Séptimo 7 sello: Vanguardias del Cine 1 - El Neorrealismo Italiano :

Una nueva forma de lenguaje.

El director Federico Fellini planificando una toma de "La dolce Vita", con el actor Marcello Mastrioanni.

Estas entradas con los movimientos de Vanguardias del Cine, la estábamos planificando desde hace tiempo.
Era innegable abordarlas en un momento determinado, después de revisitar Grandes Clásicos del Cine, y algunos directores de trascendencia internacional.
Estos temas que ha sido materia de estudio en innumerables oportunidades, "Séptimo7 sello", desea interpretarlos de manera didáctica.
Por lo mismo, en cada caso, nos remitiremos a definir sus características y fundamentos. También añadiremos, un breve perfil de sus realizadores y películas más representativas.
Desde Italia, Francia, Suecia, Alemania, Gran Bretaña, Latinoamérica, Australia y Dinamarca con "DOGMA", el cine ha buscado nuevos derroteros desde el cual actuar, en la medida de abrir nuevas expectativas estilísticas, narrativas y creativas.
Esta estimulación va de la mano de las necesidades que tienen los directores, por hacer cine en momentos claves de la historia.
Acontecimientos históricos trágicos como : la Segunda Guerra Mundial, las Guerras de Argelia, Corea, Vietnam y la Guerra Fría, las reformas económicas en Europa, la pobreza en el Tercer Mundo, los problemas medio ambientales, han sido el detonante de muchas de estas vanguardias, que se han transformado en respuesta concreta a las necesidades de expresión audiovisual.
Comenzamos esta síntesis con el Neorrealismo, término acuñado por los críticos italianos para definir un nuevo estilo de producir cine, después del bombardeo que sufrió Roma y que dejó por el suelo a los estudios de CineCittá.

Reflejo Exacto de la realidad.

"Ossessione" de Luchino Visconti fue uno de los pilares fundacionales del movimiento italiano.

El "Neorrealismo" es el movimiento cinematográfico que se originó durante el fascismo italiano a fines de la segunda guerra mundial , y que se incubó desde el Centro Sperimentale en Roma, donde sus jóvenes alumnos reclamaban por un cine que reflejara la realidad, sin censuras y con un fuerte acento humanista.
El guionista Cesare Zavattini, fue uno de los escritores claves del movimiento y uno de sus principales teóricos.
Su iniciativa se contiene básicamente en unas palabras que pronunció en 1952, cuando señaló :
___"Mi idea fija es desnovelizar al cine; quisiera enseñar a los hombres que miren la vida cotidiana con la misma pasión que sienten al leer un libro".
Ello significaba acabar con la dramaturgia o novelística, para imponer un nuevo modo de producir cine. Un cine-crónica más cercano a la gente.
No se trataba únicamente de filmar documentales o noticiarios, sino de crear historias de hechos de la vida real, para provocar en los espectadores una reacción individual, que les permitiera un examen de conciencia sobre la vida que les rodea.
Como recalca el periodista y crítico londinense Geoffrey Macnab :
___"Zavattini animó a los cineastas a tomar las calles, los autobuses y los tranvías para renovar las historias del día a día".
"El cine italiano del período neorrealista, está lleno de historias de personas que intentan solventar sus problemas diarios. Se trata de una reacción a las películas llamadas de Teléfonos blancos, de la década del 30 que emulaban a Hollywood, y que se centraban en la burguesía".
"Los filmes neorrealistas habitualmente utilizaban actores no profesionales y se filmaban en zonas pobres donde había gentes que realizaban actividades cotidianas. El énfasis se centraba en un valiente realismo y una gran energía".
Mientras algunos de sus más destacados directores, prefirieron remarcar en su obra la connotación póetica y antropológica, otros, recapitularon en la expresividad visual como un alegato antifascista.
Determinante fue el aporte de Luchino Visconti, quien dió inicio al movimiento con : "Ossessione" ( 1942), libre adaptación de la novela negra "El Cartero llama dos veces" de James M.Cain.
No sólo porque proveyó de las intenciones realistas para trascender en un melodrama policial, sino porque, interpretó los ambientes como algo más importante que los acontecimientos, lo "que le permitía mostrar a gentes vulgares y escenarios naturales proscritos por el retórico cine fascista, como la estación de gasolina junto a la carretera, las calles de Ferrara, un vagón de tren de tercera clase, la habitación de una prostituta".
Esta vocación verista en Visconti, se transformó en la mayor característica definitoria del movimiento italiano.

Características Fundamentales.

"Umberto D" de Vittorio De Sica : se caracteriza por utilizar escenarios naturales como la calle o auténticas viviendas.

"El limpiabotas" : la marginalidad infantil en su máxima esencia.

"Con el neorrealismo , cuya máxima ambición es escrutar la realidad cotidiana sin omitir nada de su contexto social, el séptimo arte abandona el universo cerrado de los estudios para profundizar en la vida de las personas tal como se desarrolla en la calle".
Sus características principales son el abandono del manoseado concepto de lo "bello" por lo "natural".
Ya no interesan las beldades construídas por los productores, el mundo mágico de fantasía que refleja Hollywood; sino el retrato de la vida tal cual es, con toda su crudeza y visceralidad.
En alguna medida, ello explica porque sus historias se desarrollan entre los más humildes, la gente de los barrios pobres, los marginados que pululan por sobrevivir, y que muestra el hambre, el desempleo, el hacinamiento y las consecuencias de la posguerra.
Por lo tanto, su fuerte vocación es la veracidad testimonial, para lo cual, muchas veces las ideas se buscan en los periódicos, desde donde surgen dos de sus títulos más emblemáticos : "Ladrón de Bicicletas" ( 1948) y "El limpiabotas" ( 1946).
En este sentido, su mayor inquietud está, en ser el reflejo natural de los acontecimientos, para provocar en el espectador una reacción solidaria con el caído.
Su influencia en los países en vías de desarrollo, es enorme, porque a partir de esta premisa, Sudamérica puede ampliar sus temáticas cinematográficas, sin necesidad de contar con grandes presupuestos y estrellas de renombrada popularidad.
Los mayores fundamentos del Neorrealismo consideran :
a) Escenarios naturales en vez de decorados en estudio.
b)Utilización de actores no profesionales, lo que permite dar grandes espacios para la improvisación.
c)Un desprecio a la retórica de lo "bello" por lo "auténtico".
d)Intenciones estéticas, estilísticas y semiológicas contrapuestas y heterodoxas al cine fascista.
Se impone la autenticidad de sus imágenes, contribuyendo a crear en el público, una mayor exigencia en la veracidad formal del grueso de la producción.
De pronto, se produce un súbito envejecimiento del Cine hecho en estudio, que se muestra "más impostado" y "artificial".

Directores más representativos :

Visconti y su equipo durante el rodaje de "La Terra Trema", junto a los actores no profesionales.

Luchino Visconti ( 1906-1976) : Considerado punta de lanza del movimiento neorrealista.
Su primera película "Ossessione" ( 1943), se transformó en el punto de partida de la nueva generación de jóvenes cineastas.
Su singular carrera, ha cubierto un arco trazado, que se "extiende desde el verismo más implacable y casi documental , en la gran epóca neorrealista, hasta el refinamiento estético rayano en el decadentismo de su última época".
Sus filmes más característicos del neorrealismo son : ""La Terra Trema" ( 1948) y "Bellisima" ( 1951).
También "Rocco y sus hermanos" ( 1960), que rodó después.
Más adelante, empatizará con la historia del mundo aristocrático y la recreación de la decadencia en un registro melodramático, como en :"Senso" ( 1954); "El Gatopardo" ( 1963); "La Caída de los dioses" ( 1969); "Muerte en Venecia" ( 1971); "Ludwig" ( 1972); "Grupo de Familia" ( 1974) y "El Inocente" ( 1976).

Rossellini filmando a Ingrid Bergman en : "Europa 51".

Roberto Rosellini ( 1906-1977) : Se le considera el padre del movimiento neorrealista por sus obras maestras: "Roma Ciudad Abierta" ( 1945); "Paisa" ( 1946) y "Germania, año cero" ( 1947).
Muchos comentaristas le hacían debutar en 1945, para evitar hablar de su etapa mussoliniana con : "La Nave Bianca" ( 1941), la historia de un marino herido en una batalla naval y sus relaciones con una enfermera mientras se cura de sus heridas; "Un pilota ritorna" ( 1942), los avatares de un joven piloto de guerra italiano cautivo en un campo de prisioneros ingleses ; y "L"uomo dalla croce" ( 1943), el relato heroico de un capellán italiano que reparte su caridad entre los soldados y campesinos de un pueblecito bombardeado por la artillería italiana y soviética.
Su obra posterior, derivó hacia una inflexión meditativa y paracristiana, especialmente visible en el período de su unión matrimonial y artística con Ingrid Bergman : "Stromboli" ( 1949); "Francesco, Juglar de Dios" ( 1950); "Europa 51" ( 1952) y "Viaje a Italia" ( 1953).
En 1964, Rosellini proclamó públicamente la muerte del cine como espectáculo, y se dedicó a rodar para la televisión, unas obras didácticas que componen una notable y ambiciosa historia de la humanidad : "La Edad de Hierro" ( 1964); "La Prise du Pouvior por Luis XIV" ( 1966); "Sócrates" ( 1970); "La Edad de los Medici" ( 1972).
"La filmografía de Rossellini es un intento didáctico ejemplar , transparente y coherente.
En su carrera, se combinan la humildad del profesor rural, la sabiduría del maestro y la vocación del pedagogo que buscó, hasta donde las fuerzas ser lo permitieron, todas las posibilidades; porque creía en la instrumentalidad de los medios: no en vano terminó dirigiendo documentales , producciones para la televisión y dramas educativos"
( Del crítico español José Luis Guarner).

Fellini en su eterna vocación : rodando tras la cámara.

Federico Fellini ( 1920- 1993) : Se consagró internacionalmente con "La Strada" en 1954, al obtener el Oscar a la Mejor Película Extranjera, hecho que se repetiría en 1956, con "Las Noches de Cabiria", protagonizadas ambas por su pareja de toda la vida, la actriz Giuletta Massina.
Su extraordinaria y particular concepción cinematográfica, viene desde los días en que era caricaturista, guionista de comic, dibujante, redactor y creador de gags.
De su original apego a la vida como un espectáculo grotesco, colorido y circense, se fue alejando hacia un cine fundamentalmente personal, emotivo, nostálgico , de visos surrealistas, y de irrepetibles consecuencias estético-lúdicas.
Su mundo es barroco y colorista, lleno de personajes estrafalarios ( prostitutas de pechos enormes, monjas enanas, culturistas salvajes, locos altísimos y huesudos ), donde hay espacio para la nostalgia , los recuerdos de la infancia y juventud, los traumas y los arrebatos rebeldes de ser distinto.
Filmes más característicos : "La dolce vita" ( 1960); "Julieta de los Espíritus" ( 1965); "Satyricón" ( 1969); "Roma" ( 1972); ""Amarcord" ( 1973); "Y la nave va" ( 1985); "Ginger y Fred" ( 1984) y "Intervista" ( 1987).

De Sica con los actores de "Ladrón de bicicletas" , Lamberto Maggiorani y Enzo Staiola.

Vittorio De Sica ( 1901-1974) : Nacido en una modesta familia acomodada, estudió contabilidad, aunque ya aparecía como actor en el cine, en 1918.
Desde 1923 comenzó su carrera como actor teatral, donde interpretó obras de Pirandello, Achard, etc, logrando formar su primera compañía en 1935.
A partir de 1930, estelarizó varias películas del director Mario Camerini, como galán elegante.
En 1940, dirigió su primera película "Rosas Escarlatas", manteniendo desde entonces, un trabajo simultáneo para la gran pantalla y el teatro.
Desde "El limpiabotas" ("Sciúsia", 1946), adquirió fama internacional, y junto al guionista Cesare Zavattini, se convirtió en un modelo a seguir dentro de las bases del neorrealismo.
Maestro del "cine de la insignificancia", el poder de sus mensajes temáticos, no desdeñan el análisis sicológico de sus personajes, la profundidad en los conceptos argumentales y la síntesis en el uso de los recursos expresivos del cine.
Pintor de la solidaridad humana, de la miseria infantil, de la marginalidad de la tercera edad, de la lucha contra el egoísmo y la indiferencia, De Sica es el más puro de todos los cineastas surgidos del neorrealismo.
En su filmografía, hay claramente varios períodos : una primera etapa iniciada en 1940, con "Rosas Escarlata" y seguido por "Magdalena, cero en conducta" ( 1941) comedias sentimentales que "representan un enfoque distinto del cine institucional"; una segunda etapa donde entabla amistad y colaboración con Zavattini, para inmortalizar su apellido con obras como : "I bambini ci guardano" ( 1943); "El limpiabotas" ( 1946); "Ladrón de bicicletas" ( 1948); "Milagro en Milán" ( 1950); "Umberto D" ( 1952) y "El Techo" ( 1956), donde ilustra los conceptos más característicos del movimiento neorrealista, para arropar a sus personajes de un tono amable, irónico y tragicómico; y una tercera etapa de un cine más comercial, cercano a las audiencias que buscan la entretención, o en su efecto, la emoción bajo los supuestos del melodrama, como en : "Estación Terminal" ( 1953), "Dos mujeres" ( 1961); "Amantes" ( 1968); "Los Girasoles de Rusia" ( 1969) y "El jardín de los Finzi Contini" ( 1971).

Otros Realizadores :

"Arroz Amargo" de De Santis: que impuso la sensualidad de la actriz Silvana Mangano.

Giuseppe De Santis ( 1917-1997): Diplomado en Derecho, Filosofía y Letras, y además, en Dirección Cinematográfica del Centro Sperimentale de Roma, fue crítico de cine de la revista "Cinema" y un gestor del neorrealismo donde destacó con una obra inolvidable : "Arroz Amargo" ( 1948), un melodrama sobre las recolectoras de arroz en el valle del Po, y que fue el lanzamiento internacional de la exquisita Silvana Mangano.
"Cineasta barroco, coral, exhuberante, que aprovecha la gran tradición melodramática italiana en su tarea por crear un cine que llegue a las grandes masas".
También destaca por películas como : "Hombres y lobos" ( 1956), un melodrama romántico y "La strada lunga un anno" ( 1958) que realizó en Yugoeslavia, sobre las vicisitudes que corre un grupo de trabajadores en la construcción de una carretera entre las montañas.

Lizzani : luz...cámara, acción.

Carlo Lizzani ( ( 1922- 2013) : Crítico de cine de "Blanco y Negro", escritor, guionista y director, que se identificó plenamente con los supuestos del neorrealismo, con películas como : "Cronache dei poveri amanti" ( 1954); "Il Gobbo" ( 1960); "El Oro de Roma" ( 1961) y "El Proceso de Verona" ( 1962), inspirados en hechos acaecidos durante la guerra y la resistencia, con un sesgo casi documentalista.
Es autor de una de las más destacadas Historias del Cine Italiano.
Fue uno de los directores del Festival de Venecia.

Zampa dirigiendo "Una questione d"onore".

Luigi Zampa ( 1905-1991) : Dirigió el Centro Sperimentale en Roma, entre los años 1932 y 1937.
Debutó como realizador en 1933, pero desde 1941 y hasta 1979, mantuvo una regularidad y constancia en su carrera profesional.
Muy alabada fue su película : "Vivir en paz" ("Vivere in pace", 1946), "en donde expuso con humor y dramatismo las incidencias promovidas por la presencia de dos soldados fugitivos americanos en un pueblecito ocupado por los alemanes".
También resalta : "Anni Difficili" ( 1948), que examina Italia de acuerdo a los recientes hechos históricos.

Blassetti interpretándose así mismo, en "Bellissima" ( 1951) de Luchino Visconti.

Alessandro Blasetti ( 1900-1987) : Licenciado en Derecho, trabajó como periodista cinematográfico en los años veinte, y debutó en la dirección con: "Sole Nerone"( 1929), una película verdaderamente innovadora, que le significó trabajar para el régimen de Mussoulini, colaborando al servicio del fascismo, con películas como : "Tierra Madre" ( 1930) o "La Corona de Hierro" ( 1941).
Cofundador de la productora "Augustus", hizo "Resurrectio" ( 1931), la primera película sonora del cine italiano.
Se integró al impetuoso torrente neorrealista con : "Cuatro pasos por las nubes" ( 1942), la historia de un vendedor viajero y que es uno de los títulos que prefiguraron al movimiento neorrealista, sobre un guión de Zavattini.
En la posguerra rodará : "Primera comunión"/"Una hora en la vida" ("Prima Communione", 1950), sobre las desventuras que debe pasar un padre en la búsqueda de un traje para la primera comunión de su hija, sobre otro guión de Zavattini.
También lanza a la pareja Sofía Loren y Marcello Mastroinanni en dos filmes consecutivos; y rueda documentales y filmes que demuestran el agotamiento progresivo de su estilo.

Retrato de Lattuada.

Alberto Lattuada ( 1914-2005): Hijo del compositor Felice Lattuada, de profesión Arquitecto, que comenzó en esto del cine, escribiendo en numerosas revistas especializadas y cofundando la Cinemateca italiana; trabajó como decorador, fotógrafo y ayudante de dirección, antes de realizar su primera película en 1942, "Giacomo L"idealista.
Su aporte al neorrealismo va por la vía melodramática como en "Il bandito" ( 1946), acerca de las causas que tuvo un hombre de transformarse en un delincuente, y sobretodo "Sin piedad" ("Senza pietá", 1947) que escudriña en las relaciones de una prostituta italiana y un soldado de color americano en Livorno.
Más tarde, se inclina por adaptaciones literarias rodadas en estudio y su estilo expresionista queda al descubierto en: "El molino del Po" ( 1949), que describe las luchas sociales en la campiña de Ferrara según la novela de Riccardo Bacchelli; y "El alcalde, el escribano y su abrigo" ("Il capotto", 1952), acerca de las desventuras de una persona vencida por el aparato burocrático y con fuerte reminiscencia kafkiana, basada en un relato de Nicolai Gogol.
Con Federico Fellini codirige "Luces de variedades" ( 1950), el melodrama taquillero "Ana" ( 1951); "Guendalina" ( 1957) que lanza a la actriz Jacqueline Sassard y "I dolci inganni" ( 1960), controvertida historia que revela popularmente a Catherine Spaak.
Su última etapa, está conformada por espléndidas adaptaciones literarias como : "La mandrágora" ( 1965)"Corazón de perro" ( 1976) y "Oh, Serafina" ( 1976).
Además, logra dimensionar el erotismo de la juvenil Nasstassja Kinski en el drama "Cosi come sei" ( 1978), haciendo pareja con Marcello Mastrianni.

"El árbol de los zuecos" : la continuidad de un estilo.

Ermanno Olmi ( nacido en 1931) : Comenzó trabajando en el género documental, para debutar en el largometraje argumental en 1959, con "Il tempo si e fermato" y "El empleo", películas que vienen a revitalizar el movimiento neorrealista aparentemente adormecido y olvidado.
Películas posteriores como : "I fidanzanti" ( 1963), "E venne un uomo" sobre Juan XXIII, " Un certo giorno" ( 1968) y "La circonnstanza" ( 1973), no hacen sino afianzar su extraordinario estilo testimonial, vinculado a describir circunstancias de la vida real, principalmente entre vidas mínimas.
De su última etapa destaca: "El árbol de los zuecos" ( 1978) que ganó en Cannes, la Palma de Oro sobre la ruralidad marginal de fuerte acento lirista.

Germi tras la cámara.

Pietro Germi ( 1914-1974): No terminó sus estudios en Naútica, para ingresar al Centro Sperimentale por Cine. Ya titulado fue ayudante de Blassetti, y su estilo muy afín con el neorrealismo, desde que debutó en 1945, dejó para la posteridad obras tan interesantes como : "In nonne dell legge"(1949), "Il cammino della speranza" ( 1950), "La cittá si defende" ( 1952).
Su evolución temática del melodrama a la comedia satítica, se produce con "El ferroviario" ( 1956), y después con : "Divorcio a la italiana" ( 1961), una brillante sátira costumbrista; "Seducida y abandonada" ( 1963), que obtuvo el Oscar la mejor guión y "Señoras y señores" ( 1965), que lo transforman en uno de los maestros indiscutidos de la comedia italiana.

Antonioni dirigiendo a Monica Vitti en : "La noche".

Michelangelo Antonioni ( 1912-2007 ) : Uno de los más grandes innovadores de la expresión cinematográfica.
"Nacido en Ferrara, su juventud se desarrolló bajo el fascismo, ocupada entre sus estudios de Economía y Comercio en la Universidad de Bolonia y sus aficiones literarias, que le llevaron a colaborar en Il Corriere Padano.
En sus años de estudiante, se forjó también su interés por el cine, que se plasmaría en sus colaboraciones para la revista Cinema, en los trabajos como guionista de Roberto Rosellini y Enrico Fulchignoni, y en sus tareas como ayudante de dirección, que en 1942, le llevaron a Francia para colaborar con su muy admirado Marcel Carné en "Les visiteurs du soir". Antonioni debutó como realizador con el cortometraje documental "Gente del Po" ( 1943), que dejaba adivinar ya su interés por la plástica del paisaje , y realizó otros cinco cortometrajes, antes de dirigir Cronaca di un amore ( 1950)".
Se convierte en un observador atento de su entorno social acomodado, fracturando la tradición proletaria del neorrealismo, al desarrollar un conflicto en ambientes de la burguesía.
A lo largo de una valiosa filmografía, que incluye películas como : "La signora senza camelie "(1953), "El grito" ( 1957); "La aventura" ( 1960); "La noche" ( 1961), "El eclipse" ( 1962); "El desierto rojo" ( 1964); "Blow Up" ( 1966) ;"Zabriskie Point"( 1968) y "El Pasajero" ( 1975), entre otras, consolida su virtuoso estilo " basado fundamentalmente en el sabio empleo del plano-secuencia, cuyos encuadres generales permiten una integración del espacio escénico, con preferencia de paisajes suburbiales o urbanos capaces de ubicar socialmente a los personajes, pero de definir también sus estados de ánimo ( paisajes sicológicos)".
Se le considera un maestro en el manejo de los "tiempos muertos", que son aquellos espacios de gestos nimios y miradas, donde parece que no va a ocurrir nada, y resulta lo contrario.

Los Taviani recibiendo el Léon de Oro en Berlín por "César no debe morir".

Paolo ( nacido en 1931) & Vittorio Taviani (nacido en 1929).
Directores de teatro, fundan juntos algunos cinesclubes, y comienzan a trabajar en cine, como ayudantes de dirección de Roberto Rosellini y Luciano Emmer.
Se dieron a conocer por unos interesantes cortometrajes de aliento documental, efectuados con Valentino Orsini.
Después de colaborar con el holandés Joris Ivens, en el largo: L"Italia non é un paese povero, ruedan "Hay que quemar a un hombre" ( 1962), un análisis sobre la mafia siciliana y el sindicalismo.
Su estilo rudimentario de aliento neorrealista, pasa a evolucionar favorablemente desde un cine ideológico, a uno de contexto histórico, como : "Sotto il segno dello Scopione" (1969), una magnífica película cargada de simbolismos para retratar las clases sociales; y "Allosanfán" ( 1974), una ácida reflexión sobre los liderazgos en el siglo XIX, a través de héroes revolucionarios.
Su cenit, lo logran con una póetica y agridulce adaptación de fuerte aliento neorrealista: "Padre, Padrone" ( 1977), sobre la novela homónima de Gavino Ledda, con la que obtienen la Palma de Oro en Cannes.
La elocuente historia del niño Gavino, que es instruído en base a golpes y violencia , mientras pastorea sobre las tierras mezquinas y solitarias de Cerdeña.
Después vendrán : "El prado" ( 1979), que tras un triángulo amoroso descubre el rompimiento de los ideales en los años setenta; "La Noche de San Lorenzo" ( 1982) , extraordinaria recreación de época con un pueblecito italiano amedrentado por los nazis, y que incluye unas estupendas imágenes metafóricas; "Kaos" ( 1984) cinco relatos basados en textos de Pirandello; "Good Morning, Babilonia" ( 1986), una épica sobre los decoradores de la mítica "Intolerancia" de Griffith; "Il sole anche di notte" ( 1990), sobre una novela de Tolstoi con amplio reparto internacional ; "Fiorile" ( 1993), acerca de las consecuencias que vive una familia, durante los ultimos tres siglos en espacios temporales determinados; y "César no debe morir" ( 2012), una notable película verista con los esfuerzos de un grupo de reos de la cárcel de máxima seguridad en Roma, que efectúa un montaje teatral de la obra: "Julio César", sobre el original de Shakespeare. Gracias a esta película recibieron el León de Oro del Festival de Cine de Berlín.

Palabras al Viento.

__"Para mí el neorrealismo ha sido simplemente una postura moral. Creo que es preciso tener el valor de ver la verdad, de mirarla de frente tal cual es, sin falsos intelectualismos" ( El director Roberto Rosellini).

___"Mi idea fija es desnovelizar al cine. Quisiera enseñar a los hombres a que miren la vida cotidiana, con la misma pasión que sienten al leer un libro. Colocar una cámara en la calle, en una habitación, ver con insaciable paciencia, entrenarnos en la contemplación de nuestros semejantes en sus acciones elementales".
( El teórico, escritor y guionista Cesare Zavattini).

Películas Emblemáticas :

"Roma, ciudad abierta".

Cartel del reestreno de versión restaurada de la mítica película.

Sin contar con un guión completo, dándo amplios márgenes para la improvisación, sin permisos municipales y con sólo unas cámaras que había sobrevivido a los bombardeos aliados en Roma, Rosellini filmó lo acontecido en la recién liberada capital italiana.
Para costear tal osadía, debió empeñar hasta los muebles de su casa, y el montaje que resulta tan abrupto, fue porque simplemente el director se había quedado sin película para filmar más.
Aún hoy, impactan los acontecimientos más dramáticos de la película, como un reflejo casi documental : la huída del partisano por los techos la ciudad cuando la ocupación nazi era evidente; la tortura del sacerdote sugerida con el "fuera de campo" y la banda sonora; la secuencia de Manfredi, el comunista que no habla y resiste la tortura con estoicismo pavoroso; la ejecución posterior del párroco don Pietro ( Aldo Fabrizi); son elementos dramáticos que no superan en su brutalidad, la muerte de Pina ( Anna Magnani), mientras su pequeño hijo acólito corre llorando a auxiliarla.
Las imágenes de estos dolores encarnizados parecen identificar la desesperanza de un mundo en caos.
No hay opción para el relajo o la tranquilidad. En una existencia así, la muerte campea a cada minuto.
Pero las víctimas reales de tanta barbaridad - como sugiere Rosellini en otras películas- son los niños.
"Roma ciudad abierta" ( 1946), está invariablemente atestada de niños que después de "vivir en carne propia" tanto mal, han aprendido a hacer el bien, a la solidaridad y a la esperanza por un mundo mejor.
Por eso, la escena característica del filme, cuando los niños son testigos de la muerte del sacerdote, regresan "tristes, abrazados y educados. Tienen la capacidad de hacer el bien : los niños ya saben".
Se trata por cierto, de una de las películas máa emocionantes y dramáticas que se han hecho sobre la guerra y sus consecuencias humanas.
Un tratado visceral del horror, con un fuerte aliento humanista.

"Ladrón de Bicicletas".

La bicicleta es un medio indispensable para trabajar.

Un matrimonio con la esperanza del trabajo digno.

La ciudad como mudo testigo del robo de la bicicleta.

En un restaurante, dos niños de distinta situación económica se observan.

Buscando al ladrón le consultan a una vieja medium.

El nerviosismo del momento, obliga al niño a desalojarse.

La secuencia más categórica del climax dramático.

¿ Que hará tan especial el visionado una y otra vez de esta entrañable película ?
Porque parece inexplicable que en plena Era de los videogames y las comunicaciones digitales, todavía perdure con una fuerza que parece emanar de su propia historia.
Tal vez, es la transparencia visual del director Vittorio De Sica, que utilizó las calles romanas como si fuera el cuadro demoledor de los efectos de la guerra.
Quizás la suculenta astucia del guionista Cesare Zavattini, para elaborar una aventura interior desde la paternidad, la cesantía y el hurto.
Tremendamente desoladora, cálida y poética, sigue siendo un melodrama social de resonancias humanistas.
"Si ante ella se puede hablar de un cine de crónica, de estructura abierta, de melodrama contemporáneo o de tragedia social, en realidad todo ello no son más que elementos estructurales o significativos, pero parciales, porque se trata de una obra fuera de serie cuyo mérito quedaría menguado por una atribución de etiqueta clasificatoria".
Se trata de una obra maestra universal, cuya estructura es improvisada ( excepto la primera parte), que tiene unidad de tiempo ( el sábado ), lugar ( la ciudad ) y acción ( la búsqueda de la bicicleta robada).
Sus actores logran el matiz verista, porque provienen de la vida real : Antonio Ricci ( es un auténtico obrero, Lamberto Maggiorani ); María Ricci, su mujer ( la periodista Lianella Carell) y el niño Bruno ( Enzo Staiola, que De Sica descubrió en el rodaje).
Además, la historia del trabajador que se gana la vida pergando carteles, y al que le han robado su bicicleta -, el medio de transporte imprescindible para cumplir su tarea- ; contiene un alegato social , una hermosa historia de solidaridad y devoción; y constituye un retrato entrañable en las relaciones de un hijo con su padre.
Los personajes al final del relato, crecen y se desarrollan, pese a la vulnerabilidad de sus acciones; y logran transformarse en una certera llamada a las conciencias sobre la supervivencia en momentos de crisis.
De Sica deja que el espectador opere, en la consecuencia de los actos y los gestos que descubre con su historia. No interfiere, para que cada cual se forme una idea de sus planteamientos.
Como recuerda una nota crítica : "Ello explica de algún modo que, en su momento, la película fuese atacada por la crítica más claramente comprometida, pues mientras que los medios de comunicación más derechistas, la tildaban de ofensa al honor italiano por su presentación demasiado dura de una lacra social generalizada, desde la izquierda se le reprochaba una postura de resignada desesperación, en lugar de una voluntad de combate".
El tiempo sin duda, le dió la razón a De Sica, que dejó que su obra se atemperara, y su mensaje se licuara con fuerza, dejando ver sus verdaderas intenciones humanistas , que van más allá de las ideologías y las diferencias socio-políticas.
"Ladrón de bicicletas" ( 1948), sigue siendo una obra mayor del cine universal.
A su modo, un cine entrañable e inolvidable.

Un Comentario :

_ "El cine italiano que nace al alba de la Liberación es una nueva etapa del gran cine realista, por eso la crítica le antepuso el prefijo neo, y no puede ser desligado de sus antecedentes históricos y estéticos. Su voluntad de objetividad documental y su exigencia verista, abarcó dos planos distintos, pero que se condicionan entre sí. En el orden temático, el neorrealismo centró su atención en el hombre considerado como ser social, examinando sus relaciones con la colectividad en que está inserto. En el plano estilístico, se comprende que para dar el máximo de vigor realista a estos dramas, se apoyase en el verismo documental : actores y escenarios naturales, ausencia de maquillajes, diálogos sencillos, sobriedad técnica, iluminación naturalista, abandono de estudios, decorados y toda clase de artificios en aras de la máxima veracidad. Es la realidad misma, sin adornos ni disimulos, en su implacable y conmovedora crudeza".
(El historiador español del cine Román Gubern).

Una escena de "Milagro en Milán" de Vittorio De Sica.

10 Actores Representativos :

Anna Magnani ( 1908-1973 ).

La "Nannarella" en color.

En "Roma, ciudad abierta" perdiendo la vida frente a su hijo.

En "Mamma Roma", sufriendo lo indecible.

En "Vulcano" con el pañuelo en la cabeza.

En "Il bandito", abrazando a su pareja.

Como madre desesperada con Tina Apicella en: "Bellissima".

Bailando con Anthony Quinn en "Viento salvaje" ( Wild is the wind") de George Cukor.

En su estilo era inconfundible. Una actriz volcánica, un huracán de sentimientos que representó lo más genuino del cine popular italiano.
De padre egipcio y madre italiana, se educó en Roma, y debutó en la gran pantalla en 1934, como la perversa del melodrama "La ciega de Sorrento".
En sus primeros pasos, probó de todo, desde comedias esperpénticas donde hacía reír de buenas ganas, hasta dramones lagrimosos que obligaban a sacar los pañuelos.
La "Nannarella" trágica surgió con "Roma, ciudad abierta" ( 1945), en la que estremecía con una muerte horrenda frente a su hijito acólico.
Su otro título neorrealista ejemplar, es "Bellísima" ( 1952), donde interpreta a la madre de Tina Apicella, haciendo los esfuerzos más desgarradores por lograr integrar a su pequeña hija, en el mundo de Cinecittá.
En esta época, se transformó en una arquetipo del melodrama de trasfondo bélico ("Davanti a lui tremava tutta Roma", 1946; "Il bandito", 1946; "Lo sconosciuto di San Marino" 1948; "Assunta spina", 1948), aunque también fue la pareja ideal de: Rossano Brazzi ("Vulcano", 1950), Raf Vallone ( "Anna Garibaldi", 1952); Odoardo Spandao ("La Carroza de Oro", 1952); Burt Lancaster ("La Rosa Tatuada"/"La Rose Tatoo", 1955), Anthony Quinn ("Wild is the Wind", 1957; "El Secreto de Santa Victoria", 1969) y Marlon Brando ("The Fugitive Kid", 1960).
Su última película fue "Roma" ( 1972) dirigida por Federico Fellini, quien se refirió a ella con estas palabras : "Yo sabía que estaba enferma. Y ella lo sabía también. Pero no hablamos de ello. Era una actriz y se sentía feliz cuando trabajaba. Cuando se hubo ido, le dí comida a los gatos en la Vía Margarita, - como ella lo hacía-, y les decía: "Esta es por la Magnani".

Sofía Loren ( nacida en 1934 ).

En una pose publicitaria en blanco y negro.

En una pose seductora en color.

En una pose doblemente seductora.

De nombre real Sofía Villane Scicolone, tuvo una infancia difícil cerca de Nápoles; como ella misma recuerda :
___"Mi familia vivía encima de una fábrica de vinagre, en un piso formado por una salita de estar , un estrecho corredor, dos modestos dormitorios y una modesta cocina. Había excusado, pero no baño. Eramos siete ( el abuelo, la abuela, dos tíos , una tía, mi madre y yo), y ocho después del nacimiento de mi hermana.
"Dormíamos cuatro en una cama. Según el auténtico estilo napolitano, la sala de estar se destinaba exclusivamente a recibir visitantes; y como nunca teníamos visitantes, en el curso de la semana, raramente entrábamos allí".

Debutó como Sofía Lazzaro con su "belleza violenta y agresiva" en la fotonovela "No puedo amarte", publicada en el número 49, del periódico Sogno, el 2 de diciembre de 1950.

Un año antes, entró al cine en pequeños papeles, después de ganar un Concurso de Belleza.
Al ingresar como actriz, su apellido Lazzaro se transformó en Loren por una idea del productor Goffredo Lombardo, quien trabajó con ella en la película : "Africa, sol y mar" ( 1952), sin contar las innumerables intervenciones que tuvo como extra, en superproducciones rodadas en "Cinecittá" como : "Quo Vadis".
Su contrato exclusivo con el productor Carlo Ponti, quien sería su marido, la transformó en una estrella.
Como figura estelar surgió gracias al director, actor y guionista Vittorio De Sica, con quien trabajó en películas tan dispares como : "El Oro de Nápoles"( 1954); "Ayer, hoy y mañana" ( 1963); "Matrimonio a la italiana" ( 1964); "Los Girasoles de Rusia" ( 1969) y "Dos mujeres", el drama bélico que le hizo ganar el Oscar.
Cary Grant fue el tercer hombre importante en su formación artística. Con él filmó en Hollywood, dos películas : "Orgullo y Pasión" ( "The Pride and the Passion",1957) de Stanley Kramer y "La Casa Flotante" ( "Houseboat", 1958) de Melville Shavelson.

En "Dos Mujeres" con la joven Eleonora Brown.

Con Marcello Mastroianni en "Matrimonio a la Italiana".

Vestida para "El Cid".

Junto a Cary Grant en "Houseboat".

Luciendo glamorosa con joyas y pieles.

Vestida y maquillada para "La caída del imperio romano".

Sencillamente exquisita en "Arabesque".

La chica de rojo.

De sus 94 apariciones para el cine y la televisión, ha destacado también en películas como : "La leyenda de los perdidos" ( 1952) con John Wayne y Rossano Brazzi; "Deseo bajo los olmos" ( 1958) con Anthony Perkins y Burl Ives; "La llave" ( 1958) con William Holden y Trevor Howard; "Orquídea negra" ( 1959) con Anthony Quinn; "La bahía de los ensueños" ( 1960) con Clark Gable ; "La millonaria" ( 1960) con Peter Sellers; "El Cid" ( 1961) con Charlton Heston; "La caída del Imperio Romano" ( 1964) con Alec Guiness y James Mason; "Judith" ( 1965) con Peter Finch; "Lady L" ( 1965) con Paul Newman; "Arabesque" ( 1966) con Gregory Peck; "La Condesa de Hong Kong" ( 1966) con Marlon Brando; "Fantasmas estilo italiano" ( 1967) con Vittorio Gassman; El hombre de la Mancha" ( 1972) con Peter O"Toole y James Coco; "El viaje" ( 1973) y "Breve Encuentro" ( 1974), ambas con Richard Burton; El Expreso de Cassandra" ( 1976) con Richard Harris; "Angela" ( 1976) con John Huston; "Brass Target" ( 1978) con John Cassavetes y George Kennedy, y "Nine" ( 2009) con Daniel Day Lewis.
Además, con el actor italiano Marcello Mastroianni, se constituyó en una de las parejas ideales del cine europeo, gracias a películas como : "Ayer, hoy y mañana" ( 1963); "Matrimonio a la italiana" ( 1964); "Los Girasoles de Rusia" ( 1969); "La Mujer del Cura" ( 1970); "La amante del gangster" ( 1974); "Un día muy particular" ( 1975); "Hecho de sangre..." ( 1979) y "Pret a porter" ( 1994).
Este año, acaba de aparecer en un corto de veinte minutos donde actúa para su hijo, Edouard Ponti, quien la dirige en: "La voz humana" ("La voce umana", 2014), un drama romántico basado en la célebre obra poética de Jean Cocteau.
Sofía Loren es una de las "maggioratas" más destacadas de su país. Una divina dama que a los ochenta años de edad, parece renegar de la ancianidad, con una fuerza y una energía que le ha mantenido vigente por espacio de más de seis décadas.

Lamberto Maggiorani ( 1909-1983 ).

Como Antonio Ricci en "Ladrón de bicicletas".

Contratado por Vittorio De Sica cuando llevaba a su propio hijo a las pruebas de casting de "Ladrón de Bicicletas" ( 1948), se transformó en todo un ícono del cine neorrealista.
Ya no sólo fue el afable obrero de la vida real que le da vida a Antonio Ricci; sino un categórico intérprete naturalista, que vagó por posteriores casting sin resurgir o destacar demasiado, quizás porque su personaje se lo llevó por el camino de la eternidad.
Ni sus 15 restantes apariciones en películas como : "Mamma Roma" ( 1962), vinieron a depositar en la figura de Lamberto, la diáfana luz del actor brillante, sencillamente porque él para el cine, fue siempre Antonio, el pegador de carteles , al que le sustraen la bicicleta que necesita para efectuar su oficio. El mismo, que vagará incasablemente, por la ciudad junto a su pequeño hijo, tras los pasos del ladrón y que aprenderá ser benevolente consigo mismo.
Para nosotros, seguirá siendo el padre más cariñoso y comprometido del mundo.

Enzo Staiola ( nacido en 1939 ).

En "Ladrón de Bicicletas", cuando era un niño de nueve años.

En Cannes 2013, en plena adultez.

Es raro acomodarse a revisar "Ladrón de Bicicletas" y constatar qué enorme peso dramático depositó Vittorio De Sica, en este muchacho de nueve años de edad.
Primero, porque casi toda la película se registra desde la mirada del niño.
Segundo, porque en su afán expresionista, De Sica arrulló las imágenes donde Staiola aparece, con una elocuente fotografía en blanco y negro, que le saca partido a sus constante cambios de personalidad y despliegue de emociones.
Enzo llora ( según la leyenda, porque De Sica le apagaba cigarrillos en sus manos ), con una naturalidad abismante, pero además, tiene una condición difícil de encontrar entre los niños debutantes : Enzo sabe mirar y expresar con sus ojos, sus gestos y su rostro, los sentimientos más puros del hombre.
En su mirada no hay maldad, ni corrupción adulta, tampoco desperdicio de artificios teatrales; simplemente, grandes sentimientos que engloban su travesía por la ciudad de la mano de su padre, en la búsqueda de la bicicleta usurpada.
Staiola apareció en 15 películas, desde el drama "Vulcano" con Anna Magnani; y aunque tuvo siempre papeles secundarios tan insignificantes, como el de mesonero ("busboy") en "La Condesa descalza" ( 1954) con Ava Gardner y Humphrey Bogart; siempre fue más, que sus breves intervenciones.
Un chico intuitivo, capaz de eternizar el amor paternal, perdiéndose con su padre cinematográfico en medio de la muchedumbre, en la clásica neorrealista de siempre.

Francesco Golisano ( 1929-1958).

En "Milagro en Milán".

Nacido en Sicilia, debutó como actor en 1948, en un rol estelar junto a Oscar Blando y Liliana Mancini, en la comedia romana : "Sitto Il Sole Di Roma" dirigido por Renato Castellani.
Después hizo : "Ven"t Anni" ( 1949), otra comedia peninsular con el dúo Blando-Mancini dirigido por Giorgio Bianchi, para destacar íntegramente en : "Milagro en Milán" ( 1951) de Vittorio De Sica, al lado de Brunella Boro, Emma Gramatica y Paolo Stoppa.
Interpretó a Totó, que logra reunir a todos los pordioseros y menesterosos de la ciudad, para apropiarse de un terreno y fabricar una población de chabolas/ mediaguas.
La magia que tiene el joven, les permitirá descubrir petróleo en el lugar, y hasta salvaguardar sus intereses con la ayuda del espíritu de su anciana madre adoptiva.
El desenlace con Francesco montado en escobas voladoras junto a toda la población, resulta un manjar exquisito de fantasía surrealista y lúdica aventura metafórica.
Más tarde, el actor interpretó un drama bélico : "Il Caimano de Piave" ( 1951) con Gino Cervi; la comedia "Un ladro in paradiso" ( 1952) con Nino Taranto y "Una croce senza none" ( 1952) con Carlo Ninaldi.
Francesco falleció prematuramente en Roma, a los 28 años de edad, en 1958.

Aldo Fabrizi ( 1905-1990 ).

En el papel dramático de "Roma, ciudad abierta".

En el papel cómico de "Su majestad Monsieur Dupont".

Actor, guionista y director italiano, que adquirió gran popularidad como cómico de music hall y en teatro de variedades.
Entró al cine en 1942 y se transformó en un gran intérprete de dramas, aclamado internacionalmente desde que rodó : "Roma, ciudad abierta" ( 1945), de Roberto Rossellini, donde hizo el rol del sacerdote Don Morosini, que fue fusilado por las tropas fascistas. También colaboró en los guiones en la mayoría de las películas que interpretó, delineando muchos de sus perfiles histriónicos a partir de esta aptitud.
Además, trabajó en la televisión.
Su filmografía incluye 72 películas, entre las cuales también destacan : "Vivir en Paz" ( 1946); "Francesco, Juglar de Dios" ( 1949): "Emigrantes" ( 1948); "Donatella" ( 1955); "Guardias de Roma" ( 1956); "El Maestro" ( 1957); "Toto, Fabrizi y los jóvenes de hoy" ( 1960 ); "Made in Italy" ( 1965) y "Nos habíamos amado tanto" ( 1974).

Carlo Battisti ( 1882-1977).

En su única gran actuación para "Umberto D".

Nunca más identificado con su único papel en el cine, que cuando encarnó a Umberto Domenico Ferrari, jubilado como empleado municipal, cuya vida se va reduciendo a la nada, en la trágica "Umberto D" ( 1951), pieza maestra de Vittorio De Sica.
El relato consiste en registrar la monótona vida de este hombre menguante que acicalado en una pensión, debe sufrir el martirio de una vida mínima, carente de comodidades, dinero y estabilidad.
Carlo Battisti hombre cano de grata presencia y bigotes, deslumbra al interpretar con gran realismo las penurias de un ser marginal, que no le interesa a nadie , y de la que, De Sica extrae la "neutralidad cotidiana" a grados maestros.
"Umberto D, carece de referencias, no tiene pasado ni futuro - familia, dinero, hogar- e incluso lo que más quiere en el mundo es un perro callejero, que le tendrá miedo y desconfianza, porque en su intento de suicidio, lo querrá arrastrar a la muerte, sin valor para dejar al animal entregado a su destino".
Es una de las secuencias de cine más inolvidables, por su crudeza, su aparente "aire de cotidaneidad", su trágico proceder y su fugaz despresurización emocional, vía el perdón y la fé.
Si bien Battisti sólo volvió al cine en 1955, para realizar el documental "Nozze Fassane", su carisma sirvió para identificar eternamente a los abandonados de la tercera edad, en un tema que sigue siendo de plena actualidad.

Alberto Sordi ( 1920-2003 ).

Contemplándose así mismo, mientras degusta comida italiana.

En "El Jeque blanco" de Federico Fellini.

Junto al director Mario Monicelli, en el set de : "Un héroe de nuestro tiempo".

El director Dino Risi le supervisa en una toma de "Venezia, la luna e tu".

Mejilla con mejilla junto a Silvana Mangano.

Fue el último testigo de la tradición de la comedia cinematográfica itálica, después de la desaparición sucesiva de: Marcello Mastroianni, Vittorio Gassman y Ugo Tognazzi.
Hijo de un músico y una institutriz, a los 17 años ganó el Concurso de la MGM para doblar la voz del comediante americano Oliver Hardy.
Después se dió a conocer con gran éxito en el teatro cómico.
Debutó en el cine en 1938, y cuatro años más tarde, hizo su primer rol estelar en : "I tre aquilotti".
Sin embargo, su fama se acrecentó como actor radiofónico entre los años 1942-43.
En cine, su despegue se produjo de la mano de Federico Fellini, para el que protagonizó : "El sheik blanco"/"El jeque blanco" ( 1952) y reincidió con "Los Inútiles" ( 1953), otra obra maestra del neorrealismo italiano.
Su arquetipo de ciudadano medio, le significó una inmediata empatía con los espectadores, que lo transformaron en una estrella de la comedia peninsular.
En el Festival de San Sebastián en España en 1999, confesó que alcanzó el éxito, porque :
___"Mi deseo fue siempre mostrar las costumbres y formas de vida que tienen mis compatriotas".
De sus 150 producciones, entre las cuales se incluyen también quince que dirigió, se destacan : "Un día en los tribunales" ( 1954) dirigido por Steno; "El seductor" ( 1955) de Franco Rossi; "La gran guerra" ( 1959) de Mario Monicelli; "Todos a casa" ( 1960) de Luigi Comencini; "Vida difícil" ( 1961) de Dino Risi; "El mafioso" ( 1972) de Alberto Lattuada; "Esos magníficos hombres en sus máquinas voladoras" ( 1965) de Ken Annakin; "El médico de la Mutual" ( 1968) de Luigi Zampa; "Detenido en espera de juicio" ( 1971) de Nanny Loi; "Roma" ( 1972) de Federico Fellini"; "Sembrando ilusiones" ( 1972) de Luigi Comencini; "Un burgués pequeño, pequeño" ( 1977) de Mario Monicelli; y "Los nuevos monstruos" ( 1977) de Ettore Scola, Dino Risi y Mario Monicelli.

Vittorio Gassman ( 1922-2000 ).

En la época de su máximo esplendor.

En "Il Sorpaso" con Jean Louis Trintignant.

Cuando trabajó en Hollywood, junto a Elizabeth Taylor y John Ericson en "Rapsodia".

Con la exquisita Milly Vitale en: "Revenge of the Pirates".

Con Alessandro Momo en "Perfume de mujer".

Un retrato en color.

Paradójicamente, fue un actor versátil y multifacético, que tuvo que interpretar películas que ya nadie recuerda, para financiar sus propios proyectos en el teatro, su otra gran pasión.
Había actuado unas cuarenta obras teatrales antes de rodar su primera aparición en el cine, en el melodrama "Preludio de amor" ( 1946), y fue un improbable Giacomo Casanova en "El caballero misterioso" ( 1948).
Sus constantes metamorfosis histriónicas, le llevaron a hacerle la vida imposible a Silvana Mangano en "Arroz Amargo" ( 1948) y "Ana" ( 1951), y atacó a la mismísima María Félix en "La Corona negra" ( 1950), sin vencer a la actriz mexicana de "los ojos brujos".
Sin justificación, viajó a Hollywood, donde estelarizó: "Sombrero" ( 1953) una idealizada historia en una todavía más idealizada México reconstruída en estudio, y "Rapsodia" ( 1953), un melodrama ambientado en la música clásica, entre otras excentricidades.
De regreso a Italia, repitió el arquetipo de verdugo, otra vez, de Silvana Mangano en "Mambo" ( 1954) y fue un convincente Anatolio en la versión del clásico literario de Tolstoi: "La Guerra y la Paz" ( 1956).
Sus siguientes películas, no fueron tan trascendentes, pero le ayudaron a afirmar su imagen : "The Miracle" ( 1959) con Carroll Baker; "Barrabás" ( 1962) con Anthony Quinn; Crimen" ( 1960) con Ann Margret, Anouk Aimé, Bibi Anderson y la Mangano ( a estas alturas su oponente preferida, según sus propias declaraciones).
Entremedio, dos comedias excepcionales : "Rufufú" ( 1958) con Totó, Mastroinani, Renato Salvatori y Claudia Cardinale y "La gran guerra" ( 1959) con Alberto Sordi y la Mangano.
La primera, acerca de unos pobres diablos que intentan robar un banco, en un remedo hilarante y divertido de los filmes policiales americanos y franceses.
La segunda película, es una cómica visión de la guerra a propósito de "dos pobres ilusos que acaban en el pelotón de fusilamiento, sin casi enterarse".
Después llegó su definitiva consagración internacional, con la estupenda : "Il sorpaso" ( 1962), una comedia de carretera agridulce, que cuenta las andanzas de un ingenuo estudiante ( Jean Louis Trintignant) y un brabucón prepotente ( Gassman ), que ilusiona al muchacho con vivir aventuras sobre su coche deportivo, más allá de la monotonía del estudio y del cumplimiento del deber.
Del resto de su filmografía, también son dignas de destacar : "La audiencia" ( 1971); "La Tosca" ( 1973); "Perfume de Mujer" ( 1974); "El desierto de los Tártaros" ( 1976); "Nos habíamos amado tanto" ( 1977); "Los nuevos monstruos"/"Que viva Italia" ( 1977); "Un día de boda" ( 1978); "Querido, Papá" ( 1979); "Quintet" ( 1979); " La Terraza" ( 1980); "El largo invierno" ( 1991) y "Los hijos de la calle" ("Seepers", 1996).
Amante de la música, el teatro y el cine, tenía una mirada muy crítica respecto a las generaciones más jóvenes de actores italianos.
___"Hay muchos y muy buenos actores en Italia. Pero les falta aprender algunas cosas. Por ejemplo, que toda buena escena dramática requiere de al menos una sonrisa; y que por muy serio que les parezca el oficio, hay que tener una cuota de locura y libertad para marcar las diferencias. Los italianos tenemos una tradición y debe mantenerse: nada es tan terrible como para no seguir viviendo", acotó.

Marcello Mastroianni ( 1924-1996).

En una pose promocional con el infaltable cigarrillo.

En un retrato de Milton Greene.

De gafas y sombrero, en: "Fellini 8 y medio".

En otra escena de "8 y medio", junto al Papa de Fellini.

Con Sofía Loren en : "Matrimonio a la italiana".

En "Un día particular", repitiendo rol estelar con la Loren.

Lobby-card de "Los girasoles de Rusia". Nuevamente actúo con Sofía Loren.

En sus comienzos, con Lea Padovani en "Tempi Nostri".

Junto a Stefania Sandrelli en " Divorcio estilo italiano".

Con Eleanora Rossi Drago en "Sensualitá".

Curiosa foto en color de "La dolce vita" con Marcello y Anita Ekberg.

Lobby card de la película dirigida por De Sica.

Con Jean Claude Brialy en "La Noche de Varennes".

Vestido de sacerdote para "La Mujer del Cura", con la Loren.

En "El Extranjero" de Camus, según Visconti.

En "Así como eres", con la sensual Nastassja Kinski.

Junto a Jacques Perrin, en la magnífica "Cronaca Familiare".

En una foto para el recuerdo cinéfilo.

En el poster oficial del Festival Internacional de Cine de Cannes 2014, que se realiza entre el 14 y 25 de mayo. La imagen es de la película "Ocho y medio" de Fellini.

"Marcellino" es un caso especial de identidad nacional. Nunca hubo antes un actor, que trabajara de galán, dandy, marido, amante, plesbítero, soldado, obrero, taxista, arquitecto... y que mantuviera su identidad territorial con tanta soltura y comodidad.
Marcello es la Italia, como la Italia es Marcello.
Como resaltó el crítico Terenci Moix en una ocasión :
___"En la mayoría de sus películas iniciales antes de La dolce vita, representó al héroe ideal de la iconografía neorrealista : un actor de camiseta, un popolano de ley. Contaba ya treinta y cinco años, cuando Fellini lo convirtió en el prototipo de cierto intelectual urbano, apocalíptico y a la vez integrado. Mastroianni fue un campeón de las conciencias alienadas".
En verdad, este galán nativo de Fontana Liria, fue en la pantalla "un galán gesticulante, con un punto de comicidad y otro de romanticismo, que hacía la corte a las más bellas maggioratas desde Sofía Loren a Giovanna Ralli.
Además, ejerció para el cine los oficios que podían aproximarle al hombre de la calle, si bien se relaciona especialmente con el personaje del taxista, que interpretó en varias ocasiones.
La exhuberancia y la simpatía requeridas para este tipo de papeles, le permitieron desarrollar un atractivo auténticamente popular".
Debutó en 1947, pero fue en los años cincuenta cuando saltó a la palestra, en comedias populares como : "La ladrona, su padre y el taxista"/"Lástima que sea un canalla" ( 1954) y "La bella campesina" /"La mujer del molinero"( 1955), donde se encontró con la Loren, para consolidarse con Federico Fellini, en películas como : "La dolce vita" ( 1960) y "Ocho y medio" ( 1963).
Después volvería a trabajar para Fellini en : "La ciudad de las mujeres" ( 1980); "Ginger y Fred" ( 1985) y "Entrevista" ( 1987).
Además, hizo una infinidad de papeles diferentes a las órdenes de directores como : Luchino Visconti ("Noches blancas" ( 1957), con la que obtuvo el León de Oro en el Festival de Venecia y "El extranjero" ( 1967); Vittorio De Sica ( "Ayer, hoy y mañana" , 1963; "Matrimonio a la Italiana", 1964 y "Amantes" , 1968); Michelangelo Antonioni ("La Noche", 1961); Mauro Bolognini ("El bello Antonio" , 1960); Marco Ferreri ("La gran comilona", 1973); Paolo y Vittorio Taviani ("Allosanfan", 1974); Ettore Scola ("Un día particular", 1977; "La Terraza", 1979; "La noche de Varennes", 1982; "Splendor", 1989); Liliana Cavani ("La Piel", 1981); Nikita Mijalkov ("Ojos Negros", 1987); Roberto Fazenda ("Sostiene Pereira", 1995); Robert Altman ("Pret a porter", 1994); la argentina María Luisa Bemberg ("De eso no se habla", 1993); el chileno Raúl Ruiz ("Tres vidas y una sola muerte", 1996) y el portugués Manoel de Oliveira ("Viaje al principio del mundo", 1997).

Fotos-Gentileza : Cinecittá- Vogue Italia- Gamma- Cahiers du Cinema- Cinema Italiano- Wordpress- Instituto Italiano de Cultura - FilmMakering- L"Altra Italia- Hollywood Lady- Men & Women- A Certain Cinema- Archivo.-