Séptimo 7 sello: El encanto de las películas de serie "B" :

Superando la pobreza con ingenio y oportunismo.

"El Monstruo de la laguna negra" : una de las más famosas incursiones del cine B en el horror de los años cincuenta.

Los pequeños estudios que sobrevivieron al "star system" de Hollywood, masificaron su producción, en vías de atraer a los espectadores con la magia del serial, la aventura, el cine negro, el terror, la ciencia ficción y la fantasía, donde lo que faltaba eran las "superstars" y los grandes efectos, que se suplían con astucia y oportunismo.
Ethan Mordden señaló una vez que : "los estudios de la fila de la pobreza, lidiaban extensamente con las formas y personajes que favorecían los grandes estudios, sólo que a una escala considerablemente más pequeña, tan pequeña que la pobreza de los filmes A, escasamente puede competir con los filmes B de los grandes estudios. En esta industria de trabajo intensivo, un presupuesto exprimido promete fracasos en la calidad a cada paso de la producción, virtualmente en cada emplazamiento de la cámara. Eso no importaba mucho en los westerns , un producto básico de estudio rápido, o en los seriales de superhéroes, que se creaban para las matinés infantiles".
Sinceramente, los westerns y seriales, eran pésimos en su base dramática y resultados artísticos, pero hacían de la tontería pueril, productos atractivos y medianamente apetecidos por las hordas de entusiastas del ritmo frenético, la acción trepidante y el suspenso comprimido.
El Cine se transformó en entretención popular, de la mano de estos subproductos manufacturados con la guisa de un suspiro estival. Un placer cómplice, que nutrió nuestros sueños de niño, pero que también nos enseñó a valorar la peliculita de menor estola, hecha con sutil elegancia y formalismo.
Recordó en su momento, el escritor y crítico español Terence Moix, "Ningún género fue tan fértil como el serial, que se había convertido en la alternativa a otras formas de entretenimiento de fácil adquisición económica : el comic y las pulp magazine. Ya en los años treinta, el serial había dado muestras excelentes , alcanzando su apoteosis con Flash Gordon , personaje que convirtió al atlético Buster Crabbe en rey incontestable del género. Sin embargo, todavía quedaban héroes de papel de la importancia del Hombre Enmascarado, Lone Ranger, Batman y Robin, Brenda Starr, la muchacha reporter, Superman y muchos otros que, a la larga, acabarían por conocer su versión cinematográfica en jornadas".

Serie B : Un complemento valioso.

De la serie B surgieron directores tan competentes como Erle C.Kenton , aquí conversando "face to face" con la actriz Dolores del Río, durante la filmación de una escena de "The devil"s playground", con Lucien Ballard como camarógrafo.

La serie "B" nació por la necesidad de incorporar en los programas dobles, acompañando a un estreno de gran relevancia publicitaria y artística ( serie "A" ), un filme de menor importancia y metraje, hecha con el mínimo de recursos, en un tiempo reducido, con actores desconocidos o de segunda fila, de montaje alternativo que incluía material reciclado de otras películas y de consumo rápido.
Esta nomenclatura de letras que parece provenir de los productos lácteos, según apuntó Guillermo Cabrera Infante, tiene su pequeña historia : " Vastas reputaciones fílmicas tuvieron su comienzo en minúsculas películas B : Cecil B.de Mille, John Ford y hasta del gran Griffith. Poderosos estudios futuros como Columbia Pictures, comenzaron produciendo películas B. Otros, como Universal se vieron obligados a producir películas B para sobrevivir y renacer más tarde al poder de las fauces fílmicas. Otros estudios, todavía que parecieron nacer ya poderosos, terminan sus días de gloria entre las penas de películas B".
Ciertamente, las películas B fueron un complemento importante en los programas dobles. Su mayor auge se produjo en las décadas de los 40 y 50 , "cuando los rellenos eran tan atractivos como la película principal".
En estos terrenos, hubo directores y artesanos que resaltaron con denodada fuerza, por su personal manera de enfocar temas e historias, y acomodarse a los vaivenes de la escacez, con imaginación, talento y un sentido plástico determinante.
En esta entrada, destacaremos varios de esos personajes, así como los filmes más importantes para revalorizar su obra, en sus pasadas por el cable, la TV satelital, el DVD, el blue ray o el cine "on line".

Jacques Tourneur : Maestro del cine B.

El célebre director revisando detalles de vestuario de Joseph St.Amard de la película "Days of Glory", un relato bélico sobre la resistencia de los rusos contra los nazis.

Dentro del panorama de la producción de las grandes "majors", junto con la filmación serializada de películas " A ", importantes, glamorosas, archipublicitadas, con intérpretes reconocidos por todo el mundo y con cineastas de destacada trayectoria, hubo otros de segunda y tercera fila, que lograron su reputación, valorizados por la crítica europea y los canales alternativos de exhibición.
Ellos, supusieron un "respiro de aire fresco" en el campo hollywoodiense.
Al abordar temáticas más coyunturales, profundizando en temas tabúes ( racismo, xenofobia, infidelidad matrimonial, violencia, sexo ) o al innovar en el tratamiento técnico y estético, muchas veces coartados por las limitancias de sus presupuestos, llegaron a imponer un estilo, una manera singular de entender al cine.
En los años cuarenta, Jacques Tourneur ( 1904-1977), fue el más grande de los realizadores de serie B de Hollywood.
Hijo del realizador francés Maurice Tourneur ( 1876-1961), estudió en París y se radicó en Estados Unidos en dos períodos diferentes de su vida : uno, cuando comenzó la Gran Guerra y después, en 1935 contratado como director de segunda unidad por la MGM.
Su filmografía abarca una amplia variedad de temas, sobretodo vinculados al esoterismo y la magia, y al relato policial de fuerte componenda lírica y romántica.
Entre estos títulos están : "La marca de la pantera" ( "Cat People", 1942) donde ingeniosamente creó atmósferas de terror, únicamente con el uso de la luz, sugestionando al espectador a través de la banda sonora y la cámara subjetiva; "Caminé con un Zombie" ( "I walked with a zombie", 1943 ), un poético cuento macabro sobre muertos revividos por la magia vudú desarrollada en magníficas atmósferas irrealistas; y "La noche del demonio" ( "Night of the demon", 1957), un atractivo"thriller" de horror, donde el descubrimiento de un pergamino, lleva a un curioso investigador, a enfrentarse a un asqueroso demonio pagano, tan sorprendente como las vueltas de tuerca que contiene la historia.

"La marca de la pantera" para la RKO, el realizador demostró que podía incentivar el terror con sólo la sugerencia visual.

En el set de "Days of Glory", la actriz Tamara Toumanova, el director Jacques Tourneur , y el escritor y productor Casey Robinson.

El director colocándole los accesorios a la actriz Patricia Roc, en el set del western : "Canyon Passage".

"Traidora y Mortal" / "Retorno al pasado" : la obra cumbre de Tourneur, está interpretada por Robert Mitchum y Jane Greer.

Cineasta ejemplar, que le sacaba provecho a los mínimos elementos con sugestiva elegancia, tiene una obra maestra absoluta en los terrenos del cine negro o policial : "Traidora y Mortal" / "Retorno al pasado" ( "Out of the past", 1947), interpretada por Robert Mitchum, Jane Greer, Whit Sterling y Rhonda Fleming.

Los críticos chilenos Ascanio Cavallo y Antonio Martínez la destacan en un libro, porque : " contiene algunos de los mejores parlamentos conocidos. Pero es la insólita poesía con que asocia palabras e imágenes lo que le da su carácter único, arrebatador y lírico. Por ejemplo , cuando Jeff recuerda la primera aparición de Kathie en Acapulco :

___"Cerca de la plaza había un pequeño café llamado La Mar Azul, al frente de un cine. Allí bebía cerveza por la tarde. Me sentaba medio dormido en la oscuridad. La música del cine me mantenía despierto. Entonces la ví. Venía desde el sol. Entendí que los 40 mil no importaban".

O el relato de su imposible romance :

___"Nunca la ví de día, sólo de noche. El resto del día se diluía como el humo. No sabía donde vivía y nunca la seguí. Sólo aguardaba volver a verla. No estaba seguro de que vendría. Nada le impedía irse a Chile o a Guatemala. ¿ Qué tan torpe podía ser ? Lo averiguaría. Entonces ella aparecía como una brisa y todo lo demás perdía importancia".

Dentro de sus demás obras, hay un relato bélico que se centra en la resistencia que tuvieron las tropas rusas contra los nazis en "Días de Gloria" ( "Days of glory",1944) ; la entretenida cinta de aventuras familiar "El halcón y la flecha" ( "The flame and the arrow", 1950), los westerns más singulares como : "Tierra generosa" ( "Canyon passage",1946) y "Una pistola al amanecer" ( "Great day in the morning" , 1956 ) y una divertida cinta de ficción : "La ciudad sumergida bajo el mar" ( "City under the sea", 1965 ), con el que cerró su interesante trayectoria.

Edgar G.Ulmer : Develando la noción del pecado humano.

El cineasta con su cámara de cine.

Considerado un cineasta B absoluto, Edgar G.Ulmer ( 1904-1972), que siempre estuvo detrás de proyectos trabajados con pulcridad y escaso presupuesto, ni siquiera Hollywood lo valoró lo suficiente, cuando ya venía con un currículum formidable como director de ópera, alumno de Max Reinhardt y ayudante de Murnau.
Fue un hombre múltiple que trabajó ejerciendo las tareas de : director, guionista, director artístico, productor, director de segunda unidad, asistente de director, fotógrafo, designador de vestuario, y director de producción. Figura clave del cine barato, a partir de los supuestos de que una buena película, la hace un buen guión y un buen montaje.
Efectúo 50 producciones para cine y televisión, debutando en la pantalla grande en 1933 con el drama "Damaged lives".
Contemporáneo de Alfred Hitchcock, Ulmer tiene un puñado de piezas brillantes en la historia del cine B, como : "Detour" ( 1945 ) con Tom Neal, Ann Savage, Claudia Drake y Edmund MacDonald, acerca de un hombre común, metido en un asesinato y atraído por una turbadora mujer que se le cruza en su camino en "autostop".
Toda la secuencia del accidente con el teléfono que estrangula a la chica, se cuenta entre lo más granado del cine policial, por su síntesis visual, su accidental parábola y ese guiño argumental, donde acomoda lo insólito, en un argumento que se va poniendo cada vez más oscuro y enrevesado.
Se trata de una "road movie", que crea un clima de pesadilla a partir de lo cotidiano, elaborada con certera exactitud y realismo.

"Detour" : obra ejemplar de minimalismo y pericia estético-narrativa.

"El Gato Negro" . el duelo de inteligencias entre Boris Karloff y Bela Lugosi.

"El hombre del planeta X" , filme pionero en visitantes extraterrestres, hecha con gran economía de recursos e imaginación.

También es autor de la maravillosa : "La Mujer del Otro" ( "The naked sawn", 1955), con Arthur Kennedy, Betta St.John, Roy Engel y Eugene Iglesias, que es "un excelente western , en el que tras un robo, un hombre se embarca en una serie de crímenes".
"El tono parabólico de la película es inequívoco. Los diálogos orillan a menudo las referencias teológicas y Ulmer organiza todo el relato sobre la base de tensiones morales tríadicamente expresadas : los tres protagonistas, los tres asaltantes, los tres días".
Al cine de terror, le dió una encantadora historia semi-gótica desarrollada en un plató "art decó" : "El Gato Negro" ( "The black cat", 1934 ) con Bela Lugosi y Boris Karloff enfrentados en medio de un cementerio bélico, con la paranoia de un esquizofrénico marido, que conserva en ataúdes de cristal a sus amadas como si fueran reliquias de museo.
Y en los terrenos de la ciencia ficción recomiendo revisitar : "El hombre del planeta X" ( "The Man from planet X", 1950) con Robert Clarke, William Schalbert, Margaret Field y Raymond Bond, sobre un extraterrestre procedente de una galaxia lejana, que aterriza cerca de un pantano inglés, y cuyo propósito es pacífico, aunque un ambicioso científico le secuestra para sacarle información.
Se trata de un filme pionero por su temática, que no deja de ser encantador y sutil en el manejo de los reducidos espacios, en la complejidad de su historia y en su mensaje pacifista, reivindicado por los seguidores del género.

Jack Arnold : Especialista de la Ciencia Ficción.

El director ( izquierda ) supervisando una toma con Colleen Miller y Orson Welles del western "Man in the shadow".

Entre todos los directores B proclives a la ciencia ficción, Jack Arnold ( 1916-1992) fue el más entusiasta, y uno de los que abrió el género por nuevos rumbos, capaces de reflexionar con sentido poético y humanista, acerca de la hecatombe nuclear, los cambios de la materia y los prejuicios a la naturaleza, debido a las ambiciones desmedidas de los hombres.
Notable guionista y un magnífico creador de atmósferas, debutó en el cine en 1950, y sólo tres años después, incursionó en el género con la contundente : "Vinieron desde el espacio" ( "It came from Outer Space", 1953) con Richard Carlson, Barbara Rush, Charles Drake y Kathleen Hughes, un estupendo relato escrito por Ray Bradbury, acerca del probable aterrizaje de un OVNI en el desierto de Arizona.
Alcanzaría la maestría total con : "El Monstruo de la laguna negra" ( "Creature from the black lagoon", 1954 ) con Richard Carlson, Julie Adams, Richard Denning, Antonio Moreno, Néstor Paiva, Whit Bissell, y Ricou Browning, una insólita aventura naútica donde un puñado de científicos, le sigue la pista en la selva azteca a un anfibio mitad humano y mitad pez.
El relato confronta la probabilidad de encontrar los vestigios de un ser primitivo con la moralina de trastocar un ambiente salvaje, inhóspito e inviolable. Y además, agrega, la curiosa atracción de un monstruo ´"enamorado" de una bella chica, que se sumerge en las profundidades buscando su vestigio. El mito de "La bella & la bestia" modernizado a expensas de la serie B de terror y suspenso.
Más adelante, Arnold regresaría por estos derroteros con la notable : "Tarántula" ( 1955), con John Agar, Mara Corday, Leo G.Carroll y Nestor Paiva, conseguida "monster-movie", que habla de las consecuencias de los cambios violentos del equilibrio ecológico, cuando unas enormes arañas atacan un pueblo de Arizona sembrando el caos y el terror.
Inolvidables las secuencias con las sobreimpresiones de tarántulas reales en maquetas y panorámicas del paisaje árido de la zona.

Ricou Browning hizo todas las escenas del monstruo bajo el agua en "El Monstruo de la laguna negra", clásico de Jack Arnold.

"Tarántula" . las sobreimpresiones permitieron colosales escenas como ésta, que hicieron las delicias del espectador de su tiempo.

John Agar y Mara Corday aterrorizados por las arañas gigantes.

Grant Williams filmado una escena de "El Increíble hombre menguante".

Luchando con una araña doméstica.

La amenaza del "regalón" de la casa, fue una de las novedosas premisas de la obra maestra de Arnold.

Los niños protagonistas de "The Space Children", intentando pacificar a sus padres científicos, previo al lanzamiento de un cohete atómico, siguiendo las instrucciones de un cerebro alienígena.

El pequeño Michel Ray, encabezó la película de abiertos fines pacifistas.

Su obra maestra es : "El Increíble hombre menguante" ( "The Incredible Shrinking man", 1957). La película protagonizada por Grant Williams, como el hombre que sufre la alteración de su tamaño, después de exponerse a unas nubes radioactivas, está dentro de lo más lírico que dió el cine de "sci fi" en esos años.
No sólo conocemos el relato por la voz en "off" de su protagonista, sino que se nos sugiere un mundo amenazante "nuevo y desconocido" que está en nuestro mismo habitat, producto de la reducción abrupta del tamaño de su personaje central. A la historia original de Richard Matheson, Arnold logra transformar la cotidianidad hogareña de un hombre en su propia amenaza.
Todavía hoy resultan deliciosas las secuencias del ataque de una araña, del propio gato de la casa, y la instigadora parafernalia que hay mientras el tipo desaparece hasta convertirse en un átomo.
Después el director insistiría con : "The Space Children" ( 1958), una alegoría anti-carrera atómica de sesgo infantil, y la caústica "Monster in the Campus" (1958), sobre un profesor transformado en homínido primitivo, al exponerse a rayos gamma.
También probó otros géneros como : el western, donde tiene una subvalorada obra que mezcla con fruición y talento, thriller y drama : "Man in the shadow" ( 1957 ), en la cual destaca Orson Welles, en un papel que le estimuló luego a su obra maestra "Sed de Mal"; el thriller policial con mucho de cine negro ( "The Tattered Pros", 1957 , con Jeff Chandler y Jeanne Crain ), o "black explotation" tipo "Black Eye" ( 1974) con Fred Williamson y Rosemary Forsythe; y la comedia disparatada en la onda "The Mouse That Roared" ( 1959) con Peter Sellers y Jean Seberg.

Joseph H.Lewis : Un estilo visual complejo y singular.

Estudiando el script.

El crítico norteamericano Andrew Sarris ya elogió al mítico Joseph H.Lewis ( 1907- 2000 ), cuando se refería a su obra maestra : "El demonio de las armas" ( "Gun Crazy", 1949), como una gran película "de complicado estilo visual".
Sin duda, Lewis era admirado ya en los años 50 , especialmente en Francia, donde los surrealistas había instalado firmemente la sensibilidad hacia el "amour fou".
Rodada en sólo treinta días, por 450.000 dólares de la época, no sólo es la mejor película del eficaz artesano, especializado en serie B, sino un prodigio de ritmo, austeridad, solvencia narrativa, realismo interpretativo y elocuencia visual.
La historia de amor de dos atracadores de bancos, que acondiciona su vida a una pasión afiebrada por las pistolas y persecuciones, está entre los más señero del cine policial. Basada en un guión del experimentado Dalton Trumbo, cuenta con la interpretación de la bellísima Peggy Cummigs, británica que no tuvo un futuro muy halagüeño, y John Dall totalmente extasiado entre golpes, romance y balas.
Lewis era un maestro de las metáforas sexuales y acomoda como nunca antes, la insinuación de las armas al propio falo masculino, y acierta en la dirección de actores, cuando le señala a Peggy que actúe "como una gata en celo".
Toda la película, incluyendo diálogos y acciones, tienen ese embriagador tufillo de atraque coital, en medio del frenesí de los asaltos, las persecuciones y los juegos de circo pobre.
Es la pasión romántica escaldada por la furia de vivir al extremo, en constante huída hacia la nada, y en definitiva, sólo escabulléndose de la muerte.
"El demonio de las armas" sigue siendo en lo personal, una de mis películas policiales favoritas.

"El demonio de las armas" : los amantes malditos que inspiraron la posterior "Bonnie & Clyde".

La preciosa actriz británica Peggy Cummings, que no tuvo una gran carrera, brilló como nunca en "El demonio de las armas" y pasó a la antología del cine.

Huyendo de la policía, cambiando auto e identidad.

Como dato importante, Lewis filmó 51 producciones para el cine y la televisión. Generalmente para los estudios "Universal" y "United Artist", con presupuestos apretados y rodaje a 1.000 por hora.
En el campo del terror es autor, por ejemplo, de : "The Invisible Ghost" ( 1941) con Bela Lugosi, Polly Ann Young, John McGuire y Terry Walker, un relato espeluznante y desmadrado pero contundente en lo visual y "The mad doctor of market street" ( 1942), donde un científico demente habitante de una isla del Pacífico, se vale de los indígenas para sus curiosos experimentos, con Lionel Atwill en su sempiterno rol de "mad doctor".
Un thriller interesante resulta : " The Undercover Man" ( 1949) con Glenn Ford, que interpreta a un jefe de una banda de gangsters, que es atrapado por el servicio secreto, en medio de admirables atmósferas y un ritmo narrativo intrigante.
Rara y subyugadora es : "My name is Julia Ross" ( 1945 ), donde Nina Foch cambia su identidad por un demente trasgresor, para insinuarnos la capacidad arrebatadora que tiene Lewis en la creación de atmósferas.
Su multifacética disciplina le permitió abordar con fortuna el relato bélico : "Retreat Hell!! ( 1951), ambientada en los frentes de Corea, y el western con : "The halliday brand" ( 1957 ), sobre un ambicioso ranchero llevado a los extremos por su afán de codicia y dominación territorial.

Bert I.Gordon : Entre la reducción y el gigantismo.

En la actualidad recibiendo homenajes ya retirado del cine.

Si hubo un experto en películas donde sus protagonistas sufrían sorprendentes cambios de tamaño, como seres diminutos o gigantes, Bert I.Gordon ( nacido en 1922 ), debe estar entre los más prolíficos y asiduos del tema, que desarrolló como especialista en el género de ciencia ficción y fantasía.
Formado como productor de comerciales y supervisor de producción en la televisión norteamericana, debutó en el cine con el filme : "King Dinosaur" ( 1955), que planteaba un viaje al planeta Nova , recientemente descubierto por unos astronautas ( Bill Bryant y Wanda Curtis ), los cuales encuentran un mundo prehistórico poblado de dinosaurios.
Ese mismo año, realiza : "The Cyclops" ( 1955) con Gloria Talbot, James Craig, Tom Drake y Lon Chaney Jr., donde vuelve sobre el tema de las peligrosas consecuencias que sufre un hombre transformado en monstruo, a causa de las radiaciones atómicas sufridas en una zona al interior de México.
"Beginning of the end" ( 1957) con Peggie Castle, Peter Graves, Morris Ankrum y Richard Benedict, insiste en la temática de la amenaza nuclear, ahora con la extrema voracidad de un grupo de insectos que se han desarrollado grandemente por un escape radioactivo y que medran alrededor de un pueblito tejano.
Cinta de culto B donde las haya, "The Amazing Colossal Man" ( 1957) con Glenn Langan, Cathy Downs, William Hudson y James Seay, es la antítesis de "El Increíble hombre menguante", o sea, el relato del tipo que expuesto a radiaciones ultravioletas, que crece y se desarrolla estrepitosamente, movilizando a las fuerzas militares y científicas para solucionarle el dichoso problema. El filme utiliza las sobreimpresiones para aumentar el paulatino gigantismo de su protagonista y adereza una sencilla historia de amor, y algunas secuencias de acción.
"The Spider" ( 1958) vino a proseguir la veta impuesta por "Them!" y "Tarántula", aunque con resultados discutibles. Ahora la acción y el suspenso se traslada a una gruta donde una enorme araña insiste en hacer de las suyas, para regocijo de los fans del género.

"The Cyclops", muestra las devastadoras consecuencias de las radiaciones atómicas.

Tema recurrente en el cine de Gordon, las reducciones de tamaño y...

...y los gigantismos accidentales como en "The Amazing Colossal Man" con Glenn Langan.

"Village of the Giants" : el pequeño Ronnie Howard descubre una sustancia con la que puede hacer crecer a sus mascotas.

"Imperio de las hormigas" : la tardía secuela de gigantescas hormigas atacando a Joan Collins y sus amigos.

Después rodaría : "War of the colossal men" ( 1958) con Sally Fraser, Dean Parkin, Roger Pace y Russ Bender, continuación de "The amazing colossal man", con nuevos ataques del hombre de doce metros de altura.
Gordon vuelve a demostrar su pericia, para constreñir el suspenso en sitios cerrados con un puñado de personajes y manejar con modestia los FX, demostrando ser "uno de los más constantes cultivadores del tema de las alteraciones de talla en humanos y animales".
Insistiría en ello con la entretenida y "camp": "Village of the Giants" ( 1965 ), donde a raíz de los experimentos de un niño genio ( el inolvidable Ronnie Howard ), unos gansos, un gato y un grupo de adolescentes trasnochados, se toman la ciudad después de crecer grandiosamente.
Se trata de un pastiche en onda veraniega, llena de referencias a la cultura del rockpop, del go go, de las malas películas de la televisión, y de las aventuras playeras y de high school, muy famosas en esa época, a propósito de las cintas que protagonizaran Annette Funicello y Frankie Avalon.
Entre aventuras infantiles en el estilo de : "El Niño y los piratas" ( "The boy and the pirates", 1960) con el prodigio Charles Herbert y aventuras de dragones y magos malvados como : "La espada mágica" ( "The Magic Sword", 1962), Bert I.Gordon insistiría en el terror, con la estupenda "La Muñeca de trapo" ( "Picture Mommy dead", 1966) , que mezclaba el melodrama con una historia de espíritus revividos; y marcaría otra vez, su "sello personal" en la tardía "El Imperio de las hormigas" ( "Empire of the ants", 1977) con Joan Collins, Robert Lansing y Albert Salmi, donde hormigas gigantes hacen su norte en la costa de Florida. Si bien la película tenía su encanto, nunca logra entusiasmar del todo, por su folletinesco guión desperfilado en el auténtico tema del ataque sorpresivo de unas bestias incontrolables.
21 películas alcanzó a efectuar Gordon hasta 1990, manteniéndose muy activo en sus constantes trabajos para la televisión.

Kurt Neumann : El Padre de La Mosca.

Sentado el director Kurt Neumann con los actores Charles Butterworth y el prodigio Bobby Breen, en una escena de : "Rainbow on the River", una comedia musical menor para pasar el rato.

Resulta peyorativo alabar a estas alturas, la consistencia de la película "La Mosca" ( "The Fly", 1958) , que está considerada una de las mejores "monster movies" de la historia. Sin embargo, dado el tratamiento formal que nos sumerge en la filmografía de su autor, nos resulta más que importante, insistir en destacar a esta cinta sobre muchas otras, como la representativa de un estilo singular de enfrentar el material literatoso en el mundo de las imágenes.
Kurt Neumann ( 1908-1958), nacido en Bavaria, Alemania, fue director, productor y guionista, que debutó en Estados Unidos con la comedia de cortometraje "¿ Hola, Rusia !" ( 1931 ) con Slim Summerville, un larguirucho actor de carácter qiue hacía siempre papeles cómicos, salvo cuando encarnó al estupendo amigo del protagonista en el clásico "Sin novedad en el frente" ( 1930 ).
La filmografía de Neumann, alcanza a las 70 películas, y su estilo era especialmente singular en el tratamiento del relato, porque le gustaba el detalle en los diálogos y en las acciones.
Cuando dirigió "Tarzán y las amazonas" ( "Tarzán and the amazons", 1945 ), de la saga del hombre mono interpretada por Johnny Weissmüller, convirtió la típica historia del maduro exnadador olímpico , en una amena "trois a force" donde el héroe debe luchar por la supervivencia de su hijo pequeño ( el entrañable Johnny Sheffield ) a costa de perder la compostura y rescatar los símbolos sagrados de una perdida tribu de amazonas regentadas por la innigualable María Ouspenskaia.
El pequeño Sheffield, conocerá por primera vez el significado de la palabra "traición" e hipotecará su propia vida, debido a la cándida confianza que le anima un grupo de antropólogos y científicos ambiciosos y deleznables.
Neumann se deleita con las tomas del mocoso espiando a su padre adoptivo, para descubrir la ubicación de la tribu secreta en unos escabrosos montes.
Dimensiona la existencia de estas atractivas amazonas ( "viudas eternas" que no necesitan de los hombres para subsistir ), con la ayuda de la pintura maté y otros FX , que dibujan un paraje extraído de un Edén paradisíaco.
Lo mejor de Neumann está en los momentos de crispante tensión : el ataque de las amazonas, convenientemente vestidas para demostrar su sensualidad y fiereza; la muerte de los expedicionarios y los malvados de turno, que al final, se repliegan en el fango de un pantano, y la recuperación de los símbolos sagrados de una cultura desconocida.
Sumarial, equilibrado en sus contextos y fines, transforma lo obvio en espectáculo para los ojos. Volvería al personaje en : "Tarzán y la Mujer Leopardo" ( "Tarzan and the leopard woman", 1946 ) y "Tarzán y la Cazadora" ( "1947), con la suspicacia de no palidecer frente al espectador que espera, acción, aventuras y suspenso.

"Tarzán y las amazonas" : sometiendo al héroe a una salida desesperada para salvar a Boy de la muerte.

"Tarzán y la mujer leopardo" : Acquanetta en todo su máximo esplendor como "mujer- animal".

"Island of the lost men" : la aventura exótica con J.Carroll Naish y Anthony Quinn haciendo de chinos, junto a la insuperable Anna May Wong.

"El Hijo de Ali Baba" . la aventura épica al servicio de unos jovencísimos Tony Curtis y Piper Laurie.

"La Mosca" : la revelación sorprendente hacia el climax del final.

La cámara subjetiva con la mirada inquisidora de un insecto. Grito de terror de Patricia Owens.

En materia de ciencia ficción, Neumann también nos legó un verdadero precedente de cómo serían los viajes a la luna en : "Rocketship X-M" ( 1950) con Lloyd Bridges, Osa Mussen y Hugh O"Brian. Aunque la nave se desvía a Marte, el director no pierde el interés por darnos una entretenida zambullida en las áridas tierras marcianas a costa de tensión , resoluciones dramáticas de último minuto y sorpresas escabrosas.
Toda su experiencia anterior en el serial, la transmite Neumann en una de sus olvidadas películas "Island of the lost Men" ( 1939) donde mezcla intriga, thriller y fantasía a grados superlativos. Como notable maestro de serie B, escoge saltos temporales y adiciona sorpresas que logran encauzar en una historia novedosa y singular.
También es autor de una cinta de aventuras en la onda "orientalia" : "El Hijo de Alí Babá" ( "Son of Ali Baba", 1952), un pastiche menor con Tony Curtis y Piper Laurie, que se beneficia, justamente, de su buen pulso narrativo y sus intrincados contextos argumentales.
Y al final, está su magnífica película : "La Mosca" ( "The Fly", 1958 ) con Al Hedison, Patricia Owens, Vincent Price, Herbert Marshal, y Charles Herbert, de la que se han escrito toneladas de análisis y críticas, porque sin duda, se trata de su obra maestra.
Conjunción perfecta de melodrama hogareño y ciencia ficción, es un equilibrado relato de transmutación que le sigue la huella a Kafka, pero que, en su gloria, exhibe los portentosos recursos audiovisuales de un magnífico narrador.
Desde el "flash back", que condiciona al espectador a averiguar cómo murió ese hombre aplastado por la máquina infernal, hasta el encuentro del pequeño monstruo, mitad humano, mitad insecto, el relato es un colosal tratado de refinamiento argumental.
Neumann era un genio en su manera de abordar estas temáticas, y a su modo, demostró en la última etapa de su carrera y de su vida, que podía ser un magnífico narrador de historias, que condicionaran al espectador a hallar las respuestas de lo inexplicable en la comodidad de una butaca.
Lamentablemente, un año después se suicidó, dejando incabada una trayectoria singular que lo catapultó a las antologías del cine fantástico.

Nombres para Recordar.

De sombrero y lentes oscuros, el director Rowland V. Lee supervisando un duelo entre Paul Lukas y Walter Abel para la película : "The Three Musketeers".

La siguiente lista tiene como fin, incentivar a descubrir aquellos artesanos y directores de serie B que el tiempo olvidó. Muchos de ellos, son conocidos por los seguidores del cine de fantasía, terror o aventuras. Intentamos cubrir todos los géneros, y aquellas personalidades que dejaron sus obras para el deleite de las tribunas. ¡¡¡¡ Buen apetito !!!!

John H.Auer ( 1906-1975 ) : Educado en Viena, fue director, productor, guionista, director de segunda unidad y asistente del director. Debutó con el drama romántico mexicano : "Una vida por otra" ( 1932 ) con Nancy Torres y Julio Villareal. Filmó 41 películas, siendo la más destacada "Hit Parade of 1941" ( 1940), una revista musical llena de artistas y variedades.
También fue actor desde los doce años en filmes europeos, y en Hollywood desde 1930, como cineasta pasó sus años al alero de los estudios "Republic".

El serial en 15 capítulos de "Dick Tracy vs. Crime Inc" dirigido por Fred C.Brannon.

Fred C. Brannon ( 1901-1953) : Conocido como un realizador especializado en seriales de la "Republic", debutó en tareas cinematográficas en 1920 en la Fox.
Su primera película fue una horror B : "The Purple Monster Strikes" ( 1945 ) y se mantuvo activo hasta 1959, cuando dirigió el serial : "Ghost of Zorro".
Entre sus seriales más famosos están : "Dick Tracy vs.Crime Inc" ( 1941), "Jesse James rides again" ( 1947), "Adventures of Frank & Jesse James" ( 1948) , "Flying disc from Mars" ( 1950) y "Zombies of the stratosphere" ( 1953 ).

Robert N. Bradbury ( 1886-1949) : Fue director, productor, guionista, actor ocasional, compositor y editor, proclive a películas de una hora de duración, en ambiente western, como la serie que hizo con un jovencísimo John Wayne : "Riders of destiny", ( 1933 ); "The lucky texan" ( 1934 ) ; "The lawless frontiers", ( 1934 ); "Westward Ho" ( 1935) y "The lawless Rangers" ( 1935), entre otras.

"El Valle de los dragones" . un viaje alucinante basado en una novela de Julio Verne.

Edward L.Bernds ( 1905-2000) : Director y guionista, se inició en el cine con la comedia corta "Micro-phonies" ( 1945 ), para mayor lucimiento de "Los Tres Chiflados" ( "The Three Stooges" ).
Aunque hizo muchas comedias disparatadas sin mayor relevancia, su fuerte estuvo en la ciencia ficción, como la continuación de "La Mosca" que se tituló : "El Regreso de la Mosca" ( 1959), interesante extensión de la idea original aunque menos impactante; y "El Valle de los dragones" ( "The Valley of the dragons", 1961) , basada en una novela de Julio Verne, que es una notable fantasía, donde unos duelistas del siglo XIX son arrastrados hasta un cometa que cruza la Tierra.

"Abbott & Costello contra los fantasmas" : todos los "monsters" de la Universal al servicio de la comedia disparatada.

Charles T.Barton ( 1902-1981) : Reconocido como uno de los directores de las comedias de Abbott & Costello, fue un artesano versátil que incursionó en casi todos los géneros incluyendo : comedias musicales, thrillers, dramas, aventuras y relatos familiares como : "El extraño caso del doctor Wilbur" ( "The Shaggy Dog", 1958), con Fred MacMurray, Jean Hagen, Tommy Kirk y Annette Funicello, sobre un perro fantástico, que es en realidad un niño encarnado, muy en el estilo de su productora, la Walt Disney.
Hizo 88 producciones para el cine y la televisión, trabajando para series como : "Daniel, el travieso", "Disneylandia", "Los Munsters" y "Family Affair".

Afiche de la serial de "Flash Gordon..." codirigida por Ford Beebe.

Ford Beebe ( 1888- 1978 ) : Comenzó en el cine como guionista, para luego pasar a las tareas de producción, la asistencia de dirección y, por supuesto, la realización.
Como W.S.Van Dyke, su estilo de rodaje era rápido, sin repetición de tomas y muy accesible a la improvisación frente a las cámaras.
En la industria, se le conoció como un especialista en seriales, desde que debutó en 1922 como director. Por ejemplo, suyas son : "Son of Drácula" y "The Invisible Man Revenge", continuaciones de sendas películas terroríficas de la Universal.
También fue codirector de los famosos seriales : "Flash Gordon en Marte ataca la Tierra" ( "Flash Gordon"s trip to mars", 1938); "Flash Gordon conquista el Universo" ( "Flash Gordon conquers the universe", 1940) y "Jungle Jim" ( 1937 ), entre otros.
Archifamoso como director de la saga de "Bomba, el niño de la Jungla" ( "Bomba, the Jungle Boy", 1949), para mayor gloria del joven Johnny Sheffield.
Su filmografía alcanza las 119 películas rodadas entre 1922 y 1977.

Edward L.Cahn ( 1899-1963 ) : Prototipo del cineasta aficionado a las "monsters movies" y films de terror, nunca mejor conocido que con su clásico "camp" : "It ! : The Terror from beyond space" ( 1958 ) con Marshall Thompson, Shawn Smith, Kim Spalding y Ann Doran. Cuenta la historia de una nave espacial que regresa a la Tierra con una monstruosa creatura extraterrestre, que irá eliminando uno a uno a sus tripulantes.
En rigor, la película que motivó y dió origen a "Alien" de Ridley Scott, muy primitiva, pero tremendamente divertida.
Para la AIP rodó además : "The Invasion of the saucers men" ( 1957 ) y "The Invisible Invaders" ( 1959 ), ambas siguiendo la misma tendencia. Esta última, con unos indigentes aliens que deciden resucitar cadáveres, y que resulta inspirador para la posterir : "La noche de los muertos vivientes".
Notable creador de atmósferas, volverá al tema de la magia negra y el vudismo con : " Voodoo Woman" ( 1957 ), "The four skulls of Jonathan Drake" ( 1959 ) y "Los muertos que caminan" ( "Zombies of Mara-Tau" , 1957 ), donde además, se da el lujo de crear un ambiente selvático, en medio de resucitados, que atacan a los vivos debajo del agua. Toda una gozada "camp".

Del Ruth dirigiendo a Gloria de Haven en : "Broadway Rhythm".

Roy Del Ruth ( 1893-1961 ) : Su carrera en el cine como director, abarca cuarenta años, desde 1920 a 1960. En ese período filmó 110 películas , y como muchos otros buenos artesanos, probó casi todos los géneros, aunque donde se lució con mayor fuerza fue en el cine gangsteril. Trabajó con Edward G.Robinson y Mary Astor en : "Pequeño gigante" ( "Little giant", 1933) y a James Cagney y Miriam Nixon en : "Todo o Nada" ( "Winner take all", 1932 ), desarrollada en ambientes boxeriles.
Experto en cine rápido, era pródigo en el uso del montaje paralelo, en las elipsis narrativas y en las escenas de acción.
Autor de la secuela de Topper, titulada "Topper Returns" ( 1940), de un biopic deportivo de un campeón del beisbol : "The Babe Ruth Story" ( 1948) con William Bendix, y de musicales de excepción como la desconocida : "Nacida para la danza" ( "Born to Dance", 1936) con Eleanor Powell ; "On the Avenue" ( 1937) con Dick Powell , "Broadway Melody of 1938" ( 1937) con Robert Taylor, Eleanor Powell y George Murphy, y "Broadway Rhythm"( 1944), con George Murphy y Gloria de Haven, también fue un eximio director de terror, como lo demostró con : "El Fantasma de la Calle Morgue" ( "The Phantom of the Rue Morgue" , 1953), una buena "remake" de la Warner de una película clásica de la Universal, protagonizada por Karl Malden, Patricia Medina y Steve Forrest.
No en vano, Del Ruth trabajó con las estrellas más importantes de su época, entre las cuales sobresalen : James Cagney, Dick Powell, Edward G. Robinson, Maurice Chevalier, Bette Davis, George Raft, Robert Taylor,Ray Milland, Paulette Godard, Ronald Colman, Don Ameche, Gingers Rogers y Loretta Young, entre otros.

John English ( 1903-1969 ) : Nacido en Inglaterra, se transformó en Hollywood en un reconocido profesional de la seriales, llegando a constituír un dueto con su colega William Witney ( 1915-2002 ), con quien desarrolló un puñado de seriales por capítulo.
Debutó en el cine en 1935 y se mantuvo en activo hasta 1959, exclusivamente para los estudios "Republic", alternando sus trabajos con la televisión con las series de "Perry Mason", "El Virginiano", "Lassie", "La ley del revólver" y "Laredo".
Para la pantalla grande hizo : "Los Tambores de Fu-Man-Chú" ( "Drums of Fu-Man-Chú", 1942) "El Capitán Maravilla" ( "Adventures of Captain Marvel", 1941), "Dick Tracy vs.Crime inc ( 1941), y "El llanero solitario" ( 1938), entre otras.

Florey desde la tarima dirigiendo a Peter Lorre y George E.Stone en el set de "The face behind the mask", mientras observa el fotógrafo Franz Planer.

Robert Florey ( 1900-1979) : Nacido en París, se inició en el cine francés como ayudante de Feuillade. En 1921 llega a Hollywood como periodista y emplea sus dotes de mil formas diferentes, antes de lograr un puesto en la realización, que llegará ser importante en la época del cine sonoro.
Debutó con la película "The love of zero" en 1927. Afincado en la "Paramount", efectúa varios filmes experimentales de dos o tres bobinas, hasta la comedia "The Pusher in the face", su primer trabajo trascendente.
Descubridor de los hermanos Marxs, les hizo debutar en "Los cuatro cocos" ( "Coconuts", 1929 ), que en su premiere había provocado 400 carcajadas en ciento cuarenta minutos de proyección ( la versión que hoy circula tiene 93 minutos ).
Su carrera abarca 94 producciones para el cine y la televisión.
Sus mejores películas de cine, están en rodajes de bajo presupuesto, resueltos con mucha imaginación y sincretismo.
Para la "Universal" rodó, por ejemplo : "El doble asesinato de la calle Morgue" ( "Murders in the rue Morgue", 1932 ), magnífica adaptación de un relato de terror de Edgar Allan Poe, que se destaca por el manejo expresionista de la luz, y la tensión "in crescendo" de una historia alambicada y voraz.
También efectúo la rara "The beast with five fingers" ( 1946 ) con Peter Lorre, Robert Alda, Andrea King y J.Carroll Naish, una insólita historia sobre una mano viviente que cuando no está tocando al piano a Bach, se deleita estrangulando yugulares apetitosas.
Volvió a trabajar con Peter Lorre en la sugestiva "The face behind the mask" ( 1941) sobre un emigrante europeo, que desfigurado por el fuego, actúa tras una máscara cometiendo horripilantes crímenes, hasta que se enamora de una joven ciega. Gran pericia narrativa, envolvente puesta en escena, sólidas actuaciones y un toque de procacidad ambigua, complementan el relato.

"Tarzán y las sirenas" : Johnny Wissmüller y Brenda Joyce en los escenarios naturales de las pirámides aztecas, supervisados por Robert Florey.

Punto cúlmine a lo mágico e irreal será "Tarzán y las sirenas" ( "Tarzan and the mermaids", 1948), intento fallido de reflotar el mito del hombre mono interpretado por Johnny Weismüller. Por primera vez, el horizonte de la selva idealizada por Hollywood, se extiende hasta los terrenos de una cultura nativa que habita en el mar.
El acento musical también se integra en la historia, con la inclusión de "Benji", un cantante popular que le trae las cartas de "Boy" a Tarzán , cuando el muchacho se va a estudiar a Inglaterra. Y los maravillosos paisajes mexicanos de Acapulco, notablemente fotografiados por el maestro Gabriel Figueroa, alcanzan el cenit del "paraíso perdido" que anunciaba Rousseau.
Florey no descuida detalles, ni del ritmo de la acción, ni de la creación de ambientes y de situaciones inesperadas, demostrando que estaba en la plenitud de su sentido artístico. Con modestia y buen gusto, efectúa una película que es inteligente y entretenida.

"House of Frankenstein" : Boris Karloff y Lon Chaney Jr., en la secuela dirigida por Kenton.

Erle C.Kenton ( 1896-1980 ) : Se inició en el cine como actor de Mack Sennett. Considerado por la crítica como "un magnífico realizador capaz de convertir a las piedras en material interesante para ver y comentar", debutó en el cine en 1916, logrando efectuar 136 producciones para el cine y la televisión, hasta 1966.
Su fuerte estuvo en el cine de terror, donde tiene una obra maestra absoluta : "La Isla de las almas perdidas" ( "Island of the lost souls", 1932 ), maravillosa adaptación de la novela de H.G.Wells "La Isla del doctor Moreau", donde Kenton bastante influído por el "Frankenstein" de la Universal, elabora una singular historia cargada de referencias literarias, góticas y existenciales.
El escenario donde se desarrolla la historia es tan siniestro, como la selva que enmaraña a los personajes que han caído en esa isla misteriosa. Charles Laughton está excesivamente inolvidable, ambiguo, mordaz, satírico, creyéndo equipararse al Creador y destruído por los propios seres monstruosos que ha creado.
Más deleite encuentra de Erle C.Kenton en : "House of Frankenstein" ( 1944) y "House of Drácula" ( 1945 ) secuelas de probada eficacia, que reúnen en una misma historia a los "monstruos" más populares de la Universal, para extender con un tono mordaz, los esfuerzos de un mad doctor que se cree un nuevo Jekyll.
La historia de un gato poseído por el alma de una chica, reunirá a Noah Berry Jr. y Lois Collier en : "The Cat Creeps " ( 1946 ) y el tema de los transplantes de cerebro aparecerá diluído en un guión vulgarísimo, pese a los esfuerzos de Kenton por mantener la atención en : "The Ghost of Frankenstein" ( 1942 ) con Cedric Hardwicke , Lon Chaney Jr., Bela Lugosi y Ralph Bellamy.

"El Cardenal Richelieu" dirigida por Lee, con Edward Arnold y George Arliss.

Rowland V.Lee ( 1891-1975 ) : Director, guionista y productor del cine norteamericano, tuvo una carrera fílmica que abarca 25 años de su vida.
Primero fue niño actor en Broadway y en el cine está desde 1915, cuando ingresó como intérprete de Thomas H. Ince.
Después de participar como soldado en la Gran Guerra, retorna convertido en director a Hollywood, debutando con el drama mudo "A thousand to one" ( 1920).
Filmó 58 películas, entre las cuales destacan : "La Torre de Londres" ( "Tower of London", 1939) un soberbio filme semihistórico con Basil Rathbone y Boris Karloff, que presta el estilo de horror "Universal", para desarrollar un estupendo tratado sobre la tortura, la codicia y la maldad en la Inglaterra del rey Ricardo III ; "El Conde de Montecristo" ( "The Count of Montecristo", 1934 ) donde el clásico de Alexander Dumas le permite a Rowland V.Lee "infundirle el tono indicado a la historia del prisionero de las mazmorras , que conseguirá venganza de los culpables de su entierro" ; "El Cardenal Richelieu" ( "Cardinal Richelieu", 1935 ) la magnífica "performance" del olvidado George Arliss, como el legendario cardenal que aplicó todo el peso de su poder en la Francia de Luis XIII; "El hijo de Frankenstein" ( "The Son of Frankenstein", 1939) con Basil Rathbone, Boris Karloff, Bela Lugosi y Lionel Atwill, la tercera parte del clásico monstruo desarrollada con gran pericia visual, sentido narrativo, fascinante y arrebatadoramente expresionista; y "El Capitán Kidd" ( "Captain Kidd", 1945 ) con Charles Laughton, Randolph Scott, Bárbara Britton y Reginald Owen, una modélica película de piratas, donde Laughton sobresale con nitidez, al parodiarse así mismo, entre los arrojos por el placer del oro y las chicas hermosas.
Lee era un magnífico narrador de historias, que no sólo sabía los "secretos" del montaje, sino que mantenía un gusto, a veces sencillo, a veces refinado, por el trabajo de la puesta en escena.
A su modo, fue un esteta del blanco y negro, que esculpió su obra con lograda sutileza, entre los márgenes del horror, los placeres de la aventura y la rememoranza histórica.

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