Séptimo 7 sello: LAS PELICULAS QUE MARCARON EL AÑO 2023:

El año de la resistencia.

Deberíamos haber puesto la película de Scorsese o Scott, pero esta obra mayor del cine actual "Hojas de Otoño"/ Fallen Leaves" encabezo las nominaciones a los premios europeos con seis. Se estrenará el 27 de diciembre en los cines, y ya está dando muchísimo que hablar. Es una película pequeñita, pero que habla de verdades manifiestas y eso se agradece. Todavía hay esperanza que llegue a exhibirse por estos lados del mundo.

A modo de resumen.

No ha sido fácil incentivar al público que asistía antes a las salas de cine, de regresar a esta noble y valiosa costumbre. Sin embargo, el que insiste, logra su meta. En Talca con la llegada de nuevos espacios comerciales, se agregarán en las próximas semanas nuevas salas de cine. Además, por primera vez desde el año 2.000, que los festivales de cine en la región han crecido de modo ostensible.

Si Felina era la única vitrina que exhibía cine intelectualmente accesible y también popular, desde los esfuerzos provenientes de algunos fanáticos del séptimo arte de Linares, este año se han abierto nuevos espacios en Curicó, con un festival de cortos bastante interesante, Constitución que también tiene una productora de películas y un canal de televisión muy lucido que juega siempre a local, Talca con el Cine Club de la Biblioteca Municipal y los esfuerzos de la Corporación Capa 8, y otros referentes que han logrado reavivar de a poco y con continuidad el quehacer audiovisual. Eso sin contar, el valor que ha retomado el cine para los estudiantes universitarios a través de cursos y talleres que les incentivan a ver ese otro cine, alejado de la Marvel manía, y que agrega la discusión y la reflexión más detenida de las obras exhibidas en la mente de sus espectadores.

Ha sido un Año de la Resistencia, porque de algún modo, el cine renuncio a morir en el olvido de las viejas capillas de las recordadas salas de butacas rojas y oscuras abandonadas por la crisis económica, la irrupción de las plataformas online, o el miedo a la pandemia.

Esta nueva etapa que parece vislumbrarse más halagüeña también está acompañada de jóvenes entusiastas que con su pasión febril, intentan retomar el camino que sembramos algunos "locos del Cine" de aquellos años del inicio de la democracia en Chile, cuando todo era esperanza, unión, transparencia y disciplina.

Ciertamente, Chile está viviendo una de sus peores crisis de empatía y credibilidad con el mundo de los políticos, jueces, empresarios y administradores del Estado. La corrupción que esta enquistada en la manera de desempeñarse en el poder, nos ha llevado a una bolsa sin fondo, pero que puede ser muy recuperable, insistiendo en el valor que tiene el Arte, la Educación y la Cultura.

El Cine es también Cultura, una sana distracción para espíritus eclécticos que brilla con resplandeciente fulgor en los periodos de más oscurantismo. Es el momento de cubrir el cielo de películas provenientes de todo el mundo, - ojalá también música, pintura, danza, teatro, folclore, artes y disciplinas-, que nos llevan a ver la cara limpia y diáfana de nuestras propias raíces. Ave Cine, bienvenido seas por siempre.

Referencias imperdibles.

"Hojas de Otoño" /Fallen Leaves" de Aki Kaurismaki. Se estrenará el 27 de diciembre en España. Ciertamente que tiene mucho de la empatía que lograba Chaplin con sus películas, pero también es un referente político, digno y realista de retratar al proletariado. Como señalo la crítica en su momento, es una embriagadora historia de amor que mezcla el romance, la mera casualidad, el alcoholismo, los desencuentros, el mambo italiano y el azar, para completar con acierto y originalidad, su singular visión a la clase trabajadora como lo hiciera antes en: "La chica de la fábrica de cerillas", "Ariel" y "Sombras en el paraíso". Seleccionada como la candidata finlandesa a los premios Oscar. Ojalá se estrene en salas por estos lados del mundo durante el 2024.

"El maestro que prometió el mar" de Patricia Font. Es una de las películas más taquilleras de este semestre en España. Un emotivo biopic basado en la historia del profesor de Tarragona Antoni Benaiges, que aterriza en el pueblo burgalés de Bañuelos de Bureba, un año antes de que estalle la guerra en 1935, a impulsar un programa pionero a sus alumnos de una escuela libre e innovadora. En la línea de "La sociedad de los poetas muertos" y "La lengua de las mariposas", la película resalta por la magnífica interpretación de Enrique Auquer y el tono didáctico que impone a su material, la debutante directora. Una película cargada de emociones, valores, principios y deberes.

El actor Enrique Auquer rodeado de sus alumnos durante la premiere.

"Anatomía de una caída": Sandra Hüller y Justine Troet, la protagonista y directora de esta notable película alemana. El ganador de la Palma de Oro del Festival de Cannes de este año es un estupendo drama judicial que explora los misterios que rodean la muerte aparentemente accidental de un hombre que se precipita al vacío desde el segundo piso de su chalet en los Alpes franceses. A partir de la sospecha que se cierne sobre su mujer, la estupenda actriz alemana de "Toni Erdmann", la película profundiza en la oscura disección de la pareja matrimonial, sus insatisfacciones, sus amargas y lapidarias consecuencias para la estabilidad, el amor y la confianza. Además, de la constante y toxica irrupción de los medios digitales en la intimidad de la pareja, cuestión no exenta de morbo y sensacionalismo.

"La hija eterna" de Joanna Hogg. Hay opiniones divididas respecto a esta película. Sus detractores le han señalado su forma cancina y lenta de hacer repercutir un relato familiar entre una madre y su hija, ambas encarnadas por Tilda Swinton, que deciden volver a su vieja mansión, para achacarse viejos recuerdos ya enterrados por el olvido y el tiempo. En cambio, sus admiradores destacan: la brillante manera de traducir el relato gótico "que convirtió el espacio domestico en la caja de resonancia del miedo de las mujeres". Es un relato elegante, el sexto largo de una cineasta británica ("The Souvenir I y II), capaz de explorar por la psiquis humana, con ironía y con un humor muy cerebral. El filme en sí mismo, escudriña en el terror a perder la conexión con la madre cuando aún no se ha dejado descendencia. Un filme a lo menos, original, y novedoso.

"Vidas pasadas"/ Past Lives de Celine Song. Opera prima que narra una historia romántica de Nora y las distintas decisiones que tomara en su existencia. Hermosa y melancólica, es un reflejo realista de las cosas que vamos dejando atrás, acerca del amor perdido de tu primera juventud. Se puede encontrar belleza en los pequeños detalles y para la escritora y directora Celina Song esta es una forma de concebir el arte, profundizando en la belleza de las cosas simples, en esos momentos disfrutables que, aunque hayan pasado de largo, nunca se olvidan porque quedan al nivel de las emociones y la sensibilidad. Ambientada primero en Corea del Sur y después en Nueva York, confronta a dos amigos de la infancia que no llegan a compartir en común la vida misma, pero que son capaces de reflexionar sobre sus propias existencias. Espejo donde muchos nos miramos y observamos. Filme que rompe el molde con el tipo de cine Marvel de estos tiempos. Es una contemplativa forma de observar un relato de reencuentros y amores interrumpidos.

Los comentarios en la comunidad cinéfila no se han dejado esperar. El director Guillermo del Toro alabo la película señalándola como la mejor opera prima de los últimos veinte años. Por algo será.

"Scrapper" de Charlotte Regan. Opera prima que habla del reencuentro de una niña de doce años, que vive sola en un departamento en Londres y su desaparecido padre. En la medida que ellos se adaptan a su nuevo estadio, el espectador y los protagonistas descubrirán que aún hay demasiado por hacer en la vida. Esta película británica transita por los vericuetos del cine social más empático y cercano a la gente, aguas que también beben Ken Loach, Blue Jean y The Florida Project. Optimista, positivista y didáctica, es una película para ver en familia y reflexionar sobre porque siempre hay maneras de convivir con quienes nos rodean pese al paso del tiempo, los errores y las distancias. Contiene humor, anécdotas realmente singulares y ese toque mágico de bendita satisfacción para salir del cine con una sonrisa en la cara.

"La Imatge Permanet" de Laura Ferres. Primer largo definido como una tragicomedia conmovedora y existencialista acerca del vacío existencial compartido por dos mujeres migrantes. Carmen una directora de casting de Madrid, busca personas que deseen participar en una campaña electoral, y se topa con Antonia, un torbellino, que es también vendedora de perfumes. El relato se caracteriza por estar bañado de un humor absurdo muy ingenioso y un apego no clasificado al cine de Kaurismaki. Gran triunfadora de la SEMINCI es también considerada una de las grandes películas españolas de este año.

"Diario La Razón" escribió de ella: "el primer largo de Laura Ferrés, que hace colisionar dos tiempos narrativos, funciona a partir de violentar lo que esperamos de sus significantes, insistiendo en sucesivas estrategias de distanciamiento -actrices inexpresivas, declamación de los diálogos, planos-viñeta- que pretenden despertar la estupefacción o la risa helada, un poco como si estuviéramos viendo una película de Eloy de la Iglesia dirigida por Roy Andersson".

"Matronas" de Lea Fehner. Es una película de aliento casi documental que reivindica la labor de las matronas y matrones que se pasan horas y horas trabajando en la salud pública apasionadamente y claman por mejoras salariales. Este punto de vista desde Francia nos sugiere un trabajo metódico que conoce en toda regla, lo que se plantea y asume su inmediatez con "extenuante efecto realista y ese estado limite que acompasa la vida entre salas de dilatación, paritorios, monitores, oxitocinas, y epidurales". Recrea una lucha contra la muerte y una contundente muestra de reciprocidad cultural para subrayar las nobles prácticas de la vocación profesional por sobre cuadros de ansiedad, culpa y estrés laboral. Sin duda, un meritorio esfuerzo de trascribir en imágenes, el clima de estos recintos de asistencia pública de salud.

"20.000 especies de abejas" de Estibaliz Urresola Solaguren. Una película distinta para mostrarnos un relato de temática feminista, LGTBI, transexual, que salpica emoción en las conversaciones entre una madre y su hija, y la madre y su abuela, con un sesgo ternurista que no palidece el tema central, acerca de la realidad ineludible de la identidad de género. Durante un verano en una casona rural dedicada a la cría de abejas y la producción de miel, una familia se plantea la identidad sexual de uno de sus tres hijos, pero, además, disecciona sus propias relaciones íntimas caracterizadas por el secretismo y la complejidad. Especialmente brillante resalta sobre todo la actuación de la niña en su inquietud trans, pero también la confusión de la madre con el padre y la firmeza de la tía abuela que ha vencido todos los prejuicios de una sociedad tradicionalista. Es una película digna de destacar por cómo evoluciona el tema y lo hace empático con el espectador, y desde la mirada de esta niña, perdurable en el tiempo y accesible a cualquier mentalidad que desee reflexionar sobre este significativo asunto.

"El amor de Andrea" de Manuel Martin Cuenca. Coproducción hispano-mexicana que es un drama de realismo cotidiano acerca de una adolescente que debe hacerse cargo de sus dos hermanos más pequeños, mientras su madre trabaja, y que decide un día, buscar a su padre ausente para reestructurar sus derechos como hija y como persona. Es una película alabada por la crítica española que ha dicho de ella: "Martín Cuenca se adentra en el realismo cotidiano crudo a través de la radiografía de esa familia desestructurada y en la que late el sentimiento de orfandad".

"Las dos caras de la justicia" de Jeanne Herry. La actriz francesa Adele Exarchopoulus ( "La vida de Adele"), se atreve a efectuar papeles de alto riesgo, siempre en razón de asumir que la vida tiene muchas caras. En esta ocasión, profundiza en el trabajo social de la justicia restaurativa que desde el 2014 en Francia, ofrece a las víctimas y autores de delitos abrirse a un diálogo supervisado por profesionales y personal voluntario. Adele interpreta a una víctima de violación incestuosa que desde un cuadro de ira y frustración mostrará progresivamente un halo de esperanza, confianza y seguridad, aunque también se palpará el desamor y la angustia de una situación traumática. La crítica alabo las estupendas interpretaciones y los leves movimientos emocionales de unos hacia otros, pero también las distintas dificultades que tiene el doloroso proceso.

Pausa cinéfila.

Una vista esperanzadora para el cine. Cientos de alumnos españoles asistieron al estreno de THE QUIET GIRL en el Festival de Cine Inédito de Mérida, gracias al programa Cine y Escuela. Esta película el año pasado obtuvo el Premio del Público y el Premio de la Juventud. Una iniciativa que busca potenciar el interés en los más jóvenes por el cine de siempre.

En la trigésima versión del FIC Valdivia, Carlos Araya Diaz y María Paz González recibieron el premio a Mejor Película Chilena por el largometraje "El que baila pasa".

Durante "Camino a Felina" en la previo a la novena versión del Festival Linarense de Cine Nacional e Internacional, el director del evento Gustavo Saldaño aparece incentivando el visionado de películas con los jóvenes y niños de la vecina ciudad. "Queremos acercar el mundo del cine a las nuevas generaciones y abrir puertas a historias cautivadoras que despierten su imaginación y fomenten la reflexión en un ambiente educativo", señalo.

El Cine Club de la Biblioteca Municipal de Talca, con la organización de Corporación Capa 8 y Cineteca de la Universidad de Chile, inicio este año con "El Universo de Star Wars" un ciclo de exhibición de películas, incentivando el visionado de grandes clásicos y la discusión con importantes invitados. Es el primer esfuerzo palpable en la ciudad post covid, que reinserta el gusto por apreciar el cine desde la mirada crítica y erudita.

Una cierta mirada.

"1976" de Manuela Martelli. La actriz chilena Aline Küppenheim en el papel de su vida interpreta a Carmen, de clase acomodada, casada con hijos y nietos, que un día sin quererlo se va metiendo en una red de opositores a la dictadura de Pinochet y de represión policial. Es una mirada certera desde la óptica del confort y la comodidad, resquebrajada por un torbellino de situaciones que emanan de la sospecha que provoca su ayuda a un sacerdote. Es el primer largometraje de Martelli, que descansa en el rol de esta mujer representante de una sociedad alta que "durante la dictadora se debatía entre sus principios y el temor a perder la comodidad de su status". Especie de retrato humano que no escabulle el tinte político-social y la mirada femenina, desde la perspectiva de una testigo de los acontecimientos que se narran. Sin duda que es una lograda combinación de drama y thriller político.

"La vaca que canto una canción hacia el futuro" de Francisca Alegría. Una curiosa mezcla entre surrealismo, el sentido de perdida, y el sesgo ambientalista. En "Crónica" la directora recuerda: "Uno de los retos para la producción fue el grabar durante la crisis sanitaria de los últimos años, lo cual lleva a Alegría a soltar una crítica a la precariedad de apoyo a esta industria. Fuimos afortunados de lograrlo porque era plena pandemia y Chile estaba muy cerrado con un ambiente muy hostil. Afortunadamente nos dieron un permiso especial para grabar que demostró la suerte que tuvimos porque mientras estaban todos encerrados en casa, nosotras filmábamos en este maravilloso lugar que es Valdivia en el sur del país. Me parece que al final enfrentamos las mismas dificultades que si hubiera estado fuera de la pandemia". En el elenco actúan: Mia Maestro, Leonor Varela, Alfredo Castro, Marcial Tagle, Luis Dubo y Enzo Ferrada.

"Rotting in the Sun" de Sebastián Silva. El realizador chileno de "La Nana", efectúa una película en constante mutación y que gira en torno a Sebastián, un joven director de cine y artista plástico gay que decide pasar de sus oscuras noches a sus iluminados días en una paradisiaca playa en el sur de la costa pacifico de México. Allí rechazando todo tipo de propuestas sexuales de otros bañistas, se mete mar adentro a rescatar un hombre que se ahoga para terminar pidiendo airecito. La película salta de una anécdota a otra, y puede resultar una cinta muy agradable, pero también despreciable, si no se acepta el juego lúdico con que Silva somete su material. También es un estudio atrevido de lucha de clases, pero, además, una inconformista crítica a la sociedad en la que todos nos desenvolvemos.

"El Conde" de Pablo Larraín. Una película que experimento sobre la base del relato gótico vampírico para convertir la figura del dictador, en un chupasangre, que, decidido a morir, reúne a sus hijos para repartir todo lo expropiado. La crítica se dividió, y no por cuestiones políticas sino más bien por sus resultados artísticos, estéticos y narrativos. Una opinión, el diario.es escribió: "Larraín construye una sátira en blanco y negro, de herencia expresionista, con mucho colmillo -valga la redundancia- político y muchas ganas de, como dijo en su discurso al recoger el premio al mejor guion, acabar con la impunidad. Pinochet es una persona que murió en plena impunidad, libre, sin haber ido a la cárcel nunca, y es posible que hubiese sido distinto si lo hubiéramos juzgado como lo hicieron los argentinos o los uruguayos”, añadió.

"Los Colonos" de Felipe Gálvez. El director de "Rapaz" escudriña por la sangrienta historia de la matanza del pueblo indígena selk"nam en Tierra del Fuego en 1901. Una extraordinaria aproximación a un hecho violento de nuestra historia, donde sobresale sobre todo el trabajo interpretativo del gran Alfredo Castro, como el adinerado estanciero José Menéndez. Para Diario "La Tercera", el director señaló: "Hasta el día de hoy, me parece interesante cómo podemos esconder una historia, pero apropiarnos de una imagen. Cómo podemos transformar a los selk’nam en un souvenir, sin antes asumir la historia. Es muy curioso que sean parte de la imagen país y que detrás de eso haya un genocidio escondido o una situación no resuelta”.

En boca de todos.

"Oppenheimer" de Christopher Nolan. Para la crítica uno de los tres mejores estrenos de este año. Un minucioso estudio de personajes que se mueve en las aguas turbulentas del drama judicial- histórico- épico y el thriller bélico, para retratar la historia del padre del armamento nuclear. Detrás de su complejidad y espesura se mueve el ingenio y la sinergia para transmitir un discurso humanista, en el que la ambigüedad argumental tensiona sus tres horas de metraje. Es el retrato horroroso del genocidio de la Humanidad, sin que nosotros nos enteremos conscientemente, y cuyo extremismo nunca esta demás recordar, en instantes en que el mundo vuelve a moverse en la cuerda floja de la incertidumbre, pero ahora presionada por el cambio climático global, el hambre, la sequía, la migración obligada y la muerte.

BBC publico acerca de la película: "Esas imágenes artísticas son esporádicas en una película que nunca pierde su sentido de la historia y el drama, pero revelan lo audazmente imaginativa y centrada que es". "Fotogramas" escribió sobre ella: "Christopher Nolan pretende con 'Oppenheimer' subir un escalón más del Olimpo de Hollywood dejando de lado los artificios efectistas de guion con un "bombazo" que no deje lugar a dudas, tal y como intentan sus protagonistas. La cuestión es que muchos no verán a 'Oppenheimer' como un arma de destrucción masiva que bombardee sus sentidos, sino como fuegos artificiales: vistosos pero inofensivos".

"Chicago Sun Times" público: "Puede no ser la mejor película de Nolan, pero sí mantiene toda su esencia: innovación, riesgo y un debate ético que puede llegar a trasladar hasta hacer reflexionar al que está viendo. Todo un acierto listo para recibir la categoría de película de culto".

"Napoleón" de Ridley Scott. Apartándose de la mítica imagen del héroe militar de intachable conducta y estratega ingenioso y atrevido, el cineasta británico decidió mostrar la cara "fea" del icono y asumir que se trata de un enfoque distinto, personal, arriesgado, donde brilla el sentido del espectáculo y no aplica el determinismo histórico, porque, tal vez, ese no era el fin que tiene esta película: ser una clase magistral acerca de la biografía del célebre estadista. Sin duda que, Scott sabía desde un principio quienes iba a gustar y quienes iban a despreciar su nueva propuesta. Tal vez por eso, le ha ido super bien en la taquilla europea no así en Estados Unidos. Como referente épico, el filme cumple sus objetivos básicos. Y sin ser antojadiza su visión, porque no lo es, logra encapsular la sensibilidad motora de un trabajo visualmente excelente, en contraposición al "rigor" histórico oficial en el que se le quería mostrar.

En este sentido, "Napoleón" es un espectáculo cinematográfico consciente de estar obturando un enfoque distinto sobre la figura del personaje. "El Español" publico sobre ella: "Un filme de aroma clásico y aventurero con un Joaquín Phoenix contenido, que no acaba de profundizar ni en el personaje ni en la época que retrata". Espinof opinó: "Ameno potpurrí de sangre, épica, y teatrillo de alcoba con batallas impresionantes y un gran Joaquín Phoenix". "Fotogramas" redacto sobre el director: "El manejo de Scott en estas escenas épicas es descomunal. Lo que ya hacía en ‘Gladiator’ hace veintitantos años lo repite aquí a mayor escala y perfeccionado. Nadie rueda en inmensos escenarios reales con cientos de extras, decenas de caballos y no menos de 10 cámaras como Ridley Scott. Hace más de 40 años que rodó ‘Alien, el octavo pasajero’ o ‘Blade Runner’, y aquí sigue con 86, haciendo una película clásica y monumental que nos devuelve a ese cine de la era pre efectos digitales".

"Los asesinos de la luna" de Martin Scorsese. Nuevamente el maestro del cine norteamericano inserta una nueva alegoría al sueño americano, esta vez, a través de la historia real ocurrida en la década de los años veinte del siglo pasado, acerca de los asesinatos de los miembros de la nación indígena Osage, en sus propias tierras ricas en petróleo. Thriller oscuro y revelador, matizado por el dominio del lenguaje pese a su excesiva lasitud, con diálogos inteligentes y actuaciones brillantes, y una tensión que se mantiene hasta su desenlace.

Un meritorio trabajo donde también resalta la fotografía con hermosas tomas de paisajes naturales y secuencias realmente sorprendentes. También es prodiga en su diseño de producción, con el detallismo más significativo en el vestuario, los decorados y la recreación de época. Historia de violencia y codicia que se aprecia como tal dentro de las temáticas más recurrentes de la filmografía de Scorsese, y donde brilla con luces propias la revelación Lily Gladstone.

Cara Jade Myers, Lily Gladstone, JaNae Collins, y Jullian Dion fotografiadas para la posteridad por Ryan RedCorn.

Scorsese y De Niro en Tribeca Film Festival este año.

"El chico y la garza" de Hayao Miyasaki. El regreso del maestro del anime japones con un relato delirante y una imaginación desbordante es la constatación de sus temas fundamentales, pero también de la significativa vitalidad para contar una historia algo densa que termina cautivando por sus arranques fantásticos. Tal vez es la historia más compleja de todas las que ha efectuado, pero también la más condescendiente a su lado ecologista.

"Fotogramas" escribió de ella: "Inspirada en una novela de Genzaburo Yoshino, la conmovedora y emocionante trama de 'El chico y la garza' gira alrededor de la muerte, del duelo infantil, y de la búsqueda de los recursos necesarios para encontrar consuelo y seguir adelante: Mahito, un niño de 12 años perdió a su madre en un incendio, en plena Segunda Guerra Mundial". Una obra mayor de los estudios Ghibli para seguir admirando la nobleza y virtud del maestro de maestros del anime japones.

El director Miyazaki y el musico Joe Hisaishi repasaron durante meses la banda sonora para esta nueva película animada.

"Monstruo" de Hirokazu Koreeda. La película más ambiciosa del gran realizador nipón es también la más innovadora por su manera de introducirnos a un relato infantil con códigos suficientemente novedosos y originales. A través de tres puntos de vista, Koreeda le propone al espectador una historia de acoso escolar, que integra: el punto de vista de dos niños, de la madre de uno de ellos y del profesor acusado. Simplemente Koreeda pulsa las tres visiones sin juzgar para sacar conclusiones, no sin antes, revelarnos una cadena de contradicciones, deseos y mentiras. Obra perfecta en sus fines didácticos y sus maneras de utilizar el lenguaje cinematográfico.

"La contadora de películas" de Lore Scherfig. Como señalo una cineasta por ahí, Scherfig tiene la capacidad de unir muchas culturas diferentes en el plato y contar historias increíbles. Adaptación de la novela del escritor chileno Hernán Rivera Letelier, es un homenaje encendido a la magia que produce el cine, a partir de los esfuerzos de una madre del desierto de Atacama, que le trata de transmitir a su hijita la pasión por el arte que admira. Entonces, la niña se transformará en la contadora de películas que se encargara de relatar lo que ve en la sala a aquellos que no tienen dinero para ir al cine. Magnificas actuaciones, sobre todo de Berenice Bejo y Antonio de la Torre, para una grata y emotiva propuesta familiar que se fundamenta en la admiración que sentimos por el arte y la evasión del cine.

"Robot Dreams" de Pablo Berger. Es la cinta animada española de la que todos hablan esta semana, pues se estrenó recién en las salas de su país de origen. Se destaca porque detrás de un relato aparentemente infantil se esconden muchas capas que hablan sobre el desarraigo social, la amistad, la soledad, y los sacrificios que hay que hacer para conectar con el resto del mundo. Basada en la popular novela gráfica de la escritora norteamericana Sara Varon, tiene la singularidad de carecer de diálogos, hacer referencias a un puñado de grandes clásicos del cine y entremezclar los géneros más populares.

"La sociedad de la nieve" de J.A,Bayona. El quinto largometraje del realizador español recrea la trágica historia de superación del equipo de rugby uruguayo sobreviviente del accidente aéreo en Los Andes. Impecable propuesta visual que ahonda en los caracteres de sus personajes y logra plasmar las circunstancias extremas de un puñado de seres humanos en situación límite de supervivencia.

Fotos & Referencias-Gentileza: Universal Pictures- Warner Brothers Pictures- Columbia Pictures- Sony Pictures- Apple Studio- Ghibli Studios- Toho Co.Ltda- RTVE- Pandora Films- FILMAX- A24- BBC Films- MUBI- Fabula Producciones- Quijote Films- Diario La Tercera- El diario.es- Cronica- BBC- Fotogramas- Chicago Sun Times- El Español- Espinof- Tribeca Film Festival.-