Nuevas Visiones del Cine Infantil :

Entre el Amor y la Furia.

El niño actor Barret Oliver en "La Historia Sin Fin", una de las carreras que repasamos en detalle.

En esta oportunidad, nos concentramos en películas que han tratado el tema de la infancia desde el prisma localista, con la suficiente inspiración como para remover conciencias.
Hay de todo. Desde una visión tan rica en sensaciones visuales, como la película sueca "En Kärlekhistoria" ( 1970 ), hasta el enfoque neorrealista a la manera argentina de la emotiva "Crónica de un niño solo" ( 1965). 
Desde Inglaterra nos llegan dos portentosas historias :  "Cuando el viento silba" ( "Whistle down the wind", 1961) y "Posesión Satánica" /"Suspense" ( "The Innocents", 1961), notables historias que nos internan por la conciencia infantil con algunos elementos cristianos y freudianos, respectivamente. 
También nos sumergimos por la experiencia peruana de "Paloma de Papel" ( 2003), la producción italiana  de "Salvatore : Questa é la Vita" ( 2006 ), y la más reciente, del filme estadounidense "Flipped" ( 2010), que reflota nostalgias pasadas con la sensabilidad suficiente, como para entender el universo de la preadolescencia, desde el tema de la tolerancia y la aceptación social. 
Para redondear el trabajo, incluímos una revisión sumaria a las carreras de Ricky Schroder, Pamela Franklin y Barret Oliver.

"En Kärlekhistoria"de Suecia :
El Primer Gran Amor.

Pär y Annika , una relación que se reconoce en la mirada del descubrimiento del amor.

Distintas sensaciones quedan después de ver esta película de notable factura. No sólo se trata de la típica historia del despertar sexual de los adolescentes en un país desarrollado. Hay un enfoque estilístico, que la hace increíblemente cercana al espectador.
Es que el director sueco Roy Andersson, utilizó el poder expresivo del "close-up" con la altura de los maestros. Toda la película es una constante búsqueda de la mirada amorosa que entrega la historia. 
Desde que los niños actores Rolf Sohlman como Pär y Ann-Sofie Kylan como Annika, se descubren en el amor, el cuento crece en intensidades exclusivamente visuales. 
Con el sensible gusto de prodigar a la imagen un valor mayor que los diálogos; y fustigar el texto cancerígeno por el poder que tiene la mirada de sus actores, Andersson acentúa esta etapa adolescente, con el refinado paladar de los que entienden al cine, como un lenguaje capaz de mostrar sutilmente, sin necesidad de mayores palabras.
La historia contemporánea del encuentro de un niño con la niña de sus sueños, y como éstos sienten el poder del amor, está llevado al cine con la poesía suficiente del retrato amable, sutil y realista del compositor de una pequeña pieza de cámara.  
Escenas como el primer encuentro en una reunión familiar en el campo, o la primera vez que ellos prueban el sexo en la intimidad del hogar o la celebración de cumpleaños hacia el desenlace en una campiña cubierta de neblina nocturna, le agregan un encanto adicional al relato, que se prodiga en los silencios, en los gestos, en los estados anímicos, en la solvencia de una cámara a la altura de la mirada de los niños protagonistas. 
Bastan actitudes y demostraciones afectivas, para asumir momentos propios del proceso de la consolidación de la pequeña pareja.
La emoción nunca supera a la razón en esta historia, que eleva el propio lenguaje del cine, al acentuar el valor que tiene la imagen, la sutileza de los encuadres y la analítica intencionalidad del montaje, en un relato mil veces oído, y que jamás pierde frescura, encanto, cercanía y afectividad.
 

Ella, la busca con la mirada admirativa del amor.

El también, intentado una respuesta afectiva.

 

Los amigos de la pandilla, el que fuma Björn Andersen, que después inmortalizaría su imberbe figura con Luchino Visconti.

La intimidad natural, a costa de perder la inocencia y asumir la independencia del amor.

El registro placentero de una unión que pudiera ser para toda la vida.

Posando para la posteridad en medio del romance más diáfano y natural.

Pulsando el flash, cuando las cámaras no tenían aún automáticas resoluciones.

Buscando en medio de la niebla al extraviado familiar depresivo.

 
"En Kärlekhistoria" ( 1970) es un retrato certero al despertar del amor, entendido como algo natural en el proceso de crecimiento humano. 
Quizás, en su momento, haya provocado cierta polémica sobretodo al asumir los padres que los jóvenes necesitaban intimar, en una actitud muy conciente y nada puritana que ha caracterizado el desarrollo de la sociedad sueca, siempre más abierto a estos temas, que son tabúes en nuestras culturas. 
Pero ello queda supeditado a las acciones cotidianas de la vida moderna, entendida en una Estocolmo algo sumida en la contaminación en esos años, y que después con las décadas, llegó a superar sus propios problemas, con un gran proyecto de mejoramiento medio ambiental, hasta llegar a convertirse en la "ciudad ecológica más hermosa del mundo".
En otro aspecto, la actuación de los niños es excepcional.
Rolf Sohlman asume que su papel, es el del adolescente intrigado por la muchacha de sus sueños. El busca a su chica con la mirada, en medio de la muchedumbre. Sólo espera una respuesta a ese interés visual, que es también sensual, carnal, erótico.
Adolescente de clase media, moderno, atlético, tierno, despreocupado, algo travieso y vanidoso,  cuenta con una pandilla con la que sale en bicicleta a recorrer la autopista de la ciudad ( entre ellos, se identifica en un papel muy secundario, a Björn Andersen, quien después se inmortalizaría en la obra maestra de Luchino Visconti, "Muerte en Venecia" sobre la novela de Thomas Mann ).
Ann-Sofie Kylan es la chiquilla en tránsito a asumir que, su belleza puede ser motivación de atracción sexual.  La niña despierta al sexo con la magia de la espontaneidad. Pero en un momento de su romance idealizado, también sufrirá el bochorno del desconcierto y la fragilidad de la pérdida.
Producción sueca de gran interés para padres, docentes y orientadores, pero sobretodo para los adolescentes que se identificarán con los acontecimientos, que se registren en la historia.  
De este relato, se extrae la vieja reseña que, no hay amor más inolvidable en nuestras vidas que, el primer amor. La nostalgia del corazón que enciende las pasiones en la adultez, después de los cincuenta.

"Crónica de un niño solo" de Argentina :
La Mirada Neorrealista de Favio.

Celedón conoce los excesos y miedos de su marginalidad en un internado y después en un paseo frugal.

A Leonardo Favio le conocemos como cantante. Vino a Chile en su época de gloria, cuando era un ídolo que acaparaba las portadas de la Revista "Ritmo" y se llevaba todos los aplausos de la Quinta Vergara en el Festival Internacional de Viña del Mar. 
Yo tuve la ocasión de entrevistarlo cuando todavía estaba en la cumbre. Siempre hablaba de sus hijos con cariño y una notable paternidad asumida, que después se me corroboró al ver sus películas como realizador. 
Favio entró al mundo del cine como actor, después de una larga experiencia en radio y el teatro, a raíz de su amistad con el destacado realizador Leopoldo Torre Nilsson. 
Se estableció en Buenos Aires y comenzó como director cinematográfico, con un relato casi autobiográfico de los chicos abandonados en "Crónica de un niño solo" ( 1965 ), donde reveló su vena neorrealista. 
Volvió a aplicar este estilo, en su segunda película : "El Romance de Aniceto y de la Francisca, de cómo quedó trunco y comenzó la tristeza y algunas cosas más" ( 1966 ).
Después del fracaso comercial de "El Dependiente" ( 1967 ) abandonó casi por completo su carrera como cineasta, aunque hizo más tarde "Maldición" ( 1975 ), dedicándose enteramente a su carrera de cantante y productor musical.
En verdad, revivir el impacto que nos causó su primera película, es un ejercicio valioso que eleva el concepto que se tiene de su obra, y la hace crecer en sus atributos audiovisuales a 47 años de su estreno.
El relato acerca de Celedón Rosas, un niño de once años, recluído en un hogar de menores que funciona como una cárcel, le sirven a Favio, so-pretexto de las limitancias en la educación reformatoria, para imbricar un alegato que tiene sus raíces en "Ladrón de Bicicletas", pero sobretodo "El Lustrabotas" de De Sica.
Con una cámara al hombro, ágil, certera, nerviosa, siempre en medio de las conflictivas relaciones de Celedón con su habitat, el director traza por la vía de la exposición realista, la situación de la marginalidad y de la pobreza más dura, asumiendo que el niño está en una espiral de la cual no puede escapar. 

El estigma del arroyo, de nacer en el bandejón de enfrente, sin comodidades, ni las mínimas condiciones básicas para subsistir.
 

El pasatiempo frugal que se transforma en violencia.

 

El juego castigador al aire libre : los niños imitando a los adultos.

 

La imagen menos conocida del ídolo : como un director de cine neorrealista.

Como más tarde lo hiciera magistralmente "Pixote"; y antes "El Lustrabotas" que revelaba el destino desgarrador de los niños fugados de un reformatorio italiano de posguerra, Favio somete su material, al triste destino de nacer en la pobreza extrema, donde no hay orden, ni futuro, ni ley.  
Así, una secuencia magistral que muestra a los niños bañándose desnudos en un río, y la violencia posterior contra otro menor que se negó a seguir el "juego" aparente del pasatiempo ( y donde se sugiere una violación ), sirven al propósito manifiesto del discurso crítico y reflexivo sobre la marginalidad infantil.
En estas tierras inhóspitas, hasta la candidez más incipiente se pierde en la violencia de un mundo salvaje. 
Favio, trata sus imágenes, con una encantadora sugerencia metafórica, que nunca escabulle la simbología práctica : una bandada de aves, un río, la floresta, las "chabolas", la muerte de un vecino desaparecido en el alcoholismo arrebatador, son elementos que trazan las atmósferas más naturalistas, que el cine argentino entregó en mucho tiempo. 
El tiempo le ha dado un valor adicional a esta obra, porque se ha transformado en un pequeño documento sobre la sociedad que fue, y que en medio del desarrollo posterior, no logró del todo borrar, las semillas más amargas de la pobreza extrema.
Actualmente, como en muchos países de nuestra "América Morena" , este tema sigue siendo materia de preocupación en salubridad, educación, cultura y políticas más afines, con las necesidades de los propios desplazados. 
En algún sentido, "Crónica de un niño solo", demuestra todavía su vigencia y actualidad, con la sutil poética del desconcierto. Favio supo transmitir toda la desolación y la fragilidad de la infancia vagabunda, en una sociedad nihilista e individualista. 
Un filme muy interesante, concebido con sensibilidad por un artista reconocido y admirado por sus incursiones musicales, que demostró en su momento, conocer y amar al cine y los niños.


"Cuando el Viento Silba" de Inglaterra :
La Nueva Encarnación de Cristo.

La sugestión de la fantasía infantil que remarca la aparición divina, de alguien que creen identificar como el Mesías.

Si hay algo que caracterizó al cine inglés de los años cincuenta y sesenta, fue su cercanía mental y física al universo callejero y simplista de los ambientes rurales, más condescendientes con los parámetros del "free-cinema", movimiento rupturista del cine que fragúo una nueva forma de tratar temáticas de novedosa implicancia estética y narrativa.
"Cuando el Viento Silba" ( "Whistle down the wind", 1961), dirigida por Bryan Forbes, parece ser la quintaesencia del modelo impulsado por las nuevas tendencias, aunque no hay crítica social, ni un universo adulto contemplado desde las beaterías del mundo "hippie", del "pop art" o de la "sui generis" cultural londinense.
La historia de tres niños, Kathy ( la estupenda Hayley Mills ), Nan ( Diane Holgate ) y el pequeño Charles ( el expresivo Alan Barnes ), que esconden en su granja, tres gatitos huérfanos y que, paradójicamente después vivirán la experiencia de su vida cristiana, resume mucho de los mejores momentos que tuvo el cine británico en esta época de historias sencillas, pero novedosas, apretadamente circunstanciales y rigurosamente eficaces en el plano académico.
La película escudriña en el lado épico de un encuentro que a los ojos de los niños resulta ser maravilloso, pues convertirán a un fugitivo de la justicia ( un jovencísimo Alan Bates ) en una nueva encarnación de Cristo.
La estupenda fotografía en blanco y negro del experimentado Arthur Ibbetson, remarca los clarososcuros ( lámparas, velas, sombras ) que caracterizan las escenas más decidoras.

La historia parte cuando los hermanos ocultan la existencia de tres gatitos.

 

El pequeño Charles, intenta cubrir con un manto de dudas el cautiverio de quien creen es Cristo.

Sus compañeros de colegio, le siguen a la granja porque ellos también quieren adorar a Jesús.

Los niños en un cumpleaños, en un descubrimiento sorprendente.

 

La llegada de la policía, a buscar a quien creen es el salvador de todos los hombres.

La muchedumbre infantil, que espera verlo salir de su escondite.

Hayley Mills que fue una niña prodigio desde los tiempos en que debutó con su padre John Mills en "La Bahía del Tigre", asume su sugestión con nobleza y obediencia acérrima, cuando cree ayudar al Mesías enviado por Dios.
Los susurros, las miradas, gestos y movimientos corporales, acentúan el sentido lúdico del relato, donde los niños en su inocencia, sólo creen ayudar a Jesús a sanar sus heridas para recomponerlo en su labor divina.
La música de Malcolm Arnold, es otro elemento que remarca las situaciones maravillosas del cuento. Recuerden la escena donde los demás compañeros del colegio de los niños, les esperan para ir a adorar al Mesías.
Temas como : la crueldad infantil ( la escena del recreo donde Kathy es golpeada por un compañero airado ) y el cuestionamiento de la vida respecto de la muerte ( la secuencia de la desaparición del gatito y Charles que no lo acepta como una situación real ), agregan un énfasis justificado en las intenciones dramáticas de la historia. 
La ausencia maternal, el encierro claustrofóbico del prófugo, la búsqueda de explicaciones a asuntos relativos a la existencia del ser humano, y la charla con el sacerdote, cobran interés al ser detonantes que acentúan la tensión del relato y lo adecúan en su mensaje central.
¿ Por qué las personas tienen que morir ? , o, ¿ Por qué las cosas feas las permite Jesús en un mundo adulto cruel y dividido ?, son interrogantes que el filme intenta explicar, mediante este analítico estudio de la sicología infantil, que hace más interesante su conmovedora historia. 


"Posesión satánica" de Gran Bretaña :
Historia de una Posesión.

Pamela Franklin y Martin Stephens como dos hermanos poseídos por el mal.

Las implicaciones del cine como instrumento privilegiado de fantasía, se mezclan en esta realidad creada también para el cine. Es decir, la imaginación desborda situaciones que de tan vívidas, parecen auténticamente reales.
A propósito de ello, "Posesión Satánica" / "Suspense" ( "The Innocents", 1961 ) dirigida por Jack Clayton, es una tremenda historia basada en uno de los más célebres cortos de Henry James, "La vuelta de tuerca"/ "La vuelta del tornillo" ( "The Turn of the screw" ), que alude a la posibilidad de dar una vuelta más al sentido del horror , sobrepasando las típicas historias de fantasmas y monstruos creados por la ciencia y adicionándoles un elemento, que las convierte en cuentos más asfixiantes, y por lo mismo, más efectivos a la hora de la lectura.
La película contó con el magnífico guión de Truman Capote, que acentúo los elementos freudianos y desarrolló un intenso climax muy accesible al espectador contemporáneo.
Pese al academicismo con que el director Clayton somete su material, el filme resulta muy electrizante, sobretodo, para quien gusta de las películas de terror, claustrofóbicas y viscerales.
En este sentido, gran aporte fue la fotografía del experimentado Freddie Francis, que remarcó los elementos terroríficos con encuadres invadidos por sombras, efectos de luz y objetos de connotación sexual explícitos.
Además, todos los espacios de la mansión, aparecen en clarooscuros llenos de espectrales y sugestivas rinconadas, nauseabundos ambientes claustrofóbicos y atmósferas encerradas y limitadas por el histerismo subjetivo, de la conciencia adulta reprimida y fetichista.

Símbolos freudianos caracterizan la película en su contenido dramático y terrorífico.

Detalle de la escalera oscura y laberíntica.

La institutriz apenas iluminada, para remarcar la amenaza de los oscuros rincones de la mansión.

La mirada sospechosa, en la quietud aparente de la naturaleza.

 

La vigilia maldita de la posesión de un espíritu ambiguo y pervertido.

 

El Beso Prohibido : la revelación objetiva de la represión sexual de la maestra.

Protegiendo a la inocencia de algo que puede ser relativo a su propia conciencia reprimida.

En las siluetas de la noche, el  juego pervertido por la posesión.

El espíritu de la mujer a la orilla del río, la corrupción del alma viajera.

El inocente poseído por el espíritu corrupto y malévolo.

Remito el resumen escrito por los críticos españoles Pere Gimferrer y Manuel Rotellar que hicieron en su momento, el análisis de esta estupenda película :
"Una institutriz ( la magnífica Deborah Kerr ), madura, elegante, puritana, victoriana, presumiblemente virgen, se encargaba en la Inglaterra del siglo XIX, de una pareja infantil ( los modélicos Pamela Franklin y Martin Stephens ), que vivía en un solitario castillo familiar. Al principio, todo transcurría con normalidad, aunque no tardaban en sobrevenir sucesos inquietantes. Los niños habían estado en estrecha relación con dos miembros ya desaparecidos de la servidumbre : un jardinero y una criada que era su amante. La institutriz  a quien había sido narrada la historia de los amantes réprobos, creía advertir presencias ocultas. De pronto, aunque fugazmente, se producía la visión : un rostro abominable en el cristal de una ventana, la figura de un hombre en lo alto del torreón, una silueta de mujer en el estanque. Progresivamente la institutriz adquiría la certerza de que los amantes muertos se habían posesionado de los niños y les hacían entregarse - convirtiéndoles en ejecutores de sus vicios-, a prácticas eróticas clandestinas. La secuencia fional mas explícita que el relato original, confirmaba con el beso de Deborah Kerr en los labios del niño, que probablemente los fantasmas no eran sino proyección de una histeria producida por la represión sexual. 
La fotografía era elegante y cuidada, los escenarios y decorados habían sido elegidos con propiedad, el filme era, en suma, no sólo uno de los contadísimos títulos relevantes que la figura del fantasma clásico ha aportado al cine, sino una de las aún más raras incursiones de éste en el lado perverso de la infancia, o en las pasiones perversas que ésta puede suscitar".
En efecto, sólo "El Otro" ( "The Other" ) y "Los Otros" ( "The Others") , pueden semejar temáticas similares, que propenden a claudicar la aparente inocencia de los primeros años, por una vívida corrupción cercana del mundo adulto contra los niños. Hay en todas estas visiones, un sentido horrorífico propia del relato más ambiguo y profundo, que lo emparenta a los mejores momentos de la obra de Henry James.
"Posesión Satánica" , es para nosotros, una obra maestra de la sugestión, que logra matizar los esquemas básicos de la novela original por una puesta en escena neo-romántica, efectiva, llena de elementos barrocos y sutilmente maliciosa. 
Es una película que merece rescatarse, para deleite de los fans del cine terrorífico y de los seguidores de la pluma del célebre escritor británico.  

    

"Paloma de Papel" de Perú :
El Sendero de la Guerrilla.

En medio del altiplano, las vicisitudes de unos niños obligados a seguir a la guerrilla.

Difícil desconectarse de los problemas histórico-sociales que medran dentro de las temáticas del cine infantil en Latinoamérica. Como ya lo visualizáramos en entradas anteriores, el cine que trata la infancia, vuelca su mirada a desentrañar los principales efectos del subdesarrollo económico, político y social. 
Nada escapa de esta premisa. Por eso hay varios filmes, unos más comprometidos que otros, que descubren las raíces más dramáticas de la historia continental desde la mirada infantil, con el espíritu conciente, antiinconformista y lo suficientemente contestatario, como para revertir los temas que tratan, por ejemplo, las películas estadounidenses del cine industrial. 
La mirada del cine infantil hispanoamericano, está inseparablemente erigido desde los cambios sociopolíticos, que dibujan una mirada discutible, reflexiva y nada trivial, acerca de los efectos que provocan en los niños, las desaveniencias socio-culturales. 
Hay en "Paloma de Papel" ( 2003 ) dirigida por Fabrizio Aguilar, el interés por reconstruír la historia de Juan ( Antonio Callirgos), un niño usurpado de su madre para integrar las guerrillas de Sendero Luminoso. 
En este relato, entonces, la mirada del niño aborta la candidez por la sordidez de los cambios obligatorios y drásticos en que se ve incluído, para sobrellevar un discurso antiguerrillas, que no desentona en lo más mínimo, con el enfoque naturalista y pictorequista que se le quiere integrar al relato. 
 

La imagen adulta de la inocencia abortada por la ideología violentista.

Desde el punto de vista coloquial, existe un apego a la mirada casi pedagógica de los acontecimientos, en desmedro quizás, de una elocuencia evidente, que trasuntan sus imágenes por sí mismas, y un certero escrutinio sobre lo que significa "adoctrinar" a un niño en las filas de la insurrección. 
Todos los diálogos que ocurren en el altiplano, mientras al chico lo entrenan para prácticas de tiro y ataques subversivos, delinean la practicidad del "lavado de cerebro" a que se exponen los menores, proclives a estos desaciertos ideológicos. En este sentido, la película "juega" con el extremismo más desaforado, en el personaje de la muchacha que muere durante un ataque sorpresa al pueblo del niño. 
Cierta remarcación narrativa, no logra profundizar por qué ese puñado de "rebeldes", actúan parapetados lejos de la ley y del orden, incursionando en sangrientos enfrentamientos con la policía oficial. Eso sí, queda establecido, que el extremismo flagela hasta la inocencia de un niño de familia de escasos recursos y lo transforma en un ser anónimo, capaz de morir por causas que nunca logra entender del todo.
Se trata de una película interesante de conocer y discutir, desde el punto de vista educativo, pues absorbe muchas de las coordenadas más elocuentes de los cambios que han vivido nuestras culturas en los últimos cincuenta años.

"Salvatore : Questa é la Vita" , de Italia :
El Fenómeno del Niño Que Trabaja.

Profesor y alumno : amigos entrañables hasta en los momentos más complejos.

Del Cine Italiano de la última década, apareció esta amena película, que no logra ser totalmente sustanciosa a una temática tan interesante de llevar al cine, como la de los niños que , por distintas circunstancias, deben asumir el trabajo para sobrevivir en un mundo implacable.
El filme dirigido por Gian Paolo Cugno, se destaca por la notable fotografía de Gino Sgreva, que aplica sus favores estéticos en el hermoso paisaje de Sicilia.  
El relato gira alrededor de Salvatore ( Alessandro Mallia ), un niño pescador de trece años, que queda huérfano, y debe dividir su tiempo, entre los estudios del colegio y la mantención de su hogar, comprendido por su hermana menor y su abuela.
El chico es listo y práctico, pues abarrota su tiempo libre también para atender el cultivo de tomates que tiene en su invernadero familiar.
El problema viene para la escuela. Por un lado, Marco Brioni ( Enrico Lo Verso ), su joven profesor le proporcionará las herramientas para evitar perder el año escolar, ya que él mismo irá al invernadero a hacerle clases. 
Por otro, el Estado intentará fustigar los esfuerzos del pequeño para aplicar la ley de la jurisprudencia, que obliga a internar al muchacho y al resto de su familia en hogares de acogida. 
Esta lucha entre las dos instancias : la del docente, que entiende al niño y le reclama su puntualidad en las tareas de la Escuela  y que hace lo indecible para que no se lo lleven a un internado; y la de la asistente social , Laura Valvo ( Galatea Ranzi ), que aplica el rigor de la propuesta jurídica sin escuchar mayores razones; marcará el desarrollo del relato, condicionándolo a ciertos lugares comunes no exentos de artificialidad.
Sin embargo, la película logra su cometido de establecer dos formas de entender la educación del niño que trabaja. 
Se trata de una mirada crítica, que no pierde preciosismo visual, aunque asume que el tema central, es la pertenencia y conciencia de una realidad, que se está dando en todos nuestros países.
 

El director Gian Paolo Cugno con su cámara, en los parajes naturales de Sicilia.

 

En Roma con los actores del filme en la premiére.

Sin ser una obra totalmente lograda, pues considera evidentes pies forzados en la historia, "Salvatore : Questa é la Vita" ( 2006 ), resulta una experiencia agradable de ver y discutir si se tiene el suficiente interés por el tema.
Una obra recomendable que la disfrutarán sobretodo los docentes y sociólogos expertos en cuestiones familiares de reciente data.


"Flipped" de Estados Unidos :
El Unico Gran Amor.

Amores para toda la Vida.

Conocida es la trayectoria del realizador estadounidense Rob Reiner, autor de ese pequeño clásico del cine adolescente que es : "Cuenta Conmigo" ( "Stand by Me" ) y que vuelve a las reflexiones pasadas, ahora a dos voces. En efecto, la película es narrada en "off", desde las perspectivas de dos niños que se encuentran y se enamoran. 
Bryce ( Callen McAuliffe ) no está tan seguro del amor de su vecina de enfrente , la bella Julianna ( Madeline Carroll ), porque es un niño encerrado en su hogar, demasiado tímido y con fobias algo recurrentes. Todo el relato tiene la gozosa complicidad del espectador, ya que Reiner opta por contárnoslo, a través de la conciencia de sus dos pequeños personajes. 
Este gesto le sirve para enrostrarnos, cuán distanciadas son las apariencias de la realidad. Pero también, para delimitar lo complejas que resultan las relaciones entre dos sexos opuestos. 
 

La amistad del colegio reñida con la visión de los que realmente descubre tu corazón.

El bochorno del concurso donde el muchacho aparenta lo que no es.

La película parte en 1957 y acompaña todo el crecimiento del amor entre estos dos chicos, hasta que se autodefinen como "el uno para el otro". 
Con la pericia narrativa acostumbrada, solidifica su mensaje con la apuesta ecológica. De ahí, la simbólica sutileza de agregar, una lucha abierta contra la destrucción de un enorme árbol desde donde Julianna contempla la naturaleza en su mayor grado de esplendor y grandiosidad. El mismo árbol que será símbolo del poster promocional de la película, y que tendrá una implicancia más que evidente en el desenlace.
"Flipped" ( 2010) destaca por su excelente recreación de época, que Reiner aprovecha de remarcar con un puñado de éxitos musicales de su tiempo. 
Además, los niños actores están notables en sus personificaciones. Callen McAuliffe aparece demasiado frágil al principio, para ir sufriendo la decepción de su propia conciencia, hasta madurar en una cambio que es también físico y mental.
Y la niña, Madeline Carroll, que está realmente estupenda, y que lleva gran parte del "peso" dramático del relato,  transmite todas las ansiedades y temores del crecimiento en la adolescencia, con la fuerza de sus doce años.
Gran película, que en su momento pasó injustamente desapercibida, y que merece una segunda oportunidad a través del DVD. 



Ricky Schroder :
El niñito de las lágrimas furtivas.

Pecoso, rubicundo, pequeñito, algo delgado, así irrumpió en el cine Ricky Schroder ( nacido en 1970, en "State Island", Nueva York ), un experto en sacar lágrimas, gracias a su notable fragilidad para actuar en dramas de emocionalidad estertórea. 
Ex modelo infantil, que partió en un spot llamativo de la "Kodak", se transformó de la noche a la mañana en un ídolo de la infancia desprotegida, que clama urgentemente amor familiar.
La película fue una "remake" de una cinta de King Vidor de los años treinta, para lucimiento de la dupla Wallace Beery y Jackie Cooper.
Se titula "El Campeón" ( "The Champ", 1979 ), y como recordarán Ricky se desvanece, llora y dramatiza hasta el éxtasis, en un desenlace antológico por lo flagelante y desbordado. Franco Zefirelli acentúo la presencia de Ricky, conciente que tenía entre sus manos a un nuevo prodigio para el cine industrial. 
La respuesta no se hizo esperar. El niño viajó a los parajes naturales australianos para rodar "Más allá del Cariño" ( "The Earthling" ( 1980 ), bajo la mirada atenta del realizador británico Peter Collinson, y en lo que, supuso la casi despedida de la pantalla y de la vida, del gran William Holden y del propio director del filme. 
Allí, Ricky se desbancó tras un accidente de una casa rodante donde pierde  a sus padres. Acompañando a un viejo moribundo en medio de bosques de eucaliptus, canguros, koalas y demás,  Ricky extendió el arquetipo por el que fue alzado como el sucesor conciente de Jackie Cooper.

"El Campeón" : Por el amor de Papá.

Entrenando con Papá ( Jon Voight ) con la complicidad fraternal del cariño eterno.

El amor ausente : la madre que se fue y volvió a reclamar a su vástago.

 

La emoción que desgarra : el padre buscando la segunda oportunidad acosta de su vida.

En "El Pequeño Lord Fauntleroy" : amigos de sus pares, sin asumir aún, las vueltas de la vida.

El pequeño Ceddie, con el cariño y el amor de su madre, vive una situación modesta pero feliz.

El cambio abrupto, de la pobreza a la nobleza de su posición hereditaria.

Ricky como "El Pequeño Lord" logró masificar su popularidad en la década de los años ochenta.

Adaptándose a las exigencias del título nobiliario en la inmensa finca.

 

Con su abuelo en las hermosas inmediaciones del castillo.

"El Ultimo Vuelo del Arca de Noé" : la aventura veraniega de matinée.

 

Convertido en ídolo infantil del cine ochentero.

Más tarde, hizo las maletas y partió a Inglaterra para una nueva "remake" de un clásico MGM de Freddie Bartholomew, "El Pequeño Lord Fautleroy" ( "Little Lord Fautleroy", 1980 ), que tenía ambientes estilizados por una magnífica fotografía, ahora bajo la mirada del realizador Jack Gold.
En esta ocasión, pudo codearse con el mismísimo "Obi-Wan Kenobi", Alec Guiness,  que dejaba por un momento las galaxias lejanas, por la estatura nobiliaria de un abuelo gruñón pero adorable.
Después Walt Disney Productions, lo refugió para una aventura veraniega, que poseía el encanto de los relatos familiares a lo "Robinson Crusoe". En : "El Ultimo Vuelo del Arca de Noé" ( 1981 ) de Charles Jarrott,  Ricky convertía la travesía por una isla del Pacífico, en un salvamento animal de parangones casi bíblicos. 
Amena, divertida y pasajera, la película le sirvió a Ricky para afianzar una imagen de niño bueno, lagrimógeno, y susceptible a nuevos desafíos laborales.
Cautivado por la televisión, Ricky hizo una serie que tuvo gran éxito en Estados Unidos, "Cucharas de Plata" ( "Silver Spoons", 1982-83); una versión del clásico cuento infantil de "Hansel y Gretel" para el programa "Faerie Tale Theatre", y que en Chile se distribuyó en video; algunos dramas contemporáneos como : "Una razón para vivir" ( "A Reason To Live", 1985 ), "Dos clases de amor"; "Fiel a mis Convicciones" y "El Extraño" ( 1990 ), y el magnífico western "Paloma Solitaria" ( Lonesome Dove", 1988 ), que lo emparejó con Robert Duvall. Esta última producción era una especie de gran "revival" a "Río Rojo" de Howard Hawks y "Ricky" pasó a ser un "Rick" adulto, macho, recio. Un cowboy estupendo, valiente y humano.

A estas alturas, la actividad de Rick casi se concentró exclusivamente en la pantalla chica. Por ahí, tiene una notable película B, "Mi hermano mayor" ( 1983 ) dirigido por Lou Antonio, que se exhibió por la TV Cable, donde Ricky a sus trece años demuestra que, está en el cenit de sus condiciones histriónicas. 
 

Cuando recién comenzaba a destacar en la actuación "amateur"en 1976.

En Australia cuando rodó "Más allá del Cariño", se encariñó con los canguros.

En "Más allá del Cariño" , interpretaba a un niño huérfano que acompaña a un aventurero viejo y enfermo a punto de morir.

 

Para la televisión hizo la serie "Cucharas de Plata" .

 

En una foto casera, con su hermana mientras degustan unos helados.

 

Ricky Schroder con parte de su familia.

Sus hijos son su mayor orgullo.

Con su hijo mayor que le sigue los pasos en la actuación.

Después poco y nada se supo de él. Lo cierto es que, para sobrevivir y mantener una imagen ya reconocida por los espectadores de los ochenta, Rick aceptó mucho telefilme ( "Call of the Wind", 1993 ; "Texas", 1994 ), hasta el exitazo de la serie policial  "NYPD Blue" ( "Policía de Nueva York", 1998-2001, 64 episodios  ).
Entre estas tareas cotidianas, Rick conoció al amor de su vida, se casó y tiene varios hijos, lo que le alejaron de tantos excesos que hay en el mundo de las luces. Según los comentarios, ha formado una familia plena y feliz.
Más adelante, fuera de lucirse en la pantalla con una actriz uruguaya-chilena y mantenerse vigente con su rol en la serie "Strong Medicine" ( desde el 2005 ), Rick también hizo cine : "Caminos Cruzados" ( "Across the tracks", 1990) ; "Aquí está el bebé" ( "There Goes my baby", 1990) y "Black Cloud" ( 2004 ), siempre "movies" muy B o independientes, que no alcanzaron a superar las cotas de la medianía.
Sin desconocer que, sus mejores momentos en el cine pertenecen a su etapa infantil, Rick se ha acomodado a la idea de la masificación universal de la televisión, donde parece definitivamente muy cómodo y realizado.

Pamela Franklin :
Poseída por Amor a la Actuación.

Ella siempre fue una niña de armas tomar, y nunca se quedó corta o extraviada al encarnar a chiquillas pícaras, demasiado maduras, revoltosas, despiertas y hasta medias malditas.
Pamela Franklin ( nacida en 1950, en Yokohama, Japón ), fue sinónimo de versatilidad prematura, una prodigio ideal para papeles que exigen grandes recursos expresivos y mucha emocionalidad. ideal para papeles complejos y difíciles. 
De hecho, su debut abrasador, fue en la notable "Posesión Satánica" ( "The Innocents", 1961) de Jack Clayton, junto al niño Martin Stephens, donde encarna a la poseída hermana del cuento de Henry James, sumergida en un laberinto de vicios, ambigüedades y mentes retorcidas.
Después trabajó con William Holden en "El león" ( "The lion", 1962) en tierras africanas, específicamente en Kenya, donde interpreta a Tina, una niña que se ha encariñado desde su infancia con un león, a vista y paciencia de su papito querido.
Sus películas posteriores fueron casi siempre familiares, en el estilo de : "The Third Secret" ( 1964 ); "A Tiger Walks" ( 1964 ) y "Las Nuevas Aventuras de Flipper" ( 1964 ), donde aprovechó el éxito de la serie televisiva del delfín amistoso, para vanagloriarse en las aguas del Pacífico, con su talento acostumbrado. Tremenda actriz, si se aceptan sus desbordes dramáticos. 
 

En "Posesión satánica" desarrolló una intensa y efectiva actuación dramática.

Con Deborah Kerr en su debut cinematográfico, luciendo sus dotes histriónicas.

En "El león", amiga entrañable de un fiero rey de la selva.

En su juventud, demostró sus dotes para el filme de terror y la comedia mundana.

"La Primavera de una Solterona" : entendiendo el arte y los vaivenes de la madurez.

Luciendo hermosos sombreros llegó a la televisión donde como invitada hizo varias seriales.

Pamela fue en verdad, un rostro bonito, expresivo, escrutador y de enorme consistencia. Si la actuación pudiera pesarse, ella se llevaba una tonelada a casa.
Lo demostró en su tándem con Bette Davis en : "The Nanny" ( 1965 ), una película terrorífica menor, pero efectiva ; y la notabilísima "A las nueve de cada noche" ( "Our Mother"s House", 1967 ), otra vez bajo la supervisión de Jack Clayton, pero ahora para contarnos la historia de los Hook, siete hermanos británicos, que deciden enterrar a su madre en el jardín, después que ésta fallece de una enfermedad, y ocultar su partida para evitar que los separen y los lleven a un orfanato.
Pamela está notable como Diana la mayor de las niñas, sugestionando al resto de sus hermanos, como una "medium" algo histérica y sobrepasada en su dominio de los elementos sobrenaturales.
Su crecimiento físico, fue a la par, con sus condiciones para lucirse en roles siempre perfectos. Entre 1968 y 1969 hizo tres largometrajes, de los cuales "La Primavera de una Solterona" ( "The Prime of Miss Jean Brodie", 1968 ), se cuenta como una de sus máximas interpretaciones, a dúo con la solvente Maggie Smith. Ella era Sandy", la díscola, airada y rebelde muchachita de un colegio escocés, que le hace la vida difícil a su maestra hasta entenderla del todo. Si se quiere, nunca tan apegada a los códigos "british" de la Corona. Es que Pamela fue la "James Dean" del firmamento inglés. Obvio. A su modo.
Con el comienzo de la década de los años setenta, Pamela se dedicó casi por entero a sus actuaciones en televisión. Completó algo más de 50 apariciones , con algún filme por ahí,  más orientado al espectador adicto a los relatos de fantasía y terror. Entre esos títulos caben destacar para su descubrimiento : "And Soon the Darkness" ( 1970 ); "Necromancy" ( 1972 ) y "The Food of the Gods" ( 1976 ).
Con todo, Pamela fue una personalidad infantil atípica en la pantalla grande. Alejada de los flemáticos tiempos del cine británico más académico, intentó suplir sus necesidades de expresividad, con películas que desbloqueaban las eternas cintas formales, un tanto para acomodar la increíble personalidad de esta prodigio inolvidable del cine infantil inglés. Y otro tanto, para deleite de sus fieles seguidores.

Barret Oliver :
El Pequeño lector de "La Historia Sin Fin".

De todos los niños prodigios, que poblaron el cine norteamericano en la década de los años ochenta del siglo pasado, Barret Oliver ( nacido en 1973 en Los Angeles, California ), es el que tenía el carisma más natural. 
Un rostro de chico ladino y latino, notablemente expresivo y gesticulador, que cosechó los frutos del éxito, en apretados ocho años de carrera. 
A sus características estéticas, donde sobresale una nariz de orificios respiratorios enormes y unas pecas encantadoras, Oliver unió una simpatía desbordante, grácil, tibia como la primavera y una mirada muy astuta, casi intelectual.
Como muchos prodigios noveles, Barret debutó en la televisión, en un capítulo de la famosa serie "El Hombre Increíble" ( "The Incredible Hulk", 1981 ) acompañando al mismísimo fisicoculturista Lou Ferrigno.
22 apariciones hicieron el resto, de los cuales sólo nueve aprovechó el cine, con celeridad antes de su maduro desarrollo físico. 
Desde su pequeño rol en "Jekyll & Hyde...Together Again" ( 1982 ) como extra en un supermercado, hasta las más indulgentes "Mi Adorable Fantasma" ( "Kiss Me Goodbye", 1982 ) y "Uncommon Valor" ( 1983 ), donde no pasaba de secundario infantil con presencia y unas pocas líneas de argumento.
Su gran oportunidad, que él aprovechó con sobriedad y talento, fue en : "La Historia Sin Fin" ( The Ending Story", 1984 ), realizado por Wolfgang Petersen, donde interpreta  a "Damian", el pequeño lector del cuento , instado por los personajes de la Tierra de Fantasía a salvar su mundo de la invasora y aplastante "Nada", según el célebre relato de Michael Ende.
El filme producido en los Estudios "Bavaria" de Alemania, fue uno de los más caros de la historia del cine germano, y se proveyó de todos los recursos de las técnicas en efectos especiales, para reproducir fielmente las componendas del libro. Barret apareció entrevistado en la TV local junto a la bellísima Tami Stronach, su compañera de reparto, montado en un caracol gigante, magnífico "muppett" que aparece en la película. El niño explica las sutilezas de la producción y se sintió muy a gusto en Europa, donde recibió gran apoyo y cariño durante los meses del rodaje.
De regreso a Estados Unidos, Oliver rodó "D.A.R.Y.L." ( 1985 ), de Simon Wincer, otro rol estelar donde interpretó a un niño cibernético adoptado por una familia y perseguido por los servicios de seguridad nacional, porque él mismo es una poderosa arma de contraespionaje. 
El filme se mantiene refrescante y vigoroso, como una buena muestra de cine de matinée, muy bien estructurado, narrado y actuado, y afín con el auge que despertará en nuestros tiempos, los temas de la informática y de la "Inteligencia Artificial", que ya moviera a Steven Spielberg a dirigir una producción con Haley Joel Osment.

Un primerísimo primer plano como lector voraz en "La Historia sin Fin"/ "Historia Interminable"

Con el libro intentando salvar fantasía.

Estimulando a gritos al joven Atreyú para lograr sus objetivos benefactores.

 

El mundo mágico de Michael Ende, en la superproducción rodada en los estudios Bavaria en Berlín.

Participando del fantástico relato, montado en un amistoso dragón con rostro canino.

En "Cocoon" y secuela, fue el nieto "regalón" de unos abuelos que viajan al espacio exterior invitados por seres extraterrestres.

 

"D.A.R.Y.L.":  reforzó la idea de la inteligencia artificial.

Sobre un avión caza escapando de la destrucción.

Con su "hermano" en el laboratorio, revelando sus íntimos secretos a sus padres adoptivos.

En la vida real, Barret fue un muchacho común, sincero y transparente.

Oliver ( de barba ) actualmente, en una exposición en una galería de arte neoyorquina.

Después, Barret efectuará sólo actuaciones secundarias, proclives a explotar su lado bonachón, tiernucho y afable, por ejemplo, en el díptico "Cocoon" ( 1985- 1988 ),  donde sus abuelos cinematográficos preparan su viaje a galaxias lejanas convidados por seres extraterrestres.
Entremedio, colaboró en : "Frankenweenie" ( 1984 ), la obra de Tim Burton donde encarna al joven Victor Frankenstein que le da vida a un perro-clon, y que ha sido la base de una película de animación cuadro a cuadro, recién estrenada en España; "El Lugar Indicado" ( "Spot Marks the X", 1985 ), una "remake" del clásico literario "El Jardín Secreto" donde interpreta al amigo pastor Dickon; y la producción policial "Invitation to hell" ( 1984 ).
Su última aparición, será en la comedia "light" : "Lucha de Sexo en Beverly Hills" ("Scenes From the Class Struggle in Beverly Hills", 1989 ) del realizador "underground", Paul Bartel.  
Oliver aparece en esta cinta, muy "freak", demasiado "trash" y algo estrujado por los delineamientos de la moda "pop" de la época. 
Su vida posterior fue un misterio, hasta su reciente aparición por youtube y facebook como un sacerdote hinduista, más cercano a las beaterías de las Tierras de la Fantasía. También se dedica a la plástica, donde ha adquirido una notable reputación, exponiendo en las principales galerías de Arte de Estados Unidos.
Irreconocible, regordete y con barba, sólo nos queda recordarle en sus notables incursiones cuando niño actor, donde tuvo la posibilidad de asumir con modélica actitud, sus dotes para la actuación frente a las cámaras. 

Fotos Gentileza : Revista "People"- "The New York Times"- Spoken- MainStreetMall on line- WireImage - CelebrityBabyBlog - Imaginow- Childstarlets- Moviekids- MGM y Warner.

Afiche promocional de "Posesión satánica" ( "The Innocents" ), dirigida por Jack Clayton.

Otro diseño de un poster publicitario de la película antes citada.

Carátula del DVD de "El Campeón" de Franco Zefirelli.