Séptimo 7 sello: Oficio del Cine : El Compositor Musical.

Al Compás de mis Recuerdos.

El maestro John Williams dirigiendo su orquesta, durante una presentación pública.

Imposible abstraerse del encanto que provoca la fusión de una partitura musical inolvidable y una película entrañable.
Sonido e imagen, entran juntas en el conciente del espectador.
Hoy día, dimensionar la producción de una película sin música o sonido es lapidario.
El Cine y la televisión, se han convertido en los mejores canales de difusión para los compositores musicales de películas.
El campo laboral es inmenso y pasa por oficios tan diversos como : compositores, letristas, músicos, directores de orquesta, editores, técnicos e ingenieros en sonido. Sin contar, managers de cantantes, agentes y publicistas.
De alguna manera, el campo del oficio se ha abierto ostensiblemente y no es extraño conocer que, bandas sonoras de películas como "El Rey León" ( 1994) o "Titanic" ( 1997), superen los diez millones en copias vendidas, y que cada año, existan "maestros" del rubro como John Williams, John Barry o James Horner que trabajen en paralelo, para la industria del cine y la de la música clásica.
Es tal el interés que despiertan los trabajos musicales para cine, que existen revistas y blogs especializados, así como toda clase de expertos y críticos, que se encargan de seguir las carreras de sus "estrellas" favoritas.
"Séptimo7sello" ha preparado en esta ocasión, este especial con numerosos músicos de ayer y hoy, como una manera de conocer este interesante oficio, que es también uno de los puntales fundamentales en el éxito o fracaso de una película.
Como todo trabajo de información, no podemos abarcar todos los profesionales que existieron en la historia del cine, así que, se efectúo una selección que tiene mucho de nostálgico y admirativo.
Retomamos así, esta sección de los Oficios del Cine, incorporando a modo de semblanza , las interesantes opiniones de algunos de los compositores más destacados del mundo fílmico.

¿ Qué es la música para el Cine ?

El compositor Erich Wolfgang Korngold, durante una sesión de grabación de la música de la película "Juarez" de su autoría.

Un conjunto de composiciones y efectos sonoros, capaces de crear emociones o sentimientos dentro del desarrollo de una película.
La Música puede provenir de una fuente real, ( diegética) que emana del interior del relato como : una escena de concierto o ballet, o una presentación de rock o pop ; o no-diegética, o sea, música incidental o agregada por el montaje.
Es interesante constatar, si la música en un relato es docta, popular o étnica.
También si se trata de una pieza especialmente compuesta para el filme, o si es una adaptación de una pieza conocida.
Todo ello, influye en la significación y en los resultados finales de una obra.
Mark Russell y James Young en su excelente libro sobre el tema, determinan que :
__ "Hoy día las bandas sonoras suelen utilizarse para transmitir al espectador, aquello que no puede expresarse en palabras; en este sentido, constituyen una especie de versión musical moderna del coro griego. Sin embargo, cuando las películas eran mudas, el acompañamiento musical llevaba el peso de la historia".
En efecto, el cine mudo nunca fue silente. En las salas de exhibición, siempre había pianistas o una pequeña orquesta que "interpretaba" las imágenes con música.
La primera partitura cinematográfica en la historia, fue la que creó el francés Camille Saint- Saëns en 1908, para una producción de teatro filmada, titulada : "L"Assassinant du Duc de Guise" ( "El asesinato del Duque de Guisa").
Russel y Young acotan : "Más adelante Saint Saëns convertiría aquella música en una pieza de concierto, su Opus 128 para cuerda, piano y armonio".
Por extraña paradoja, la idea de componer para películas no arraigó, porque era muy costoso. Entonces, salía más barato colocar a un pianista ejecutando manuscritos preestablecidos, que sugerían atmósferas y le daban cierta "dimensionalidad" a los personajes, que contratar a un compositor para que crear sus propias piezas musicales.
Sólo cuando Hollywood extendió la moda de las películas parlantes, apareció la imperiosa necesidad de contratar a los compositores que vinieron de Europa, y formaron a toda una generación de artistas americanos, especializados en crear partituras y editar con orquestas profesionales, nacidas bajo el alero de las mismas majors.

Pionero de la composición para el Cine :
Max Steiner, Lo que el Viento nos legó.

Componiendo frente al piano.

Significativamente, la idea de componer música para cine, sólo prendió cuando Max Steiner ( 1888-1971), convenció al productor David O.Selznick, para que le diera la oportunidad de crear partituras en algunos fragmentos de "La melodía de la vida" ( "Symphony of Six Million", 1932).
Después se lució con "King Kong" ( 1933), la sinfonía que acabaría siendo la fundadora del sonido clásico de Hollywood.
Nacido en Viena, Austria, Steiner creció musicalmente con la opereta y la música ligera.
Después de dirigir distintas orquestas en Europa, vivió ocho años en Londres antes de la Primera Guerra Mundial y quince en Broadway, Nueva York, USA.
Llegó a Hollywood en 1929 y sus logros manifiestos son básicamente dos :
a) Dictar una norma estilística, que dió lugar a lo que actualmente, consideramos el sonido característico de la Edad de Oro en Hollywood.
b) Inaugurar numerosas técnicas que se convirtieron en habituales dentro de las partituras americanas. Por ejemplo en "King Kong" creó para cada personaje, una partitura distinta; sugirió mediante matices atmósfericos los cambios de personalidad del gorila gigante, y en fin, arropó las escenas más sentimentales, eróticas y terroríficas, con distintas variaciones, a veces, sobre la base de un mismo tema. Fue pródigo, además, en añadir cierto realismo a situaciones irreales y marcar una pauta que fue la base para todo el trabajo posterior de los compositores más destacados.
Su trabajo vasto y oceánico, considera más de 460 composiciones para el cine y la televisión, desde 1929 a 1965.
Ganador en tres ocasiones del premio Oscar por "El delator" ( 1935) de John Ford, "La Extraña Pasajera" ( "Now Voyager", 1942) de Irving Rapper y "Desde que te fuiste" ( "Since You Went Away", 1944) de John Cromwell.
También estuvo en otras 18 oportunidades nominado a la estatuilla dorada, por trabajos tan diversos como : "La Carga de la brigada ligera" ( 1936), "El Jardín de Alá" ( 1936), "Jezabel" ( 1938), "Lo Que el Viento se llevó" ( 1939), "Casablanca" ( 1943), "Rapsodia en Azul" ( 1945), "Johnny Belinda" ( 1948) y El Motín del Caine" ( 1954).

"King Kong" : fundadora del sonido clásico de Hollywood.

"Lo Que el Viento se llevó" : la épica romántica con la inolvidable partitura del maestro.

"Casablanca" : otra banda musical de Steiner que es inolvidable.

"El delator" : la primera obra poética de John Ford, fue musicalmente ambientada por el célebre compositor.

Para nosotros la banda musical que hizo para : "Lo Que el Viento se llevó" ( 1939) resulta uno de sus trabajos más destacados, no tan sólo, por el valor que tiene en la consistencia de las imágenes, su desatado lirismo y romanticismo, sino más bien, porque le perfila popularmente frente al público.
Si se observan sus partituras para distintos filmes se entenderá la naturaleza de su prodiosa forma de trabajo. Vean por ejemplo, "El Tesoro de Sierra Madre"( "The Treasure of Sierra Madre",1948), un western simbólico y de aventuras dirigido por John Huston, matizado con grandes dosis de sus influencias más categóricas, pero también "Alma Negra" ( "White head", 1949) de Raoul Walsh, el estupendo thriller con James Cagney, donde subraya la apoteosis autodestructiva del personaje central con sonora implicancia.
Su versatilidad daba para todos los géneros del cine, por eso no es extraño, su colaboración en piezas maestras como "Más Corazón que Odio" ( "The Seachers", 1956) de John Ford; "El Manantial" ("The Fountainhead", 1949) de King Vidor o "Murieron con las botas puestas" ( 1941) de Raoul Walsh.
Las mayores influencias musicales de Steiner, están en los compositores populares, pero también en los sinfónicos como : Liszt, Wagner, Lehar, Friml, aunque también, algunas piezas denotan el estilo de Gershwin o Richard Rodgers.

El Padre Musical de las Galaxias :
John Williams, el maestro más taquillero del momento.

Seguramente nadie que sepa de cine, desconoce su aporte en el ámbito de las soundtracks.

De todos los compositores que existen en el mundo del cine actual, el nombre de John Williams ( nacido en 1932 ), sigue siendo el más popular, y un referente obligado en las filmografías de George Lucas y Steven Spileberg, por la estrecha colaboración que ha tenido durante tantos años con ambos cineastas.
Realizó sus estudios superiores en la UCLA, y en la Escuela Musical de Julliard School, donde aprendió música clásica. Sus primeros trabajos los efectúo a través del jazz, como pianista, actuando también en esa condición, para grabaciones comerciales de poca relevancia.
Recién a fines de los años cincuenta y comienzos de la década siguiente, Williams accedió a la composición musical. Tomó clases privadas con el maestro Mario Castelnuovo-Tedesco y otros profesores en Los Angeles, CA. Incluso, estudió con Jerry Goldsmith, uno de los maestros más destacados de bandas sonoras para películas.
Como compositor, se hizo muy conocido gracias a sus trabajos para filmes de la "20 th.Century Fox" y "Columbia Pictures".
Su debut fue con el largo B "I Passed for White" ( 1960) dirigido por Fred M.Wilcox.
Once años después, obtiene su primer reconocimiento internacional con la pista de "El Violinista en el Tejado" ( 1970). Cuatro años más adelante, habría de consagrarse con las palpitantes insinuaciones terroríficas de "Tiburón" ( "Jaws", 1975) de Steven Spielberg, con quien formaría un dueto de colaboración, que se mantiene hasta el día de hoy.

Después de ganar 5 Oscar por las composiciones que hizo para : "Tiburón" ( 1975), "La Guerra de las Galaxias" ( "Star Wars", 1977), "E.T. el Extraterrestre" ( "E.T., the extraterrestial", 1983) y "La lista de Schindler" ( "Schindler list", 1999), Williams se concentra en grabar composiciones de música clásica y trascender, enseñando a las nuevas generaciones de músicos, "algunos de sus secretos" como artista.
Entre las partituras que ha hecho para el cine, se destacan : "Jane Eyre" ( 1970), "The Cowboys" ( 1972), "Infierno en la Torre" (1974); "Superman" ( 1978), "Drácula" ( 1979), "Cazadores del Arca Perdida" ( 1981); "Imperio del Sol" ( 1987); "Las brujas de Eastwick" ( 1987); Nacido el 4 de Julio" ( 1989), "Stanley & Iris" ( 1990); "Mi pobre angelito" ( 1990); "JFK" ( 1991); "Jurassic Park" ( 1993); "Nixon" ( 1995); "Sabrina" ( 1995); "Rescatando al soldado Ryan" ( 1998); "El Patriota" ( 2000); "Inteligencia Artificial" ( 2002); "Harry Potter y la Cámara Secreta" ( 2002); "La Guerra de los Mundos" ( 2005); "Memorias de una Geisha" ( 2005); "Munich" ( 2005); Las Aventuras de Tin Tín" ( 2011); "Caballo de Guerra" ( 2011) y "Lincoln" ( 2012).

"La Guerra de las Galaxias" y su altisonante banda épica, marcó una etapa en el cine.

En "Star Wars" pasó de lo apoteósico a lo romántico, con una inusitada versatilidad.

"Superman " : inolvidable fanfarria en la presentación de sus originales créditos.

Para "Mi pobre angelito" y secuela, Williams revivió los sones mágicos de los villancicos y arreglos corales de Navidad.

"E.T., el extraterrestre" en su remasterización, presentó Williams su banda sonora en vivo en Los Angeles.

"Jurassic Park" repercutió con una épica colosalista de dimensiones wagnerianas.

"Lincoln" : revivió la solemnidad de sus primeros tiempos con un sentido intimista.

Nótese la versatilidad de Williams, cuando pasa de los altisonates vibratos de "The Cowboys", a los manifiestos corales de "Imperio del Sol" , o a las nostálgicas navideñas de "Mi pobre angelito".
Especialmente dotado para dar una dimensionalidad a las épicas históricas como "El Patriota", "JFK", "Nixon" , "Caballo de Guerra" o "Lincoln", también tiene espacio suficiente para juguetear con los sonidos más rupestres e infantiles en "E.T." y "Cazadores del Arca Perdida", aunque siempre resulta más vigoroso y vitalista en las secuencias de acción de éstas mismas películas.
Su currículum es impresionante : nominado en 21 ocasiones para el "Golden Globe", ha obtenido el premio en cuatro ocasiones, sin desconocer las 59 veces que ha estado nominado para obtener el "Grammy".
Con sus 48 nominaciones al Oscar, es la persona viva que más veces ha estado citada pra recibir la estatuilla dorada y la segunda en la historia, después del legendario Walt Disney.
Autor de la fanfarria de los Juegos Olímpicos en Los Angeles en 1984, es además el compositor de la música para series televisivas clásicas, como : "Cuentos Asombrosos", "Tierra de Gigantes", "Perdidos en el Espacio" y "El Túnel del Tiempo".
Su estilo es muy ampuloso, con sugerentes influencias de Tchaikovsky y Wagner, y a veces repetitivo, pero tiene la habilidad necesaria para demostrar su versatilidad y un sentido de la épica verdaderamente singular.
Es el "hijo pródigo" del estilo de Max Steiner y Eric Wolfgang Korngold, y su notable recurrencia en el espectro compositivo, le hace perdurar con bandas sonoras que son muy celebradas por el público masivo. Se puede insinuar que, gracias al talento de Williams, la música para el cine ha logrado esta estatura de masividad, que en otros tiempos no existía.
Su legado, por lo tanto, es invaluable.

El otro maestro del suspenso :
Bernard Herrmann, la innovación de un Genio.

Conocido internacionalmente como compositor de las películas de Alfred Hitchcock.

Imposible disociar el nombre del compositor Bernard Herrmann ( 1911-1975), con la filmografía de Alfred Hitchcock, pese a que su aporte en otras instancias de la música es tanto o más categórica que con el maestro británico del suspenso.
Sin dudas, Herrmann llega a nosotros a través de las imágenes inolvidables de : "Vértigo"/"De entre los muertos" ( "Vertigo", 1958), " Intriga Internacional"/"Con la muerte en los talones" ( "North by Northwest", 1959) y "Psicosis" ("Psycho", 1960), notable tríada de composiciones "climáticas y atmosféricas" de insospechada profundidad estilística.
Su formación es clásica en la composición, gracias a las clases que tomó en la Universidad de Nueva York y en la Julliard School of Music.
Fue gracias a su primer trabajo para la CBS en 1930, que conoció a Orson Welles y su Mercury Theatre, con quien ingresaría a trabajar en el cine , al componer la banda sonora de la mítica "Ciudadano Kane" ( "Citizen Kane", 1941).
Su papel fue tan determinante en la obra, que Welles montó secuencias completas de la película, siguiendo las piezas musicales compuestas con antelación por Herrmann.
Ese mismo año, Herrmann obtuvo el único Oscar de su carrera por la partitura de "El hombre que vendió su alma" ( "The Devil and Daniel Webster", 1941), "una sucesión de combinaciones instrumentales extravagantes, pero siempre eficaces, en las que la electrónica desempeñó un papel determinante y pionero". Además, combinó aquí técnicas experimentales de grabación con sonidos animados, logrando un trabajo realmente innovador.

"Ciudadano Kane" : Para escribir la banda sonora de la película, Herrmann trabajó en estrecha colaboración con Welles y dirigió la orquesta de la RKO, con varias secuencias que se montaron con música pregrabada.

En "Vértigo", experimentó con disonancias no resueltas y figuraciones sonoras, que le dieron un clima a la película de Hitchcock.

En "El Hombre Equivocado", destacó por un expresionismo nada de conformista y muy efectivo.

En "El día que paralizaron la Tierra", fue un pionero, al mezclar técnicas electrónicas con una instrumentalización muy singular de base futurista.

"Sicosis" : Hitchcock casi desechó la película que iba a convertir en eun telefilm, pero Herrmann y su música cambio el curso de la historia.

Con "Taxi Driver" culminó brillantemente una carrera, al fusionar disonancias abruptas, jazz e impresionismo ambiental.

Su primera colaboración con Alfred Hitchcock fue en 1955, a partir de la cual, grabaría algunas de las partituras más originales de la historia del cine.
En "Vértigo"/"De entre los muertos" ( "Vertigo", 1958), da una connotación onírica al sonido, a partir de los flash backs con que James Stewart sufre su mal y persigue la imagen de una fantasma interpretada por Kim Novak, aparentemente reencarnada en otra mujer.
En "El Hombre Equivocado" ("Falso Culpable" ( "The Wrong Man", 1957), "evita la música lírica en aras de una precisión y un impresionismo en ocasiones violento, que encajan con los cambios de tono del drama".
En "Intriga Internacional" / "Con la Muerte en los Talones" ("North by Northwest", 1959), como en la mayoría de las obras hitchcokianas, se repiten las estructuras fragmentarias con gran insistencia, evitando las armonías familiares y los fragmentos extendidos, creando así, un climax disonante y arrebatador.
En "Psicosis" ( "Psycho", 1960), su cenit creativo, afianza la cotidianeidad de las imágenes, con una violenta carga de saturación. El ejemplo más categórico, se encuentra en la escena de la ducha con Janet Leigh, donde "los estridentes glissandos de cuerda" que acompañan la escena de la acuchillada , dimensionan la brutalidad del homicidio con sólo su insistencia sonora.
Así, el estilo de Herrmann resulta apropiado para los thrillers de suspenso, como para las películas de ciencia ficción de la época. Recuerden su colaboración en las imágenes de "El día que paralizaron la Tierra" / "Ultimatum a la Tierra" ( "The Day the Earth Stood Still", 1951) de Robert Wise, donde empleó dos theremins ( uno de los primeros instrumentos electrónicos ) para "ambientar" la estética futurista del robot Gort y el extraterrestre que visita nuestro mundo con una advertencia pacífica.
También participó en la música de "Viaje al centro de la Tierra" ( "Journey to the Centre of the Earth", 1959) de Henry Levin, donde usó el serpentón - un original instrumento de viento- para discurrir las tenebrosas profundidades donde transcurre el relato.
Cabe destacar además, su colaboración con Francois Truffaut en "Farenheit 451 ( 1966) , una innovadora banda donde integra el minimalismo de un xilofón, para traspasar toda la carga alegórica del cuento de Bradbury.
Su último trabajo fue para "Taxi Driver" ( 1976 ) de Martin Scorsese, "en la que aparecía un sofocante tema de blues que rendía homenaje a la larga tradición cinematográfica de asociar el jazz con la corrupción y la decadencia urbana".

Padre Musical del western italiano:
Ennio Morricone, el valor de la música que trasciende fronteras.

El maestro italiano ha vendido más de setenta millones de discos en todo el mundo.

Cuando vino a Chile a efectuar dos presentaciones públicas en el Teatro Municipal de Santiago en el 2008, creó una expectativa tan alta, que abarrotó las funciones como una verdadera superstar.
Su visita trajo a colación, toda su época de revelación internacional como compositor musical de los westerns a la italiana, y algunas entrevistas dados a los medios de comunicación, donde reveló sus motivaciones como artista y su fórmula para mantenerse activo a los 80 años de edad.
Ennio Morricone ( nacido en 1928), nació en el seno de una familia romana amante de la música y de la lírica.
Su padre era trompetista, lo que le atrajo a la composición a los seis años, y le selló un futuro profesional a fuego y hierro. Aunque a él le gustaba mucho la medicina.
Al periodista chileno Aldo Schiappacasse le contestó : "Quería ser doctor cuando pequeño, porque el médico que nos atendía en la casa tenía una personalidad muy especial. Pero pronto me decidí por la música. Mi padre era trompetista y desde niño comencé a estudiar instrumentos. Luego me incorporé a algunos grupos para mantenerme y finalmente estudiar composición".
Ingresó al Conservatorio Romano de Santa Cecilia, completando prodigiosamente sólo seis meses un curso de armonía que duraba cuatro años.
Su ingreso al cine fue categórico, ya interesante con su segundo trabajo para el realizador Bernardo Bertolucci para la película : "Antes de la Revolución" ( "Prima bella Rivoluzione", 1964).
Versión moderna del genio operático italiano Giuseppe Verdi, Morricone ha compuesto más de 340 piezas para el cine desde que debutara en 1961.
Morricone ha apelado también a los seudónimos. Para los westerns italianos utilizó siempre el nombre de "Lee Nichols", mientras que, para piezas de otro género, utilizó el nombre ficticio de Nicola Piovani, como en la extraordinaria partitura de "La Noche de San Lorenzo".
Acerca de su trabajo acota que : "Siento mucho orgullo. Eso siempre pasará conmigo o con otros compositores, cuando la banda sonora que acompaña a las cintas tiene la calidad suficiente para destacar por sí sola, y por sobre las imágenes. Es allí donde la música adquiere un valor único e incuestionable".
A su manera, el maestro comprende que, la película es una cosa y que la música otra, pero se pueden retroalimentar.
__"Entiendo que un filme es la suma de muchas cosas : la actuación, la dirección, el montaje y la música. Nosotros tendemos a creer que, la banda sonora es primordial, no obstante los directores o los actores tienen el mismo derecho de pensar lo mismo. Las realizaciones dependen de muchos factores. Yo trabajo siempre con parte de la filmación ya editada. En otras ocasiones, son los propios directores los que me cuentan la idea de las escenas, y entonces trabajas sobre eso. Lo relevante es el respeto que debe existir entre el director y el compositor. Yo compongo, arreglo y dirigo la orquesta, que es la única manera en que puedo concebir la creación musical para un largometraje".

"Erase una vez en el Oeste" : una de sus partituras más significativas para el western.

"Días del Cielo" : extraordinaria conjunción de artistas : el director Terence Malik, el fotógrafo Néstor Almendros y el músico Ennio Morricone.

En "La Misión" fusiona instrumentos andinos, el oboe y otros recursos de singular belleza.

Más estructuralista es "Cinema Paradiso", donde en breves lapsus, repite los tonos románticos y nostálgicos del tema central, integrando la sensibilidad de la historia.

Su genialidad productiva excede un promedio de 31 películas al año. Un récord que solidifica con colaboraciones importantes que ha tenido en su carrera, para cineastas de la talla de : Sergio Leone, Gillo Pontecorvo, Bernardo Bertolucci, Pier Paolo Pasolini, John Boorman, Terence Malik, Roman Polanski, Luis Puenzo, Giuseppe Tornatore, Pedro Almodóvar o Brian De Palma.
Entre sus trabajos más relevantes, están los westerns italianos para Leone como: "Por un puñado de dólares" ( 1964), "Por unos dólares más" /"La Muerte tenía su precio" ( 1965), "El bueno, el malo y el feo" (1966), y las épicas "Erase una vez en el Oeste" ( 1968) y "Erase una vez en América" ( 1984); "La Batalla de Argel" ( 1966); "La Batalla de San Sebastián" ( 1968 ); "El Clan de los Sicilianos" ( 1969); "Sacco & Vanzetti" ( 1971); "En el Nombre del Padre" ( 1971); "El Decamerón" ( 1971); "Giordano Bruno" ( 1973); Allosanfán" ( 1974); "Novecento" ( 1976), "Días del Cielo" ( 1978); "La Tragedia de un Hombre Ridículo" ( 1981); "La Misión" ( 1986); "Los Intocables" ( 1987); "Cinema Paradiso" ( 1988); "Jamón , jamón" ( 1992); "La Teta y la Luna" ( 1994); "Malena" ( 2000); "Campos de Esperanza" ( 2005) y "Baaria" ( 2009).
Su trayectoria además, está plaga de reconocimientos : dos premios Grammy, dos Golden Globe, cinco BAFTA, siete David de Donatello, y el Premio Polar ( el Nobel de la Música ) en el 2010.
En el 2007, se agrega el Oscar de Honor por su trayectoria y su contribución al cine en el plano musical.
No está demás asegurar que, ha vendido más de 70 millones de discos, y que su nombre alcanza la estatura universal gracias a su originalísima forma de dimensionar la música para el cine.

Extravagante, teatral y colorido:
Erich Wolfgang Korngold,el sello de la Aventura Epica.

El maestro frente a una de sus partituras.

Si existe un músico que hay que descubrir en el ambiente del cine, es Erich Wolfgang Korngold ( 1897-1957), un gran compositor astro-húngaro, que dirigió la Orquesta de Hamburgo.
Compuso la ópera "Die Tote Stadt" ( "La Ciudad Muerta", 1920), que le dió fama mundial.
Llegó a Hollywood escapando del nazismo y gracias a su colaboración con Max Reinhardt, el prestigioso director de escena alemán, quien le convidó a participar en la música de "Sueño de una noche de Verano" ( 1935), adaptando a Mendelssohn.
Rápidamente, se transformó en el compositor oficial de los estudios de Warner Brothers.
Creador de partituras clásicas para películas épicas, aventuras y dramas, que se adaptaban a su carácter extravagante, teatral y vitalista, se destacan sus colaboraciones para las películas de capa y espada, interpretadas por Erroll Flynn como : "El Capitán Blood" ( 1935), "Las Aventuras de Robin Hood" ( 1938), "La Vida privada de Elizabeth y Essex" ( 1939), y "El Halcón de los Mares" ( 1940).

"Capitán Blood" : una alegorica épica, musicalizada por Korngold.

"Aventuras de Robin Hood" : la más conocida de sus piezas musicales para el Cine.

En "La Carga de la brigada ligera", supo ser vitalista y glamoroso.

En "El Príncipe y el Mendigo" : fue sentimental y épico.

Entre 1935 y 1947, compuso 18 partituras originales y su talento fue reconocido, aún con el peso de trabajar, para un medio en esa época muy desprestigiado por los compositores más selectos.
Según los expertos "la calidad de las partituras de Korngorld facilitó y entusiasmó la aceptación del romanticismo alemán de finales del siglo XIX, como fuente de inspiración para las corrientes musicales imperantes en Hollywood".
Durante su carrera, obtuvo dos Oscar por las bandas de "Adversidad" ( "Anthony Adverse", 1936) un drama dirigido por Mervyn Le Roy y "Las Aventuras de Robin Hood" ( "The Adventures of Robin Hood", 1938) de Michael Curtiz.
La primera, es una pieza de desbordante romanticismo cercano a lo lírico; mientras que, la segunda, una vitalista épica, con una fanfarria muy pegajosa y encantadoramente dinámica.
Su carrera se extendió hasta su muerte, dejando tras de sí, algunas de las mejores composiciones para el cine, donde también se deben incluír : "El Príncipe y el Mendigo" ( 1937); "Juarez" ( 1939), "Kings Row" ( 1942); "La Ninfa Constante" ( 1943) y "Magic Fire" ( 1956).

El énfasis melódico en los relatos inolvidables :
Elmer Bernstein , la intensidad hecha poesía.

La fotografía del maestro autobiografiada.

Surgido en la década de los años cincuenta como especialista, Elmer Berstein ( 1922-2004), fue uno de los prestigiosos músicos del cine, que destacó por su marcado énfasis melódico y su inspirada manera de entremezclar estilos y culturas.
Su sólida formación, incluye clases con Aaron Copland y Stefan Wolpe, y estudios en la Escuela de Música de la Julliard School.
Primero tocó piano y después cuando estaba en el ejército durante la guerra, compuso partituras para documentales. Además, participó en la banda militar que formó Glenn Miller.
Cuando acabó la contienda, comenzó a trabajar en un espectáculo musical radiofónico.
Recordó una vez : "Después de unos años, uno de mis compañeros del ejército escribió un libro, que vendió como guión a Hollywood, y de paso también le habló de mí al productor de la película. Así que me fuí a Hollywood en 1950 y compuse la banda sonora de "Saturday"s Hero" ( 1951). Fue mi primera película y después me quedé en Los Angeles. No es que te ofrecieran trabajar en una gran producción de buenas a primeras, pero tenías la posibilidad de introducirte en el sistema y aprender tu oficio a la sombra de gigantes de la talla de Bernard Herrman, Franz Waxman y Max Steiner".
Uno de sus trabajos mejor reconocidos de esta etapa, está en la película "El hombre del brazo de oro" ( "The Man with the golden Arms", 1955) de Otto Preminger.
Inteligentemente, le ofreció al realizador incluír una banda con una orquesta de jazz, en vez de la orquesta sinfónica tradicional. El resultado salta a la vista.
Bernstein acotó : "Yo no soy músico de jazz, si bien ésta es la música con la que me críe. Para los fragmentos en los que la banda debía tocar orquesta, contraté a un tandem de arreglistas formado por Jack Hayes y Leo Schucken. Para aquellos fragmentos en los que únicamente se escucha la música interpretada por la banda, encargué los arreglos a Shorty Rogers. También hay una secuencia de un drogadicto en pleno síndrome de abstinencia ( Frank Sinatra ), a la que acompaña una música en la que, por encima de todos los instrumentos destacan los tambores".

En "El Hombre con el brazo de Oro" con Kim Novak dirigida por Otto Preminger, Bernstein rompió los moldes, al integrar el jazz, en un drama sobre un drogadicto.

En "Los Diez Mandamientos" con Charlton Heston como Moisés, se negó a utilizar coros celestiales, innovando con la incorporación de una orquestación muy condensada. Solo el tema de Dios, le tomó un mes.

En "Los siete magníficos" fusionó sonidos españoles con la percusión.

En "Matar a un Ruiseñor" elaboró un estilo nostálgico, que tiene mucho de lúdico e infantil.

"Los Comancheros" : la fanfarria central recuerda el estilo épico de Korngold.

"Lejos del Cielo" su último trabajo, fue un regreso al sonido romántico a lo Steiner.

Carátula del disco con la música de la película "El Angel Malvado".

La carrera del compositor, incluye su colaboración en 244 partituras para el cine y la televisión.
Sólo para la pantalla grande, debemos considerar sus trabajos en películas como : "Los 10 Mandamientos" ( 1956), su primera epopeya con una condensada orquestación, sublime y celestial : "Nos trajeron auténticos instrumentos egipcios para que escucháramos su sonido", recalcó ; "Los Siete Magníficos" ( 1960), con una enorme influencia de la música texmex que incorpora guitarras y percusión típicamente mexicanos; "Matar a un Ruiseñor" ( 1962), con una sensible aproximación al juego lúdico infantil de los sonidos; "Hawaii" ( 1966), otra variante donde entremezcla instrumentos típicos isleños con modernos; "Los Elegidos" ( 1982), la colosal épica de la carrera espacial, matizada por una nomenclatura llena de sugerencias sonoras gracias al ímpetuo de Bernstein por innovar; "Cabo de Miedo" ( 1991) donde sobre la base del original de Herrman, insistió en una versión remozada de un clásico soundtrack; y "La Edad de la Inocencia" ( (1993), que capta la sofistificación de los ambientes de época con una manifiesta elegancia, incluyendo algunos lúcidos valses.
También beben de su talento, las bandas sonoras de : "Los Comancheros" ( 1960 ), "Verano y Humo" ( 1961), "El hombre de Alcatraz" ( 1962 ); "La Gran Evasión" ( 1963 ); "Siete Mujeres" ( 1965 ); "Los cuatro hijos de Katie Elder" ( 1965 ); "Valor de ley"/"Temple de Acero" ( 1969); "El Gran Jack" ( 1971); "El último pistolero" / "El Pistolero" ( 1976); "Amanecer Zulú" ( 1979), "Saturno 3" ( 1980); "Heavy Metal, Universo de Fantasía" ( 1981); "El Hombre lobo americano en Londres" ( 1981); Los Cazafantasmas" ( 1984); "Mi Pie Izquierdo" ( 1989); "El Precio de la ambición" ( 1992); "El Angel Malvado" ( 1993); "El demonio vestido de azul" ( 1995); "Wild Wild West" ( 1999); "El lado profundo del mar"( 1999), "Vidas al límite" ( 1999) y "Lejos del Cielo" ( 2002).
Aunque en los últimos años de su vida, había disminuído su ritmo de trabajo para el cine, nunca dejó de hacer partituras para la televisión.
"A pesar de que el arte de la música de cine se encuentra en un estado deplorable en Estados Unidos, donde la música se diseña en función de criterios más comerciales que artísticos, estoy convencido de que algún día esta situación sufrirá un vuelco radical", subrayó.

Las enormes posibilidades de comunicación :
Maurice Jarre, la música que trasciende culturas.

Dirigiendo desde su oficina el recordado músico.

Estuvo en Chile como Presidente del Jurado del Festival de la Canción de Viña del Mar, en febrero de 1989. Por tal motivo, aceptó entrevistas para los distintos medios de comunicación, que pudieron revelar el misterio que existe en la creación de una partitura para el cine.
Maurice Jarre ( 1924-2009), de origen francés , padre del también genial artista electrónico Jean Michel Jarre, trabajó doce años como director musical del Teatro Nacional Popular en París, antes de ingresar al cine.
Sus primeros trabajos fueron para cortos documentales, debutando con "Hotel des Invalides" en 1952, dirigido por Georges Franju.
Hizo su primer trabajo para un largometraje con : "Le Feu aux Pondres" ( 1957) de Henri Decoin.
En 1960, acepta componer la partitura de un filme estadounidense "Crack in the Mirror" de Richard Fleischer. También colaboró en la partitura de "El día más largo" ("The Longest day", 1962) la superproducción bélica del desembarco de Normandía, codirigida por un equipo de directores internacionales.
Su verdadero despegue, sin embargo, fue con la épica británica "Lawrence de Arabia" ( 1962), que le otorgó el Oscar.
Su carrera comprende 166 partituras como compositor en cine, series y telefilmes.
Para la pantalla cabe destacar sus trabajos en : "Morir en Madrid"( 1965) de Fréderic Rosif, "Fin de semana en Durquerque"( 1965) de Henri Verneuil, "Doctor Zhivago" ( 1965) de David Lean, cuyo famoso Tema de Lara estuvo setenta semanas en los rankings en Estados Unidos, con una venta de dos millones de copias.
Imposible olvidar los sonidos de "Arde París" ( 1966) de René Clement, "La Hora 25" ( 1967) de Henri Verneuil, "El poker de la muerte"( 1968) de Henri Verneuil; "Isadora" ( 1969) de Karel Reisz, "Los Malditos" ( 1969) de Luchino Visconti,"Topaz" ( 1969) de Alfred Hitchcock, "La Hija de Ryan" ( 1970) de David Lean ; "Jesús de Nazareth" ( 1976) de Franco Zefirelli,"El Tambor" ( 1979) de Volker Schlondörff, "El Año que vinimos en Peligro" ( "1982) de Peter Weir, "Testigo en Peligro" ( 1985) de Peter Weir, "La Costa Mosquito" ( 1986) de Peter Weir, "Atracción Fatal" ( 1987) de Adrian Lyne; "La Sociedad de los Poetas Muertos" ( 1989) de Peter Weir, "Ghost" ( 1990) de Jerry Zucker ; "Un paseo por las nubes" ( 1995) de Alfonso Arau y "El Amanecer de un siglo" ( 1999) de István Szabó.

"Lawrence de Arabia" : Compuso un tema hermoso e idealista, con tantas variaciones que selló la imagen de la película.

Para "Dr. Zhivago", Jarre contrató a un hombre de una iglesia ortodoxa que sabía tocar la balalaica. Con él y otros treinta músicos rusos hizo el"Tema de Lara".

En "Pasaje ala India" : la sugerencia erótica la logró Jarre, incorporando su propio sentir genital.

Para "La Sociedad de los Poetas Muertos" en la escena final, Weir le sugirió a Jarre que la música realzara que Keating habia ganado y no perdido.

En "Testigo en Peligro", como pensó que una orquestación convencional crearía un clima sentimental evidente, decidió optar por música electrónica, porque él buscaba crear una atmósfera fría y alienante.

Sus primeros éxitos corren de la mano del realizador David Lean. Recordó una vez :
___" Lean no poseía conocimientos técnicos acerca de la música; no distinguía un clarinete de un oboe, pero tenía una gran sensibilidad, era realmente increíble. Por eso, siempre fue muy interesante trabajar con él, porque se conseguía lo mejor. Cuando trabajé para Doctor Zhivago, Lean me hizo hacer cuatro veces el tema central. Siempre me recomendaba que yo podía hacerlo mejor. No pienses en Rusia, sino que estás caminando sobre la nieve, junto a la mujer de quien te has enamorado. Así debe sonar, me decía. En Pasaje a la India, fue algo parecido. Sus recomendaciones para la escena en que la joven va a un templo y se siente interpelada por las figuras eróticas que hay en él, me insistía que lo único debía sentir era que la música venía de mis genitales. En eso, Lean era muy meticuloso y preciso".
Para "Testigo en Peligro" de Peter Weir, Jarre configuró un sonido de órgano muy grave, porque había que crear un clima frío y alienante. Además, fue su opción elegir música electrónica y no orquestada, porque la película debía estar exenta de todo sentimentalismo que pasara indiferente.
Mientras que en "La Sociedad de los Poetas Muertos", utilizó como música diegética el Himno de la Alegría de Beethoven, para la escena en que los estudiantes juegan fútbol al tiempo que recitan versos.
Una melancólica pieza de sintetizador compuesta por Jarre acompaña a los estudiantes en sus reuniones clandestinas en la gruta. La música le dió atmósfera al filme.
Habitualmente Jarre, hacía conciertos de música clásica. Al respecto señaló :
___"El dirigir una orquesta ante público es muy satisfactorio para mí, ya que te permite un contacto con el público. Sin embargo, la música de un filme también da enormes posibilidades de comunicación. Invierto mucha energía en la composición de cada banda sonora y disfruto con ello, pero no me repito las películas donde he trabajado después de la premiére. Eso lo hago así simplemente. Como parte de mi trabajo."

Nuevas Ideas en el Pentagrama :
Danny Elfman, el talento joven que sigue el legado de Herrman.

El compositor rodeado de instrumentos en el estudio de grabación.

Admirador acérrimo de Bernard Herrman, prodigioso compositor de la música de las películas de Tim Burton, siempre pensó que acabaría siendo director de fotografía, aunque sospechaba que hiría a parar creando partituras de cine, una vez que escuchó un antiguo disco de Duke Ellington.
Rebelde, iconoclasta, transgresor a su manera, Danny Elfman ( nacido en 1954 en L.A.), comenzó su carrera musical cuando con su hermano Richard, crearon la banda progresiva "Mystic Knights of Oingo Boingo", que después se llamó simplemente "Oingo Boingo".
Toda esta época, está reflejada en una película cult "Forbidden Zone" ( 1980), que fue dirigida por su hermano Richard.
En uno de sus conciertos, conoció al director Tim Burton, y nacería una amistad que le significaría a Elfman, sus primeros trabajos para el cine en : "La Gran Aventura de Pee-.Wee" ( "Pee Wee"s Big Adventure", 1985) y luego, "Beetleejuice" ( 1988), convirtiéndose en el músico habitual de las producciones de Burton hasta la fecha.
Esto incluye una superproducción como : "Batman" ( 1989 ), donde vio la posibilidad de escribir una partitura muy ambiciosa y compleja.
En referencia a ella, señala : "Tanto para Tim como para mí se trataba de la primera gran película de acción, y creo que los productores eran un tanto escépticos acerca de mi talento musical...Y con razón. Debía ponerme a prueba. Tenía que maquetear todos los fragmentos musicales y enseñárselos a todo el mundo. Se puede decir que, en aquélla película sudé sangre para demostrar mi talento".
También tradujo las hermosas composiciones para "El Joven Manos de Tijeras"/"Eduardo Manostijeras" ("Edward Scissorhands", 1990), un trabajo que recuerda como mucho más sencillo y armónico.
___"Lo que más me gustó de esta película fue la sencillez con que pude llevar a cabo la partitura. Yo venía de atravesar un período de gran actividad como compositor cinematográfico. En ocasiones, había tenido que forzar las cosas para tratar de realzar algo que tal vez ni siquiera estaba allí, por eso fue un auténtico placer desarrollar la música en esta película. Se trata de un tierno cuento de hadas y la música surgió espontáneamente con la imagen. Era una música muy enternecedora, romántica y sentimental, un tipo de música que disfruto mucho componiéndola".
Uno de sus trabajos más largos, fue para la película de stop motion, "La Navidad de Jack"/"Pesadilla antes de Navidad" ( "The Nightmare before Christmas", 1993), que empleó dos años y medio en componer la banda sonora, que tenía diez temas independientes.
___" Una noche edité todas las canciones e introduje todas las voces en todas las pistas instrumentales del sintetizador, con el objetivo de disponer de demos de música con clics de sincronización, y al final, esto fue lo que utilizaron para la animación", acota.

"El Joven Manos de Tijeras" : Elfman compuso una variedad de temas desde aires gitanos, lounge, sensibilidad casi religiosa y toques húngaros.

"Batman" : incorporó música ligera, algo de romanticismo y en la persecución de los automóviles, se inspiró en Carmina Burana.

En "La Navidad de Jack", aparecen las voces de Paul Rubens, Catherine O"Hara y Danny Elfman.

En "Hombres de negro", Elfman vitaliza las imágenes con vigorosos sonidos casi épicos.

En "Charlie y la fábrica de chocolates" incorpora canciones al estilo Broadway y un toque revival muy cercano al music hall.

"Alicia en el país de las Maravillas" : la esencia del cuento rescatado por Elfman en una partitura de magnífico simbolismo.

Uno de los últimos trabajos para Tim Burton, es la banda sonora de la adaptación cinematográfica de la serie "Sombras Tenebrosas".

En su carrera, ha compuesto más de 90 bandas musicales para el cine, donde también destacan : "Dick Tracy" ( 1990); "Sommersby"( 1993); "Todo por un sueño" ( "To Die For", 1995); "Misión Imposible" ( "Mission : Impossible", 1996); "Marcianos al Ataque" ( "Mars Attacks", 1996); "Hombres de Negro" ( "Men in Black", 1997); "Flubber" ( 1997), "La leyenda del jinete sin cabeza" ( "Sleepy Hollow", 1999), "Spy Kids" ( 2001), "El Planeta de los Simios" ( "Planet of the Apes", 2001); ""Spiderman" ( 2002); "Chicago" ( 2002); "Hulk" ( 2003); "El Gran Pez" ( "Big Fish", 2003); "Charlie y la Fábrica de Chocolates" ( 2005); "La Telaraña de Charlotte" ( "Charlotte"s Web", 2006); "Meet the Robinsons" ( 2007); "Milk" ( 2008); "Taking Woodstock" ( 2009); "El Hombre lobo" ( The Wolfman", 2010); "Alicia en el pais de las maravillas" ( "Alice in Wonderland", 2010); "Gigantes de Acero" ( 2011); "Sombras Tenebrosas" ( 2011); "El lado bueno de las cosas" ( 2012); "Frankenweenie" (2012); "Hitchcock" ( 2012); ""Oz, el Poderoso" ( 2013) y "El Reino Secreto" ( 2013).
¿ Cuál es la fórmula para mantener el pulso, sin caer en lugares comunes y repeticiones ?
Elfman responde : "Yo creo que jamás trato de intelectualizar mi música, y cuando una variación concreta de un tema quiere ocurrir durante un momento dado, no hago nada para imperdírselo. Antes de componer tengo que hacer un montón de trabajo preparatorio. Los temas que pretendo utilizar, los someto a una especie de prueba de fuego para comprobar si pueden convertirse en temas emocionales, fantásticos, dramáticos o divertidos. Siempre trato de guardarme en la manga dos o tres temas importantes, y no los saco hasta tener garantías de que va a funcionar bien", concluye el artista norteamericano.

Clásico de clásicos :
Alfred Newman, maestro del romanticismo desatado.

El maestro repasando sus partituras.

Prolífico autor de más de 200 partituras originales y más de 300 trabajos para las majors, Alfred Newman ( 1901-1970), fue un notable creador de atmósferas, que evocaban diferentes emociones, y a su modo, un especialista en dramas románticos y relatos de época de sensible lirismo.
Niño prodigio, a los ocho años demostró un talento especial para la música y sus maestros le concedieron una beca para que su perfeccionamiento.
A los 18 años, se convirtió en el sostén de su numerosa familia ( diez hermanos, era hijo de un matrimonio separado), y los teatros le proporcionaron más dinero que las salas de conciertos, y Alfred buscó trabajo en el Strand donde tocaba el piano antes de las películas o en el foso de la orquesta para acompañarlas.
Como recuerda el biógrafo A. Scott Berg : "A los veinte años, ya era director musical de la revista de George White "Scandals of 1920". Las revistas dieron paso a musicales más importantes y durante los años veintes, dirigía y hacía arreglos musicales escritos nada menos que por George Gerswhin, Harry Ruby y Jerome Kern".
En noviembre de 1929, se estrenó "Heads Up" de Rogers y Hart, con Newman al frente de la orquesta.
Poco tiempo después, Joseph Schenk le ofreció un contrato de tres meses, como director del nuevo musical que Irving Berlin iba a a hacer para la "United Artist", titulado : "Reaching for the Moon".
Cuando Newman llegó a Hollywood, Schenk ofreció los servicios a Sam Goldwyn que estaba buscando un director particular para el espectáculo de Ziegfeld. Fue "Whoope!", un musical para lucimiento de su "nuevo descubrimiento" Eddie Cantor. Después Newman en "La Calle" ( "Street Scene", 1931) de King Vidor, ayudó a dar el salto que el cine necesitaba, sirviéndo de ilustración de lo que debía ser la música en el cine.

"Gunga Din" : la épica colonialista realzada con la partitura del genial maestro clásico.

"El Rey y yo" : otro de sus logros más destacados.

"Qué verde era mi valle" : la gozosa implicancia con la épica familiar.

"Uvas de Ira" : modélica conjunción de imágenes, sonido y música.

"Angustia de un Querer" : El tema "El Amor es algo esplendoroso" popularizada por "Los 4 Ases", fue el tema incidental más popular de su abultada carrera.

Nominado en 33 otras ocasiones para el Oscar , ganó en nueve ocasiones la estuilla dorada por las siguientes películas : "Al Compás de mis recuerdos" ( 1938) de Henry King; "Dímelo Cantando" ( "Tin Pan Alley", 1940) de Walter Lang, ""La Canción de Bernardita" ("The Song of Bernardette", 1943) de Henry King, "Y los años pasaron" ("More Wore Things", 1947) de Walter Lang, "Cuando el alma sufre" ("Whit a song in my heart", 1952); ""La Embajadora" ("Call Me, Madam", 1953); "Angustia de un Querer"/"El Amor es algo esplendoroso" ( "Love is a many splendored thing", 1955); "El Rey y Yo" ( 1956) de Walter Lang y "Camelot" ( 1967) de Joshua Logan.
Sin duda, se trata del más cercano heredero del "estilo Korngold", aunque sus sutilezas amorosas en melodías pegajosas y nostálgicas, revelan que su lado fuerte estaba en lo romántico.
Fue insustituíble en obras de John Ford ("Huracán sobre la Isla", 1937; "El joven Lincoln", 1939; "Las Uvas de Ira", 1940; "Qué verde era mi valle",1941; "What Price Glory", 1952), Henry King ("El Cisne Negro", 1942; "Wilson", 1944, "El Capitán de Castilla", 1947; "Daviod y Betsabé", 1951; "Almas en la Hoguera", 1949 y "El Pistolero", 1950); Walter Lang ("Coney Island", 1943; "On the Riviera", 1951; "El Mundo de la Fantasía", 1955 ), King Vidor ( "La Calle", 1931; "El Pan nuestro de cada día", 1934 ), George Stevens ( "Gunga Din", 1939; "El diario de Ana Frank", 1959; "La Más grande historia jamás Contada", 1965 ), Elia Kazan ("Pinky", 1949), Rouben Mamoulian ( ""The Gay desesperado", 1936; "Sangre y Arena", 1941), Fritz Lang ("Sólo se vive una vez", 1937), William Wyler ( "These Three", 1936; "Dead End", 1937); y Howard Hawks ("Bola de Fuego", 1941), entre otros.

21 Grandes Compositores de Música para el Cine.

Franz Waxman ( 1906-1967).

Famoso compositor de música de películas del cine norteamericano, que ganó dos Oscar sucesivos por "El Ocaso de una vida" ("Sunset Boulevar", 1950) de Billy Wilder y "Ambiciones que matan"/"Un lugar en el sol" ( "A place in the sun", 1951) de George Stevens.
Su nombre verdadero era Franz Wachsmann, un alemán de origen judío.
En 1930, conoció a Frederick Hollander, quien le contrató para realizar la banda musical de "El Angel Azul"con Marlene Dietrich. Después de haber trabajado en París por dos años, en 1935 emigra a Estados Unidos, escapando del exterminio nazi.
Más de 270 películas cuentan con su autoría musical, preferentemente para la "Universal Pictures".
Su versatilidad y aplomo, le permitió alcanzar niveles de prodigiosidad, en partituras inolvidables como : "La Novia de Frankenstein" ( "Bride of Frankenstein", 1935); "Furia" ( "Fury", 1936); "Capitanes Intrépidos" ( "Captains Courages", 1938); "Dr.Jekyll & Mr Hyde" ( 1941); "Rebeca" ( "Rebecca", 1940); "Sospecha" ( "Suspicion", 1941); y "La Ventana Indiscreta" ( "Rear Window", 1954).

Victor Young ( 1899-1956).

Trabajó bajo el alero de los estudios "Warner Brothers" y "Columbia Pictures", donde efectúo la mayoría de sus grandes creaciones como compositor, con más de 330 películas en una trayectoria que partió en 1929.
Comenzó como compositor clásico y violinista, hasta que ingresó a la orquesta de Isham Jones con quien se volcaría decididamente a lo popular.
Estudió piano con Isidor Philipp en el Conservatorio de París. A mediados de la década de los treinta, se radicó en Hollywood donde hizo toda su carrera, apoyando grabaciones con cantantes famosos como Bing Crosby.
Obtuvo el Oscar, el último año de su vida, por la película "La Vuelta al Mundo en 80 días" ( 1956), aunque estuvo nominado en otras 19 pcasiones por trabajos como : "El chico dorado" ("Golden Boy", 1939); "Los Viajes de Gulliver" ( 1939), "Arizona" ( 1940); "Flying Tigers" ( 1942) ; " Por Quien doblan las campanas" ( 1943); "El Vals del Emperador" ( 1948) y "Sansón y salila" ( 1950).

Alex North ( 1910-1991).

Estudió en el "Juilliard School of Music" de Nueva York, aunque luego siguió su aprendizaje en Rusia. De regreso a Estados Unidos, se puso a componer para montajes tetrales en Broadway ( "Pic Nic" ), donde conoció a Elia Kazan quien le dió sus primeras grandes oportunidades en el cine.
Debutó para la Warner con la película "El cáliz de plata" ( "The silver chaince", 1954).
Postuló en 14 ocasiones para recibir el Oscar, que al final se lo dieron por toda una carrera en Marzo de 1984.
Su nombre está vinculado a clásicos y películas de interés como : "Un tranvía llamado deseo" ( 1951); "Viva Zapata" ( 1952), "La Mala Semilla" ( 1956); "Espartaco" ( 1960); " Los Inadaptados"/"Vidas rebeldes" ( 1960); "Cleopatra" ( 1963); "El Gran Combate" ( 1964); "¿ Quien le teme a Virginia Woolf? (1967); "Bajo el volcán" ( 1984); "El Honor de los Prizzi" ( 1985) y "Buenos días Vietnam" ( 1988).

Miklos Rozsa ( 1907-1995).

Nacido en Budapest, se gradúa en el Conservatorio a los 21 años de edad.
Jacques Feyder es la persona que le anima a involucrarse en el tema de la composición musical para películas.
Comenzó a trabajar en Inglaterra para el productor Alexander Korda, pero con la Segunda Guerra Mundial emigra a Hollywood donde realizaría el resto de su carrera.
Notable innovador que se especializó en el cine negro o policial, fue además, un acertivo creador de atmósferas para filmes épicos, en la línea de : "Quo Vadis" ( 1951); "Ivanhoe" ( 1952); "Julio Cesar" ( 1953), "Mogambo" ( 1953); "Los caballeros de la mesa redonda" ( 1953); "Ben Hur" ( 1959); "Rey de Reyes" ( 1961) y "El Cid" ( 1961).
Otra prueba de su éxito, es que sus bandas sonoras fueron las primeras en ser grabadas en disco.
Inolvidable por su sentido de lo maravilloso, destaca también por las partituras para los clásicos : "Las cuatro plumas" ( 1939); "El ladrón de Bagdad" ( 1940) y "Lady Hamilton" ( 1941).
Doctor en Musicología, se concentró en la madurez, como profesor en la University of Southern, California.
Ganador de tres Oscar por las partituras de : "Recuerda" / "Cuentame tu vida" ( "Spellbound", 1945); "Doble Vida"/"El Abrazo de la Muerte" ( "A double life", 1947) y "Ben Hur" ( 1959).

Dimitri Tiomkin ( 1894-1979).

De origen ucraniano, fue un excepcional compositor de música de películas , cuyo recuerdo máximo, parece estar vinculado al western psicológico desarrollado "en tiempo real" : "A la hora señalada" ( "High Moon", 1952 ), aunque tiene trabajos meritorios, en películas como : "Horizontes Perdidos" ("Lost Horizon", 1937); "Caballero sin espada" ( "Mr.Smith Goes To Washington", 1939); "La Sombra de una duda" ( Shadow of a doubt", 1943); "Duelo al Sol" ( "Duel in the sun", 1947); "Extraños en un tren" ( Strangers on a train", 1951); "Gigante" ( "Giant", 1956); "Río Bravo" ( 1959); "El Alamo" (1960); "Los cañones de San Sebastían" ( 1961); "55 días en Pekín" ( 1963); "La Caída del Imperio Romano" ( 1964) y "Tschaikowsky" ( 1971).

John Barry ( 1933- 2011 ).

Influenciado por el jazz, este compositor británico, hizo sus primeras composiciones para el cine a fines de los 50 y principios de los 60.
Su estilo enormente característico, integra el uso extensivo de instrumentos de viento y cuerda, y la incorporación de sintetizadores, lo que le da un aire de majestuosidad a las escenas, como en las películas : "Cowboy de medianoche" ( Midnight Cowboy", 1969); "Africa Mía" / "Memorias de Africa" ("Out of Africa", 1985) y "Danza con lobos" /"Bailando con lobos" ( "Dance with wolfes", 1990).
Autor de música para series de televisión, fue también un creador de partituras para comedias musicales como : "West End", "The Little Prince & the Aviator" y "Lolita, My Love".
Ganador del Oscar en 6 oportunidades ( por "Nacida libre"; "El león de Invierno", "María, Reina de Escocia", "Africa Mía"; "Danza con lobos" y Chaplin"), también obtuvo 10 Golden Globes.
Su estilo más característico, está en 12 de las aventuras de James Bond, 007, y en películas como : "La Jauría Humana" ( 1966); "Petulia" ( 1968); "Monte Walsh" ( 1970); "Walkabout" ( 1971); "Robin y Marian" ( 1976); "La leyenda del llanero solitario" ( 1981); "Cotton Club" ( 1984); "Peggy Sue, su pasado le espera" ( 1986); "Una proposición indecente" ( 1992); "El specialista" ( 1994); "La letra escarlata" ( 1995) y "Enigma" ( 2001).

Nino Rota ( 1911-1979).

Destacado compositor musical italiano, que logró trascender, gracias a su colaboración con el director Federico Fellini, si bien su currículum con 160 composiciones para el cine,también le permitió trabajar para realizadores de la talla de : Luchino Visconti, René Clément, Franco Zefirelli, Francis Ford Coppola o King Vidor.
Inolvidables son sus acordes para la trilogía "El Padrino" ( "The Godfather", 1972,1974 y 1990), si bien tiene trabajos notables en : "La Strada" ( 1956), "La Guerra y la Paz" ( 1956); "Las Noches de Cabiria" ( 1958), "A Pleno Sol" ( 1960); "Rocco y sus hermanos" ( 1960); "El Gatopardo"( 1963); "8 y medio"( 1963), "Julieta de los Espíritus"( 1965);"Romeo y Julieta" ( 1968); "Amarcord"( 1973) y "Ensayo de Orquesta" ( 1978).

Jerry Goldsmith ( 1929-2004).

Compositor y director de orquesta del cine norteamericano, que aprendió composición y técnica en su juventud, con los maestros Jacob Gimpel y Mario Castelnuovo-Tedesco.
Ingresó a la UCLA y descubrió su interés por la música para el cine, con el profesor Miklos Rozsa, también refutado profesional ( ver biografía ).
Su estilo característico es versátil y multicultural, pues registra influencias del jazz, el folk, lo étnico, lo sinfónico y la música electrónica.
Hizo partituras para series de televisión como : "La cuarta dimensión", "Los Waltons", "Perry Mason" y "Perdidos en el Espacio", aunque su fuerte en el cine, fueron las películas de terror y fantasía, como : "El planeta de los Simios" ("The Planet of the Apes", 1968), "El Otro" ( "The Other", 1973); "La Profecía" ( "The Omen", 1976), por la cual ganó su único Oscar después de recibir 17 nominaciones; "Alien" ( 1979); "Poltergeist" ( 1982; "Gremlins" ( 1983); "Los Exploradores" ( 1985); "El Vengador del Futuro"/"Desafío Total" ( "Total Recall", 1990); "La Sombra" ( "The Shadow", 1994); "La Momia" ( "The Mummy", 1999); y "El Hombre sin sombra" ( "The Hollow Man", 2000).
Su gran variedad de estilos, le permitió en su momento, ambientar las mejores escenas de "Los Angeles al desnudo" ( "L.A.Confidential", 1997), la magnificencia castrense de "Patton" ( 1970), el frenesí épico de "El Viento y el león" ( 1975), la marginalidad carcelaria de "Papillón" ( 1973) o la estupenda "Chinatown"( 1974), donde utilizó pianos, arpas, guitarras y una trompeta solista.

Angelo Badalamenti ( n.1937 ).

De origen italiano, comenzó su carrera como pianista acompañando en los shows a cantantes tan importantes como Shirley Bassey.
A principios de los años setenta, debuta en el cine, componiendo la banda sonora de dos filmes con el seudónimo de Andy Bandale, pero no fue hasta su colaboración con el director David Lynch, que su carrera despegó realmente.
"Terciopelo Azul" ( "Blue Velvet", 1985) inició su feliz colaboración con Lynch, que después se acrecentó con: "Corazón Salvaje" ( "Will and heath", 1990); "Twin Peaks" ( 1990) y "Una historia sencilla" ( "Mulholland drive", 2001).
También creó las bandas sonoras de : "Pesadilla 3" ( 1987); "La Playa" ( "The Beach", 2000); "La Secretaria" ( "Secretary", 2002); "Agua turbia" ( "Dark Water", 2005); "The Wicker Man" ( 2006) y "The Edge of Love" ( 2008).

Lalo Schifrin ( n. 1932 ).

En Hispanoamérica también ha habido compositores de relevancia en el panorama cinematográfico como : los españoles Luis de Pablo, Antón García Abril, Javier Iturralde, Rubén Fuentes y Alberto Iglesias, los mexicanos Manuel Esperón y Lucía Alvarez, los chilenos Luis Advis y Jaime de Aguirre, y los argentinos Astor Piazzola, Roberto Lar, Luis María Serra, Gustavo Santaolalla y Lalo Schifrin, el primero que logró reputación internacional trabajando en la industria norteamericana.
Pianista, compositor y director de orquestas, nacido en Buenos Aires, entró a estudiar en el Conservatorio de París en 1952.
En 1956, comenzó a actuar con el trompetista Dizzy Gillespie, con el que se trasladó a Hollywood, para convertirse después, en el arreglista del músico español Xavier Cugat.
Un año después, debuta como compositor de cine con la película argentina "El Jefe" ( 1957).
Por esos años, recibe una oferta de trabajo en Verve Records, filial de MGM, y se inicia en USA, componiendo para la pantalla en series como "Misión Imposible" ( 1966) y "Stasky & Hutch" ( 1976), y para películas como "El Rey del Juego" ("The Cincinnatti Kid", 1965), "Bullit" ( 1968), "Harry el Sucio" ( "Dirty Harry", 1971), "Impacto profundo" ( "Sudden Impact", 1983); "Tango" ( 1998) y "Rush Hour" ( 1998).
Determinante en su carrera, es la fusión que efectúa entre el jazz tradicional y la música contemporánea, pareciendo especialmente dotado, para imaginar melodías en los créditos finales de las películas, matizados por una singular belleza.
Su sabiduría alcanza sus palabras, cuando enfatiza : "Es importante decidir en que momentos de una película tiene que entrar o salir la música. Me gusta atrapar el denominador común de una escena, en vez de capturarlo todo, como ocurre en los dibujos animados. En cine, es más interesante captar la atmósfera general de una escena de cuando en cuando, poniendo acentos aquí y allá. No creo que sea necesario rellenar una película con música desde su primera hasta su última escena, una tendencia en boga hoy día", concluye el artista.

Henry Mancini ( 1924-1994).

Se llamaba en realidad, Enrico Nicola Mancini, y logró consagrarse por las bandas sonoras de la serie "La Pantera Rosa" y series de televisión como "Peter Gunn".
Arreglista de Glenn Miller y Tex Deneke, se inició en el cine en 1952, en películas B de la Universal.
La década de los sesenta, fue su mejor época, ya que colaboró estrechamente con los cineastas : Blake Edwards, con quien trabajó casi toda su vida, para películas como : "Muñequita de lujo"/"Desayuno con diamantes" ( "Breakfast Tiffany"s", 1962); "Días de vino y rosas"("Days of wine and roses",1963); La Pantera Rosa" ("The Pink Panther", 1964); "La Carrera del siglo" ("The great race", 1963), y después "10: La Mujer perfecta" ( "Ten", 1979) ; "Víctor Victoria" ( 1982); etc; Stanley Donen con "Arabesco", (1966), "Charada"( 1968); y Dos en la carretera" ( 1966) y Howard Hawks para quien hizo "Su juego favorito" y "Hatari".
Durante su carrera obtuvo 20 Grammys y 4 Oscar por "Muñequita de lujo"/"Desayuno con diamantes" como mejor banda musical y canción original ( la hermosa "Moon River" ), "Días de vino y rosas" ( 1963) por Mejor Canción, y "Victor Victoria" por Mejor adaptación musical.

Leonard Rosenman ( 1924-2008).

Se inició trabajando como profesor de piano, hasta que conoció a James Dean, uno de sus alumnos, quien le recomendó trabajar para el cine.
Músico vanguardista, se caracterizó por elaborar música dodecafónica, bajo la influencia de su maestro Arnold Schönberg.
En el cine, tuvo gran repercusión, sobretodo en películas dramáticas como: "Rebelde sin Causa" ( 1955) y "Al este del paraíso" ( 1955), y en relatos fantásticos del estilo "Viaje Fantástico"/"Viaje alucinante" ( 1966); "Regreso al Planeta de los Simios" ( 1970), "El Señor de los Anillos" ( 1978), la versión animada de Ralph Baski; "Star Trek IV" ( 1988) y "Robocop 2" ( 1990).
No olvidar su extraordinaria partitura para "Barry Lyndon" ( 1975) de Stanley Kubrick, que entremezcla temas tradicionales irlandeses con música clásica.

Leigh Harline ( 1907-1969).

Graduado de la Universidad de Utah, estudió piano y órgano con J.Spencer Cornwall en la Iglesia Mormona. En 1928, se trasladó a California a trabajar en radio.
Más tarde, en San Francisco y Los Angeles se transformó en compositor, conductor de orquesta, arreglista , instrumentista y cantante.
Su colaboración estrecha con Walt Disney desde los años treinta, primero para la serie animada "Sinfonías Tontas" ( "Silly Symphonies"), y después para "Blancanieves" ( 1937), le llevó a ser muy admirado en todo el mundo.
Ganó su único Oscar, por la Mejor Banda y Canción original de "Pinocho" (1940 ), aunque estuvo nominado seis veces.
Desde 1941, también trabajó para otros estudios y películas como "El Orgullo de los Yankees" ( "The Pride of the Yankees", 1942); "El amor llamó dos veces" ("The More the Merrier", 1943); "Road to Utopia" ( 1945); "Nocturno" ( 1946) "The Bachelor and the Bobby Soxer" (1945); "El niño de los cabellos verdes" ( "The boy with the green hair", 1948), "Los Amantes de la Noche" ( "They live by night", 1948); "Mr.Blandings builds his dream house" ( 1948); "Manos Peligrosas" ( "Pickup on South Street", 1953); "La verdadera historia de Jesse Jamers" ( "The True Story of Jesse James", 1957); "El Maravilloso Mundo de los hermanos Grimm" ( "The Wonderful World at the brithers grimm" ( 1963) y "Las siete caras del doctor Lao" ( "7 Faces of Dr. Lao", 1964).

André Previn ( n.1929 )

Pianista, director de orquesta y compositor nacido en Berlín, que por su ascendencia judía debió emigrar a Estados Unidos en 1938.
Establecido en Los Angeles, California, se convirtió en un refutado compositor y arreglista de música de películas, desde 1948, trabajando para el estudio MGM y el productor Arthur Freed.
En los años cincuenta, efectúa además, grabaciones de jazz y colabora estrechamente con Shelly Manne y Benny Carter.
En 1967 es nombrado director de la Orquesta Sinfónica de Houston, y al año siguiente, director de la Orquesta Sinfónica de Londres, con la que hará prestigiosasa obras.
Desde el 2002 hasta 2006, fue nombrado Director Musical de la Orquesta Filarmónica de Oslo, en Noruega.
Su carrera integra también, la creación de óperas como la que produjo basado en la obra "Un tranvía llamado deseo", numerosos conciertos y soundtracks.
Niño prodigio, a los 19 años hizo su primer trabajo de composición, y en los diez años siguientes, escribió para los estudios dos docenas de bandas sonoras, incluídos algunos grandes musicales. Antes de cumplir los treinta, ganó su primer Oscar por "Gigi" ( 1958), y después repitió trofeo por "Porgy and Bess" ( 1959); "Irma la dulce" ("Irma la douce", 1964) y "Mi bella dama" ( "My fair lady", 1964).
Cuatro matrimonios, uno de los cuales fue con la actriz Mia Farrow.

Ryuichi Sakamoto ( n.1952).

Músico, compositor, pianista, productor y actor japonés, que se inició con la banda de techno pop "Yellow Magic Orchestra" ( 1978-1983).
Estudió en la Universidad Nacional de Bellas Artes y Música en Tokio.
Sakamoto empezó a componer música de películas, cuando actúo con David Bowie para el director Nagisha Oshima, en : "Furyo"/"Feliz Navidad, Mr.Lawrence" ( "Merry Christmas,Mr. Lawrence", 1982). Cinco años después, recibía un Oscar y un Grammy por la banda sonora de la película "El Ultimo Emperador" ( "The Last Emperor", 1987 ) de Bernardo Betolucci.
En 1992 compuso la música incidental de los Juegos Olímpicos de Barcelona.
"Sus influencias e intereses musicales son diversos y sus composiciones incorporan en muchas ocasiones elementos de música electrónica, música clásica contemporánea, jazz, música étnica y música pop japonesa". Por lo mismo su filmografía, es sorprendentemente variada y multicultural.
Entre otras películas donde ha participado se cuentan : "Refugio para el Amor" /"El Cielo Protector" ( "The Sheltering Sky", 1990); "El pequeño Buda" ( "Little Buddha", 1993); "Tacones Lejanos", 1991); "Babel" ( 2006).
En el 2004, compuso dos canciones para el videojuego "Seven Samurai 20XX" de PlayStation 2", basada en el clásico cinematográfico "Los Siete Samurai" de Kurosawa.
Actualmente es fundador y colaborar de "Ap Bank".

Michael Nyman ( n.1944).

Estudiante de composición con Alan Bush en la "Royal Academy of Music" y Musicología con Thurston Dart en el "King"s College" de Londres.
Desde 1968 hasta 1978, trabajó como crítico de música para "The Listener", "New Statement" y "The Spectator". En 1976 formó "The Michael Nyman Band", que ha trabajado en varias presentaciones públicas y grabaciones de sountrack.
Especialmente conocido como compositor del realizador Peter Greenaway, con quien ha laborado en once películas entre 1976 y 1991.
Más de cien películas llevan el estilo Nyman, entre ellas : "El Cocinero, el ladrón, su mujer y su amante" ( 1989); "Prospero"s Books"( 1991); "Les Enfants volants" ( 1991); "El Marido de la Peluquera" ( 1990); ""Carrington" ( 1995); "Gattaca" ( 1997); Conspiración de Mujeres" ( 1998); "El Fin del Romance" ( 1999); "La Fiebre del Oro" ( "The Claim", 2010); "24 Horas en la vida de una mujer" ( 2002); "The Actors" ( 2003); "The Libertine" ( 2004); "Jestem" ( 2005); "Teresa, el cuerpo de Cristo" ( 2007); "An Organization of Dreams" ( 2009); "Krokodyle" ( 2010); ""Elefante Blanco" ( 2012); "Greyday" ( 2012); "2 Graves" ( 2013); "Oldboy" ( 2013).
Su música le ha llevado a trabajar, con numerosos directores en distintas partes del mundo, como : Patrice Leconte, Michael Winterbottom, Andrew Nicol, Neil Jordan, Pablo Trapero, Guillaume Nicloux, Spike Lee, Ken McCullen y Stefano Bessoni.
En el estilo Nyman, minimalista y sensitivo, priman las desconstrucciones, que son unas variaciones breves y sumariales respecto a los temas sonoros centrales de una película.

Philip Glass ( n.1937 ).

Estudió en el "Peabody Conservatory " en Baltimore, la Universidad de Chicago y la Juiliard School of Music de Nueva York. Ganó una beca "Fullbright" para completar conocimientos con Nadia Boulanger en París.
Desde los 28 a los 35 años, amplió su experiencia musical y filosófica con Ravi Shankar, el maestro de la cítara.
Glass ha probado todo los estilos y su lenguaje se destaca por su originalidad y sentido de pertenencia minimalista. Es un experto en bandas sonoras para grandes documentales, aunque también ha hecho las soundtracks de películas de ficción, completando 110 trabajos para cine y televisión.

Trabajo estrechamente con el director Godfrey Reggio, para el que compuso la música de : "Koyaanisqatsi" ( 1983) y "Powaqqatsi" ( 1988), y con el director Martin Scorsese para "Kundun" ( 1997).
Su filmografía incluye trabajos para : ""Mishima" ( 1985); "Hamburger Hill" ( 1987); "Agente Secreto" ( "The Secret Agent", 1996); ""The Truman Show" (1997); "The Baroness and the Pig" ( 2001); "Las Horas" ( "The Hours", 2002); ""Secret Widow" ( 2004); "Undertown" ( 2004); ""El Ilusionista" ("The Illusionist", 2006); "Kremen" ( 2007); "El Sueño de Casandra" ( "Cassandra"s dream", 2007); "Les Regrets" ( 2009); "Mr.Nice" ( 2010); "Elena" ( 2011) y "O Apóstolo" ( 2012).

Howard Shore ( n.1946).

De origen canadiense, estudió en la "Berkle School of Music" de Boston. A fines de los 60, inicia una carrera como músico profesional acompañando al grupo de rock "Lighthouse".
Después pasó a transformarse en el director musical del programa televisivo "Saturday Night Live", y más tarde al cine.
Cerca de noventa partituras ha hecho para películas desde "I Miss you, Hugs and kisses" ( 1978) un melodrama B.
Su filmografía considera : "Big" ( 1988); "La diabla" ( 1989); "El Silencio de los Inocentes" ( 1991); " Sliver" ( 1993); "Papá por siempre" ( "Mrs. Doutfire",1993); "Philadelphia" (1993); "El Cliente" ( "The Client", 1994); "Ed Wood" ( 1994); "Los Siete Pecados Capitales" ( "Seven", 1995); "Striptease" ( 1996); "Gloria" ( 1999); "Dogma" ( 1998); "La Célula" ( "The Cell", 2001); "El Señor de los Anillos" ( "The lord of the Rings", 2001) y secuelas; "La habitación del pánico" ( "Panic Room", 2002); "Pandillas de Nueva York" ( "Gangs of New York", 2002); "El Aviador" ( "The Aviator", 2004); "Infiltrados" ( "The Departed", 2006); "La Invención de Hugo Cabret" ( "Hugo", 2011); "El Hobbit : Un Viaje Inesperado" ( 2012); "The Wolf of Wall Street" ( 2013); "The Hobbit : The Desolation of Swang" ( 2013) y "The Hobbit : There and back again", 2014).

James Horner ( n.1953 ).

Hijo de inmigrantes judío-austríacos , estudió en el "Royal College of Music" de Londres. Es hijo del escenografo y diseñador de producción Harry Horner.
Completó su enseñanza musical en el "Green Valley High School" de Sedona en Arizona, y logró sacar el "Master" en su especialidad en la UCLA.
Después de varios trabajos para la American Film Institute, se inicia a fines de los setenta como compositor de musica para películas de cine y TV, logrando más de 150 trabajos hasta la fecha.
Ganador del Oscar por "Titanic" ( 1998), a la Mejor Partitura Original y a la Mejor Canción, ha postulado en otras ocasiones por : "Aliens el Regreso" ( 1986); "El Campo de los Sueños" ( 1989); "Corazón Valiente" ( 1995); "Apolo 13" ( 1995); "A Beautiful Mind" ( 2001); "Casa de arena y niebla" ( 2003) y "Avatar" ( 2009).
Su filmografía incluye trabajos para : " La Mano" ( 1981); "Star Trek 2" ( 1982); "Cocoon" ( 1985); "Natty Gann" ( 1995); "Comando" ( 1985); "El Nombre de la Rosa" ( 1986); "Milagro en la Calle 8" ( 1987); "Willow" ( 1988); "Te amaré hasta matarte" ( 1990); ""The Rockeeteer" ( 1991); "Faivel va al Oeste" ( 1991); "Juego de Patriotas" ( 1992); ""El Informe Pelícano" ( 1994); "Peligro Inminente" ( 1994); "Leyendas de pasión" ( 1994); ""The Pagemaster" ( 1994); "Apolo 13" ( 1995); "Jumanji" ( 1995); "El hombre bicentenario" ( 1998); "Impacto profundo" ( 1998); "La máscara del Zorro" ( 1998); "La tormenta perfecta" ( 2000); "El Grinch" ( 2000); "Troya" ( 2004); "Todos los hombres del rey" ( 2006); "Apocalypto" ( 2006); "Las Crónicas de Spidewick" ( 2007); "El niño con el pijama a rayas" ( 2008); "The Karate Kid" ( 2010); "Cristiada" ( 2011); "Oro Negro" ( 2011); "El sorprendente Hombre Araña" ( 2012) y "Wolf Totem" ( 2014).

Hans Zimmer ( n.1957 ).

Nacido en Alemania, se dió a conocer en el mundo de la música, como miembro del grupo "The Buggles".
Casi 160 partituras ha hecho para el cine y la televisión.
En la pantalla grande, está desde 1984, y no ha parado de trabajar febrilmente, porque este oficio le encanta.
Fíjense en la enorme variedad de películas que le ha tocado musicalizar, y se darán cuenta de la versatilidad que tiene como compositor.

Su filmografía incluye títulos como : "Insignificance" ( 1985); "Paperhouse" ( 1988); "Twister" ( 1989); "Black Rain" ( 1989); "Thelma y Louise" ( 1991); "La Fuerza de la verdad" ( 1991); "RadioFlyer" ( 1992); "Toys" ( 1992); "La Casa de los espíritus" ( 1993); "El Rey león" ( 1994) su banda sonora más famosa ; "Muppet Treasure Island" ( 1996); "The Rock" ( 1996); "El Pacificador" ( 1997); "El Príncipe de Egipto" ( 1998); "La delgada línea roja" ( 1998); "Camino al Dorado" ( 2000); "Gladiador ( 2000); "Misión Imposible 2"(2000); Hannibal" ( 2001); "Pearl Harbor" ( 2001); "Spirit : La leyenda del corcel indomable" ( 2002); "El Rey Arturo" ( 2004); "Thunderbirds" ( 2004); "El espantatiburones" ( 2004); "Batman Begins" ( 2005); "El Código Da Vinci" ( 2006); "Piratas del Caribe" ( 2006); Los Simpsons: la película" ( 2007); "Kung Fu Panda" ( 2008); Sherlock Holmes" ( 2009); "El Origen" ( 2010); Megamind" ( 2010); "Rango" ( 2011); "Batman : el caballero de la noche asciende" ( 2012); "El Hombre de Acero" ( 2013); "El llanero slolitario" ( 2013); "Mr.Morgan last"s love" ( 2013); Rush" ( 2013); "Winter"s Tale" ( 2014); "The Amazing Spiderman 2" ( 2014); e "Interstelar" ( 2014).

Thomas Newman ( n.1955).

Hijo del gran maestro Alfred Newman, nieto de Lionel Newman y Edward Newman y sobrino de Randy Newman, su familia por generaciones se ha dedicado a este oficio.
Ha hecho más de 100 partituras para el cine y la televisión, y significativamente, ha logrado un estilo muy propio, al incorporar el minimalismo en sus creaciones más destacables como : "Belleza Americana" ( "American Beauty", 1999) y "Cadena de favores" ( "Pay it forward", 2000).
De su filmografía también merecen citarse trabajos para : "Corrupción en Beverly Hills" ( 1987); "El Pez Gordo" ( 1992); "Mujercitas" ( 1994); "El Arbol de los sueños" ( "The War", 1994); "Oscar y Lucinda" ( 1997); "El señor de los caballos" ( 1998); "Erin Brokovich" ( 2000); En el dormitorio" ( 2001); "Camino a la Perdición" ( 2002); "El buen alemán" ( 2006); "Wall-E" ( como conductor , 2008); "Hermanos" ( 2009); "Historias Cruzadas" ( 2011); "La dama de hierro" ( 2011); "El exótico Hotel Marigold" ( 2011); "007: Operación Skyfall" ( 2012) y "The Good Dinosaur" ( 2014).

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