niño cuan manso corderito, se acurruca al lado de su viejo trastabilla. O esa otra escena singular, que es puro cine a lo Cooper, cuando sale a los techos de la mansión de su mamá, para saludar desde la altura a su padre y compartir un chicle masticable con la pequeña Marcia Mae Jones, mientras entona una canción popular.

Con esta película, el productor Irving Thalberg instituyó para Cooper los desenlaces lagrimosos.

El debut estelar de Jackie, bajo el alero de la MGM.

"Skippy" ( 2 ) : con sus compañeros de correrías, Mitzi Green y Jaclie Searl.

"Skippy" ( 3 ) : mucho desplante y naturalidad junto a Jackie Searl.

"El Campeón" : el comienzo de una asociación fructífera con el actor Wallace Beery.

 

"El Campeón" ( 2 ) : al lado de Marcia Mae Jones, que interpretaba a su media hermana en la película.

"El Campeón" ( 3 ) : Existía una notable química con Wallace Beery, con quien trabajó en cinco películas.

"La Isla del Tesoro" : la consagración definitiva para Cooper.

"La Isla del Tesoro" ( 2 )  : Beery estaba magnífico como el pirata Long John Silver y Cooper ideal.

"La Isla del Tesoro" (3 ) : el niño construía un personaje desde la literatura de Robert L.Stevenson.

Niño dotado para el drama exacerbado, tuvo su cuarto de hora glorioso, con la maravillosa versión del clásico de aventuras de Robert L.Stevenson, "La Isla del Tesoro" ( "The Treasure Island", 1934 ) de Victor Fleming. Fiel al espíritu de la novela, Cooper compone un personaje que profundiza en los avatares de la gesta heroica de piratas, con suficiente cordura como para salir bien parado de la empresa.

A su lado Wallace Beery, está insuperable como el pirata Long John Silver y Cooper tiene su momento lagrimoso en el final de la historia, acaparando la ternura del público.

Entre toda su numerosa producción, Cooper apareció sublime junto a sus dos compañeros de desventuras Freddie Bartholomew y Mickey Rooney en "Boys of the Street" ( 1938 ), y durante un tiempo, acaparó las escenas más singulares de películas que repetían su arquetipo de adolescente rebelde, callejero, deportista, cazurrero y  lenguaraz. Títulos como :"Gangsters"s Boy" ( 1938 ), "Newboy"s Home" ( 1938 ), "Street of New York" ( 1939 ) y "Two Bright Boys" ( 1939 ),  contribuyeron a fortalecer ese ícono entre sus numerosos fans.

 Más importante para su carrera, fue su actuación en el western "El Regreso de Frank James" ( "The Return of Frank James", 1940 ), y totalmente estimulante por el ritmo del jazz en "Syncopation" ( 1942 ).

A medida que crecía, Jackie se desdoblaba en roles secundarios de notable sugestión :  inolvidable como el editor jefe del "Daily Planet" en la trilogía de "Superman" ( 1978-1980 y 1983 ).

 

Jackie en sus años de gloria, nunca perdió el sentido de la realidad.

 

Su imagen recorrió el mundo al consagrarse muy joven.

Cooper con su amigo Mickey Rooney, también podían disfrutar de la fama.

"The Bowery" : una vez más haciendo rabiar a Wallace Beery.

Una foto promocional con su autógrafo de recuerdo.

Jackie adolescente manteniedo a flote su carrera con comedias y películas de acción.

Como característico en "Superman III".

Un dato importante para la causa de su estimulante trayectoria. Desde 1964 y hasta 1969, fue vicepresidente del Programa de la División de Televisión de la "Columbia Pictures", posición desde la cual, incentivó que se hicieran series tan notables como "Hechizada". Sugirió a la actriz Sally Field, en el rol de "Gidget", y en fin, trabajó como director de series para la televisión en el estilo de : "M.A.S.H." y "The White Shadow".

Ya maduro y antes de su fallecimiento en el 2011, estimuló la labor gremial y el visionado de los grandes clásicos del cine, participando en varios programas de rememoranzas de aquellos juveniles años de gloria.

Los Contemporáneos.

Elijah Wood :

Un hobbit en Hollywood.

Basta sólo verlo como "Frodo Bolsón" , para comprender por qué el realizador Peter Jackson, lo seleccionó para su trilogía mítica del hobbit que hereda un anillo mágico en "El Señor de los Anillos" ( "The Lord of the Rings", 2001-2002-2003 ). Es que no había otro actor idóneo para aparecer como un "gnomo". Ojos grandes y expresivos, rostro de niño pícaro, de halo misterioso y con un tremendo potencial histriónico. Bajito y fuerte. Y es que para llegar a Tierra Media, Elijah Wood ( nacido en 1981 en "Cedar Rapids", Iowa, EEUU ), tuvo que pasar más de una década.

Debutó en 1989, en un breve rol de un chico con ganas de tener la patineta voladora de Michael J. Fox en "Volver al Futuro II" ( "Back to the Future 2 ", 1989 ). Después hizo otro rol breve en "Internal Affairs" ( 1990 ), para pasar a uno secundario relevante en "Avalon" ( 1990 ).

De ahí, al casi papel estelar de "Paraíso" ( "Paradise", 1991 ), junto a otra niña prodigio, Thora Birch, en una historia sensiblera pero agradable de ver.

Más tarde, vino su revelación con el drama "Vuelo a la libertad" ( "Radio Flyer", 1992 ) junto al prodigio Joseph Mazzello, y donde como el hermano mayor de este muchacho, debía hacer prevalecer la fantasía de volar y escapar de una casa dominada por un padre violento y escrutador.

"Eternamente Joven" ( "Forever Young", 1993 ), le acercó a las grandes liguillas como "partenaire" de Mel Gibson. La película reunía una historia romántica, cruzada por la fantasía del viaje en el tiempo, que funcionaba por sus actores.

Vino la "remake" del clásico de Mark Twain "Las Aventuras de Huckleberry Finn" ( "The Adventures of Huckleberry Hound", 1993 ), donde Elijah estaba encantador. Recuerden la escena disfrazado de niñita o la fuga río abajo por el Mississippi, con arrojo y valentía sorteando los obstáculos más difíciles.
El chico demostraba gracia y un talento arrebatador para desdoblarse, imitar y fingir. Dones que afianzó a lo largo de su carrera interpretativa. 

"Volver al futuro II" : los primeros pasos de Elijah en el cine.

"Avalon" : un secundario importante en la pelícuila.

 

"Vuelo a la libertad" : junto a Joseph Mazello en un drama de candente actualidad.

"Eternamente Joven" : fantasía en una cinta de aventuras y romance.

Para los estudios Disney, Elijah revivió el clásico literario de Mark Twain.

"El Arbol de los sueños" : Elijah colgándose de los árboles al estilo tarzanesco.

"El Angel Malvado" : Macaulay Culkin era el villano, y Elijah un sobrino demasiado bueno.

"Flipper" : reviviendo el mito del éxito televisivo de los 60.

"Impacto profundo" : escapando en motocicleta de la catástrofe final.

En paralelo, se preparó para desempeñar la contraparte de Macaulay Culkin en el drama "El Angel Malvado" ( "The Good Son", 1993 ), un "thriller" no muy bien recibido por la crítica, que se recuerda sobretodo por esa escena donde ambos niños cuelgan en un abismo y su compungida madre-tía , debe decidir a cuál de los dos salvar del grave infortunio.

Más tarde, hizo una comedia que le obligó a demostrar su versatilidad, porque se desdoblaba en numerosos personajes en el rutero "Mr.North" ( 1994 ) con Bruce Willis. Sin ser nada del otro mundo, pese a su apabullante estética, dejó la comedia de situaciones por la crítica certera a la guerra en la incomprendida "El Arbol de los sueños" ( "The War", 1994 ) con Kevin Costner.

Gran trabajo interpretativo , Elijah arremete con todo : delirio, tragedia, dolor, afecto, amor, tensión, humanidad.

Después reflotó el cariño por la serie televisiva de los sesenta con "Flipper" ( 1995 ), al lado del "Cocodrilo Dundee", que tenía su encanto por rodarse en los parajes de Miami, pero que adolecía de la brillantez ecologista de su original.

Sus primeros roles de juventud, lo llevaron a ponerse en las manos de tres interesantes directores : Ang Lee que le dió el rol clave en su particular visión de la sociedad americana de la guerra fría en "La Tormenta de Hielo" ( "The Ice Storm", 1997 ); Robert Rodríguez que le dió el papel estelar en la poco valorizada "monster movie", "Aulas Peligrosas" ( "The Faculty", 1998 ) y Mimi Leder que le  pasó unos de los múltiples roles de su drama apocalíptico "Impacto Profundo" ( "Deep Impact", 1998 ), donde escapaba del choque de un meteorito con la Tierra, montado en una motocicleta.

Para el cable, participó sin mucho éxito, en la "remake" de "Oliver Twist" ( 1998 ), sin dejar de colaborar en películas de fuero independiente como : "Chain of Fods" ( 2000 ),  "Eterno resplandor de una mente brillante" ( "Eternal Sunshine of the Spotless Mind", 2004 ), "Todo está iluminado" ( 2005 ) , "Green Street Hooligans" ( 2005 ) y "Crímenes de Oxford" ( 2007 ), complejo "thriller" ambientado en Inglaterra. 

Entre sus últimos proyectos, se cuentan : las comedias "Celeste and Jesse Forever" ( 2012 ) y "Revenge For Jolly ! ( 2012 ) y el "thriller" "Maniac" ( 2012 ). 

"El Señor de los Anillos" : la trilogía del éxito y la consagración estelar.

Como Frodo Bolsón, Elijah en un rol hecho a su medida, conquistó al mundo entero.

  

Escenarios y decorados de gran espectacularidad caracterizaron la obra.

El libro de J.R.R.Tolkien adaptado a la pantalla por Peter Jackson y con Elijah en el papel de su vida.

A la fantasía inolvidable, Elijah compuso un personaje humanizado al máximo.

 

Una agenda copada de acitividades tiene Elijah en la actualidad : largos, cortos y clips promocionales.

Elijah Wood estuvo en Curepto después del terremoto, ayudando a levantar el ánimo de la gente.

El lado humano de Elijah, tocó el corazón de los habitantes de Curepto en nuestro país. Enterado del grave terremoto que afectó a la zona, Elijah fue uno de los primeros actores de Hollywood, que aceptó venir y compartir su mensaje de esperanza con los afectados. Todavía guardamos los recuerdos fotográficos que le sacó una querida alumna de Curepto al artista. En esos momentos, Frodo llegó de Tierra Media a regalarnos su obra y unos cuantos dólares para poner de pie una de las comunas más hermosas de Chile.

Kristen  Dunst :

El Amor perdido de una Araña Humana.

Hermosísima, simpática, jovial, refrescante, con un rostro que se desdibuja en una pícara sonrisa con hoyuelos, Kristen Dunst  ( nacida en 1982, en Point Pleasant, Nueva Jersey, EEUU ), ha logrado una fama, a base de ser la pareja indiscutida del "Hombre Araña", pese a que su carrera, está llena de grandes obras y notables filmes, que suponen el crecimiento interior de una chica experta en producciones de cierto riesgo artístico y nobles intenciones profesionales.

Kristen es linda, pero más allá de su belleza, deja abierta la pauta para encausarla en proyectos fuertes, complejos, difíciles,  que exigen su plenitud para la interpretación, una desnudez que es sicológica y que la obliga a revelarse como es ella frente al espectador.

Debutó en 1989 en televisión, aunque saltó al cine un año más tarde, en un breve rol en "La Hoguera de las Vanidades" ( 1990 ) de Brian De Palma.  

Su papel de niña vampira, que pelea hasta con Tom Cruise para inmortalizarse, en la notable "Entrevista con un vampiro" ( 1994 ) de Neil Jordan , la convierte en una figura famosa. 

Recuerden cuando vestida como una "condesa" de tiempos inmemoriables, acude con disciplinada puntualidad a la cita mortal, con que asegura su supervivencia.  

Ni Antonio Banderas se salvaba del embolado. La niña robaba cámaras y demostraba su gran madera de actriz consumada.

Despúes vino la "remake" de "Mujercitas" interpretando a la hermana menor del clásico literario de Louise May Alcott. La película se recuerda, por sus refinados escenarios, aunque la verdad, no cuajaba del todo, por su excesivo metraje y su anodino ritmo narrativo. Gustó pero con sabores dispares entre público y crítica. 

Steven Spielberg la metío seguidamente, en una aventura fantástica, "Jumanji" ( 1995 ),  y volvió a brillar, pese a que las estrellas verdaderas del filme, eran unos animales selváticos generados por computador, que originaban el caos y la destrucción. 

Más tarde, aceptó otra fantasía familiar, "Pequeños Guerreros" ( 1998 ), una historia bien armada con la solvencia del artesano Joe Dante y los FX  al uso para atraer las plateas infanto-juveniles.
La película era una metáfora pacifista desde el mundo de los "toys", donde Kristen brillaba por pura presencia, como la amiga del protagonista, algo deslavado y servil.

"Entrevista con el vampiro" : el despegue de su destacada carrera.

 

"Mujercitas" : la nueva versión con Kristen como la hermanita menor que sufre una enfermedad.

"Jumanji" : Kristen bonita y simpática, debía jugar un rol virtual con animales de la selva.

"María Antonieta" : el fabuloso despliegue en escenarios y palacios reales en Francia.

Sofía Coppola persuadió a Kristen, de participar en esta estilizada película.

"El Hombre Araña" : es el amor oculto de Peter Parker.

Kristen adulta, más bella y profesional que nunca. Un recreo para la vista. ¿ No creen ?.

Sofía Coppola le brinda sus primeras obras de juventud : "Las Vírgenes Suicidas" ( 1999 ), donde encarna a la más bella de cuatro hermanas enclaustradas por unos padres conservadores y rigurosos y "María Antonieta" ( "Marie Antoniette",2002 ), la incomprendida recreación en clave de comedia juvenil, de la historia de la Reina de Francia, filmada en escenarios naturales.  

También vino su rol icónico, como la pareja de "El Hombre Araña", que todavía conserva en las secuelas posteriores. 
Bajo la lluvia o en los lugares más improcedentes, Peter Parker tiene a su vecina cariñosa y afable, que le ama con locura y una marcada timidez, que se ira borrando con el transcurso de las historias posteriores del superhéroe del comic.
Más adelante, Kristen remata con sendas actuaciones en títulos destacados : "Elizabethtown" ( 2005 ) como una energizante azafata que enamora a Orlando Bloom en medio del funeral de su madre; o la apocalíptica "Melancolía" ( 2011 ) de Lars Von Trier, donde se lo pasa vestida de novia, mientras transcurre la muerte del planeta, producto de una colisión destructiva.

Esta última etapa de su carrera, mezcla sus dotes para la comedia familiar ( como en "Wimbleton", 2004 ; "How to Lose Friends and Alienate People", 2008, o "Bachelovette", 2012 ) con el drama de ribetes existenciales ( "Upside down", 2012 ) y el "thriller" ( "All Good Things", 2010 ).

Para el 2013, entre otros proyectos rodará "Red Light Water" , otro drama dirigido por su amiga Sofía Coppola. Como siempre Kristen no pierde la oportunidad de desarrollar su carrera, en virtud de empresas arriesgadas o divertimentos pasajeros. Un justo equilibrio, que revela la inteligencia y solidez de una carrera, con una apretada agenda profesional en Hollywood.

Este capítulo del blog va con dedicatoria : 

A la memoria de mi madre Regina Vergara Díaz (  Q.E.P. D. ) y de mi tío Bernardo Vergara Díaz ( Q.E.P.D.), que me enseñaron a amar el cine, a partir del trabajo de estos niños actores, cuando yo era un un chico igual que estos muchachos encantadores. 

No olvidaré a la pequeña Shirley Temple y al bueno de Johnny Sheffield, que seguía de cerca en las funciones de matiné, que pasaban en el colegio de mi barrio.

GRACIAS POR EL AMOR QUE ME PROFESARON EN VIDA. Yo sé que ellos están en el cielo, disfrutando de la presencia de estos niños que se fueron un día, dejándonos sus maravillosas películas. Siempre lo digo, si queremos incentivar el gusto por el cine en las generaciones menores, debemos partir por revisitar estos clásicos protagonizados por niños de la misma edad de sus espectadores. ¡ Hasta la próxima !

Afiche de una de las ultimas peliculas de Kristen Dunst.