Séptimo 7 sello: CLASICOS DEL CINE VIII : WIM WENDERS :

Caminante no hay camino, se hace camino al andar.

Redescubrimos el cine de Wim Wenders para comprobar todos los temas que le han preocupado desde siempre : la humanidad que transita de un estadio físico a uno espiritual, y que va sin rumbo establecido, para hallar su propia identidad. Una entrada para degustar lo mejor del cine germano.

____ No existe un cine más dubitativo, reflexivo y condescendiente al espíritu de su autor que el cine de Wenders.
Maestro del road movie o cine de carretera, eterno admirador del cine y de la cultura norteamericanas, cineasta del trayecto, de la ruta interminable por la que circulan sus personajes en una búsqueda quimérica, Wenders ha innovado el lenguaje con ese ímpetuo demoledor con que surgió el nuevo cine alemán, en que "las relaciones de espacio-tiempo adquieren formas de articulación en la que éstos elementos - espacialidad y duración- dejan de ser el vehículo de ciertas significaciones dramáticas para transformarse en signos ellos mismos".
Un cine a toda luces, original, estético en sus formas, en el expresivo uso de los espacios, en el conciente uso del color, en la observación atenta de los desplazamientos de unos personajes errantes, solitarios, marginales, extraviados en los complejos vericuetos de las sociedades capitalistas, y cuya epidermis formal parece alcanzar los vacíos expresivos y las ausencias legítimas.
El mundo de Wenders está asociado a la mutación y al cambio. A personas que se mueven de un lugar a otro cargando una especie de inmovilidad psíquica; como supervivientes a menudo de colapsos mentales o emocionales.
La invitación esta semana en el blog es, a descubrir los pasajes que han formado el cuadro expresivo de un gran artista audiovisual.
Sin duda, uno de los directores más significativos del panorama cinematográfico de los últimos cuarenta años.
Bienvenidos a este viaje por el transcurso del tiempo.

El desarraigo como metáfora de estos tiempos.


Nacido en Düsseldorf en 1945, Wenders "es prácticamente un hijo de la ocupación norteamericana. Su formación cultural condicionada por el cine de Hollywood y la música rock , le dió una imagen vigorosa y potente". Al margen de sucesivas incertidumbres vocacionales que, a los 16 años, lo colocaron en los umbrales de un seminario católico, más tarde en el mundo de la música rock ("la primera cosa que pude apreciar y que no era heredada"), y finalmente en un vago tránsito por los estudios de medicina, filosofía, sociología y pintura, el futuro realizador se matriculó en 1967 en la escuela de Münich. Por entonces ya era un cinéfilo voraz luego de su residencia en París y de un contacto sistemático con las exhibiciones de la Cinemateca francesa donde veía hasta cinco largometrajes al día.

Según sus biógrafos más exigentes, no fue su devoción por el cine lo que le atrajo de veras a esta profesión. Sino más bien, despertó a esta obsesión, mientras ejercía de crítico de cine. Aunque se habría detectado desde un principio dos constantes temáticas de su obra posterior : una suerte de desarraigo perpetuo, expresado en una especial preferencia por personajes y situaciones en permanente tránsito. Por la otra, una marcada sensibilidad musical, heredada seguramente de sus años devotos por el rock. Sus primeros cortos en el período comprendido entre 1967 y 1970, mostraban ya su ambivalente posición de un joven alemán que vive en un mundo casi totalmente americanizado. "Same Player Shoots Again" ( 1967 ) extraía su título y su manera de estar editada de una máquina tragamonedas a las que Wenders era muy aficionado ; "Polizeifilm" ( 1968), era por el contrario una cinta sobre la policía de Münich y sus tácticas para hacer frente a las manifestaciones de estudiantiles en mayo de 1968; y "3 amerikanische LPs"( 1969), mostraba simplemente una conversación entre Wenders y el novelista y autor teatral Peter Handke, acerca del rock y de como parece estar más conectado con imágenes y emociones que con puros sonidos.

Su primer largometraje "Verano en la ciudad"/"Summer in the City" ( 1970), fue realizado como examen para su graduación académica y está constituído por austeras imágenes en blanco y negro. Junto a éste se añaden "El miedo del arquero ante el penal", Alicia en las ciudades" y "Movimiento falso", con las que Wenders se formó una reputación extraordinaria que lo sitúo en la cúspide de los cineastas más prometedores del nuevo cine alemán. Ciertamente carecía de las extravagancias de las cintas de Fassbinder, de las ambiciones metafísicas de las películas de Herzog, y de la intensidad intelectual de los primeros trabajos de Alexander Kluge, como lo observó el crítico Jaw Dawson. Sin embargo, Wenders demostró su originalidad al revelar una marcada desconfianza hacia los usos y abusos de la ficción clásica, una clara preferencia por la desdramatización, el distanciamiento, los planos larguísimos y los tiempos muertos, y una cierta tendencia a unificar el documental con la ficción.

Con los actores Harry Dean Stanton y Dean Stockwell en un descanso del rodaje de "París-Texas".

La mayoría de los personajes del cine de Wenders, se desenvuelven en tránsito a ninguna parte, cargando una especie de inmovilidad psíquica. Son seres que recorren ambientes que perciben como ajenos, pero también como vías de escape de la parálisis y de la reclusión interior. En algún sentido, ellos han sobrevivido a traumas y dolores agudos.El protagonista de "El miedo del arquero ante el penal", queda paralogizado en medio del juego, deja la cancha, abandona su equipo y comienza a deambular describiendo un trayecto de sucesivos extravíos y absurdos; incluso cometerá un crimen sin motivo alguno. El personaje central de "Alicia en las ciudades" está retornando a Alemania luego de comprobar que le ha sido imposible dar forma al libro sobre Norteamérica que le ha encargado su editor; su esterilidad es total. En "Movimiento falso" los personajes se debaten entre palabras que están vacías y la mudez. Jonathan en "El amigo americano", se entera al comienzo de la película que sus días están contados; de allí en adelante todo le será distinto. Travis en "París- Texas", es un muerto en vida que recorre el desierto californiano perseguido por un fracaso afectivo que no logró remontar. Incluso en la pareja de amigos de la película "En el transcurso del tiempo", que viaja por Alemania reparando los equipos de proyección de salas pueblerinas de cine que están próximas a cerrar, el punto de partida también está configurado en cierto sentido por una situación límite : el protagonista ha optado por una vida errante y solitaria con la conciencia de no tener mucho más lugar que éste dentro de la sociedad alemana y su compañero Robert, ha protagonizado un intento de suicidio huyendo de una desdichada experiencia matrimonial.

Como remarca el crítico Héctor Soto : Posiblemente haya que atribuír buena parte del éxito que ha tenido Wenders en el cometido de configurar a través de sus películas un mundo de caracteres inconfundibles a la notable coherencia con que ha encarado los dilemas propios de la expresión cinematográfica contemporánea. Su aproximación al cine es un raro modelo de equilibrio entre observaciones físicas y concretas y reflexiones de gran poder de abstracción. Aún cuando esta dimensión abstracta es clave dentro de sus filmes, resulta sin embargo sugestivo que a nivel de puesta en escena, sus mejores realizaciones estén libres de la carga de disgresiones especulativas. Más que para el análisis o la interpretación, Wenders tiene una extraordinaria capacidad de observación con la cámara y por lo mismo sus obras más logradas son eminentemente descriptivas. Su mejor atributo como cineasta no está en una eventual habilidad para narrar o para formular hipótesis, sino en la inteligencia para rescatar de sus personajes y ambientes los datos más físicos y concretos que puede transmitir a la percepción.

Junto al director italiano Michelangelo Antonioni en el set de "Beyond the Clouds".

Wim Wenders por Maurizio Galimberti.

Junto a la actriz Michelle Williams en el set de "Land of Plenty".

Las películas de Wenders tienen una estrecha relación con sus sugerentes bandas sonoras, de las que destacan muy especialmente, la de "París- Texas" una melancólica partitura escrita por Ry Cooder, y "Las alas del deseo" del compositor Jürgen Knieper. Wenders gusta introducir canciones de rock en sus películas. De hecho Nick Cave & The Bad Steeds aparecen tocando en "Las alas del deseo" , al igual que Lou Reed en "Tan lejos, tan cerca". Sobre este asunto Wenders opina : "Desde los inicios de mi carrera, la música ha tenido una gran importancia para mí. El título de mi primera película "Summer in the City" procedía de una canción de Lovin"Poonful. En ocasiones creo que el momento más hermoso de todo el proceso de elaboración de una película, desde la concepción al montaje final, pasando por la búsqueda de locaciones, el casting y el rodaje, es cuando ves por primera vez una escena acompañada de su música correspondiente. El rock and roll desempeña un papel fundamental en muchas de mis películas, como se refleja en "El amigo americano", en la cual quise rendir homenaje a The Kniks. Nada menos que diecisiete grupos de rock contribuyeron con su música a la banda sonora en "Hasta el fin del mundo". Asi mismo la banda sonora de "Lisbon Story" incluía varios temas del grupo Madredeus que dió el salto a la fama gracias a aquel disco".

Un recuerdo entrañable de Wim Wenders : "Nunca me propuse ser cineasta. De niño tampoco veía las películas del modo en que lo hacen tantos directores en ciernes. No niego que me gustara el cine, pero jamás logré entender qué era exactamente un director. Aquello llegó mucho más tarde, cuando vivía en París soñando con convertirme en pintor. Apenas tenía dinero y hacía un frío terrible. Solía acudir todas las tardes a ver largometrajes a la Cinemateca, principalmente porque era un buen lugar para resguardarse del frío y porque únicamente costaba un franco la sesión. El programa empezaba a primera hora de la tarde y no acababa hasta bien entrada la medianoche. De hecho, los fines de semana había una última proyección a las dos de la madrugada. Lo primero que vi fue una reptrospectiva completa de Anthony Mann. Más tarde vi sendos ciclos dedicados a John Ford y Fritz Lang. Por aquel entonces, veía una media de cinco o seis películas diarias. Lo que hacía era pagar la entrada para la primera proyección y esconderme en el baño entre sesión y sesión para que la sala empezara a llenarse de nuevo. De esta manera conseguía ver cinco películas por un solo franco".

Sus películas.

"Verano en la ciudad" ( 1970). Los inicios de Wenders en el largo, utilizando una narrativa deliberadamente dispersa y poco estructurada sobre un hombre que sale de la cárcel e intenta restablecer contacto con sus viejos amigos en Münich y Berlín. Aparece ya la idea del viaje, como una manera de observar el mundo, a través de ventanillas de avión, de parabrisas de coches, etc, y con un interés por los personajes desarraigados.

El fotógrafo Robbie Müller durante el rodaje de la película y que se transformó en su colaborador habitual.

"El miedo del arquero ante el penal" ( 1971 ). Adaptación de una novela de Peter Handke, es una película centralizada en los inútiles vagabundeos de un hombre por las tierras fronterizas de Alemania y Austria. Bloch ( Arthur Brauss), arquero de fútbol, ha pasado la noche con la cajera de un cine y la ha estrangulado sin motivo aparente. Esta tan desconcertado y desorientado que no intenta evitar su detención. Un retrato sobre la alienación desde el punto de vista realista y cotidiano.

"La letra escarlata" ( 1972). La experiencia malograda de Wenders donde se enfrentó a organizar sin buenos resultados, una narración de aliento clásico, inspirada en la célebre novela de Nathaniel Hawthorne. De partida, esta protagonizada por una mujer y en ambientes de época ajenos a las preocupaciones estilísticas del director. Remontada por su productor, constituye el paso en falso de Wenders más desafortunado de su carrera.

"Alicia en las ciudades" ( 1973). La primera gran road movie de Wenders acerca de un periodista alemán ( Rüdiger Vogler), que ha estado realizando un reportaje en profundidad sobre los paisajes de Estados Unidos, y que en el aeropuerto dispuesto a volver a su casa, se topa con una mujer joven y su hija Alicia ( Yella Röttlander). En el último momento de viajar a Amsterdam, la mujer desaparece dejándoles un mensaje en que les dice que les alcanzara tomando un vuelo posterior. Retrato honesto y realista de la Alemania contemporánea, que resulta hasta muy divertida y amena, pues nunca opta por el cliché y los manierismos tipicos de esta clase de encuentros accidentales.

La niña actriz Yella Röttlander, había trabajado un año antes con Wenders en "La letra escarlata" y tuvo una breve intervención siendo ya adulta en "Tan lejos, tan cerca".

"Esta variación europea de "Luna de Papel"/ Paper Moon, ofrece a Wenders una estructura lo suficientemente relajada como para permitirle efectuar un interesante recorrido por su propio país".

"Movimiento falso" ( 1974). Basado en la novela "Wilhelm Meister" de J.Wolfgang Goethe, notabilísimo poeta, escritor y pensador alemán, Wenders vuelve sobre la idea del viaje, no como simple recurso narrativo sino como una forma de observar el mundo, en este caso, a través de unos solitarios artistas errantes tras la búsqueda de una dirección. Rüdigler Vogler es un escritor, Hans Christian Blech un cantante, Hanna Schygulla una actriz y Nastassja Kinski en su debut frente a las cámaras, una joven muda. A través de estos cuatro personajes -más algunos que se agregan a la acción-, conocemos las reflexiones de Goethe, así como las inquietudes de Wenders, en una mirada contemplativa sobre la vida, la sociedad y el arte.

Lenta y por momentos elaborada sobre la base de largas secuencias - como la escena cuando sus protagonistas bajan por un camino rural-, el filme consolida el particular estilo de Wenders.

"En el transcurso del tiempo" ( 1976 ). Road movie de tres horas de duración, dedicado a Fritz Lang, en el cual se sigue el itinerario de dos hombres que se encuentran en la carretera, luego de que uno de ellos cayera a un río con su Volkswagen. Ambos siguen juntos viaje arriba de un camión. Bruno ( Rüdigler Vogler ), dueño de una especie de taller rodante se dedica a reparar proyectores de cine en pueblecitos rurales. Robert ( Hanns Zischer) viene de un matrimonio fracasado. El dúo recorre la zona fronteriza entre las dos Alemanias compartiendo sus penas y frustraciones.

Bruno vive en su camión y jamás ha estado satisfecho con una sola mujer. Confiesa que, en el momento de hacerle el amor a una dama se siente terriblemente solo. Robert insatisfecho por la vida matrimonial que ha tenido, por temor así mismo, no se da ninguna fortaleza para aclarar las cosas con su mujer. Ambos vagan por la carretera en soledad y bordeando lo depresivo. El relato da grandes espacios para lo contemplativo ( casi sin diálogos )y asimila todos las características de esta género donde prima la autenticidad y espontaneidad de las situaciones.

Gran película río de contornos descomunales, recorrida por agudas observaciones acerca de los problemas de la representación fílmica, acerca de la declinación del espectáculo cinematográfico, y acerca de las herencias vacantes del expresionismo alemán. Sin duda, una experiencia inolvidable.

"El amigo americano" ( 1977 ). Adaptación de la novela de Patricia Highsmith, "Ripley"Game", es un notable thriller que confirma la tremenda admiración que Wenders siente por el cine americano. Desde el inicio con Tom Ripley ( Dennis Hopper) con sombrero Stetson y abrigo apareciendo desde un taxi neoyorquino frente al estudio del pintor Derwatt ( Nicholas Ray), hasta el desenlace de la película, el espectador se sentirá atrapado favorablemente en un constante vagabundear por los muelles de Hamburgo, París Münich, Nueva York, sin que el paisaje físico cambie de manera ostensible. El mundo parece estar encerrado en una sola visión universal, y los personajes parecen moverse sobre situaciones rocambolescas siempre sorprendentes. Imperdible para entender el original universo de su director.

"Relámpago sobre el agua" / "Lightning Over Water" ( 1980). Una notable película sobre el cine dentro del cine y con un triste final. Karl Engel anotó sobre ella lo que se especifica a continuación. El director Nicholas Ray está ansioso por completar una película final antes de su inminente muerte por cáncer. Wim Wenders está trabajando en su propia película Hammett (1982) en Hollywood, pero vuela a Nueva York para ayudar a Ray a realizar su último deseo. La intención original de Ray es hacer una película de ficción sobre un pintor moribundo que navega a China para encontrar una cura para su enfermedad. Él y Wenders discuten esta idea, pero obviamente no es realista dado el estado de salud de Ray. Sin duda, un filme testimonio sobre la personalidad de un gran cineasta, injustamente incomprendido, autor de "Rebelde sin causa", "Johnny Guitar", "Rey de Reyes" y "Bigger than life".

"Hammett" ( 1981). Obra conflictiva producida por Francis Ford Coppola, y que significó la ruptura de la amistad de Wenders con el director de "El Padrino". Tributo al cine negro, sobre Dashiele Hammett, el novelista creador de Sam Spade, un tipo poco ortodoxo que bordea siempre la ilegalidad y cuyo personaje fue recreado en la película "El halcón maltés" ( 1942 ) de John Huston. La película comienza con imágenes de una novela que Hammett escribe. Más adelante, estos mismos personajes son parte del entorno habitual del escritor, que vive de modo bohemio, en el submundo del barrio chino de San Francisco. Tanto un policía como Hammett quieren saber el paradero de una joven prostituta china, vendida a los doce años por su tutor. Para el primero el antecedente es clave en la resolución de un crimen, para el segundo es clave para el curso de su novela. La vida del escritor y la ficción literaria se entrelazan, se mezclan y funden gracias a la magia del cine. He aquí uno de los aciertos de la puesta en escena de Wenders. El límite entre ambas dimensiones es, sin embargo, frágil. Son como los dos lados de un libro deformante, puntos de vista distintos. Wenders para resolver esto además de fusionar los dos mundos, agrega otro más, el cinematográfico, que aporta imágenes arrancadas del cine negro, contemporáneo a las historias narradas y, por lo tanto, mucho más cargado a la realidad.

El filme efectúa constantes alusiones al cine negro de los años 40 y 50 del siglo pasado. Hammett actúa como lo haría Humphrey Bogart, se vista y usa un sombrero tal como lo llevaba él. Desde el punto de vista narrativo, es el filme menos wenderiano de todos. Casi no se ven esos grandes espacios típicos de su cine. Aquí hay mucho planoa mericano, muchos personajes en el cuadro, el espacio como tal está sólo en función de la acción. Así ocurría por lo demás en el género de aventura policial. En muchas películas de Wenders, en cambio, pareciera que el autor primero pensó en el espacio y luego en los personajes, la acción y la narración. Puede que ésta sea una película menor, pero es uno de los más bellos homenajes al cine negro que se han hecho.

"El estado de las cosas" ( 1981). Cine dentro del Cine. Un equipo de filmación está varado en un melancólico hotel junto al mar, en algún lugar a las afueras de Lisboa, cuando la producción se queda sin dinero en mitad del rodaje. El director, Friedrich, es un gentil líder filosófico de intelecto y corazón que disfruta de una relación paternal con todos en el elenco y la tripulación. Él es una roca de calma en medio de esta crisis, manteniendo sus cargas alimentadas y protegidas no solo física sino emocionalmente. Él logra esto manteniendo el enfoque de la compañía en su arte y humanidad durante los aburridos días que pasan esperando una infusión de efectivo para reanudar el trabajo. Su firme aliado en esto es el viejo y canoso camarógrafo Joe, cuya vasta experiencia en el negocio lo estabiliza como un padre con su hijo. A medida que transcurren los días sin noticias de su productor en los EEUU, las personas se ocupan de las minucias de anticiparse al abrumador aburrimiento. Se están convirtiendo en una especie de familia, forzada a empatizar e interactuar entre sí de forma más íntima de lo que normalmente lo hacen los equipos de filmación. Es el lado positivo en esta nube de duda que los envuelve.

Pero a medida que los días se vuelven semanas, el presentimiento negativista comienza a sobrepasarlos. Joe debe regresar a su casa para enterrar a su esposa enferma terminal, abandonando a regañadientes a Friedrich para que se encargue solo del empeoramiento de la situación. Dennis, el productor y escritor de la obra, comienza a romperse en su equilibrio emocional, está desesperado en lo que él llama el "suicidio" de hacer películas. Cuando Friedrich intenta calmar el pánico de Dennis, suplicando: "Estamos en el mismo barco", él responde: "No, USTEDES están en el bote, yo estoy en el barco". Se trata de una inolvidable visión sobre el acto de hacer cine, un tributo realista a la función de los equipos en el proceso del rodaje de una película, y una declaración de principios sobre lo que involucra la creación cinematográfica. Ganadora del León de Plata en el Festival de Venecia.

"París-Texas" ( 1984 ). La película "totem" de Wenders, con la que obtuvo la Palma de Oro en Cannes. Al igual que en El amigo americano, el filme parte en la desintegración de un núcleo familiar porque el padre ha fallado en su rol. Si allí ha aceptado transformarse en un criminal por amor a su familia, aquí ha enajenado los sentimientos llevando al extremo la idea de la apropiación en la relación amorosa. En ambos filmes la crisis parte de un sentimiento específico de carácter social : la inseguridad. Jonathan, desahuciado, trata de dar a su familia la seguridad económica que él no ha logrado y se transforma en un asesino a sueldo. Travis pierde a su mujer porque la ha transformado en objeto de celosa apropiación y se siente inseguro de su afecto. Es el resultado de la organización del trabajo, de la sustutución de la sociedad patriarcal, de la pérdida del espacio familiar.

Travis ( Harry Dean Stanton), es un maduro cowboy que lleva cuatro años escapando de un pasado quebrado, de una relación amorosa que no cuajó bien, auqnue dejó un hijo, Hunter ( Hunter Carson). Su hermano Walt ( Dean Stockwell) le halla perdido en medio de la nada en pleno desierto texano y para trasladarlo a su casa en Houston, deberá llevarlo por tierra - porque le tiene pavor a los aviones-, lo que inicia una travesía por carretera digna de los mejores momentos de Wenders. El tránsito de revivir el pasado y reconstruír los fragmentos de su amor apasionado por la hermosa Jane ( una rubicunda Nasstassja Kinski), obligará a Travis a asumir su inestabilidad emocional, su propia paternidad y su nueva huída, ya con la conciencia tranquila después de resguardar el futuro de su hijo y su madre juntos en un céntrico departamento de la ciudad. Wenders construye su película en espacios abiertos, mediante silencios, gestualidades intimistas, y un realismo abrumador. Todos los personajes que circulan por la historia son seres incompletos, armados de retazos de comportamientos espontáneos, de circunstancias atingentes, de soplos de vida unitarios pero socialmente reconocibles. Travis y Walt son hermanos que se respetan y quieren, pero éste último representa todo lo que el otro aborrece - un agente publicitario de la sociedad consumista- que forma pareja con una europea Anne ( Aurore Clément ), con quien no ha podido tener hijos. Esa maternidad asumida con la crianza de Hunter , nunca llega a ser plena, sobretodo cuando el niño decide acompañar a su padre tras los pasos del paradero de su madre.

El niño Hunter vive de amores incompletos. En un pequeño diálogo con sus compañeros, asume la insatisfacción de tener dos padres por pura casualidad, aún en la instancia que reconocer a ambos le resulta algo embarazoso. Jane por su parte, que trabaja en un peep show, revive su duro pasado, ansía la maternidad y una estabilidad emocional que le es incierta. Al reencontrase con su hijo, restablece algo que creía perdido. Travis busca crecer. En este sentido arma los rompecabezas de su propio pasado para asumir que la vida es imperfecta y sólo basta acomodarse a ella para sobrevivir. El desarrollo itinerante del relato, con su desierto que es una metáfora del alma de Travis y los lugares de paso que manifiestan su transitoriedad: neutros moteles, asépticas posadas, carreteras interminables, dan cuenta de una sociedad que ha transformardo sus medios en fines, sus instrumentos en fetiches, sus desplazamientos en maneras de ser.

Cuando Travis encuentra a Jane, en la secuencia final, tropieza con algo peor : el peep show es un remedo de la realidad, con su falsa intimidad, un burdo decorado en que se efectúa un simulacro de comercio sexual, de acuerdo a enfermizas fantasías. Si al final de la película, Travis ha recuperado su identidad y ha reparado parcialmente su caída, no ha logrado lo que busca y probablemente continuará vagando para expiar una culpa que la mentalidad puritana no está dispuesta a perdonar. Si para Wenders ese París- Texas se asocia con el paraíso perdido inalcanzable, el deambular de Travis constituye el verdadero sentido de la vida. Se trata por cierto, de la obra más característica de la cinematografía de su notable realizador.

Mosaico con algunas de las escenas de la citada película.

La hermosa actriz Nasstasja Kinski y el niño actor Hunter Carson, hijo de la actriz Karen Black y que tuvo una breve carrera en el cine. Recuérdenlo como protagonista absoluto de la remake de : "Invasores de Marte".

"Tokyo-Ga" ( 1985). Otro homenaje al cine que efectúa Wenders, esta vez en un viaje a Japón para reconocer los lugares donde filmó Yasujiro Ozu sus mayores obras.

"Las alas del deseo" ( 1987 ). El regreso de Wenders a Berlín considera una historia de amor, pero también de la falta de amor, y la desesperanza que reina en una gran ciudad, sobre las múltiples divisiones del pueblo alemán y sobre la identidad del actor Peter Falk.

Es la historia de dos ángeles que recorren Berlín tratando de mejorar las vidas de sus descorazonados habitantes , pero también envidiándolas, y que es más que una fábula fantástica. En efecto, Bruno Ganz y Otto Sander viéndolo todo y conociendo los pensamientos más íntimos de la gente ; anotando en libretitas las pequeñas pero significativas alegrías cotidianas y también signos negativos, dándoles una mano espiritual a algunos y sufriendo ante la imposibilidad de ayudar a otros. Ambos bromean con la idea de poder ser hombres, de poder tocar realmente una piedra o acariciar una mujer. Gracias al amor por una trapecista ( Solveig Dommartin), el ángel Ganz conseguirá volverse hombre y dejará de ver Berlín en blanco y negro. La alabada fotografía en blanco y negro , con secuencias en colores, es obra del veterano Henri Alekan, colaborador de Jean Cocteau y Raúl Ruiz, que ya había iluminado para Wenders "El estado de las cosas" ( 1981 ). La música pertenece a Jurgen Knieper e incluye temas de Laurie Anderson, Minimal Compacts y otros grupos avant-garde. Wenders ganó en Cannes el premio al Mejor Director. Muestra de una personalidad generosa, donó los 5.000 dólares del premio a un joven director canadiense, Atom Egoyan. En esta época, también publicó sus primeros libros de fotos, con los que consiguió transmitir su fascinación por los paisajes desolados del oeste de Estados Unidos.

Durante un descanso del rodaje con el actor Peter Falk.

"Hasta el fin del mundo" ( 1991 ). Una superproducción que juega con la idea del viaje, un paseo apocalíptico por 17 países del mundo como Alemania, Francia, Estados Unidos, Vietnam, Japón, China, Rusia, Portugal, Francia, Australia, entre otros, a partir del vagaje de una mujer ( Solveig Dommartin), que se insmiscuye primero, con unos ladrones de bancos franceses, y después con el hijo de un talentoso investigador ( William Hurt ), el cual ha desarrollado un aparato revolucionario que permite que los ciegos puedan ver.

Los actores Sam Neill, Nick Ortega, y Rüdiger Vogler en una escena de la citada película. / La cinta se centraliza en la idea de la hecatombe de un satélite nuclear y tiene un tono semipolicial y futurista, que atrae por su lograda atmósfera y acertivo ingenio para hablar sobre la Vida, la Muerte, el Final de la Humanidad, y desplegar un puñado representativo multicultural de distintas realidades del orbe.

Sam Neill y Rüdigler Vogler en otra escena de la película./ Entretenida narración que evidencia la destreza que tiene Wenders para manejar distintos idiomas y situaciones multirraciales de diferente contexto, con escenas brevísimas que a veces no duran más que un minuto.

William Hurt y el veterano actor japonés Chisu Ryu. / Respecto a esta película Wenders apunta : "Todo este proyecto empezó cuando descubrí la cultura de los aborígenes australianos. Todos los parajes que aparecen en el filme son lugares por los que siento un gran afecto y en los cuales tenía ganas de rodar".

Una atractiva escena con William Hurt y la estupenda anatomía de Solveig Dommartin. El elenco multiestelar lo completan : Max Von Sydow, Rüdigler Vogler, Ernie Dingo, Jeanne Moreau, Chick Ortega, Eddie Mitchell, Lois Chiles, David Gulpilil, Chisu Ryu, Alfred Lynch, Kuniko Miyake, Carmen y Dolores Chaplin.

"Tan lejos, tan cerca" ( 1993 ). Continuación en color de "Las alas del deseo". Sobre el rodaje de esta película Wenders recuerda : "Años después quise volver a visitar Berlín para rodar esta película, porque la ciudad había dejado de ser lo que era antes. Es probable que ninguna capital del mundo haya cambiado tanto en el siglo XX y en tan poco tiempo. En un primer momento, no se me pasó por la cabeza utilizar los mismos personajes que aparecían en aquella película y me puse a escribir acerca de conductores de taxi,niños, bomberos y todo tipo de personas desplazándose de un lado a otro de la ciudad. Sin embargo, cuando más recorría las calles por mi cuenta, más me convencí que el único enfoque acertado, sería el de volver a mostrar la ciudad a través de los ojos de aquellos ángeles. Casi en contra de lo que me dictaba mi voluntad y mi sentido común, decidí recuperar aquellos personajes ".

La hermosa actriz Nastassja Kinski en la citada película.

"Historia de Lisboa" ( 1994 ). Una interesante nueva óptica sobre el valor que tiene el sonido y la captación de atmósferas de una película. El director Friedrich Monroe tiene problemas para terminar una película silenciosa en blanco y negro sobre Lisboa. Llama a su amigo, el ingeniero de sonido Phillip Winter, por ayuda. Cuando Winter llega a Lisboa semanas después, Monroe ha desaparecido, pero ha dejado la película inacabada. Winter decide quedarse, porque está fascinado con la ciudad y la cantante portuguesa Teresa, y comienza a grabar el sonido de la película. Al mismo tiempo, Monroe navega por la ciudad con una cámara de video e intenta capturar imágenes invisibles. Más tarde se conocen y Winter convence a Monroe de terminar la película.

Rüdigler Vogler en pleno rodaje en Lisboa.

Afiche de la película.

"A trick of the light" ( 1995 ). Un nuevo homenaje de Wenders a su pasión por el Cine. Los hermanos alemanes Max y Emil Skladanovsky, precursores de los archiconocidos hermanos Lumière, idearon el bioscopio, primera versión del proyector de películas. Su invento proyectaba ocho imágenes por segundo.

"El Fin de la violencia" ( 1997 ). Coproducción americana- franco-germana, que retrata uno de los flagelos actuales : la violencia en el mundo civilizado. La sinopsis oficial recupera el sin sentido que gatilla las situaciones extremas. Dos hombres que han sido contratados para asesinar al productor de cine Mike Max, que ha amasado una gran fortuna haciendo películas violentas, son asesinados al día siguiente. El productor, en cambio, consigue huir, pero el crimen ha quedado registrado en vídeo: el Observatorio Griffith Park, situado en una colina, viola la intimidad individual grabando toda clase de sucesos. La excusa es la lucha contra la violencia.

La película interpretada por Bill Pullman, Andie McDowell, Gabriel Byrne, Loren Dean y Daniel Benzali, considera un impactante estilo visual que remite al pintor Edward Hopper, y también se constituye en un crudo retrato de la ciudad de Los Angeles en California. Wenders recuerda: "Traté de buscar una estética que subrayara la idea de que siempre hay algo que se esconde tras la superficie, de que toda ciudad es sólo una mera fachada tras la que se oculta su verdadera esencia. En la película ese mundo real es el mundo de los jardineros, mientras que el mundo del protagonista gira en torno a su negativa a ver lo que se esconde tras la fachada de la ciudad".

"Buena Vista Social Club" ( 1999 ). Una notable experiencia documental que entremezcla la cultura de raíces caribeñas, la música y la experiencia humana respecto a la Creación. Cuando, en 1996, Ry Cooder viajó a Cuba para grabar un álbum con Ibrahim Ferrer y los músicos que habian colaborado en el disco Buena Vista Social Club (conocidos en Cuba como los Super-abuelos), Wenders lo siguió: observó a los músicos en el estudio y rastreó sus vidas en La Habana. Después rodó en Amsterdam, donde la banda dio dos conciertos y, finalmente, en Nueva York, en un recital espectacular en el legendario Carnegie Hall.

Poster de la citada película. / Wenders recuerda sobre ella : "La idea inicial era hacer un relato personal sobre mi encuentro con aquellos músicos y de mi primera experiencia con la ciudad de La Habana. No había elaborado ningún plan o enfoque estético sobre el modo en que iba a retratar a aquellos músicos o aquella ciudad. Empecé a rodar el día de mi llegada y traté de descubrir quienes eran exactamente aquellos músicos cuya melodía no había dejado de entusiasmarme desde el día en que Ry Cooder me dejó escuchar una música que había grabado durante su primera visita a La Habana. Lo más divertido fue que no había ningún plan de rodaje; lo fuímos improvisando sobre la marcha".

"El hotel del millón de dólares" ( 2000). Relato coral que gira en torno a los extravagantes personajes que circulan dentro de un viejo hotel. El relato se sostiene en la figura de un disminuído mental ( Jeremy Davies) , su amiga freak ( Milla Jovovich ), y un agente policial ( Mel Gibson ), que le sigue la pista a uno de los residentes del lugar, hijo de un poderoso político ( Harris Yulin). La película es un sugerente descenso a los infiernos, llenos de personajes extraños, marginales, raros, artistas suburbanos, y exóticos caracteres sicodélicos. Detrás de todo aquello, hay un tibio conflicto paranormal, que no escapa a la ambigüedad, menos destacado y más afín con el estilo de Wenders. Completan el casting los veteranos : Jimmy Smith, Peter Stormare, Bud Cort, Gloria Stuart, y Julian Sands.

Afiche de la citada producción cinematográfica que tiene la banda sonora y parte del guión de Bono, líder del grupo U2. .

"The Soul of a Man" ( 2003 ). El director Wim Wenders nos muestra la tensión dramática entre lo sagrado y lo profano dentro del mundo del Blues, explorando la música y las vidas de tres de sus artistas preferidos: Skip James, Blind Willie Johnson y J.B. Lenoir. La película, en parte histórica en parte búsqueda personal, nos enseña cómo fueron estas vidas dedicadas a la música, al blues y al jazz, a través de una extensa ficción, de escenas de la vida actual a modo de documental y de canciones de músicos contemporáneos como Shemekia Copeland, Alvin Youngblood Hart, Garland Jeffreys, Chris Thomas King, Cassandra Wilson, Nick Cave, Los Lobos, Eagle Eye Cherry, Vernon Reid, James "Blood" Ulmer, Lou Reed, Bonnie Raitt, Marc Ribot, The Jon Spencer Blues Explosion, Lucinda Williams y T-Bone Burnett. Producida por Martin Scorsese.

"Land of Plenty" ( 2004 ). Dos perspectivas diferentes de los Estados Unidos: la de un veterano de Vietnam y la de una joven. El soldado, herido en la guerra a los 18 años, está obsesionado con proteger la "tierra de la libertad", y los atentados del 11 de Septiembre de 2001 remueven en él los fantasmas del pasado; es un hombre sin amigos y sin vínculos familiares. Por su parte, Lana es una joven idealista que ha vivido en África y Europa los últimos diez años. La obsesiva actividad patrullera del veterano paranoico ocupa demasiado tiempo del metraje, pero hay momentos de gran belleza visual y una canción-del-camino final que hacen que uno se reconcilie con el viaje que nos propone Wenders. Interesante.

Una crítica acerca de la película : "Extraña, a ratos absorbente, a ratos también plomiza (...) A veces cuesta seguirla, se repite y exhibe uno de los aspectos menos felices de la concepción wenderiana del mundo, el humor; pero es valiente, directa, posiblemente, imprescindible."

"La Búsqueda"/"Los Caminos de la Vida" ( 2005 ). Sam Shepard interpreta a un actor de westerns que, en la plenitud de su azarosa vida llenas de fiestas, mujeres, alcohol, juego y diversión irresponsable, cuando visita a su anciana madre ( la estupenda Eva Marie Saint ), descubre que fue padre hace más de veinte años. Lo que no sabe es que, no sólo tuvo un hijo ( Gabriel Mann), sino una hija ( Sarah Polley ) de otra amante del pasado. El filme es una maravillosa reflexión acerca de la paternidad, pero también una analítica visión sobre el viejo sueño americano. Shepard encarna a un ídolo del Oeste, un cowboy inserto en un mundo que ya se fue y transita entre Utah y Nevada, en los límites de Río Grande, como un solitario. Wenders acentúa su figura en ciudades coloridas, pero casi deshabitadas, bares y saloones de juego, donde la soledad es preponderante compañera de viaje. A diferencia de Paris-Texas, esta película termina con una gran esperanza : se supone que los hijos viajan en el auto del padre, para ir en su encuentro. Obra mayor de Wenders, merece una urgente revalorización.

"Palermo Shooting" ( 2008 ). Una película fallida por su aparente pedantería y su ritmo aburrido y superficial. La sinopsis oficial da cuenta de que los tiempos en que se mueve su protagonista, parecen sacados de una mala película de los años cincuenta. Finn, un fotógrafo de fama internacional, lleva una vida trepidante que muchos envidian. Pero, de repente, sufre una crisis existencial y decide abandonarlo todo. Desde Düsseldorf llega a Palermo, donde se cruza en su camino un misterioso asesino. A partir de ese momento, empieza para él una nueva vida. Igual estuvo nominada a la Palma de Oro en Cannes. Cosas de los premios.

Afiche de la fallida película de Wenders. Las apariciones de Lou Red o Dennis Hopper obligan al espectador a un esfuerzo suplementario para no reírse.

"Pina" ( 2011 ). Homenaje de Wim Wenders en 3-D a la bailarina y coreógrafa alemana Pina Bausch, maestra de la danza, en un documental que recoge principalmente los testimonios de sus colaboradores. Es una sorpresa ver a Wenders usar el 3D en todo su esplendor, y el medio usado funciona bien para capturar el grácil remolino del trabajo de la coreógrafa alemana. Además, es un tributo hermoso, muy estilizado y profundo, que transmite admirablemente el universo de esta mujer excepcional. Se trata de una celebración del arte de Pina y una estimulante experiencia acerca de las posibilidades del 3D.

Un fotograma del extraordinario documental.

"La Sal de la Tierra" ( 2011 ). Utilizando fotos fijas, y entrevistas del célebre fotógrafo brasileño, Wenders nos descubre la personalidad combativa que hay detrás del genio de la cámara, para elaborar una extraordinaria película sobre el poder de la imagen. El relato esta lleno de grandes sorpresas y muestra el desarrollo ( o involución) histórico de la Humanidad de los últimos cuarenta años, a través de un repaso por las experiencias gratas o traumáticas que ha tenido este notable profesional en medio de paisajes agrestes, culturas aborígenes, guerras y situaciones memorables o detestables.

El director revisando fotos con el mitico fotógrafo. / Desde hace cuarenta años, el fotógrafo Sebastião Salgado recorre los continentes tratando de captar los cambios de la humanidad. Ha sido testigo de grandes acontecimientos que han marcado la historia reciente: conflictos internacionales, hambruna, éxodos, etc. Sin embargo, ahora decide visitar territorios vírgenes con grandiosos paisajes y fauna y flora exóticas. Se trata de un gran homenaje fotográfico a la belleza del planeta. Participan en el proyecto su hijo Juliano y Wim Wenders, también fotógrafo.

El maravilloso trabajo fotográfico en blanco y negro de Salgado, que homenajea Wenders con su pericia narrativa acostumbrada y su estilizada manera de utilizar los encuadres. Es un fabuloso relato artístico, social, antropológico y etnográfico donde sus piezas son un manejo de tiempo secuencial y del plano realmente sorprendentes.

En terreno, las cámaras de Wenders extrayendo parte del potencial luminoso del gran fotógrafo. Ascanio Cavallo escribió en su momento : "La sal de la tierra no es una confrontación, sino un gesto de reverencia ante un maestro, con todo lo que tiene de humildad y rendición".

En el borde izquierdo, Salgado tomando sus habituales fotos de gran belleza plástica.

"Every Thing Will Be Fine" ( 2015 ). Regreso ignominioso al cine narrativo del maestro alemán , este extenso estudio sobre el dolor y el olvido hace poco para sugerir que su tiempo no haya sido mejor empleado en hacer documentales durante los últimos siete años. La vida del escritor Tomas Eldan (James Franco) cambia radicalmente el día en que, tras una acalorada discusión con su novia, atropella a un niño. Doce años después, no ha podido olvidar la tragedia y sigue sintiéndose culpable. Aquel fatídico accidente no sólo afectó a la madre del niño, sino a todos los que rodean a Tomas, incluida su novia. Película fría, anticlimática y muy aburrida. Un paso en falso para pasar por alto.

James Franco preguntándose abiertamente : ¿ Qué mier... hago en esta película ?

"Los hermosos días de Aranjuez" ( 2016 ). Otra película irregular en la carrera de Wenders. A pesar de sus dotados actores, el trabajo de cámara y unas elecciones musicales poco convencionales, el resultado es un enrarecido cine artístico que tendrá tanta dificultad de encontrar un público como sus dos personajes en encontrar algún equilibrio entre sus opiniones. Excesos de diálogos sin mucha consistencia, para una cinta que tiene su atractivo en las locaciones, algunas referencias a las canciones de Nick Cave y algunas bromas.

El director Wim Wenders, el guionista Peter Handke y el actor Reda Kateb en un descanso del rodaje de la película.

"Submergence" ( 2017 ). La última película de Wenders es una producción agradable que, aún siendo rica en simbolismo, no es tan satisfactoria como deberia ser. Es una historia de amor mayormente efectiva, que incluso los cinéfilos experimentados tendrán dificultades para predecir si la separación acabará felizmente o en tragedia. Con todo para ver con el pañuelo en la mano.

James McAvoy y Alicia Vikander, protagonistas de la mencionada película.

Wim Wenders, Celyn Jones y Alicia Vikander en el Festival de San Sebastián.

Fotos y Textos Críticos Gentileza : José Román- Héctor Soto- Ascanio Cavallo- Mike Goodridge- Antonio Weinrichter- Diego Curubeto- M.Torreiro- Rodrigo Podestá- Oti Rodríguez Marchante- David Hughes- Carlos Boyero- Fernando López- Javier Ocaña- Guy Lodge- Deborah Young- FilmAffinity- Revista ENFOQUE- Cahiers du Cinema- Cinemania- Empire- The Hollywood Report- Los Angeles Times- Variety- El País- La Tercera- El Mercurio- The Guardian- Westdeutscher Rundfunk ( WDR )- Filmverlag der Autoren- Bavaria Film- Les Films du Losange- Road Movies Filmproduktion- Wim Wenders Productions- Argos Films- Channell Four Films- Kintop Pictures- Ciby 2000- Village Roadshow Pictures- Warner Bros- Icon Entertaiment International- Reverse Angle Pictures- Arte France Cinema- Euro Arts Median AG- Network Movie Films- Oceán Films- Sony Pictures Classics- ZDF / Art- Reverse Angle International- Decia Films- Amazonia Images- Solaris Fundazione Delle Arti- Alfama Films- Neue Road Movies- Leopardo Filmes- Centre National de la Cinematographie ( CNC )- Green Hummingbird Entertaiment- Lila 9th. Productions- Morena Films- PalStar Media- Waterstone Entertaiment.-