Séptimo 7 sello: Las Mejores Películas de la Historia del Cine :

TOPS DE TOPS.

"Más Corazón que Odio" de John Ford, considerada una de las mejores películas de la historia.

La fiebre los rankings, preservan la magia en el impacto popular que tienen las películas. Existen charts especializados que, año a año, dan cuenta de las películas más taquilleras en cada país del mundo.
También están los tops de películas de culto. Esas que se exhiben en circuitos universitarios, lejos de las incidencias comerciales.
Como podría sostenerse, no es fácil convertir al denominado "séptimo arte" en una competición deportiva, para dilucidar cuál es la película más importante de la historia del cine.
Aquella obra que equivaldría al Otelo, al Hamlet o al Quijote de la literatura, o a la Novena de Beethoven o algún aria de Chopin.
En todo caso, acorde a la votación convocada cada década por la prestigiosa revista británica "Sight & Sound", hay un dato muy significativo respecto de sus preferencias.
Cuando se efectúo el primer referendum, la cinta italiana "Ladrón de Bicicletas" de Vittorio De Sica obtuvo la máxima calificación, superando incluso obras de Chaplin, Eisenstein, Griffith o Dreyer.
Sin embargo, ni Orson Welles ni su "Ciudadano Kane", aparecieron entre los más votados, hasta que, en 1962, se alzó a la cabeza de las preferencias, logrando replicar en 1992.
Así las cosas, en gustos no hay nada escrito, pero ostensiblemente se pueden obtener de distintos parámetros, una lista de películas valiosas que son imprescindibles, en cualquier ranking que valore lo que, hasta ahora ha dado el cine en el mundo.
"Septimo7sello" como una manera de incentivarlos a descubrir esos títulos señeros, ha recapitulado en varias listas, para ampliar aún más, el encanto por ver cine arte, cine comercial y cine en su justa concepción. De eso, trata esta nueva entrada que esperamos disfruten de principio a fin.

Aportes valiosos a las eternas listas de preferencias.

"El Río" de Jean Renoir, otras de las joyas del séptimo arte.

En 1955 se reunieron en Bruselas, cineastas y críticos de casi todos los países del mundo que producen películas, clasificando las sesenta mejores exhibidas hasta entonces.
El primer lugar fue otorgado para "El Acorazado Potemkin" de Sergei Eisenstein, y el segundo a, "La Quimera del Oro" de Charles Chaplin, seguidos por "Ladrón de Bicicletas" de Vittorio De Sica, "La Pasión de Juana de Arco" de Carl Theodor Dreyer y "La Gran Ilusión" de Jean Renoir.
Esta lista fue pionera en su tipo, pese a que las revistas especializadas como la citada "Sing & Sound", "Cahiers du Cinema", "Film Ideal", "Cinemanía", "Premiere", "El Amante" y "Variety", tienden a efectuar sus propias listas, siguiéndole el pulso a los estrenos que se exhiben en sus países de origen.
Aportes significativos han sido además, los libros que, a propósito de estos rankings, insisten en publicar, en exquisitos diseños plagados de fotografías, las 100 Mejores Películas de la Historia. O las 500. O como en el caso de Grijalbo, Las "1001 Películas que hay que ver antes de morir", en un excelente éxito editorial dirigido por Steven Jay Schneider.
Gran aporte dejó el canadiense John Kobal y su breve pero profundo libro : "Las 100 Mejores Películas" de Alianza Editorial en español.
A nivel chileno, Julio Lopez Navarro hizo lo suyo con "Las Mejores Películas de Todos los Tiempos"; mientras que Ascanio Cavallo y Antonio Martínez, lograron una magnífica obra titulada :"Cien Años Claves del Cine" de Editorial Planeta, revisitando las películas que según los autores fueron decisivamente influyentes en la historia.
A no mediar que, en materia de libros, también hay publicaciones que analizan los tops separados por géneros : "Las Mejores 100 películas de terror", "Las Mejores 100 comedias", "Las Mejores Películas de Ciencia Ficción", etc.
Para despertar el apetito cinéfilo, además, la mayoría de los textos, consideran la belleza gráfica y fotográfica.
Un hecho indesmentible, que acentúa el poder que tiene la imagen entre los espectadores, que también son devoradores de libros y revistas de séptimo arte.

Las 10 Películas más Taquilleras del Mundo.

La saga de "Piratas del Caribe", que ha reportado multimillonarias ganancias.

Esta lista tiende a variar ostensiblemente cada cinco años, aunque se publica año a año. Ciertamente, la crisis económica europea la ha hecho más estacionaria.
Sin embargo, como comprobarán la mayoría del cine taquillero es estadounidense, y se aplica a superproducciones oscarizadas, o pasatiempos plagados de diversión, efectos especiales y acción.
Si consideramos que, el público asiduo al cine, que no se pierde funciones los fines de semana, es exclusivamente juvenil, se entenderán las razones de tales éxitos.
Importante es destacar que, detrás de cada inversión multimillonaria hay en algunos casos, realmente unos récords de recaudación hasta ahora insuperables.
La última lista que todavía no ha variado es la siguiente :

1) Avatar" ( 2009) : 2.782,3 millones de dólares.
2)"Titanic" ( 1997) : 1.843,2 millones de dólares.
3)"El Señor de los Anillos : El Retorno del Rey" ( 2003) : 1.119,1 millones de dólares.
4)"Piratas del Caribe : El Cofre del hombre muerto" ( 2006) : 1,066 , 2 millones de dólares.
5)"Toy Story 3" ( 2010) : 1.063,2 millones de dólares.
6)"Piratas del Caribe 3" ( 2011) : 1,029 millones de dólares.
7)"Alicia en el País de las Maravillas" ( 2010) : 1.024, 3 millones de dólares.
8)"Batman : El Caballero Oscuro" ( 2008) : 1,001 millones de dólares.
9)"Harry Potter y la Piedra Filosofal" ( 2001) : 974,7 millones de dólares.
10)"Piratas del Caribe : En el Fin del Mundo" ( 2007) : 963, 4 millones de dólares.

25 Grandes Películas Clásicas.

Se supone que estas películas son valiosas, muy recomendables, imprescindibles de ver, y que debieran estar en todas las cinematecas más importantes del mundo.
De las listas personales y utilizando varios rankings, hemos confeccionado la siguiente lista que merece su atención cinéfila.

1) "Ciudadano Kane" ( 1940) de Orson Welles.

La obra capital de un genio del séptimo arte.

Que se puede escribir de nuevo y relevante sobre esta obra mimética del cine de todos los tiempos.
"Citizen Kane" ( 1940) es la película que nunca pasa de moda; que resulta compleja y pesada de ver la primera vez; que insistentemente manifiesta su osadía experimental en la obsesiva traslación de un universo barroco, delirante y opresivo.
Cuanto material se ha publicado sobre su rodaje. Cuanto más sobre su genio.
¿ En que momento, Welles asumió la paradoja de llevar al cine, la vida de William Randoph Heast disfrazada de su propia megalomanía de la perfección ?
Nunca más sutil que, con las innovadoras posiciones de cámara de Greg Toland o los efectos de iluminación que le dieron una textura exquisita.
Aunque no todos los elementos que integran la película, son exclusivamente originales, Welles se adelantó a los devenires del propio lenguaje audiovisual, al mezclar y polifraccionar la narrativa, al trascender con la madurez intelectual de los escritores clásicos, en un drama que es también poesía, documental, realismo intimista, metáfora sobre el auge y caída de un obseso.
Si la materia con que están hechos los sueños, es carbonita a lo Welles, "Ciudadano Kane" es el hijo pródigo de todo el conjunto.

2) "Ladrón de Bicicletas" ( 1948 ) de Vittorio De Sica.

La pérdida de la estabilidad laboral y emocional.

Inclasificable como obra maestra absoluta del neorrealismo italiano, pese a los cambios sustanciales que ha sufrido el mundo, todavía es una película que no pierde su raíz de ser.
"En una era de consumismo , una cinta que representa una llamada a la conciencia solidaria podría parecer desplazada, y sin embargo, continúa estando en la lista de aquello que, no se quiere olvidar. Quizás, en buena parte, la perduración de la obra venga de lo sincero de su planteamiento; y quizás, también, los sentimientos y la poesía que de ella se desprenden serían suficientes para explicar su perdurabilidad. Sin embargo, lo más probable es que la perduración se deba , por encima de todo, a su singularidad. Si ante ella se puede hablar de cine-crónica, de estructura abierta, de melodrama contemporáneo, o de tragedia social, en realidad todo ello no son más que elementos estructurales o significativos, pero parciales".
La película está fuera de cualquier esquema básico, pues es una obra excepcional, hecha en un momento histórico excepcional y con actores no profesionales excepcionales, y a un ritmo de "hambre visual", que sólo te deja la destrucción bélica, y el asentamiento de la esperanza humanista detrás de la tragedia.

3) "El Río" (1950) de Jean Renoir.

Las chicas descansan bajo la belleza de los árboles en flor.

Algunos me echarán en cara que debería colocar : "La Gran Ilusión" o "La Regla del Juego" del mismo director. Pero es que, "El Río" ( "The River", 1950 ), es de tal belleza y su naturaleza resulta tan prístina, a los fines didácticos de un viajero en la India, que es imposible dejarla fuera de un ranking de esta categoría.
Nunca se le ha justificado en listas especializadas, porque muchos críticos la consideran demasiado pueril, muy infantil, melosa, concientemente estetizante.
Sin embargo, nosotros la hemos valorado en constantes reivindicaciones, porque hay algo que la hace crecer con cada revisitación, desde dentro del conflicto que plantea.
No está sólo el esfuerzo de instituír el descubrimiento romántico de la India, en su grado más poético, sino más bien, en implantar el proceso de cambio que viven tres adolescentes con la llegada de un joven apuesto y viril a un mundo exótico y sensual.
La película es una clase magistral de plasticidad escénica. Pero también una descripción cariñosa y atenta sobre la adolescencia, la familia, el sentido de la muerte trágica en la infancia, y la perdurabilidad de la naturaleza sobre la fragilidad de la humanidad. Para engolosinar los ojos, y el corazón.

4) "La Pasión de Juana de Arco" ( 1928 ) de Carl Theodor Dreyer.

Renée Falconetti en su única actuación inolvidable para el cine.

Se trata de la última producción muda de Dreyer, antes de insertarse en los experimentales albores del sonido.
El argumento concentra los 18 meses de interrogatorio de Juana de Arco, la campesina medieval que llevó a los franceses a la victoria y que murió en la hoguera acusada de brujería, en un relato que se desarrolla en un día, "tomando como tema central el encuentro de su alma a través del sufrimiento".
Austera, transparente, metafísica, la cinta está interpretada por la actriz Renée Falconetti, descubierta por el director en una comedia teatral, que le dió no sólo rostro y cuerpo al personaje, sino una intensa emocionalidad, pese a que fue la única película que hizo en su vida.
Filmada casi toda en primeros planos con un fondo neutro, evita todos los adornos posibles para concentrarse en la tragedia, con un protagonismo casi absolutista de la cámara y los rostros que desfilan por la cámara.
Inolvidable por su simbólica poesía, la secuencia de Juana muriendo en la pira, mientras Dreyer sugiere con el viaje de unas palomas, la fuga del alma de la mujer al cielo.

5)"Acorazado Potemkin" ( 1925 ) de Sergei Einsenstein.

Sergei Einsenstein durante el rodaje de la célebre película.

La película por autonomasia, que demostró las innovadoras teorías del "montaje de atracciones".
Es como el padre de todos clips del mundo y el abuelo del spot de propaganda ideológica. Un certero filme de vanguardia, que rompió todos los cánones de narratividad, conocidos hasta ese momento.
Efectuada para conmemorar el XX Aniversario del ensayo revolucionaro de 1905 en Rusia, es un auténtica joya, que supera su mirada política por el condicionamiento dramático de la matanza en las escaleras de Odessa, pieza homenajeada varias veces, por otros cineastas como Brian De Palma y Terry Gilliam.
Rodada en una semana y montada en 12 días, acentúa el valor de la imagen, en base a los choques simbólicos entre los cosacos y sus víctimas.
Es tal el poder de sus imágenes, que no se olvidan fácilmente escenas como : los gusanos en la carne en pudrición, las botas amenazadoras bajando las escalinatas, el caos público, la madre con su hijo en brazos, intentando en vano detener la matanza, o el cochecito del bebé cayendo peligrosamente hacia la muerte.

6) "Casablanca" ( 1942 ) de Michael Curtiz.

Humphrey Bogart, Ingrid Bergman y Paul Henreid, los protagonistas del mítico filme de la Warner, en las afueras del café de Rick"s.

Nunca hubo un accidente más feliz. Una película escrita mientras era rodada sobre la marcha, como si fuera una obra más del montón de la Warner.
Sin grandes ambiciones, con un talento que sólo se puede constatar en la época del "star system" en Hollywood, fruto de una génesis incierta y de un desarrollo mancomunado entre actores y técnicos, director y guionistas.
Una obra en discusión permanente, articulada como una pletórica celebración multirracial de la democracia en tiempos de nazismo, subliminada al conciente romántico del espectador medio, por el carisma y belleza de Ingrid Bergman, la postura de Humphrey Bogart y la música "As Time A Goes By" ejecutada al piano por Dooley Wilson.
Llena de frases clichés, aupada de hipérboles y diálogos para el broce del estilo : "El mundo se desintegra y nosotros enamorados", o, "Los alemanes iban vestidos de gris. Tú, de azul".
Que gozosa complicidad nos trae "Casablanca", con el Bar de Rick atestado de cosmologías variopintas, villanos de todos los calibres y unos personajes que no resisten análisis, sólo integradas en el mundo idealizado de Hollywood.
Se trata de una historia romántica y oscura como salida de "Las Mil y una Noches" para adultos. Sin duda,todo un referente del cine hecho en estudio.

7) "La Noche del Cazador" ( 1955 ) de Charles Laughton.

Mosaico con escenas determinantes de la película.

Por su valor testimonial acerca de la fuga de un demonio tras unos niños abandonados por la ambiguedad del destino, ésta única película que dirigió el notable actor británico Charles Laughton, debiera figurar en todas las antologías del cine.
No sólo está su extraordinaria capacidad de discernir acerca de los terrores infantiles del mundo moderno, sino de domesticar el folletín policial y transformarlo en alegoría sobre la eterna lucha del bien y del mal.
Imágenes icónicas como : el cruce de las manos del falso predicador Harry Powell ( Robert Mitrchum ) fustigando el choque entre las luz y las tinieblas; o la del cuerpo de la madre de los niños perseguidos por él, que yace como una sirena varada en el fondo de un río; o el del viaje en bote que emprenden en una noche de luna llena los dos muchachitos; remarcan la soberbia utilización del blanco y negro, expresionista, gracias a la estupenda labor del fotógrafo Stanley Cortez.
Perturbadora, intensa, pesadillesca, ambigua, llena de simbólicas referencias al Bien y al Mal, "The Night in the Hunter" es también la constatación de un mundo en crisis, cuyas mayores víctimas ( los niños), están al desamparo de adultos escrupulosos, malévolos y siniestros.
Grandes actuaciones de Robert Mitchum, Shelley Winters, Lilian Gish y los niños Billy Chapin y Sally Jane Bruce. Inolvidable.

8) "Tiempos Modernos" ( 1935) de Charles Chaplin.

Chaplin montado en el interior del mecanismo de la fábrica.

Ustedes me discutirán que podrían ser destacadas también : "Luces de la Ciudad" o "La Quimera del Oro", pero preferimos incluír esta comedia alocada, porque inserta una mirada casi anticipatoria sobre el mundo mecanizado, obnubilado en las aparentes facilidades que nos da el confort de la tecnología, el consumismo y los avances industriales.
Chaplin evitó el sonido y los diálogos, para acentuar el lenguaje visual sobre los diálogos.
Sus gags están elaborados con la destreza del artista consumado. Nada escapa a su génesis.
Charlot puede utilizar los botones de una dama, para subrayar la mecanización de su conciencia. Danzar como ballerina mientras aceita los engranajes de una fábrica. O sencillamente, mostrarnos el interior de la misma, como si fueran las piezas gigantescas de un reloj. Algo que Martin Scorsese reutilizó para su magnífica "La Invención de Hugo Cabret".
"Modern Times" es sin duda, una joya imperecedera del cine de todos los tiempos.

9) "Más Corazón Que Odio" ( 1956 ) de John Ford.

El "Monument Valley" aparece en toda su árida majestuosidad.

Mosaico con escenas preponderantes del western.

Figura icónica de la película.

Ciertamente, podrían estar en esta lista : "La Diligencia", "Que verde era mi valle" o "Uvas de Ira" del gran Ford, pero elegimos esta película en color, "The Searchers" , porque es la que mejor resume sus temáticas, sus obsesiones y sus cambios autorales, que lo hicieron más seco, visceral e inconformista con el transcurso de los años.
Se trata de su mejor western, alambicado entre el drama costumbrista y el filme romántico antiracista, que dejó ver la paulatina evolución que sufrió su carácter.
Ford era conciente de los valores del cambio de Ethan Edwards ( John Wayne ), un antihéroe que regresa de la guerra, a recomponer una familia que no tiene.
Sin juzgar causas pasadas, pero remarcando viejos amores y sentimientos encontrados con la muerte de sus familiares más cercanos, Ford pone en tela de juicio el papel de la colonización del Oeste.
Lo maravilloso del cuestionamiento, es que en todo momento no dejamos de estar con Ethan, pese a ser una ser deleznable, irascible, racista y conservador.
En la autenticidad del mundo fordiano, los "tiempos muertos" cobran una auténtica consecuencia poética, que nunca están desarraigados del leit motiv de conflicto.
Aquí hay varios momentos que perduran, aunque el grueso de la película se sostiene por la hermosa banda musical de Max Steiner, la deslumbrante fotografía en Panavisión de Winton C.Hoch, y los inolvidables roles que interpretaron : John Wayne, Jeffrey Hunter, Vera Miles, Natalie Wood, Henry Brandon y sus eternos secundarios : Ward Bond, John Qualen, Harry Carey Jr., Hank Worden y Mae Marsh.

10) "Cantando Bajo la Lluvia" ( 1952) de Stanley Donen.

Escena icónica del musical de la MGM.

El cine recreándose con su pasado, en la transición del mudo al sonido.

El mejor musical de la historia del cine producida por Arthur Freed, "Singin" in the rain", es también la consolidación del prestigio de su director y su actor, cantante y bailarín.
Un relato acerca de las postrimerías del cine parlante, justo en los otoñales tiempos del mudo, remontándose al propio y mitológico Hollywood.
Don Lockwood ( Gene Kelly ), es la estrella que intenta preservar su imagen y su carisma con el advenimiento del sonido.
Lina Lamont ( Jean Hagen ), su "partenaire", una actriz ambiciosa, ególatra y cruel.
Su contraparte, es la ingenua y preciosa Kathy ( Debbie Reynolds ), que sueña algún día, con llegar a ser una estrella famosa de la pantalla grande.
Los tres personajes entrelazados con Donald O"Connor, que hace de un amigo entusiasta e ingenioso, dispuesto a salvar cualquier película por complicado que ello sea.
Resulta majadero destacar la ironía con que Donen atiborra las escenas, un humor sarcástico sobre lo que le aconteció a buena parte del mundillo de Hollywood con la irrupción del sonido. Aunque también hay una mirada crítica al estrellato, a la frigidez de las producciones en cadena, y a los excesos oligárquicos del viejo sistema de las majors.
Sin duda, su encanto estriba en la correcta dosificación de comedia musical, humor, drama romántico, retrato autosuficiente sobre los avatares de una filmación y del cine dentro del cine. Aunque su fortaleza mayor está, en la perfecta simbiosis que existe entre el relato, los números musicales a propósito de viejos éxitos del cine; y lógicamente, la colorística ejemplificación de un mundo idealizado donde están prohibidos el sufrimiento, la pobreza, la derrota y el dolor.

11) "Fellini : Ocho y Medio" ( 1963) de Federico Fellini.

En el set, Fellini y su equipo rodando una escena.

Por su originalidad, su extraordinaria capacidad de transmitir la crisis de creatividad de un director ( el propio Fellini ), sus fantasmas y sus obsesiones, esta película debiera aparecer siempre en la lista de las mejores de la historia.
En su momento, fue calificada por algunos como una verdadera excentricidad, una obra hecha por un megalómano, demasiado preocupado por preservar su nombre en el universo de las películas. Todo lo que fluye en ella, es puro Fellini.
El director italiano mandó a construír una nave espacial como materia simbólica de una secuencia antológica, y la prensa divagó, creyendo que el cineasta estaba rodando una película de ciencia ficción.
Se trata de una innovadora obra, que significó un adelanto en cuanto su temática de fondo, ya que escudriña en los propios meandros del acto creativo. Una expositiva aventura que tiene mucho de psicológica, metafísica, existencialista, artística y surrealista.
Las angustias y las sensaciones fellinianas, se cruzan con los recuerdos de la infancia y la juventud del artista, mientras desfilan situaciones relativas, al espíritu después de la muerte, el miedo y la castración, los obstáculos del proceso de envejecer, las fobias y las ansiedades más íntimas.
Una cinta para constatar las divagaciones existenciales del hombre enfrentado al destino, y en última instancia, la compleja relación que existe entre el arte y el artista.

12) "Intolerancia" ( 1916) de David Wak Griffith.

El monumental decorado que recrea Babilonia.

A pocas obras se les debe tanto, como a esta película pionera de la narrativa cinematográfica.
Ya no sólo es una pieza significativa de la primera era del cine silente, sino que se trata de una notable obra fundacional de los recursos expresivos del cine, capaz de yuxtaponer cuatro narraciones ambientadas en diferentes períodos de la historia humana, con unos significativos recursos técnicos-estéticos, sólo atendibles a un genio como Griffith.
En efecto, la Vida y Pasión de Jesucristo; la masacre de la noche de San Bartolomé en la Francia medieval; la derrota de las tropas de Baltasar por los persas en Babilonia en el año 500 A.C. y la melodramática historia de un joven, condenado a muerte por un asesinato que no cometió y que es rescatado a último minuto por los esfuerzos denodados de su amada; cobran una trascendental significación al ser narradas de manera simultánea, y en paralelo.
Rodada a gran escala y con unos recursos extraordinariamente holgados, "Intolerancia" fue una cinta vanguardista para su época, atrevida en sus ambiciones intelectuales, y el reflejo más elevado de la sofisticada manera que tenía Griffith de entender el lenguaje del cine. Ciertamente, un monumento que influyó en cineastas de todo el mundo.

13) "Vértigo" ( 1958) de Alfred Hitchcock.

Kim Novak en su doble rol para el maestro del suspenso británico.

De todas las películas del maestro inglés, esta cinta es la más determinante de su filmografía, por sus logros en todos los ámbitos del conocimiento audiovisual.
Nada de lo que aparenta ser , "es", y por consiguiente el juego de la ilusión ( también atribuíble al cine ) subraya cada fotograma como si fuera un diamante en bruto.
James Stewart está inolvidable como el policía de San Francisco, tras los pasos de un fantasma, Kim Novak, sin sospechar que él es la carnada ideal de una trampa perfecta, armada para encubrir el asesinato de la verdadera esposa de un amigo.
Notable en su creación de atmósferas, en la significación de los colores, en la compostela de la ambigüedad de sus personajes, todo en "Vértigo" es truco y mentira.
Hay en esta aparente sutileza formal, un categórico triunfo de subjetivismo, que obliga al espectador a seguir el juego del obeso director, para sentirse trastocado, engañado, y en última instancia, aceptar los movimientos maestros del cineasta dentro de una trama que no da cabida para la verdad.
El amor demencial por una muerta, la desesperada instigación de un hombre por revivirla en una modelo exhuberante, la catarsis del engaño, las sutilezas del psicoanálisis trastocado por la cruda experiencia de las fobias, alcanzan en esta película insuperable, su grado de máximo esplendor y excelencia.

14) "Trilogía de Apu" :
"Pather Panchali" ( 1952-55)
"Aparajito" ( 1956) y
"Apur Sansar" ( 1958) de Satyajit Ray.

El pequeño Apu protagonista central de esta trilogía excepcional.

Ray y su niño protagonista, durante el rodaje de "Aparajito".

El cine hindú comenzó a darse a conocer entre nosotros, a partir de esta trilogía elaborada con el mínimo de recursos, y el máximo de inteligencia. Ray obtuvo el dinero para filmar la primera parte con su seguro de vida, y la colaboración de algunos amigos.
Fue John Huston que rodaba en la India, quien le instó a terminarla, pues se había quedado corto de fondos en medio del rodaje. El gobierno bengalí le compró los derechos a Ray por 200.000 rupias, y así pudo completar su primera experiencia tras las cámaras.
Inscrita en el Festival de Cannes, y exhibida en privado en Londres, por una gestión de James Quinn, que era director del British Film Institute y miembro del jurado, ganó el primer premio, paso decisivo para su internacionalización.
Repasar las tres películas como un sólo conjunto, es un placer para dioses.
No sólo porque se apega a las reglas del neorrealismo, sino porque trasunta toda su cultura, en función de una épica de vida : la del pequeño Apu, desde sus primeros años infantiles hasta su madurez, casado y con un hijo problema.
Todavía se hace patente, la maravillosa fotografía de Subatra Mitra, que acentúa el pintorequismo de los paisajes hindúes, con un sentido de gran plasticidad y la notable música de Ravi Shankar.
También la autencidad de las actuaciones, la mayoría efectuada por actores no profesionales, que le otorgan un aliento casi documental a las situaciones desarrolladas con la mirada objetiva del gran Ray.

15) "Los 400 Golpes" ( 1959 ) de Francois Truffaut.

El incomprendido Antoine Doinel en clases.

Truffaut y su equipo rodando la secuencia final en la playa.

Una de las obras emblemáticas de la "nouvelle vague" francesa, que restableció el cine infantil a partir del sesgo autobiográfico y la mirada intimista.
Las desventuras del pequeño Antoine Doinel ( Jean.Pierre Léaud ) , castigado en el colegio e incomprendido en su casa, cobra una dimensión de aventura existencial pocas veces logrado con la pureza y transparencia de esta obra maestra.
Truffaut alimentó la actuación de Léaud, con sus propios recuerdos expiatorios, en una dimensión casi confesional. Su mayor acierto, es la emocionalidad que se desprende de cada situación narrada, evitando los clichés y diálogos melosos, para impulsar el significativo vagabundear de un chico que se rebela contra el sistema del mundo adulto.
Este acto de rebeldía es la propia emancipación, que Truffaut encabezó desde las "Cahiers du Cinema" para renovar las bases temáticas del cine de su país.
Irónicamente es una de las únicas obras que subsisten de la nueva ola, con la suficiente fuerza y modernidad como para permanecer vital y refrescante.

16) "Cuentos de Tokio" /"Viaje a Tokio"( 1953) de Yasujiro Ozu.

La desdicha de llegar a viejo, en un mundo que está cambiando abruptamente.

Del cine japonés, los nombres de : Teinosuke Kinugasa, Akira Kurosawa, Kaneto Shindo, y Yasujiro Ozu, debe aparecer indiscutiblemente entre los realizadores más trascendentales de Oriente. Ya no sólo porque han logrado transmitir temáticas realistas o míticas con la suficiente genialidad de los grandes maestros, sino porque, sencillamente han logrado abrir la obra y cultura niponas al conciente colectivo de Occidente.
Esta película del gran Ozu, debe ser un referente obligado para estudiar el desarrollo del cine nipón. El filme se ha descrito "como una pieza sobre el fin de la familia tradicional, que vincula ese cambio con la modernización".
Desde este punto de vista, los viejos y veteranos protagonistas ( una pareja de abuelos de Onomichi que decide visitar a sus hijos en Tokio ), aparecen como seres perdidos en la nueva sociedad, que no les da cobijo suficiente como para aceptarlos.
Ozu filma estos sentimientos desde la altura del loto, como una súplica, acentúando la intensidad y el desaliento de los viejos, contrastando la muerte con la vida que se origina en otros territorios, y omitiendo las escenas más dramáticas, para concentrarse en los momentos más lúdicos y triviales.
Es un cine concebido con la espiritualidad budista y la filosofía zen, aplicada a la transparencia de la observación y a la contemplación del espíritu humano.

17) "Lo Que el Viento se llevó" ( 1939) de Victor Fleming y otros.

Scarlett en Tara prometiéndose que no va a volver a pasar hambre.

El triunfo del cine de productor por sobre otras coordenadas, es esta colosalista épica norteamericana, ambientada durante la guerra de Secesión y con una figura femenina de armas tomar. En efecto, Scarlett O"Hara ( Vivien Leigh ), aparece como la epítome de la sargento Ripley en "Alien" y todas las heroínas posteriores del cine de acción.
Rebelde, antojadiza, codiciosa, corajuda, terca y valiente, Scarlett no reniega de sus propios encantos físicos, potenciándolos para salir adelante, pese a las habladurías del resto del mundo.
Sin duda que, este es uno de los atractivos de la cinta, en la que los hombres aparecen definitivamente como brutos, descarriados, débiles y cobardes.
"Rhett Butler, Ashley Wilkes y Gerarld O"Hara , pese a su aparente fortaleza, recorren un arco de prototipos masculinos cuya unidad esencial se define en pocas líneas : secundariedad en las decisiones, limitación de entendimiento y entrega al consuelo y la producción de las mujeres".
Aunque su mayor belleza, radica en la conjunción de profesionales, que permitieron dimensionar la obsesiva megalomanía del productor David O.Selznick , para convertir esta obra, en su pieza maestra y por la que será siempre recordado.

18) "Fresas Salvajes" ( 1957 ) de Ingmar Bergman.

Un viaje para descubrise así mismo.

Las fresas salvajes son el símbolo sueco de la llegada de la primavera. El filme surge de la propia existencia del director, a partir de un repentino deseo que tuvo de volver a casa de su abuela.
El relato se construye sobre la base de lo onírico, de las angustias de no ser escuchado por unos padres indiferentes, del abandono, del miedo a la muerte, del sosiego de la vejez.
En suma, es un cuadro auténticamente personal, que como gran parte de la obra bergmaniana, recorre con insistencia en las claves de su estado anímico interior.
La acción gira en torno a las 24 horas anteriores a la ceremonia de premiación, de un viejo científico, Isak Borg ( Victor Sjöstrom ), que sueña que se encuentra en una ciudad desconocida y abandonada.
En un viaje por automóvil con su nuera Marianne ( Ingrid Thulin ), admite que es un hombre lleno de ansiedades y actitudes algo deleznables, que lo ha alejado paulatinamente de su hijo Evald ( Gunnar Björnstrand ), retomando el camino de los recuerdos cuando pasan por el lugar, donde acostumbraban a pasar vacaciones familiares.
Nuevos viajeros y un pequeño accidente en la carretera, detonarán sueños culposos que le darán las claves de su propia soledad.
Reconocido por la crítica especializada como una de las obras más significativas de su director, es también el itinerario existencial sobre el absurdo de una vida desprovista de objetivos, que se debate en la obsesión de una comodidad nauseabunda y aburrida.

19) "Andrei Rublev" ( 1966 ) de Andrei Tarkovsky.

La construcción de la campana, uno de los grandes momentos de la épica.

Obra originalmente concebida en dos partes, épica en proporción y longitud, y biográfica si se considera, que gira en torno a la vida del monje pintor de íconos de la Rusia medieval.
Un proceso de rodaje lleno de accidentes, que casi termina con la película olvidada, precedió al reconocimiento posterior que tuvo, al exponer con gran sentido de la espectacularidad, "una época de enormes revueltas y conflictos - paganos contra cristianos, ricos contra pobres, viejos contra jóvenes -, y lo que es más significativo, también es una historia de opresión social y de la obligación moral del individuo de resistirse de ella".
Todavía sobrecogen sus imágenes, como : la orgía pagana, el viaje en globo, la invasión de los Tártaros y la construcción de una campana, y su arrolladora fuerza estriba, sin duda, en la atractiva consumación de sus imágenes.
Símbolos y metáforas, diálogos interesantes y personajes juiciosos, caracterizan esta obra irrepetible de la cinematografía rusa.

20) "El Gatopardo" ( 1963 ) de Luchino Visconti.

Mosaico con escenas de la película.

Adaptación de la novela homónima del príncipe de Lampedusa, sobre los inminentes cambios políticos y sociales del "Risorgimiento" italiano desde 1860 a 1862.
Resurreción del gran Burt Lancaster, en un papel inolvidable, encabezando a la familia Salina, que se tambalea en medio de los abruptos cambios internos del país.
La película es una tremenda alegoría a los vaivenes de una nación, pero sobretodo a la desintegración paulatina de una casta de nobles, condenados a la muerte.
El descomunal trabajo de producción, llevó a Visconti a reproducir con lujo de detalles, el boato y el esplendor de la aristocracia, sin descuidar los detalles en el vestuario, los muebles, las joyas, los escenarios y las costumbres.
Además, surtió de una espectacular colorización la estética de la película, captando los modismos, las actitudes y la cultura de una época pasada, con la riqueza de la fotografía de Giuseppe Rotunno en "Technirama" y la exquisita música del gran Nino Rota.

21) "Barry Lyndon" ( 1975) de Stanley Kubrick.

La opulencia y el refinamiento de los escenarios.

Masivas escenas de batallas.

Equívocamente la película más subvalorada de Kubrick. Se trata de una obra experimental que contiene algunas de las secuencias estéticas más hermosas de la historia del cine.
Adaptación de la obra de William Makeapeace Thackeray, cuenta las andanzas de un joven irlandés ( Ryan O "Neal ) que huye de su pueblo tras un duelo, para refugiarse en el ejército inglés, primero, ayudado por su tío, y después para las filas francesas, entremedio de amores furtivos, labores de espionaje, y el matrimonio con una viuda rica, hermosa y millonaria.
El filme está llena de aciertos y sensaciones a flor de piel. Una estupenda fotografía de John Alcott ( es muy conocido el hecho, que Kubrick mandó a construír objetivos especiales para fotografiar escenas iluminadas con velas encendidas ), la maravillosa música que incluye sonidos del folclore irlandés, los tremendos detalles en el diseño de producción, vestuario y armas; y un elenco que funcionó adecuadamente a los fines históricos que se quería evocar.
Ciertamente, se trata de la película más emotiva y romántica de Kubrick, que todavía logra eclipsar la siniestra ambigüedad del personaje central, capaz de humillarse por amor al dinero, la posición y el lujo. Una obra maestra absoluta.

22) "King Kong" ( 1933) de Merian C.Cooper y Ernest B. Schoedsack.

El Rey Kong haciendo de las suyas en su isla nativa.

La película más innovadora en cuanto a imaginería y efectos especiales de principios del sonoro, fue ésta maravilla de la RKO Pictures, donde se lucen las animaciones en stop motion de Willis O "Brien. Nunca antes hubo un relato máds vigoroso y fantástico que captara la esencia del cuento maravilloso.
Se construyeron grandes sets para las escenas en la Isla de la Calavera, y James Ashemore Creelman, un veterano escritor, sustituyó al fallecido Edgar Wallace, en la confección definitiva del guión que, una vez terminado, fue revisado y pulido sobre la marcha por Ruth Rose, la esposa de Schoedsack.
Gran aporte para lograr el realismo requerido fue la banda sonora. Murray Spivak , un especialista en el rubro, grabó rugidos de diversas fieras salvajes del zoológico para dotar a King Kong de un complemento sonoro a su altura y colosalismo. Además, el mismo profesional debió gruñir frente al megáfono, para lograr conseguir la sensación satisfactoria del gorila, cuando se encuentra con la rubicunda heroína.
Respecto a los actores, Robert Armstrong y Fay Wray, fueron elegidos casi simultáneamente para desempeñar los roles de la pareja protagónica. El tercer personaje del relato, el marinero que enamora a la chica, le fue ofrecido a Joel McCrea que se mostró demasiado exigente con las escenas de riesgo y fue sustituído por el debutante Bruce Cabot, más tarde secundario de westerns y filmes de acción.
Después de dos años de preparación y un año de rodaje, el filme fue estrenado con gran éxito en el Radio City Music Hall y el New Roxy, rompiendo los malos augurios de la crisis económica, ya que el público abarrotó las plateas, convirtiendo al Rey Kong en la primera gran celebridad de la historia del cine, que no es un actor de carne y hueso.

23) "Rashomon" ( 1950) de Akira Kurosawa.

Toshiro Mifune y Machiko Kyo, protagonistas estelares del filme.

Otro filme modélico para la narrativa cinematográfica, pues cuenta cuatro descripciones de un crimen, desde diferentes puntos de vista, utilizando el "flash back" como recurso dramático.
El filme internacionalizó el apellido Kurosawa y fue la ventana por la que ingresó todo el cine japonés posterior y anterior, con una sofisticada utilización de las cámaras, y una expresionista iluminación.
Es una pesadilla que escudriña en la insalvable posibilidad de perdón, que juzga acorde a los hechos y pruebas, aunque todo ello, es siempre puesto en entredicho.
Este juego con la conciencia del objetivismo, amplía las fronteras del relato, pues le da la posibilidad al espectador, de sacar sus propias conclusiones, denostando la narración tradicional.
Cada uno de los personajes aparecidos, incluyendo los interpretados por : Toshiro Mifune, Machiko Kyo, Takashi Shimura y Masayuki Mori, aparecen desdibujados por Kurosawa, porque la mayoría cuenta un orden de acontecimientos, según sus propios intereses.
Sin embargo, el director engarza un optimismo elocuente, simbolizado en el encuentro con un bebé, lo que permite que la humanización aparezca en medio de la tragedia.
El tema de la verdad como realidad subjetiva y la obsecación por el sentido de la búsqueda de esclarecimiento en medio del caos y la ansiedad, cobran aquí sus basas superiores.

24) "El demonio de las armas" ( 1949 ) de Joseph H.Lewis.

La pareja maldita del relato, rapidos con el gatillo, el sexo y la vida.

De todo el cine B norteamericano que se desarrolló en el período del "star system", este thriller endiablado y modélico, debe figurar por sí solo, entre los más perfectos.
No sólo hay un dibujo profundo de dos almas gemelas en crisis de emocionalidad, diálogos brillantes y un sentido de ritmo estupendo, sino una metáfora desquiciada sobre la rebeldía en la posguerra.
Pocas heroínas como Peggy Cummings, podían meterse en la piel de esta pistolera de circo, que utiliza el revólver como si fuera un falo, y remarca la connotación sexual de los textos, con una irónica inocencia.
A su lado, John Dall condenado a la fuga permanente por el placer del riesgo, y su amor obsesivo por las armas.
El relato parte en la infancia del protagonista masculino, en una intrigante introducción narrativa, que tiene todo lo pródiga de una pesadilla infantil encubierta, y la plasmación de un destino insalvable.
Después la relación con la chica de sus sueños, que disfruta arriesgando la vida, y lo convida a disparar a quemarropa con la sabiduría de una serpiente cascabel.
La acción no da tregua al espectador, y el montaje acelera en los momentos menos pensados, con la implicancia de un espectador cautivo por la novedosa historia, que inspirara, a "Bonnie & Clyde".
Se agradece la utilización de escenarios auténticos, el realismo abrasador en los ataques a malsalva, pero sobretodo la imbricación de una pareja maldita condenada a la muerte, que disfruta de los límites, compartiendo el sexo, el amor por las balas y el riesgo. Notable.

25) "La Novia de Frankenstein" ( 1935 ) de James Whale.

La pareja aparentemente perfecta. Sin embargo, el macho es rechazado por la hembra.

La película de terror de "Universal", que es también una secuela, más valorada por sus logros estético-narrativos.
En esta continuación a su mítica "Frankenstein", sobre la novela de Mary Shelley, extrapola los personajes del cuento gótico, a una introducción donde la propia Mary Shelley participa con Lord Byron y su hermano, en el nacimiento de su prorrogación mitológica.
Elsa Lanchester interpreta ambos papeles, y fustiga el código Hays con un maquillaje faraónico graznando como cisne en el momento de su alumbramiento como personaje.
El humor negro in extremis, cobra en el Doctor Pretonious un valor agregado, que potencia el sarcasmo y la ironía de Whale a su propio mundo ambigüo lleno de limitaciones.
Además, logra extender "las ramificaciones del mito : le da la nutriente del sexo, lleva la discusión hacia terrenos filósoficos e introduce a Pretonius, sobre cuya herencia, tres décadas después, Peter Cushing amplificaría al creador del monstruo".
Pero hay más. Unos escenarios barrocos deudores del mejor expresionismo germano, un ritmo enfebrecido y una abierta prédica acerca del desquiciamiento de un cerebro, adelántandose a la Segunda Guerra Mundial y al propio nazismo.
Inolvidable las actuaciones de : Elsa Lanchester, Colin Clive, Ernest Thesinger y Boris Karloff, cuyo apellido ya era sinónimo del "hombre de las mil caras".

Las 10 Mejores Películas del Año.

Según la prestigiosa revista francesa "Cahiers du Cinema", estas son las diez películas más importantes exhibidas este año.

"La Vida de Adele" .

La producción de Hong Sang-Soo catalogada entre las mejores de este año.

1) El desconocido del lago" ("L"inconnu du lac", Francia ) de Alain Guiraude.
2)"Spring Beakers" ( USA ) de Harmony Korine.
3)"La Vida de Adele" ( "La Vie d"Adele" Francia ) de Abdellatif Kochiche.
4)"Gravity" ( USA ) de Alfonso Cuarón.
5)"Un toque de violencia" ("As touch of sin", China ) de Jia Zhang-Ke.
6)"Lincoln" ( USA ) de Steven Spielberg.
7)"La Jalousie" ( Francia ) de Phillippe Garrel.
8)"Haewon et les hommes" de Hong Sang-Soo.
9)"You and the Night" ("Les Reencontres d"apres minuit" , Francia ) de Yann González.
10)"La Bataille de Solferino" de Justine Triet.

Fotos-Gentileza : 20th.Century Fox - MGM - Paramount Pictures - Schochiku Production - RKO Pictures - United Artist - Les Films du Carrosse y S.E.D.I.F. - Variety - The New York Times - Los Angeles Times - Cinemanía - Cahiers du Cinema.-